La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.

Rama Robles participó de una extensa entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante la charla, el joven emprendedor analizó el fenómeno de Lunático, un proyecto que trascendió su formato original de ciclo musical para convertirse en una productora integral de eventos. Según explicó el protagonista, el crecimiento fue constante desde aquel inicio el 30 de junio del 2024, cumpliendo recientemente dos años de actividad ininterrumpida.

La propuesta comenzó con fechas fijas de los viernes en el Hípico, pero rápidamente se expandió hacia otros horizontes. "Empezó como la idea de un ciclo fijo y después, con el tiempo, se empezó a volver algo más seguido", relató Robles. El éxito de estas primeras convocatorias permitió la creación de festivales específicos, como el Festival Indie y el Festival Pibas, además de comenzar a producir eventos para otros artistas que buscaban el sello de calidad de la organización.

Robles remarcó que la profesionalización del espacio llevó a formalizar el hecho de ser una productora. En este sentido, destacó la reciente experiencia en Glow y Gluck, además de la incursión en nuevos escenarios como Harrys. "Tratamos de diferenciar cuando es un Lunático, que es un festival nuestro, o un evento que producimos para otra persona", aclaró durante la entrevista, subrayando la versatilidad alcanzada por el equipo de trabajo.

Uno de los pilares del éxito de esta iniciativa fue la curaduría artística, que busca amalgamar la frescura de las bandas jóvenes con la experiencia de los grupos consagrados. Robles señaló que esta mezcla "reaviva la llama de lo que es un recital". Mencionó casos como el de “Nos Miran Raro” o las bandas de la ciudad de La Plata que aportan una energía diferente a la escena tandilense. "El público de Lunático banca la propuesta y va a ver con qué se va a encontrar", afirmó con satisfacción.

El productor reconoció que el camino no estuvo exento de dificultades y aprendizajes sobre la marcha. Recordó momentos complejos, como las complicaciones climáticas en eventos al aire libre, pero destacó que esas experiencias sirvieron para fortalecer el proyecto. "Uno va corrigiendo sobre la marcha; hemos tenido miles de errores y correcciones", admitió, aunque prefirió enfocarse en los logros alcanzados, como el montaje de predios de gran envergadura en Mar del Plata.

Un aspecto fundamental que Robles resaltó fue el vínculo con las bandas locales. La productora se transformó en un espacio de visibilidad para artistas jóvenes como Pedro Moreno o las chicas de Odisea. Para muchos de ellos, participar de un evento bajo este sello representó su primera experiencia profesional en escenarios de mayor escala. "Me gusta mucho el hecho de que se haya generado un público que va a ver qué hay de nuevo", comentó el entrevistado sobre el recambio generacional.

En esa misma línea, el productor subrayó la importancia de las "sessions" grabadas, que permiten a las bandas contar con material audiovisual de alta calidad. Mencionó el caso de los chicos de NanoSe, quienes realizaron su primera grabación con la productora. Para Robles, este acompañamiento es una forma de retribuir a la escena musical el apoyo recibido durante este tiempo, generando un círculo virtuoso de producción y difusión cultural.

La relación con otros actores de la ciudad, como los programas de streaming Cultura Zip o Cokucha, también fue mencionada como parte esencial del entramado cultural que sostiene a Lunático. Robles definió esta colaboración como recíproca y necesaria para mantener la vigencia de las propuestas. Según su visión, la clave reside en no especular con el clima ni con los resultados, sino en apostar por la calidad técnica y musical en cada fecha programada.

De cara al futuro inmediato, el productor adelantó la fecha del 16 de mayo en Porch, que tendrá un foco especial en la cumbia colombiana. Ese día se presentará La Baruyera, que grabará su primer recital en vivo, junto a la banda Elsason. "Va a ser una noche espectacular, tempranero, de 21 a 00", precisó Robles, invitando a los seguidores del género a una propuesta que promete ritmo y color en un ambiente cuidado.

Finalmente, el músico se refirió al presente de su banda, Mamelooks. Reveló que están próximos a lanzar un nuevo EP titulado "Barco Fantasma", compuesto por cuatro canciones, tres de las cuales ya fueron grabadas. Además, anunció el estreno de una nueva sesión audiovisual que estará disponible en el canal de YouTube de Lunático. A pesar de su intensa labor como productor, Robles aseguró que mantiene su compromiso con la creación musical y el desarrollo de su propia carrera artística.

El surgimiento de nuevos proyectos artísticos en la ciudad continúa demostrando que la creatividad local no se detiene. Durante una reciente emisión de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, Betania Aramburu y Abigail Rodríguez, piezas fundamentales de la banda Odisea, compartieron los pormenores de un camino que comenzó hace poco más de un año y que ya las posiciona como una de las propuestas más frescas de la escena tandilense.

El proyecto nació oficialmente en septiembre de 2024, impulsado por una inquietud personal de Aramburu. La vocalista, oriunda de la localidad de Laprida pero radicada en Tandil, recordó que su intención inicial fue conformar una banda de covers de El Kuelgue. Sin embargo, la química entre los músicos y la diversidad de influencias transformaron rápidamente ese objetivo primario. "Canto desde que tengo uso de razón, pero siempre lo hice de forma casera. Un día decidí que quería armar algo y empecé a buscar gente por redes sociales", relató la cantante durante el ciclo de streaming.

La conformación de Odisea se caracteriza por una amalgama de estilos que van desde el rock pesado hasta el indie contemporáneo. Abigail Rodríguez, quien se desempeña como bajista, fue una de las primeras en sumarse a la formación estable. Su incorporación aportó una cuota de potencia particular, dado que su trayectoria previa estaba ligada al metal y al rock pesado. "Vengo de un palo completamente distinto, pero me enamoré de los sonidos más tranquilos e indie que proponía Betania. Dije que sí a todo y ahora estoy totalmente comprometida con este sonido", confesó la instrumentista.

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Junto a ellas, la banda se completa con Brian Fuentes en guitarra y Pedro Moreno en teclados, mientras que Lautaro Villalba oficia como guitarrista. Esta estructura les permitió ensayar con regularidad, sorteando los obstáculos lógicos de las obligaciones diarias. Mientras Aramburu se desempeña como docente de educación inicial y niñera, Rodríguez trabaja en la atención al público, una dinámica que las obliga a una organización milimétrica para coordinar los encuentros semanales en la sala de ensayo.

La gestión interna del grupo recae en gran medida sobre la vocalista, quien implementó un sistema de planillas para optimizar el tiempo. "Les pedí a todos sus horarios disponibles y armé una estructura para saber cuándo podemos ensayar sin excepciones. El compromiso es fundamental, sobre todo cuando uno empieza a proyectar un crecimiento profesional", explicó Aramburu. Esa disciplina fue la que les permitió pasar de las versiones de otros artistas a la creación de sus propias composiciones, un paso que definieron como natural pero necesario.

Aunque el repertorio de Odisea incluyó inicialmente reversiones de Marilina Bertoldi, Los Espíritus y El Kuelgue, las músicos destacaron que su estilo se diferencia por la energía y la velocidad que imprimen a cada pieza. "Nos dijeron que tocamos todo mucho más rápido de lo normal. Es algo que nos sale orgánicamente", señalaron. Esa impronta se trasladó a sus dos primeros temas originales: "Nada más" y "Al revés", canciones que surgieron de improvisaciones durante los ensayos y que ya forman parte del núcleo de sus presentaciones en vivo.

La composición de "Nada más", su primera creación, nació de un proceso espontáneo. Betania detalló que suele trabajar sobre bases rítmicas que encuentra en internet para luego volcar letras basadas en vivencias personales. Al presentar estas ideas al resto del grupo, los instrumentos terminan de dar forma a la identidad de Odisea. Esta transición hacia el material propio es uno de los pilares de su proyecto para el presente año, que incluye la meta de ingresar próximamente a un estudio de grabación para registrar su obra.

El crecimiento de la banda también se apoya en el trabajo de productores locales que apuestan por la renovación de la cartelera cultural. En este sentido, las invitadas destacaron la labor de Rama Robles y el espacio Lunático, quienes brindan oportunidades a las formaciones que recién comienzan. Para las integrantes de Odisea, el acompañamiento de estos actores es vital en un contexto donde la autogestión requiere de un esfuerzo económico y logístico considerable para garantizar un sonido de calidad en cada show.

Uno de los puntos centrales de la charla en El Eco Streaming fue el análisis de la infraestructura cultural de Tandil. A pesar de la proliferación de bandas jóvenes con un alto nivel técnico, las artistas advirtieron sobre la falta de lugares adecuados para tocar. "Hay muchísima movida y pibes muy jóvenes que tocan increíble, pero faltan espacios que permitan hacer un show grande sin que los costos se vuelvan imposibles", sostuvieron. Esta problemática, histórica en la ciudad, obliga a los músicos a recurrir a la creatividad y a la unión entre pares.

Durante la entrevista, se planteó la existencia de una suerte de desconexión entre las bandas consagradas de la ciudad y las nuevas camadas. Betania y Abigail mencionaron que, en ocasiones, los músicos con más trayectoria no suelen frecuentar los circuitos donde se presentan los artistas emergentes. 

Sin embargo, celebraron la sinergia que existe entre los grupos de su misma generación, como Under Control y Ruido Blanco, con quienes comparten fechas y colaboraciones. Esta red de contención permite que los proyectos se sostengan y crezcan de manera conjunta, compartiendo desde instrumentos hasta consejos técnicos. "La nueva camada viene mucho más sinérgica, nos invitamos a tocar, nos ayudamos con los equipos y eso hace que la movida no se caiga", resaltaron las jóvenes.

De cara al futuro inmediato, Odisea tiene una agenda cargada de presentaciones. El próximo viernes 24 de mayo se presentarán en el Harris, ubicado en Maipú e Independencia, a partir de las 21. El evento contará con entrada libre y gratuita, y compartirán escenario con Under Control y Ruido Blanco. Asimismo, adelantaron que el 6 de junio realizarán su primer show propio con una lista de temas extendida e invitados especiales.

La industria del entretenimiento vuelve a poner sus ojos en uno de los casos más estremecedores de la crónica negra argentina. Este 23 de abril, la plataforma Netflix suma a su catálogo "Yiya Murano, muerte a la hora del té", una película documental que se propone desandar la compleja trama de traición y muerte que protagonizó la mujer conocida como "la envenenadora de Monserrat". En este contexto de visibilidad internacional, la noticia cobra una relevancia especial para nuestra ciudad, ya que el actor tandilense Benjamín Bruni forma parte del elenco principal de la obra.

El film recorre la oscura historia de los envenenamientos cometidos a finales de los años setenta, una época en la que la sociedad argentina se vio sacudida por una serie de muertes que, inicialmente, parecían no tener conexión alguna. La producción detalla cómo se utilizaron los encuentros sociales y la hora del té para ocultar estafas económicas, transformando un ritual cotidiano en una trampa mortal. Este caso se convirtió, con el paso de las décadas, en un hito policial ineludible de nuestra cultura popular, analizado tanto por la criminología como por la sociología.

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La participación de Benjamín Bruni en este proyecto representa un paso significativo en su carrera profesional. El actor local interpreta el papel de Horacio Romeo, el perito que intervino de manera crucial en la causa judicial. Su labor en la pantalla permite reconstruir la mirada técnica y científica que fue necesaria para desentramar los crímenes de Murano, aportando una cuota de realismo y rigor histórico a la narrativa documental que propone la plataforma.

Para la comunidad de Tandil, el apellido Bruni es sinónimo de cultura y comunicación. "Benshi", como es conocido afectuosamente en su círculo cercano, continúa con el legado de una familia profundamente ligada al quehacer artístico de la ciudad. Es nieto del actor y comunicador "Petete" Bruni, cuya huella en los escenarios y medios locales permanece vigente. Esta proyección internacional de Benjamín no solo es un logro personal, sino también un reconocimiento al semillero de talentos que históricamente ha caracterizado a nuestra región.

Antes de su desembarco masivo en el servicio de streaming, la producción tuvo un paso destacado por el circuito de festivales. El actor recientemente celebró el preestreno de la obra en el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), uno de los eventos cinematográficos más prestigiosos de América Latina. Allí, la crítica y el público pudieron tener un primer acercamiento a esta reconstrucción que combina material de archivo con recreaciones ficcionalizadas de alta calidad técnica.

La llegada de esta historia a Netflix garantiza una audiencia global para un relato que, aunque profundamente argentino, toca fibras universales como la ambición, el engaño y la búsqueda de justicia. Es un motivo de orgullo para Tandil ver cómo sus artistas logran insertarse en producciones de esta envergadura, recreando un caso que, cuatro décadas después, sigue generando fascinación y horror por igual en el imaginario colectivo.

El documental no solo se centra en los hechos delictivos, sino que también analiza el fenómeno mediático en el que se convirtió la figura de Yiya Murano. A través de la interpretación de figuras como Benjamín Bruni, la obra logra capturar la atmósfera de una época y la complejidad de una investigación que desafió a los peritos de aquel entonces. La figura de Horacio Romeo, encarnada por el tandilense, resulta fundamental para entender cómo se logró probar científicamente lo que en su momento parecía una sospecha imposible de confirmar.

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Con este estreno, la ciudad suma un nuevo nombre a la lista de embajadores culturales que llevan el talento local a las plataformas más importantes del mundo. La historia de la mujer que sacudió a la Argentina de finales de los 70 encuentra ahora una nueva forma de ser contada, con el sello de calidad de las grandes producciones internacionales y la presencia de un actor que lleva el ADN artístico de Tandil en su interpretación.

La cinematografía se convirtió, una vez más, en el canal predilecto para procesar una tragedia que marcó a fuego la historia reciente de la Patagonia argentina. Mei Villagra, directora de cine que forjó su camino profesional en Mar del Plata, estrenará una pieza audiovisual que trascendió la mera crónica de un desastre ambiental. El proyecto nació desde las cenizas, literalmente, luego de que el incendio del 9 de marzo de 2021 en Golondrinas, Chubut, destruyera más de 250 viviendas, entre ellas la casa donde la madre de la realizadora residió durante los últimos 11 años.

La directora recordó que, al momento de iniciarse el fuego, ella se encontraba lejos del lugar de los hechos. Tras haber finalizado sus estudios secundarios, se trasladó a Mar del Plata para estudiar cine y fotografía, por lo que la noticia del desastre la alcanzó a la distancia. Aquella impotencia inicial de no poder estar presente para combatir las llamas se transformó, con el tiempo, en el impulso creativo necesario para documentar la resiliencia de toda una comunidad. Según relató Villagra, la película fue una forma de canalizar la bronca y, al mismo tiempo, de procesar internamente el impacto de lo sucedido.

El documental puso el foco en un evento específico: el incendio que consumió alrededor de 13 mil hectáreas de bosque nativo. La precisión del relato se sostuvo en testimonios desgarradores de quienes enfrentaron el frente de fuego. Entre las historias que integraron la obra, se destacó la de una mujer que permaneció atrapada por las llamas junto a sus dos hijos, de ocho y diez años, durante casi cuatro horas. Villagra señaló que para los protagonistas fue sumamente difícil recuperar la tranquilidad, ya que el trauma se reavivó con cada llegada del verano y la presencia de vientos intensos.

Otro de los testimonios clave del film pertenece a un brigadista que, mientras cumplía con su deber de intentar salvar las viviendas de sus vecinos, recibió la noticia de que su propia casa había sido consumida por el fuego. Esta dualidad entre el deber público y la pérdida privada atravesó todo el metraje, mostrando que el impacto de los incendios no se limitó a la superficie forestal quemada, sino que caló hondo en la estructura social de la región. La directora resaltó que, aunque la película presentó seis o siete historias centrales, estas representaron a las cientos de personas que vivieron el horror de cerca.

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La narrativa de "Abrazando la Patagonia" planteó una pregunta fundamental que guio toda la investigación: "¿Qué nos queda cuando perdemos todo?". Para Villagra, la respuesta no se halló en los objetos materiales, sino en los vínculos humanos. La cineasta observó que la reconstrucción de las vidas de los afectados hubiese sido imposible sin la enorme red de solidaridad que se gestó de forma espontánea. No solo se trató de la llegada de donaciones materiales, sino de una contención emocional que resultó vital para que las familias pudieran volver a empezar.

La experiencia personal de la directora también se vio reflejada en la dinámica de su propia familia. Villagra, quien forma parte de un grupo de seis hermanos, describió cómo se organizaron para asistir a su madre tras la pérdida total de su vivienda. Mientras algunos de sus hermanos viajaron directamente a la Patagonia para colaborar en las tareas de reconstrucción, ella y su hermana mayor permanecieron en Mar del Plata gestionando colectas y enviando camiones con donaciones.

El proceso de reconstrucción habitacional fue particularmente complejo. Dos de los hermanos de la cineasta, uno de ellos dedicado a la construcción y otra arquitecta, pusieron sus conocimientos al servicio de la recuperación del hogar materno. Trabajaron sobre los módulos habitacionales que el Estado entregó de forma precaria, reforzándolos para que pudieran soportar el crudo clima patagónico. Villagra reflexionó sobre la dificultad de volver a llamar "hogar" a una estructura nueva, cuando el fuego se llevó consigo no solo muebles, sino gran parte de la identidad y la memoria acumulada en los objetos personales.

Pese al dolor y al miedo constante que generaron las condiciones climáticas de cada temporada estival, la madre de la directora decidió permanecer en su lugar en el mundo. La realizadora explicó que su progenitora eligió la Patagonia a los 50 años como su proyecto de vida, y que ese arraigo fue lo que le dio las fuerzas para quedarse y reconstruir su cotidiano en el mismo suelo que el fuego intentó arrebatarle.

Realizar "Abrazando la Patagonia" no fue una tarea sencilla ni rápida. La producción demandó cinco años de trabajo, un tiempo que excedió la fecha del incendio de 2021 debido a que la obra incluyó un proceso de preproducción y una postproducción minuciosa. La directora subrayó que se trató de un cine completamente independiente, llevado adelante con el apoyo de amigos y familiares. En este sentido, destacó el rol de las mujeres y disidencias que formaron parte de su equipo técnico, quienes se sumaron al proyecto por "amor al cine y por la necesidad de contar esta historia".

Para financiar las etapas finales, como el montaje, el equipo debió recurrir a la organización de eventos culturales, muestras fotográficas y presentaciones de bandas en vivo. Villagra reconoció que, en el contexto actual del cine argentino, el desafío fue doble: por un lado, la carga emocional de tratar un tema tan sensible y personal; por otro, la falta de financiamiento oficial que obligó a buscar alternativas creativas para concluir el film. La cineasta sostuvo que, con un apoyo mínimo, el camino hubiese sido menos arduo, pero que el resultado final mantuvo la pureza de la autogestión.

La recepción del documental fue muy emotiva en las presentaciones previas, especialmente en la localidad de El Hoyo, donde asistieron las personas que brindaron su testimonio para la película. Villagra confesó haber sentido una gran responsabilidad al proyectar las imágenes frente a quienes vivieron el trauma. "Fue muy fuerte para ellos verse de nuevo y recordar todo lo que pasaron, pero el agradecimiento fue enorme", concluyó la directora, quien ahora acerca su obra a los espectadores de Tandil para visibilizar una problemática que, lamentablemente, se repite cada verano en distintos puntos del país.

En un gesto que buscó estrechar lazos con la comunidad, el barbero Mauri Diaz lanzó una iniciativa solidaria en su comercio ubicado en San Lorenzo 929. La propuesta consiste en ofrecer cortes de cabello gratuitos para todas aquellas personas que no cuentan con los medios económicos para abonar el servicio. El profesional, que se radicó en la ciudad hace dos años, explicó que su principal motivación fue devolverle a los tandilenses el trato y la calidez que recibió desde su llegada, facilitando el acceso a un servicio básico de estética e higiene.

Diaz recordó que esta no fue la primera vez que llevó adelante una acción de estas características. Antes de instalarse en las sierras, el joven peluquero desarrolló actividades similares en su ciudad natal, Necochea. En aquella localidad, trabajó de manera articulada con clubes de fútbol y diversos comedores comunitarios para acercar su oficio a los sectores más vulnerables. “La idea era que se acerquen ciertos comedores para el corte solidario. Que la gente que realmente no tiene los medios o no puede pagar pierda ese miedo”, relató el barbero en diálogo con este medio.

A pesar de que su comercio se encuentra en un sector céntrico, el profesional señaló que su intención es alcanzar a los vecinos de los barrios más periféricos. Según su visión, muchas veces las personas con necesidades urgentes no se animan a entrar a locales del centro por vergüenza o temor a ser rechazadas. Por este motivo, Diaz insistió en que su peluquería es un espacio de puertas abiertas donde lo primordial es la calidad humana y el respeto por el otro, independientemente de su capacidad de pago.

Originalmente, el plan del barbero era implementar esta movida solidaria antes del inicio del ciclo lectivo para ayudar a las familias con los gastos escolares. Sin embargo, reconoció que en aquel momento no contó con los canales de difusión necesarios para que el mensaje llegara a todos los interesados. “Por ahí no estoy en una zona muy periférica y eso hace que la gente de aquí tenga los medios para pagar, pero busco que la gente de las afueras también se acerque sin miedo”, explicó respecto a la ubicación estratégica de su local.

Para Mauricio, el ejercicio de su profesión va mucho más allá de una transacción comercial, ya que lo define como su gran pasión. En ese sentido, consideró que realizar algunos cortes sin cargo no le representa una pérdida significativa, sino una forma de retribución hacia la sociedad que lo eligió como comerciante. El peluquero se mostró convencido de que este tipo de gestos solidarios generan un círculo virtuoso que beneficia a toda la ciudad en el largo plazo.

En cuanto a la modalidad de trabajo, el dueño de la barbería aclaró que no maneja un sistema de turnos, sino que se rige por el estricto orden de llegada. Esta dinámica se aplica tanto para los clientes habituales como para aquellos que se acerquen por el corte solidario. Además detalló que el flujo de trabajo suele ser ágil y que, en general, los clientes no deben esperar más de 30 minutos para ser atendidos, lo que garantiza un servicio rápido y eficiente para todos por igual.

“Que vengan sin miedo y sin culpa, que les vamos a cortar gratis al que quiera”, enfatizó el peluquero, reforzando la invitación a quienes más lo necesitan. La propuesta buscó derribar las barreras invisibles que muchas veces impiden que las personas en situación de vulnerabilidad accedan a servicios que mejoran su autoestima y presentación personal. El barbero destacó que ver la satisfacción de un cliente luego de un cambio de imagen es uno de los aspectos más gratificantes de su día a día.

Desde que abrió las puertas de su negocio en Tandil, se sintió plenamente integrado a la vida local. El profesional manifestó su profundo agrado por la idiosincrasia de la ciudad y el recibimiento que tuvo su emprendimiento en estos dos años de actividad. “Los tandilenses son muy buenas personas, me he encontrado con gente muy cálida y me he hecho de buenos amigos”, comentó con entusiasmo sobre su experiencia en el medio local.

Finalmente, el titular de la barbería reafirmó su deseo de establecerse de forma definitiva en la ciudad y continuar con su proyecto profesional y solidario. Aseguró que Tandil es un lugar donde planea proyectar su futuro y que seguirá atento a las necesidades de la comunidad para colaborar desde su lugar de trabajo. Con la tijera y el peine como herramientas, Mauricio Diaz demostró que la solidaridad puede ejercerse desde cualquier rincón y que un pequeño gesto puede marcar una gran diferencia en la realidad de un vecino.

Puchasia se consolidó en la escena local como mucho más que una simple reunión de aficionados a los videojuegos. El proyecto, gestado por los socios y fundadores Maian Dalffaro y Gustavo "Tabo" Mansilla, surgió originalmente bajo el ala de una editorial independiente. El punto de partida fue un libro ilustrado, escrito por Dalffaro e ilustrado por Mansilla, que obtuvo el reconocimiento del Fondo Nacional de las Artes. Bajo el irónico título de "Puchos o 101 preguntas sobre la condición humana, tips y técnicas de inversión para pymes", la obra sentó las bases de una estética del absurdo que hoy impregna cada una de sus fiestas.

Aquel impulso inicial en el papel no tardó en expandirse hacia otras disciplinas artísticas. Antes de llegar a las consolas, la propuesta transitó por una muestra plástica en la Facultad de Arte de la Unicen y una pieza teatral en el Teatro de la Fábrica. Sin embargo, la transformación definitiva hacia el formato de evento nocturno ocurrió tras la inspiración de encuentros similares en Buenos Aires. "Dijimos: vamos a hacer esto en Tandil, no hay nada así acá", recordaron los organizadores, quienes comenzaron con reuniones pequeñas en un patio privado antes de dar el salto al circuito de los centros culturales.

La transición de Puchasia hacia el mundo del gaming se produjo de manera orgánica, impulsada por el deseo de los fundadores de compartir su colección personal de consolas en un ámbito social. Tras el éxito de las primeras experiencias domésticas en el barrio Villa Italia, la organización decidió profesionalizar la propuesta y trasladarla a Vértice, un espacio que permitió integrar una barra de bebidas y una logística más compleja. Según explicaron sus creadores, el objetivo primordial fue romper el hermetismo del nicho "geek" para ofrecer una experiencia abierta a todo el público tandilense.

El equipo de trabajo se amplió con el tiempo para cubrir las diversas aristas que demanda un evento de esta magnitud. Actualmente, la producción cuenta con la colaboración de Milena Varela, Ema Restivo y Candela Quesada en la ambientación y técnica. Además, la propuesta musical se convirtió en un pilar fundamental, contando con la participación de tres DJs: Princesa Border, Gitera y Juli. Esta combinación de disciplinas busca que el asistente no solo juegue, sino que disfrute de un entorno visual y sonoro cuidadosamente diseñado.

La identidad visual del evento también rinde homenaje a la cultura popular y musical. El nombre y el logotipo de la marca encuentran su origen en una referencia al álbum "Plantasia" de Mort Garson, un detalle que refuerza el carácter ecléctico del proyecto. "Si se preguntan a qué se refiere el logo, busquen Plantasia y se van a llevar una sorpresa hermosa", sugirió Mansilla, resaltando el vínculo constante entre sus raíces literarias y la estética actual.

Para esta cuarta edición, los organizadores destacaron la importancia de las alianzas locales para enriquecer la experiencia del usuario. En este sentido, concretaron una colaboración con El Ojo de Ugin, un café manga de la ciudad, que aportó los premios para los torneos. Asimismo, la incorporación de tecnología de impresión 3D, a cargo de colaboradores de Mar del Plata, permitió la creación de cartuchos personalizados de Family Game que funcionan como trofeos y objetos de colección para los ganadores de las competencias.

El despliegue técnico de Puchasia es una de sus mayores atracciones, ofreciendo un recorrido histórico por la industria del entretenimiento. La oferta incluye desde consolas clásicas como la PlayStation 1 y la Nintendo Genesis, hasta plataformas contemporáneas como la Nintendo Switch. Uno de los puntos más celebrados por el público es la presencia del mítico Family Game, equipado con el periférico "Duck Hunt" (la pistola de luz), y la PlayStation 2, que Mansilla calificó como la consola que marcó su infancia y "donde todo empezó".

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La autenticidad de la experiencia se apoya en el uso de televisores de tubo (CRT) para las consolas retro, respetando la frecuencia y la estética visual de los años noventa y principios de los dos mil. Los organizadores explicaron que cada generación de consolas cuenta con el monitor que le corresponde, desde pantallas de 14 pulgadas hasta televisores LCD para los sistemas más modernos como la PlayStation 4 y la Xbox 360 con Kinect. "Es un flash jugar con la pistola en una tele de tubo, es la luz original", comentaron con entusiasmo.

La grilla de juegos es variada y busca fomentar la competencia amistosa entre los asistentes. Entre los títulos más destacados se encuentran el Mortal Kombat, Mario Kart y Tetris Effect, además de los infaltables torneos. No obstante, la propuesta no se limita a lo digital; la organización incluyó opciones analógicas como mesas de Truco y el clásico Metegol, pensando en aquellos que prefieren un ritmo de juego diferente o simplemente desean compartir un vermut entre partidas.

Hacia el futuro, Maian y Tabo proyectan expandir la marca Puchasia más allá de las fronteras de Tandil. Entre los planes para el resto del año se encuentran posibles desembarcos en Necochea y Mar del Plata, así como la realización de ediciones temáticas centradas en juegos específicos como el Counter-Strike 1.6 o el Pro Evolution Soccer 6. Mientras tanto, la comunidad local sigue respondiendo con éxito: para la próxima cita en la ciudad, las entradas se encuentran virtualmente agotadas, reafirmando que la nostalgia y los videojuegos tienen un lugar privilegiado en la noche serrana.

La identidad de una marca no se construye de un día para el otro, sino a través de la coherencia y el vínculo con su comunidad. Bajo esa premisa, Buena Rola transitó más de doce años de historia en la ciudad, transformándose en mucho más que una simple etiqueta de indumentaria. Su creadora, Viqui Echezarreta, recordó cómo aquel proyecto que comenzó casi como un juego para vestir a sus hermanos y amigos terminó convirtiéndose en una identidad visual indisolublemente ligada a los paisajes y a la gente de Tandil.

La fundadora de la firma explicó que, desde el nacimiento de la marca, el objetivo principal fue generar un contenido que reflejara el entorno local. "Siempre trato de generar en todas las colecciones el contenido, tanto visual como audiovisual, con imágenes de Tandil, con modelos de la ciudad, mostrando lugares diferentes", señaló la diseñadora, quien destacó que en muchas ocasiones son los propios tandilenses quienes se sorprenden al descubrir rincones desconocidos a través de sus campañas. Este arraigo fue la piedra angular que permitió a Buena Rola diferenciarse en un mercado competitivo.

El proyecto dio sus primeros pasos en 2012, luego de que Viqui finalizara sus estudios en diseño de indumentaria. Por aquel entonces, la necesidad de crear prendas originales para su círculo íntimo fue el motor inicial. Con el tiempo, esa inquietud personal encontró un espacio de crecimiento en la escena cultural de la ciudad, especialmente vinculada a la música. La marca comenzó a ganar visibilidad en las previas de los shows que se realizaban en la ciudad, donde el público empezó a conectar con una propuesta que priorizaba la comodidad y la libertad.

Uno de los pilares que sostuvo el crecimiento de Buena Rola fue su estrecha relación con las bandas que llegaban a la ciudad. Viqui recordó que, tras la etapa de las ferias bajo el nombre de "Viqui", la marca adoptó su denominación definitiva inspirada en un capítulo de la serie animada Los Simpson. El término "rola", que en varios países de Latinoamérica hace referencia a una canción, sintetizó a la perfección la esencia del proyecto: una mezcla de buena onda y buena música.

"Sentíamos que abarcaba todo, porque rola es canción y era como buena onda, buena canción, y se relacionaba mucho a la producción", detalló la fundadora. Esa conexión no fue solo semántica, sino que se tradujo en una presencia constante en el ambiente de los recitales. La marca se convirtió en el vestuario predilecto para quienes buscaban una prenda distinta para asistir a un concierto, donde la morfología y los colores vibrantes permitían transmitir una energía diferente. De esta manera, el concepto de la firma se expandió orgánicamente entre músicos y seguidores de la escena local y regional.

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Con el correr de los años, Buena Rola dejó de ser una marca de nicho para alcanzar a un público diverso que rompe con las barreras generacionales. La diseñadora destacó que hoy cuenta con clientes de todas las edades, desde preadolescentes que no encuentran opciones en el mercado tradicional hasta personas mayores, incluyendo amigos de su padre y "señoras" que se sienten atraídas por las texturas y la calidad de los productos. Esta transversalidad es, según su mirada, uno de los mayores logros de la marca en su camino a la madurez.

Tras haber formado parte del recordado espacio Revolution Store en la calle San Martín, la marca decidió hace dos años apostar por un espacio exclusivo. La decisión de abrir el local en San Lorenzo 579 respondió a una necesidad del público que buscaba un punto de contacto directo con las prendas. "La gente me escribía para comprar ropa y estábamos solo con el taller y el estudio, no teníamos venta de showroom al público", explicó Viqui sobre el proceso que la llevó a inaugurar su actual casa.

El local se convirtió no solo en un punto de venta, sino en un estudio creativo donde conviven los procesos de diseño con la atención personalizada. Para la creadora, este espacio físico permite reafirmar el concepto de la marca en un entorno de naturaleza y cercanía, lejos del anonimato de las grandes ciudades. La apuesta por la calle San Lorenzo consolidó a Buena Rola como una parada obligatoria para quienes buscan diseño con sello local y una producción cuidada que escapa a las lógicas del consumo masivo.

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En la actualidad, el local mantiene un horario de atención extendido de lunes a viernes, de 9 a 13 y de 16.30 a 20.30, mientras que los sábados abre sus puertas de 10 a 13. A partir de la presente temporada, también se sumó la apertura por la tarde durante los fines de semana, buscando captar el flujo turístico y local que se intensifica en las zonas comerciales de la ciudad. Este crecimiento sostenido permitió a la firma mantener una estructura de producción a pulmón pero con estándares profesionales.

Mirando hacia el futuro inmediato, Buena Rola ya se encuentra trabajando en lo que será su colección de otoño-invierno. La diseñadora adelantó que el eje central de las nuevas piezas será el arte latinoamericano, con una fuerte impronta de la estética andina. "Lo van a ver en los dibujos, también muchas guardas. Todo lo que estoy haciendo en esta nueva cápsula es todo andino, incluyendo las camperas que la gente siempre busca y pide", reveló Vicky, entusiasmada por los nuevos colores y morfologías que llegarán a los percheros.

Mientras se termina de definir la nueva línea, la marca lanzó una gran liquidación de temporada con productos a precios muy competitivos. Se pueden encontrar buzos desde los 30.000 pesos y remeras a partir de los 20.000 pesos, una oportunidad pensada para que los clientes puedan acceder a prendas de diseño atemporal que no volverán a producirse. "Hay prendas que no volvemos a hacer, así que son productos súper regalados que ya son los últimos, es imperdible para aprovechar", señaló la responsable de la firma.

Con el respaldo de doce años de trayectoria y el reconocimiento de la comunidad serrana, Buena Rola se proyecta como una marca que sabe reinventarse sin perder su esencia. La combinación de arte, música y territorio sigue siendo la fórmula del éxito para un proyecto que nació en los talleres de la ciudad y hoy sueña con seguir llevando el diseño de Tandil a cada rincón del mundo. La invitación queda abierta para visitar el local de San Lorenzo 579 y descubrir por qué esta "buena rola" sigue sonando fuerte en el corazón de las sierras.

Después de casi una década sin presentarse en vivo, Fisión volvió a subirse a un escenario y lo hizo de la mejor manera: ante su gente, en una noche cargada de emoción, recuerdos y celebración. La banda, una de las más reconocidas de la historia reciente de la música tandilense y con proyección a nivel nacional, eligió La Incubadora del Arte para concretar un regreso largamente esperado por su público.

Durante los años de mayor actividad, Fisión logró trascender el ámbito local, con presentaciones en distintos puntos del país y apariciones en radios y canales de televisión. Ese recorrido dejó una huella que, lejos de borrarse con el paso del tiempo, pareció fortalecerse con la ausencia. El viernes por la noche quedó claro que la espera no fue en vano.

Minutos antes de las 23, con la sala colmada y una expectativa que se podía sentir en el aire, Agustín Román fue el primero en aparecer sobre el escenario. Las luces bajas, los murmullos del público y los primeros acordes marcaron el inicio de un show que sería tan intenso como emotivo. El estallido llegó de inmediato cuando sonó “Florencia”, una de las canciones más emblemáticas del grupo del albúm “Sacate las zapatillas”, que desató el grito unánime de los fanáticos y confirmó que la conexión seguía intacta.

Fisión está integrada por Juan Pablo Sparo, Nacho y Pepe Osa, Agustín Román y Juan Ignacio Gorostidi, impulsor de este regreso. Juntos ofrecieron un show de casi dos horas en el que repasaron buena parte de su repertorio, combinando clásicos infaltables con una puesta en escena cuidada y un sonido sólido, a la altura de la ocasión.

Lejos de limitarse a un ejercicio nostálgico, la banda mostró una versión madura y consolidada de sí misma. Cada canción pareció ocupar el lugar justo dentro del setlist, con momentos de explosión y otros de pausa, demostrando criterio, experiencia y una clara lectura del clima que se vivía en el lugar. La respuesta del público fue constante: nadie dejó de cantar, saltar o acompañar cada tema.

No todas las bandas logran ser profetas en su tierra, pero Fisión lo consiguió una vez más. Temas como “Ya lo oigo”, “Laport”, “A tus oídos” y “Gritar” fueron coreados de principio a fin por una audiencia que abarcó distintas generaciones, uniendo a quienes crecieron con esas canciones y a quienes las descubrieron con el paso de los años.

El recital dejó en claro que Fisión ocupa un lugar de privilegio dentro de la cultura musical de Tandil. Su popularidad, potenciada en su momento por el vínculo simbólico con La Torre de Tandil —en referencia a Juan Martín del Potro—, trascendió modas y contextos, consolidando a la banda como parte del ADN artístico de la ciudad.

Ahora queda la incógnita sobre lo que vendrá. ¿Fue este regreso un encuentro puntual, una manera de volver a compartir escenario y canciones, o el primer paso hacia una nueva etapa? La posibilidad de que este reencuentro marque el inicio de algo más grande de cara a 2026 ilusiona a sus seguidores.

Lo cierto es que Fisión volvió, y lo hizo dejando una señal clara: su música sigue vigente, su público está presente y su historia aún tiene capítulos por escribir. Para quienes no los conocen, sus canciones están disponibles en distintas plataformas. Para quienes los esperaron durante años, la noche del viernes fue la confirmación de que algunas bandas nunca se van del todo.

Con apenas dos años, el pequeño Felipe convirtió el paso del camión de la basura en el momento más esperado de su jornada, forjando un vínculo de respeto y afecto con los trabajadores de la Municipalidad de Tandil que trascendió el simple saludo desde la vereda.

Desde que tuvo uso de razón, feli manifestó una fascinación inusual por una de las tareas esenciales de la vida urbana. Mientras otros niños se distraían con dibujos animados, él permanecía atento al sonido del motor y al ajetreo de los trabajadores que, cada día, recorren las calles de la ciudad para mantener la higiene pública. Esta vocación temprana nació del contacto cotidiano y de la calidez de los recolectores, quienes transformaron una rutina laboral en un acto de ternura para el pequeño vecino.

La curiosidad del niño no se quedó puertas adentro. Según relató su madre, Agustina, la familia adoptó como propia la pasión del hijo y comenzó a participar activamente de ese ritual diario. "Siempre que podíamos, salíamos a su encuentro para dejarles las bolsas en la casa de los abuelos y en nuestra casa", recordó la mujer, destacando que el gesto se convirtió en una tradición familiar que reforzó el vínculo entre el niño y sus ídolos de mameluco.

La respuesta de los trabajadores municipales fue fundamental para alimentar la ilusión de Felipe. A pesar de la exigencia física y la rapidez que demanda el servicio de recolección en una ciudad con el crecimiento de Tandil, los recolectores siempre encontraron un espacio para la humanidad. Sin ninguna obligación, los operarios frenaban la marcha, lo saludaban con entusiasmo y tocaban la bocina, gestos que para un adulto pueden parecer menores, pero que en el mundo del pequeño representaban la validación de su mayor sueño.

Para Felipe, ser recolector no era solo una observación pasiva, sino su principal forma de entretenimiento. A los dos años, el living de su hogar se transformaba diariamente en un escenario de trabajo logístico donde la imaginación no tenía límites. Junto a sus amigos, el niño replicaba con exactitud las maniobras que veía en la calle, repartiendo pequeñas bolsas por toda la sala para luego pasar a recogerlas en sus autitos de juguete.

La precisión con la que el pequeño imitaba la labor era sorprendente para su familia. Agustina detalló que su hijo no solo se limitaba a trasladar los residuos, sino que incorporaba a su juego los detalles técnicos del camión. El niño realizaba la mímica de la doble palanca e incluso reproducía el sonido característico del sistema hidráulico, demostrando una capacidad de observación minuciosa sobre el funcionamiento de la maquinaria municipal.

Este tipo de conductas, lejos de ser una simple curiosidad pasajera, reflejaron la internalización de un oficio que muchas veces resulta invisible para la sociedad. En la mirada de Felipe, el recolector no era un operario más, sino un héroe cotidiano encargado de una misión vital. El juego en el living era, en realidad, un homenaje diario a esos hombres que veía pasar frente a su ventana con tanta admiración.

La historia de este pequeño tandilense comenzó a circular como un ejemplo de cómo los valores se construyen desde la infancia a través de la observación de lo cotidiano. En un contexto donde el trabajo manual a veces es relegado en el imaginario del éxito, Felipe puso en valor una tarea fundamental, recordándole a los adultos la importancia de cada eslabón en la cadena de servicios de la comunidad.

El punto culminante de esta relación de afecto mutuo se produjo durante la jornada del 24 de diciembre. Como es costumbre en muchos hogares de la ciudad, la llegada de la Navidad motivó a la familia de Felipe a realizar un gesto concreto de agradecimiento hacia quienes recorrieron la cuadra durante todo el año, incluso bajo condiciones climáticas adversas o en horarios nocturnos.

La familia decidió que este año el agradecimiento debía ser especial, buscando retribuir todo el cariño que los trabajadores le brindaron al niño sin esperar nada a cambio. "No podíamos dejar de agradecerles todo el cariño que demostraron día a día sin ninguna obligación. Su sonrisa demuestra ese cariño y a nosotros nos explota el corazón de alegría", expresó Agustina con visible emoción ante el encuentro navideño.

Para los padres de Felipe, la actitud de los recolectores fue una lección de vida. La madre subrayó que, en un mundo a veces indiferente, estos gestos de empatía hacen que la convivencia sea más habitable. La entrega de un presente en vísperas de Nochebuena fue la forma que encontraron para cerrar un ciclo de encuentros que, para su hijo, significaron mucho más que una simple recolección de residuos.

Esta historia, que El Eco atesora como un reflejo de la identidad local, resalta la importancia de la empatía y el respeto por el trabajo del otro. Felipe, con su deseo de ser recolector, no solo eligió un futuro oficio en sus juegos, sino que logró que toda una vecindad volviera a mirar con ojos de niño y gratitud una tarea que sostiene el bienestar de todos los tandilenses.

Desde la audaz decisión de dejar un trabajo estable para dedicarse plenamente al arte, hasta la grabación de su primer disco con Fusca y su visión sobre el efervescente polo cultural de Tandil, el artista radicado en Tandil se proyecta como una figura clave en la escena creativa de la ciudad.

El año de Nahuel "Naju" Gorosito ha sido, en sus propias palabras, "agitado". El músico y actor, uno de los artistas más referente de la Facultad de Arte, visitó los estudios de "Cultura Zip" para conversar sobre un presente de profundos cambios y un futuro prometedor. Recientemente, Naju tomó la decisión de renunciar a su trabajo estable, un paso audaz para dedicarse por completo a sus pasiones: la música y el teatro. "Me costó un poco, estaba haciendo una gran seguridad económica, pero bueno, un poco también hay que jugarselá", reflexionó Gorosito, asumiendo el desafío que implica la vida del artista. Este giro vital coincide con su último año de la Licenciatura en Teatro en la Facultad de Arte, cerrando un ciclo formativo y abriendo otro de dedicación plena a la creación. Sus planes incluyen la producción de obras de teatro y presentaciones, además de futuras fechas con Fusca y otros proyectos.

Parte fundamental de su apuesta artística es Fusca, la banda que Naju integra y que celebra tres años desde su primera presentación. Lo que inicialmente surgió como una búsqueda del músico para interpretar sus raps en vivo con acompañamiento instrumental, evitando el formato de pendrive, derivó en un proyecto con identidad propia. La banda se conformó inicialmente con Maian Dalffaro en el bajo y Marcelo Cacciato en el acordeón –un instrumento poco común en el género–, al que se sumaron posteriormente Tomas Varales en las percusiones y Julia Mengascini en los coros.

La incorporación del acordeón no fue casual; Naju buscaba emular una tradición familiar de su abuela paterna, cuya orquesta de Benito Juárez incluía el bandoneón. Marcel, el acordeonista, fue descubierto por un amigo a través de un documental que resaltaba sus múltiples talentos, incluyendo la creación de marionetas, y la conexión fue inmediata. La banda, con influencias musicales de todos sus integrantes, comenzó a tomar una forma más profesional, un proceso que ha implicado un constante aprendizaje para Naju de la mano de sus compañeros.

La química del grupo y el proceso creativo los ha llevado a "maquetear todo el disco" este año. El verano será clave para el "trabajo más fino", regrabando y puliendo los temas. Gorosito enfatiza la importancia de escucharse a sí mismos como banda, distanciándose de la ejecución para identificar mejoras y nivelar las composiciones. Este ejercicio, que implica hasta la "pelea con el metrónomo", ha sido fundamental para el crecimiento musical del grupo.

Para el próximo año, el objetivo principal es el lanzamiento de este álbum, acompañado de videoclips y una presentación en vivo que planean sea "con bombos y platillos". Si bien no hay una fecha definida, la banda prefiere no apurar los tiempos para asegurar la calidad final del trabajo. La complejidad de los horarios y la magnitud del proyecto han hecho que el avance sea gradual, pero firme, con la expectativa de que el verano les permita dedicarse con mayor intensidad a la etapa de grabación final.

Gorosito destaca la "mucha movida" que actualmente se vive en la ciudad, especialmente en torno a la Facultad de Arte. Existe una nueva generación de egresados y estudiantes avanzados –entre los que se cuenta– que, a diferencia de épocas anteriores, elige quedarse en Tandil, consolidando la ciudad como un "polo cultural" de gran potencia. Esta generación no solo se desarrolla individualmente, sino que también genera un camino para los que vienen detrás, fomentando un ambiente de generosidad y colaboración, prestando lugares y abriendo puertas. Naju subraya la importancia del "ejercicio de la cultura" colectivo para el desarrollo de nuevas ideas y técnicas, algo que cree que Tandil está demandando y para lo cual posee un "territorio fértil".

La escena teatral, en particular, enfrenta el desafío de llegar a un público más amplio. Naju la considera la rama "más complicada de demostrarse" para su generación, pero también la que ofrece el valor de "volver a lo analógico" y al "convivio", una experiencia que se extraña en la vida actual. "Hay algo de esquivarle a los problemas y, bueno, vos ves el teatro, ves un dramón", comenta, resaltando la capacidad del arte de generar una conexión profunda y auténtica. En este contexto, la Facultad de Arte no solo nutre talentos sino que también impulsa proyectos como "Cosas Que Pasan", un espacio de radio donde los estudiantes y graduados pueden mostrar su trabajo.

Para el próximo año, Naju y su compañero Tapo trabajan en un ambicioso proyecto: un canal de streaming experimental que busca profesionalizar a los graduados de la Facu, ofreciéndoles un campo de juego para sus diversos saberes y formaciones integrales. La idea es crear "un lugar de experimentación, de juego, un poco de infotainment", sin perder la identidad académica ni la visión de que el arte puede abrir múltiples caminos laborales.

En cuanto a la capacidad de Tandil para producir contenido audiovisual de mayor escala, Gorosito es optimista. Asegura que la ciudad tiene "las condiciones" y, crucialmente, el "capital humano" formado por la Facultad de Arte para generar ficciones, series o películas. Recuerda producciones locales previas como "Fábricas" para la TV Pública o el rodaje sobre la historia del Tata Dios. Sin embargo, advierte sobre la necesidad de pensar "otras maneras de producir", independientemente de los subsidios del INCAA, proponiendo una producción con "identidad provincial, tandilense, bonaerense" que fomente la autonomía creativa y productiva.

Respecto a sus propias inspiraciones, Naju confiesa que ha visto poco cine, con clásicos pendientes como "Volver al Futuro". Recientemente se sumergió en "Pulp Fiction", de la que destaca su densidad y la cualidad de "no saber qué va a pasar", algo que valora también en el teatro. Musicalmente, ha estado explorando a bandas como los Viagra Boys y el último EP de Wos. Se describe como un "muy de Spotify" que disfruta del "Descubrimiento Semanal", armando playlists con artistas que a veces ni siquiera conoce por nombre, priorizando el gusto personal por encima de lo mainstream. Esta diversidad también se refleja en su apariencia; es conocido por sus "looks muy cambiantes", con un ciclo de cortes y colores de pelo cada dos semanas, fruto de un "impulso de idiotez" y el aburrimiento, una forma de expresar su constante evolución personal.

La incursión de Naju en el teatro fue, según relata, un "encuentro casual". Originario de Olavarria, su primer contacto real con las tablas fue en Tandil, mientras estudiaba Trabajo Social. Compartiendo pensión con un estudiante de teatro, se sumergió en la vida de La Fábrica, donde finalmente decidió cambiar de rumbo. La decisión fue un "duelo", pero su madre, con una cita inspirada en "En busca de la felicidad", lo impulsó: "Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo". Para el próximo año, sus planes actorales incluyen la dirección de un infantil, con elenco y equipo ya confirmados para el verano, y la participación en "Carne Fresca", donde actualmente se encuentra leyendo obras en busca de la que lo sorprenda y lo cautive. Otro de sus talentos ocultos, reveló, es la cocina, destacando su habilidad para preparar desde solomillo hasta pan casero.

La emblemática banda tandilense, compuesta por Juampi Sparo, Nacho Osa, Juan Ignacio Gorostidi, Agustín Román y José Osa, anunció su esperado regreso.

La cita será el viernes 26 de diciembre a las 22 horas en La Incubadora de Arte, un evento que promete ser un reencuentro cargado de nostalgia y nuevas energías, con entradas que ya agotan su preventa y una expectativa que supera todas las proyecciones. El público local y de la región se prepara para revivir la trayectoria de una formación que marcó una época en la escena musical.

La iniciativa de esta vuelta, tan anhelada por sus seguidores, surgió de Juani Gorostidi, quien, tras un período de menor actividad con Kapanga, propuso la idea de retomar el proyecto. Si bien los integrantes mantuvieron contacto y algunas reuniones informales, como el tradicional show de cumpleaños del bajista Nacho Osa en una terraza, la posibilidad de un regreso concreto se venía postergando. El año pasado, la agenda de Agustín Román, que residía en Brasil, y los compromisos de Gorostidi con Kapanga obligaron a posponer la fecha. Sin embargo, este año, la invitación para participar en una terna en un festival fue el puntapié definitivo.

"No estábamos desesperados por volver, queríamos que se diera cuando se tenga que dar", explica Osa, reflejando la paciencia con la que abordaron este retorno. A partir de junio, el quinteto se impuso un cronograma de ensayos que, a diferencia de otras etapas, cumplieron rigurosamente. La premisa principal, según Sparo, no era meramente melancólica, sino "volver y sonar bien". Esta exigencia se convirtió en el motor que los llevó a reencontrarse con sus canciones, muchas de las cuales han adquirido una nueva dimensión tras los años de experiencia y madurez musical individual.

El reencuentro con el repertorio de Fision ha sido un proceso transformador para sus integrantes. "Hay canciones que se resignifican, que se tocan de otra manera. Hay más madurez", asegura Sparo, aludiendo a cómo la evolución personal de cada músico impacta en la interpretación de temas que, en algunos casos, datan de su adolescencia. Osa, por su parte, destaca el placer de escuchar las canciones sonar "igual o mejor que hace seis años", una sensación que los conecta con su esencia. Si bien la nostalgia es un componente innegable de este regreso, la banda también se ha dedicado a reformular instrumentaciones de algunos temas para adaptarlos a un sonido más actual.

Lejos de ser un mero ejercicio de memoria, este regreso también mira hacia adelante. Los músicos confirmaron que están trabajando en una canción nueva, aún en "boxes", lo que sugiere que el show del 26 de diciembre podría ser solo el inicio de una nueva etapa. La respuesta del público ha sido contundente: la preventa se agotó en la primera semana, y las redes sociales se inundaron de mensajes de apoyo, tanto de viejos seguidores como de nuevas generaciones que conocieron a Fision post-separación. Esta acogida generó una "gran expectativa" y el deseo de llevar su música a otras ciudades del país, donde ya se multiplicaron los pedidos de fechas. "Primero era vencer la inercia, y después vamos a ir viendo qué sale", afirma Sparo, dejando la puerta abierta a futuras presentaciones.

Fision no es una banda cualquiera; es parte de la historia musical de Tandil. Sus orígenes se remontan a principios de la década de 2000, cuando comenzaron como "Niño Fision" y luego pasaron por "Fision Fiesta Rock", hasta adoptar el nombre definitivo que los llevó a recorrer el país. Su primera fecha importante ocurrió en 2004, año trágico para la música en vivo por Cromañón, un evento que complicó enormemente los circuitos de bares y producción. "Tocamos en Buenos Aires y nos costó un montón volver a tocar", rememora Osa, aludiendo a las dificultades de aquel entonces. La formación que subirá al escenario de La Incubadora es la misma que grabó un videoclip con Osvaldo Laport y tocó en programas de televisión como C5N, llevando su música "desde Tilcara al Chaltén", superando los desafíos de la autogestión en un "Gol con un carrito atrás".

El concierto del 26 de diciembre se concibe como una celebración más que un maratón musical. "Nos aburren un poco los shows largos", confiesa Osa, por lo que el repertorio incluirá "todos los temas más significativos" en un show de duración ajustada, pero con una producción de alto nivel. La posibilidad de artistas invitados, si bien no fue confirmada, se dejó entrever con la frase "puede haber sorpresas". Ante la masiva demanda, los músicos recomiendan adquirir las entradas restantes en el local Commodity (Vicente López y Del Valle) o a través de todopass.com.ar. La banda también tuvo que estrenar un nuevo perfil de Instagram, @fision.ar, luego de que su cuenta anterior fuera hackeada.

Para Sparo y Osa, este regreso es también un viaje en el tiempo. La música tiene el poder de "transportarte automáticamente a esa época", y el show del 26 será, por primera vez, un encuentro con ese factor nostálgico. "Antes, al estar activos, no jugábamos con ese factor del recuerdo, hoy es inevitable", reflexiona Sparo. La experiencia, según Osa, es ver a "mucha gente que se va a reencontrar con una parte de su vida". El cariño de los fans es palpable, como lo demuestra el comentario del "Mono" de Kapanga en su publicación, un gesto que subraya el impacto de Fision en la escena nacional. Con la emoción a flor de piel y el talento intacto, como demostró Sparo al interpretar en vivo un fragmento de la canción "No te animás", Fision está listo para escribir un nuevo capítulo en su historia musical, invitando a su público a ser parte de un momento único.

La noticia del deceso de Emilio Palencia, el heladero de Villa Italia que se convirtió en una figura entrañable para el barrio, resonó en la memoria de aquellos que vivieron la infancia en el barrio y guardan en sus recuerdos el paso por su emblemática esquina. A sus ochenta y seis años, Palencia dejó no solo un legado de helados artesanales, sino también la impronta de una vida marcada por el trabajo y la dedicación.

En diálogo con El Eco, su hermana Josefina Palencia lo definió como "una persona dulce, pero también cabrón". Y agregó: "Mirá, él tenía días, tenía días que era una dulzura y tenía días que no le podías hablar. Yo, por ejemplo, estuve trabajando con él hasta que falleció mi marido en 1994, atendía con él la heladería". Esta descripción pinta a un hombre multifacético, querido y respetado por la comunidad.

La historia de los Palencia en Tandil y su relación con el comercio no inició con la heladería, sino mucho antes. El padre de Emilio y Josefina, tras la temprana pérdida de su esposa, decidió emprender en la ciudad. "Mi papá y mi hermano vivían en el campo, porque perdimos a nuestra madre muy chicos. Emilio tenía doce y yo trece. Él iba a la escuela, vivían en La Peregrina, cerca de Mar del Plata. Él iba a la escuela allá en el campo y yo acá en la ciudad con una tía", relató Pepa Palencia. Posteriormente, su padre adquirió una fiambrería a mitad de cuadra de donde se encontraba la tradicional heladería, lo que llevó a Emilio a radicarse en Tandil y finalizar sus estudios en la Escuela n°21.

El fallecimiento del patriarca familiar marcó un giro en la vida de los hermanos. Fue entonces cuando Emilio y Josefina decidieron aprender el oficio de la heladería y abrieron la tradicional Heladería Modelo. Ubicada en el corazón de Villa Italia, en la esquina de Ameghino y Quintana, la heladería se erigió en un barrio que, en aquellos años, carecía del desarrollo comercial y la cantidad de locales con los que cuenta hoy. Se convirtió rápidamente en un punto de referencia para los vecinos y para la ciudad.

El compromiso con la calidad y el sabor artesanal era la piedra angular del negocio. Josefina Palencia recordó con entusiasmo la dedicación diaria: "Nos levantábamos muy temprano porque nosotros preparábamos los helados. Cuando se abría, él empezaba a fabricar y ahí se hacía todo". Destacó la pureza de los ingredientes y el método de elaboración, que buscaba replicar los sabores caseros. "Por ejemplo, al de limón le dejaba hasta las semillas. El de dulce de leche, si alguna vez tenés oportunidad de hablar con Fabían Acuña, preguntale cómo era el dulce de leche, no había otro dulce de leche igual. Y a Javier Pianta, también le encantaba. Lo hacíamos con el dulce de leche que se consume en la casa, y no con el que viene preparado, hacía de cuenta que vos estabas tomando el dulce de leche casero", expresó.

Las costumbres de consumo de helado han evolucionado significativamente. Actualmente, los argentinos consumen un promedio de siete kilos de helado por persona al año, con un pico de diez kilos en la temporada de verano. El noventa por ciento de la población consume helado durante todo el año, lo que demuestra que ya no es un producto estacional. Sin embargo, hasta principios de los 2000, la realidad era otra. "Nosotros abríamos los últimos días de octubre o los primeros días de noviembre y cerrábamos en marzo, era el verano de antes, hoy las heladerías no cierran nunca. Nosotros estábamos todo el día ahí, desde la mañana hasta la noche", explicó Pepa, reflejando el cambio de paradigma en el sector.

La Heladería Modelo fue testigo de innumerables historias y momentos compartidos por los vecinos de Villa Italia. "Me da mucha alegría que lo hayan querido tanto, estos días he visto muchas cosas en redes sociales sobre él y todos hablan bien, todos los recuerdan como era, un hombre bueno. Tuvimos una heladería donde hemos visto de todo, primeras citas que luego terminaban en casamientos, por ejemplo", comentó Josefina. Sin embargo, en el año 2011, Emilio Palencia tomó la difícil decisión de cerrar las puertas del tradicional local. "Estaba cansado, ya no quería trabajar más y nadie se quería hacer cargo. La hija era muy joven y yo era grande, le costó pero decidió cerrar", explicó su hermana. Fue el final de una era, un adiós a la heladería que marcó a varias generaciones.

Pero la vida de Emilio Palencia no se limitó a su rol como heladero. Desde muy joven, compaginó sus estudios con diversas actividades laborales. Con apenas quince años, comenzó a trabajar en el tradicional Bazar Blanco y Negro, para luego pasar por la fidería El Progreso, propiedad de un tío, ubicada en Mitre y Alem. Su pasión por el deporte lo llevó a ser un fiel jugador del Agrario e incluso a desempeñarse como árbitro. También era un entusiasta jugador de mus en el Club Defensa, actividad que disfrutó hasta que su salud se lo impidió.

Palencia era un hombre que disfrutaba profundamente de la compañía de sus amigos y de la pesca. Su hermana lo describió con cariño y orgullo: "Era un nene grande, era un laburante, siempre le gustó trabajar". Emilio fue padre de tres hijos: Marcela, Gastón y Mauricio. A pesar de que la vida los llevó a distanciarse por varios años, los hermanos volvieron a unirse para despedir y recordar la figura de su padre, honrando el legado de un hombre que dejó una huella imborrable en el corazón de Villa Italia.

Cultura Zip de El Eco Streaming celebró un hito histórico al alcanzar sus 300 emisiones. Para marcar la ocasión, el ciclo tuvo como invitado especial al músico local Pedro Moreno (@pedromoreno.soy), quien fue recibido con gran entusiasmo por los integrantes del programa.

El equipo destacó que, a partir de este momento, el artista será parte frecuente de la “familia de Culturita”, subrayando que Tandil tiene que empezar a conocerlo.

Durante la emisión, Pedro Moreno expresó su emoción y agradecimiento, señalando que fue la primera vez que presentó sus canciones en un medio de radio o streaming.

El artista interpretó su tema “Escaparate”, incluido en su próximo material discográfico. La versión en vivo permitió apreciar la calidad de su voz, su dominio del vibrato y su versatilidad al explorar tonos graves y agudos.

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El vínculo de Pedro con la música comenzó desde pequeño. Sus familiares recuerdan que siempre estaba cantando o tocando el piano, instrumento que aprendió a ejecutar a los cinco o seis años gracias a su abuela, quien le enseñó a interpretar el clásico “Feliz cumpleaños”.

Aunque realizó estudios en el conservatorio en su infancia, gran parte de su formación ha sido autodidacta. Moreno compone tanto la letra como la armonía y la base de piano de sus canciones.

Sus influencias provienen del rock nacional argentino, mencionando como referentes a Charly García, Cerati, Spinetta y la banda Bersuit. Además de su proyecto solista, desde enero forma parte de la banda de rock Divé, lo que le permite experimentar con diferentes sonidos y estilos.

Uno de los anuncios más esperados de la emisión 300 fue la confirmación de que Pedro Moreno lanzará en breve un EP de seis canciones, fruto de un proceso de producción que lleva más de un año y medio junto a Lucas Pisati.

El material estará disponible en plataformas digitales como Spotify, Apple Music y YouTube en los próximos meses, y más adelante se complementará con un segundo EP de seis temas.

El artista también planea presentar estas canciones en shows en vivo, incluyendo actuaciones en localidades cercanas de la región. En línea con la importancia actual de lo audiovisual, adelantó que proyecta filmar un videoclip para acompañar el lanzamiento.

Para conocer las próximas novedades, el público puede seguirlo en su cuenta de Instagram: @pedromoreno.soy

Con su presentación en el marco de los 300 programas de Cultura Zip, Pedro Moreno confirmó que es una de las voces emergentes más prometedoras de la música tandilense.

Este sábado, desde las 20:30, la Incubadora del Arte, ubicada en la estación de trenes de Tandil, será el punto de encuentro para los amantes de la música independiente con la llegada de la quinta edición del Indie Festival.

En esta oportunidad, el evento no solo reunirá a bandas de la ciudad, sino que también contará con la presencia de artistas de distintos puntos de la provincia de Buenos Aires, lo que promete una jornada cargada de diversidad sonora y propuestas emergentes.

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La grilla de presentaciones incluye a Mun, Nos miran raro, Mamelooks, De tal palo, Lautaro Zugbi y Lucy y los asteroides, una selección de proyectos que aseguran una noche vibrante y llena de energía.

Bajo la consigna de compartir buena música “entre amigos, bajo la luna de Lunático”, el Indie Festival se consolida como un espacio clave para la difusión de la escena alternativa y el encuentro cultural en la ciudad.

Imposible no quedarse mirando. Como intrusos silenciosos en un mundo oculto, miles de personas siguen en vivo la transmisión que muestra, en ultra alta definición, cómo es la vida a 3.900 metros bajo el nivel del mar, en el Cañón Submarino de Mar del Plata.

La hipnótica experiencia es parte de una histórica colaboración entre científicos del CONICET y el Schmidt Ocean Institute, una institución internacional dedicada a la exploración y preservación de los océanos. El proyecto cuenta también con el apoyo de otros organismos científicos y una destacada participación de talento argentino.

La misión fue bautizada “Oasis submarinos del Cañón de Mar del Plata: talud continental IV” y representa un hito para la ciencia nacional. Según destacaron desde el CONICET, se trata de “un salto tecnológico y científico sin precedentes”, ya que por primera vez se utiliza en aguas argentinas del Atlántico sudoccidental el vehículo operado remotamente (ROV) SuBastian, un dispositivo capaz de capturar imágenes submarinas en ultra alta definición y recolectar muestras sin alterar el entorno.

El ROV es manipulado desde el buque de investigación Falkor (too) y todo el operativo puede seguirse en vivo a través del canal de YouTube del Schmidt Ocean Institute, permitiendo que científicos, estudiantes y curiosos de todo el mundo sean testigos de esta exploración sin precedentes.

El Cañón Mar del Plata es una estructura geológica submarina ubicada frente a las costas bonaerenses. Se encuentra justo en la intersección entre la corriente cálida de Brasil y la fría de Malvinas, lo que convierte a esta zona en una frontera biogeográfica única en el Atlántico sur.

Esta confluencia de corrientes crea un entorno con una altísima biodiversidad, pero que hasta ahora había sido escasamente explorado. Por eso, la misión científica busca arrojar luz sobre los ecosistemas que habitan allí y su potencial impacto en la salud de los océanos, el cambio climático y la conservación marina.

Con cada imagen que llega desde las profundidades, el proyecto no solo amplía los límites del conocimiento humano, sino que también despierta una renovada admiración por el misterioso y aún inexplorado universo que habita bajo el mar argentino.

Para seguir la exploración en vivo: Canal de YouTube del Schmidt Ocean Institute

Aunque muchos creían que habían quedado en el olvido, los auriculares con cable están viviendo un inesperado regreso. Y no, no es solo por nostalgia. Este clásico del audio volvió a estar en el centro de la escena gracias a un nuevo público fanático: la Generación Z.

Sí, los mismos jóvenes que crecieron entre AirPods, Bluetooth y dispositivos sin cables ahora apuestan por lo analógico. Pero esta tendencia va más allá de escuchar música: para muchos, los auriculares con cable son un accesorio de moda, una forma de marcar estilo, diferenciarse y reconectar con una estética vintage que hoy pisa fuerte en redes sociales y en las calles.

No se puede pasar por alto que la nostalgia se ha convertido en una fuerza poderosa en los hábitos de consumo actuales. Los años 80, 90 e incluso los 2000 volvieron a instalarse en la cultura pop, y la moda, la música y los objetos cotidianos de esa época ahora son reinterpretados por las nuevas generaciones.

Los auriculares con cable encajan perfectamente en esta ola retro, pero también traen consigo una serie de ventajas técnicas que los hacen muy valorados: no requieren carga, ofrecen buena calidad de sonido, son más económicos y, bien cuidados, pueden durar muchos años.

De hecho, según reportes de mercado, se espera que las ventas de auriculares con cable crezcan un 20,1% anual entre 2025 y 2032. Lejos de ser una moda pasajera, su uso parece consolidarse como parte de un consumo más consciente y funcional.

El combo que impulsa esta vuelta es claro: bajo costo, buen sonido y cero preocupaciones por la batería. En tiempos donde todo necesita carga y actualización, los auriculares con cable recuperan valor por su simpleza.

Además, su durabilidad puede ser sorprendente. Si se los cuida bien —evitando tirones, manteniéndolos desenredados y limpios— pueden durar entre cinco y diez años, muy por encima de la vida útil de muchos modelos inalámbricos.

Hoy, este objeto que parecía destinado al olvido es redescubierto por una generación que no teme mirar al pasado para construir su identidad sonora y estética. Porque en un mundo cada vez más inalámbrico, volver al cable también puede ser una forma de rebeldía.

Este domingo se celebra el Día del Amigo, una fecha que nos invita a brindar, recordar y compartir con quienes nos hacen la vida más liviana. Ya sabemos que la elección del 20 de julio no es casual: fue el día en que el ser humano llegó a la Luna en 1969. Pero lo que pocos conocen es que, ese mismo día, un argentino llamado Enrique Ernesto Febbraro envió 1.000 cartas a personas de distintos países, proponiendo institucionalizar la amistad como un valor universal.

Hoy, siguiendo ese espíritu, desde El Eco y Cultura ZIP te proponemos tres películas domingueras y emotivas para ver con tus amigos, con pochoclos, mate o lo que pinte.

Basada en hechos reales, esta película cuenta la historia de tres mujeres afroamericanas que trabajaron en la NASA durante los años 60, luchando por sus derechos en un contexto de fuerte discriminación racial y de género. Más allá del drama histórico, lo que la hace especial es cómo retrata la amistad, el trabajo en equipo y el apoyo entre mujeres que se animaron a cambiar el mundo.

Una joya poderosa, inspiradora y necesaria.

No te dejes engañar por su estética adolescente: esta película es un viaje emocional. Sigue la historia de Charlie, un chico introvertido que se encuentra con un grupo de amigos únicos, dispuestos a acompañarlo y enseñarle que la vida se puede vivir con intensidad y amor, aún en medio del dolor.

Ganadora del premio a Mejor Ópera Prima en los Independent Spirit Awards, es un homenaje a esas amistades que nos salvan cuando todo parece gris.

Ganadora del Oscar a Mejor Película, Green Book narra el recorrido por el sur de Estados Unidos de Don Shirley, un talentoso pianista afroamericano, y su chofer, Tony Lip, un rudo italoamericano. A lo largo del viaje, y gracias al famoso “Libro Verde” (una guía para afroamericanos en tiempos de segregación), se va construyendo entre ellos una amistad inesperada, honesta y profundamente humana.

Un film sobre la superación de prejuicios, la empatía y la transformación personal.

Un grupo de nerds de La Plata prepara su tradicional muñeco de fin de año para quemarlo el 1° de enero, como manda la costumbre local. Pero alguien lo roba. Así arranca esta historia bizarra, divertida y profundamente entrañable. Fito y sus amigos recorrerán la ciudad de las diagonales intentando recuperarlo, en una especie de road movie barrial donde lo que realmente se busca es mucho más que un muñeco: es el valor de la amistad.

Una comedia argentina distinta, con corazón, identidad y mucho del cine independiente nacional.

El mundo de la música no se detiene, y esta semana trajo tres grandes novedades que entusiasman a fanáticos de distintos géneros: el regreso de Green Day a nuestro país, el lanzamiento de un nuevo sencillo de Emmanuel Horvilleur, y la emotiva colaboración entre Dyango y Rodrigo Tapari.

La legendaria banda californiana Green Day confirmó su esperado regreso a la Argentina. El grupo liderado por Billie Joe Armstrong se presentará el próximo 3 de septiembre en el estadio del Club Atlético Huracán, como parte del tramo latinoamericano de su gira “Los Salvadores en Gira”.

Las entradas estarán disponibles a través de Live Pass y se venderán en dos etapas:

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Será la quinta visita del trío punk al país y servirá como presentación oficial de su nuevo disco, Salvadores, editado este año. Además, la gira coincide con dos aniversarios clave: los 30 años de “Dookie” y los 20 años de “American Idiot”, dos de sus discos más influyentes.

Emmanuel Horvilleur lanzó una nueva canción titulada “Elástico”, que ya está disponible en plataformas digitales. El tema forma parte del proceso creativo de su próximo álbum y da continuidad a su sencillo anterior, “Supersuave”.

El videoclip de “Elástico”, protagonizado por Brenda Gandini, mantiene el hilo narrativo del video anterior y refuerza la propuesta estética del nuevo repertorio.

📺 Mirá el videoclip:

El maestro de la canción romántica Dyango estrenó una emotiva versión del clásico “Si La Vieras Con Mis Ojos”, acompañado por la voz de Rodrigo Tapari, una de las figuras más populares de la música latina actual.

Este tema es el primer anticipo de su próximo disco doble, “Su Amigo Dyango”, en el que el artista compartirá canciones con referentes de distintos países del mundo hispano. La producción estuvo a cargo de Benjamín López Barrios y Fidel Mulet, y la banda se completó con destacados músicos de la escena.

📺 Mirá el video oficial:

Niño Neo, uno de los referentes más prometedores de la escena urbana local, estrenó su nueva canción junto a un videoclip que ya puede verse en plataformas digitales. El proyecto fue íntegramente ideado y realizado por Segundo Acevedo, quien estuvo a cargo del guión, dirección, cámara, montaje y edición.

“Que sepa el país, que Tandil cría raperos”, se lo escucha decir al artista en un fragmento del videoclip, reafirmando su conexión con la ciudad que lo vio crecer y con el semillero de talentos que hoy posicionan a Tandil como una cuna del hip hop emergente.

En esta nueva etapa, Niño Neo muestra una evolución artística clara: ya no es solo aquel joven que emocionaba con “Flor de loto”, sino un artista que se anima a hablar de sí mismo, de sus vínculos, de su historia, con un estilo maduro y una estética cuidada.

La canción refleja años de búsqueda, trabajo y perfeccionamiento, y confirma lo que muchos ya venían notando: el camino de Neo está bien trazado. Si él lo decide, tiene todo para convertirse en uno de los grandes artistas del país.

Además, la producción sonora también suma valor a la propuesta: la instrumental, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Zest, aportando solidez técnica y coherencia al universo musical de Neo.

¿Con qué nos seguirá sorprendiendo? Por lo pronto, esta nueva entrega es una muestra contundente de su talento y del poder narrativo que lo acompaña.