La historia de Runa es una crónica de adaptación y búsqueda constante. A sus 25 años, el músico recuerda cómo su familia dejó atrás el almacén barrial de su ciudad de origen para emprender un nuevo proyecto en Tandil. Aquella mudanza, que coincidió con el último año de su etapa escolar, marcó un punto de inflexión en su vida. "Fue un shock. Al principio fue medio chocante por el hecho de que mis amigos estaban allá, no conocía a nadie", confiesa sobre sus primeros tiempos, marcados por la incertidumbre y el aislamiento que luego se profundizaría con la llegada de la pandemia.

Sin embargo, fue en ese contexto de encierro donde comenzó a gestarse su identidad artística. Con una relación con la música que se remonta a su infancia —cuando ya posaba con una guitarra a los cinco años—, Runa encontró en el aislamiento el espacio necesario para profesionalizar su pasión. "Yo en mi casa en pandemia ya tenía mi home studio, me lo había comprado como para arrancar a meterle y me grababa solo", relata.

Aunque sus inicios estuvieron ligados al reggaetón, género que exploró con la intención de alcanzar un público masivo, el artista admite que nunca se sintió del todo cómodo con las limitaciones creativas del estilo. Su encuentro con el grupo Sharau y la influencia de figuras como Genson fueron determinantes para su giro hacia el trap. "El reggaetón por ahí es más bailable, se puede transmitir quizás más para algo más de movimiento; quizás las letras no son tan profundas. En el trap siento que te podés desenvolver más sobre sentimientos de otro lado", explica.

Esta evolución no solo fue lírica, sino también técnica. Tras trabajar con diversos productores, Runa notó que el resultado final de sus maquetas no siempre coincidía con su visión original. Fue entonces cuando decidió tomar las riendas de su sonido. "Dije: 'Bueno, tengo que empezar a hacer beats, hacer instrumentales propias y empezar a meterle'. Lo único que me faltaba era eso para complementar el hecho de no subir con beats de YouTube, que eso está mal si querés hacerlo más profesional", sostiene.

Hoy, el artista se ha consolidado como un productor integral. Desde hace un año, la totalidad de su música es producida por él mismo, alcanzando un ritmo de trabajo de 20 beats mensuales. Esta disciplina le permite mantener una biblioteca sonora diversa, clasificada por géneros y estados de ánimo, que utiliza tanto para sus proyectos personales como para colaboraciones con otros músicos de la escena local.

Para Runa, el desafío de hacer música desde Tandil implica una estrategia clara de difusión. Consciente de que Buenos Aires es el epicentro de la industria, utiliza herramientas digitales como Instagram Reels y TikTok para acortar distancias. "Siento que la manera que nos queda de hacernos ver es esa: subiendo contenido a todos lados", afirma, aunque aclara que ha dejado de obsesionarse con las métricas de reproducción. "El objetivo real es disfrutar lo que hacés y efectuar sin pensarlo tanto", añade.

Al observar el panorama actual, el músico se muestra optimista sobre el desarrollo de la cultura urbana en la ciudad. Según su perspectiva, la escena está atravesando un proceso de maduración donde los artistas locales están logrando una propuesta más "real y sostenible en el tiempo".

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A pesar de sus ambiciones, que incluyen colaboraciones soñadas con referentes como Duki o Don Toliver, Runa mantiene los pies sobre la tierra. Su enfoque actual está puesto en la constancia y en la calidad de su producción propia. "Siento que esa constancia es lo que me va a dar lo que quiero", concluye, reafirmando su compromiso con un camino artístico que, lejos de las fórmulas rápidas, se construye paso a paso desde la autogestión.

Uno de los dúos que más creció dentro de la escena pop/rock argentina llegará a Tandil el viernes 23 de octubre a las 21:00 para presentarse en Glow. El proyecto musical Koino Yokan, conformado por el cantante Tomás Otero y el guitarrista y productor Jeremías Oro, continúa consolidándose como una de las propuestas más personales y convocantes de la escena argentina. Con una identidad marcada por la sensibilidad en sus composiciones y una impronta sonora que equilibra la emoción con la potencia, el dúo llega a Tandil en el marco de un recorrido que los ha llevado por los escenarios más importantes de Latinoamérica y Europa.

La trayectoria del grupo ha sido ascendente desde sus inicios. Tras el lanzamiento de su primer álbum, “Lo que Ayer Callé”, en 2021, la banda logró captar la atención del público masivo. Un año después, la publicación de ocho sencillos los posicionó en los rankings virales de Argentina y Uruguay, además de convertirlos en referentes dentro de la plataforma TikTok. Este crecimiento se tradujo en reconocimientos, como el Premio Martín Fierro al Artista Revelación, y en una serie de presentaciones que incluyeron el cierre de su gira ante 2.000 personas en el Complejo C de Buenos Aires.

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Durante 2023, la convocatoria del dúo se multiplicó, logrando tres fechas consecutivas con entradas agotadas en Vorterix y recorriendo plazas clave como Córdoba, Rosario, Santa Fe y Montevideo. Aquel año culminó con un Teatro Gran Rex colmado, donde contaron con la participación de artistas invitados como El Zar, Santi Muk, Alan Sutton y Juanchi Baleiron. En diciembre de ese mismo ciclo, presentaron su segundo álbum de estudio, “Desandando Mis Pasos”, compuesto por 16 canciones que definieron su madurez artística.

El 2024 fue un año de expansión internacional, llevando su música a México, Uruguay, Chile, España y Costa Rica, además de diversas ciudades argentinas. A este despliegue se sumaron los sencillos “Cambiando la Mirada”, “Ey” y “La Solución”, junto a la edición de su primer disco en vivo, registrado precisamente en el Teatro Gran Rex. La constante actividad continuó en 2025 con una gira europea que los llevó por Barcelona, Londres, Dublín, París, Madrid, Copenhague y Berlín, reafirmando su alcance global.

El 2026 encuentra a Koino Yokan en una etapa de especial crecimiento. Recientemente, Tomás Otero y Jeremías Oro protagonizaron un show a banda completa en el C Art Media de Buenos Aires, marcando un nuevo hito en su carrera con una puesta en escena ambiciosa. En paralelo a estas presentaciones, el dúo trabaja intensamente en la producción de su próximo álbum, del cual ya han compartido diversos adelantos que exploran nuevas texturas sonoras.

Uno de los lanzamientos más recientes es “La Despedida”, una colaboración junto a Gauchito Club. Esta canción aborda la temática del final de una historia y la transformación necesaria para iniciar un nuevo camino. El tema fusiona la sensibilidad característica del dúo con la frescura y el pulso rítmico de Gauchito Club, logrando un encuentro entre dos propuestas que comparten una manera honesta y cercana de construir sus canciones.

“La Despedida” se suma a una serie de adelantos que incluye “Morirme Con Vos”, junto a Cruzando el Charco, y “Toda la Vida”, en colaboración con Benjamín Amadeo. Estas piezas forman parte de una búsqueda creativa que busca ampliar el universo sonoro de Koino Yokan. El próximo disco se perfila como una obra que explora nuevos horizontes, manteniendo siempre la esencia que los convirtió en una de las propuestas más destacadas de la nueva música argentina.

La llegada a Tandil representa una oportunidad única para que los seguidores locales disfruten de este presente artístico. Con una trayectoria que combina el éxito en plataformas digitales con una sólida presencia en vivo, el dúo promete un espectáculo que recorre sus grandes éxitos y anticipa la dirección que tomará su próxima producción discográfica.

La escena musical de Tandil atraviesa un presente vibrante, con un crecimiento exponencial de propuestas en la región. En el centro de este ecosistema se encuentra Lucas Pizzati, apasionado de la música que transitó todas sus aristas: desde técnico de sonido a los 16 años y alumno del Conservatorio, hasta productor en su estudio y multiinstrumentista en Babel.

En una charla íntima y reveladora en Cultura Zip, Pizzati desentraña su historia, analiza los desafíos de la independencia y reflexiona sobre el arte en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.

Para Lucas, la música no fue una elección, sino un entorno natural. Hijo de un integrante de Ajenjo Show, banda mítica activa por más de 50 años, Lucas y su hermano Pablo naturalizaron de chicos los ensayos y giras.

"Mi viejo se iba a ensayar martes y jueves, religiosamente. Y el fin de semana tocaban dos o tres veces. Nos criamos en ese ámbito", recuerda Lucas. Esta disciplina, donde cada domingo se ordenaba la sala, fue el semillero formativo de su carrera. A los 13 años ya tocaba en bandas y a los 16 se convirtió en sonidista, sumando rodaje regional.

En 2003, junto a su hermano Pablo y otros hijos de integrantes de Ajenjo, fundaron Capitán Beto. Lo que comenzó como un pasatiempo de covers en cumpleaños de 15, fiestas de la Farándula y eventos, se convirtió en un oficio formal de seis años. "La música empezó como hobby, pero rápidamente se convirtió en un oficio", señala.

En 2012 nació Babel, enfocada en canciones de autor. Tras un parate, regresaron en 2024. Hoy, como quinteto, la integran los hermanos Pablo (composición, voz), Lucas Pizzati (producción), Mariu Padín (bajo, comunicación), Gero Castro (batería) y Laucha Villalba (guitarra).

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"Babel es una banda muy inquieta. Trabajamos de una manera muy cooperativa; solo no vas a ningún lado", explica Lucas, destacando el valor de la autogestión compartida. Mientras preparan su tercer disco, la banda se alista para un show integral en el espacio Arte y Parte, prometiendo una puesta en escena cuidada con artistas invitados que busca sobresalir en la abundante oferta local.

Pizzati atribuye el auge local a la democratización de la grabación, la educación gratuita del Conservatorio y el crecimiento de la ciudad. Sin embargo, advierte una barrera común: la dificultad para cruzar "las cuatro avenidas" y expandirse regionalmente.

"Para dar un escalón más, es inevitable salir de la ciudad", afirma Lucas. El camino implica recorrer localidades vecinas como Olavarría y Azul, para luego proyectar hacia Mar del Plata, La Plata o Buenos Aires. No obstante, advierte que este despegue requiere profesionalismo comercial.

"Instagram ayuda, pero el lobby hay que hacerlo físicamente. Viajar previamente, presentar una carpeta seria, acordar condiciones económicas y vender un espectáculo consolidado. No alcanza con caer con una guitarra", enfatiza. Para Pizzati, entender la música como una industria que corta tickets es el diferencial para dar el salto.

Como productor, Lucas lidia a diario con plataformas como Spotify, donde se suben unas 100.000 canciones por día y el 60% no supera las 1.000 reproducciones. Además, se requiere que el oyente permanezca más de 30 segundos para que cuente como reproducción, lo que empuja a acortar canciones o eliminar las introducciones.

"Desde el lado artístico, el algoritmo es un garrón", se lamenta Lucas. Sin embargo, su consejo es claro: "Hay que morir en la de uno. Si querés hacer introducciones, hacelas con desarrollo musical". En lugar de sacrificar la identidad, Pizzati sugiere planificar: "Si vas a sacar un disco, prepará el despegue con un mes de anticipación y continuá un mes después. Una salida planificada dura tres meses, no un día". Para la escucha de alta fidelidad, destaca plataformas como Tidal, que permiten subir másters en máxima resolución, a diferencia de Spotify.

El debate sobre la Inteligencia Artificial (IA) no le es ajeno. Aunque reconoce la precisión con la que emula estilos o clona voces de artistas populares —como ocurre con versiones no oficiales de Milo J—, Lucas defiende la interpretación humana.

"La IA siempre se parece a algo ya hecho. Si hoy componemos solo con ella, ¿qué escucharemos en 50 años?", cuestiona. Valora herramientas de separación de pistas (como Moises), pero defiende fervientemente la música tocada: "La música se destaca por sus detalles y errores humanos, que son tan musicales y nos hacen tan bien. En el estudio, si hay emoción en una toma, prefiero dejarla. No busquemos que la música hecha por humanos se parezca a la inteligencia artificial, donde todo es perfecto. Dejemos cosas humanas", concluye.

Consultado sobre sus favoritos de la escena tandilense, Lucas traza un mapa de indispensables:

Con la pasión intacta que heredó de su familia y la lucidez de quien comprende los engranajes de la industria contemporánea, Lucas Pisati continúa construyendo la banda sonora de una ciudad que no para de sonar.

En el ecosistema cultural de la ciudad, existen figuras que actúan como verdaderos motores de la movida independiente. No solo ejecutan un instrumento, sino que viven y respiran la música de su entorno. Uno de ellos es Laucha Villalba, un guitarrista cuya pasión y compromiso lo han llevado a integrar múltiples agrupaciones en simultáneo, consolidándose como una de las caras más activas de la escena contemporánea.

En una entrevista exclusiva, el músico recorre su historia: desde sus primeros acordes influenciados por Gustavo Cerati y David Gilmour, pasando por la mística del colegio y su banda de la adolescencia, hasta llegar a su presente con siete proyectos musicales y una firme filosofía de resistencia colectiva frente al individualismo.

La relación de Laucha con la música nació mucho antes de que pudiera sostener una guitarra. De niño, sentarse frente a los parlantes cuando su familia ponía música ya representaba un acontecimiento trascendental. Aunque a los cinco años intentó estudiar piano, el interés se desvaneció pronto. Sin embargo, el verdadero "clic" ocurrió un año después, al quedar hipnotizado por una guitarra verde en una vidriera.

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A esta fascinación visual se sumó un impacto sonoro decisivo: ver a Gustavo Cerati tocando "En la ciudad de la furia" en televisión. Aquella descarga de energía, sumada a la influencia de próceres como David Gilmour y Pappo, lo llevó a insistir durante un año hasta obtener su instrumento. Su formación formal comenzó a los seis años con Carlos Rebello, un histórico docente local con quien estudió de manera ininterrumpida durante siete años.

Rebello no solo le enseñó técnica, sino también la importancia de la autonomía. Justo antes de la pandemia, el maestro notó que Laucha solía esperar que él le resolviera las canciones, a pesar de su capacidad para sacarlas por cuenta propia. Con sabiduría pedagógica, decidió espaciar las clases para forzarlo a ganar independencia. Este proceso coincidió con su ingreso en 2017 a Polivalente, un entorno que resultó ser un gran estímulo creativo.

Laucha se define, con humor y orgullo, como un defensor acérrimo de la música de su ciudad y de Argentina. Para él, la identidad artística local es una bandera irrenunciable. 

Al analizar la actualidad, el guitarrista se muestra optimista. Asegura que la escena local atraviesa su mejor momento desde 2017. Recuerda que entre 2022 y 2023 existía una queja generalizada sobre la falta de espacios, pero la situación experimentó un giro positivo y hoy existe una oferta diversa de salas. No obstante, advierte sobre los desafíos: la sostenibilidad de la oferta, la diversidad de géneros y la necesidad de cooperación.

"Juntos es mejor. Los placeres son con otros", afirma Laucha al reflexionar sobre la importancia de la sinergia entre bandas.

Laucha es la antítesis del músico estático. Actualmente participa en siete proyectos musicales: cinco de carácter eléctrico y fijo, y dos en formato acústico. Aunque todos se estructuran bajo el paraguas de la canción pop, cada uno explora una identidad distinta. En Plan Roma, por ejemplo, destaca el juego creativo con el vocalista, definiéndose humorísticamente como "el perro y el gato" por sus intensas discusiones que enriquecen el resultado final.

Por otro lado, Lautaro Soto se inclina hacia el post-punk, mientras que Babel se enfoca en un pop rock directo. Odisea representa el sonido indie y pop alternativo, y su nuevo proyecto fusiona neo-soul, funk y pinceladas de jazz. "Mutar es lo que más me interesa como músico, no quedarme toda la vida tocando el mismo género", confiesa.

A pesar de su solvencia, admite lidiar con timidez y perfeccionismo al momento de componer letras propias. Sin embargo, gracias a las clases de canto, ha logrado canalizar su voz y perder el miedo escénico. Al mirar hacia el futuro, su meta ya no es la masividad, sino la autogestión y el disfrute del presente. "Hace dos años muchas de esas estrellas estaban lejos y hoy las tenés al lado. Disfrutemos lo que está sucediendo ahora, porque es bellísimo y no sabemos cuánto va a durar", concluye.

Tandil y Buenos Aires se conectan a través de una historia de perseverancia, aserrín y rimas. Thomas y LYRO, dos jóvenes carpinteros de 23 y 24 años respectivamente, criados en el mismo barrio y amigos de toda la vida, están listos para dar el paso más importante de su carrera artística. Con el lanzamiento de su nuevo single y videoclip "Baires", buscan romper el "techo" de su ciudad natal y consolidarse en la competitiva escena de la música urbana argentina.

La trayectoria de este dúo no es fruto de la casualidad, sino de años de amistad inquebrantable, trabajo duro y una profunda convicción de que la música es, ante todo, un refugio para la sanación personal.

La historia de los artistas comenzó en el barrio Jardín de Tandil, donde a los 7 años iniciaron una amistad que derivó en una profunda hermandad de vida. Compartieron la escuela primaria y prácticamente cada etapa de su crecimiento. Hoy en día, esa complicidad trasciende las aulas y se traslada a su oficio diario: ambos trabajan codo a codo como carpinteros para financiar sus producciones musicales.

"Nosotros somos carpinteros los dos", explican con orgullo, asumiendo que sus empleos cotidianos les permiten pagar instrumentales, plataformas digitales y producciones de calidad. Sin embargo, el norte está claro: "Yo no quiero trabajar con la madera toda mi vida, yo quiero... vivir de esto, vivir de la música", expresa Thomas, aspirando a obtener el sustento de un empleado de comercio pero a través de su arte. Para lograrlo, dedican todo su tiempo libre a la música; se levantan, trabajan y van directo al estudio a componer como cantautores de sus propios temas.

Aunque llevan años haciendo música y componiendo —llegando incluso a escribir temas para artistas nacionales —, el verdadero punto de inflexión ocurrió hace aproximadamente un año. En el estudio Apolo, mientras colaboraban con un productor de renombre nacional —reconocido por trabajar con figuras de la escena —, recibieron una validación crucial para su futuro. Al escuchar su material, este profesional les aseguró que artísticamente tenían el nivel de cualquier artista consagrado ("pegado") y que solo les faltaba reconocimiento.

Ese momento fue el disparador que los impulsó a profesionalizar su carrera. Decidieron pagar formalmente su distribución en plataformas digitales, invertir en campañas de publicidad y diseñar estrategias de marketing rigurosas. "La gente tiene que saber qué hacés, qué se viene, qué es lo próximo... tenés que estar en todo", sostienen, enfatizando la importancia de mostrar el "detrás de escena" y construir constancia para que el público se interese y los tome en serio.

Su nuevo single, titulado "Baires", representa su primer single oficial en conjunto, y se lanzará formalmente este viernes por la noche. La oportunidad del videoclip surgió cuando Thomas ganó un concurso de producción audiovisual en Capital Federal. Sin dudarlo, viajaron durante tres días (viernes, sábado y domingo) para rodar en locaciones urbanas de Buenos Aires que elevan significativamente el impacto de su propuesta visual.

Para el dúo, filmar en Buenos Aires es un paso estratégico indispensable. Citando la conocida frase "Dios atiende en Buenos Aires", explican que aunque se puede crecer en Tandil, la masividad y la sustentabilidad exigen expandirse a la capital. Allí, junto a amigos que viven de la música con disciplina profesional, asimilaron la importancia de mantener una postura impecable: “Te tenés que portar como un señor, porque en cualquier momento te puede ver alguien y no te toma en serio si no lo hacés”.

Detrás de su energía musical, la composición artística actúa como un canalizador de sus batallas personales. "Creo que la música es el lugar más cómodo, la sanación de uno también, porque salís del caos", afirman. Sus temas reflejan crisis sentimentales, ansiedades y dolores de la cotidianidad. Por ejemplo, la canción "Felicidad" de LYRO aborda procesos emocionales muy complejos donde el único motor motivacional es “la mirada de mi vieja”. 

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El cuidado mutuo ha sido indispensable para sostener el proyecto frente a las crisis de salud mental. El año pasado, LYRO lidió con ataques de pánico y ansiedad severa, recurriendo a terapia y a técnicas de anclaje como usar auriculares para trabajar y entrenar en calma. Sufrió una fuerte crisis de pánico hace dos meses, precisamente cuando planificaban el viaje a Buenos Aires. Paralizado por el miedo, se negó a viajar, pero el acompañamiento paciente de Thomas disipó sus tensiones y lo convenció de dar el salto. "Yo me caigo, él me levanta; él se cae, yo lo levanto", explican sobre su hermandad.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan es la falta de apoyo mutuo en la escena de Tandil, un ambiente donde a menudo impera el recelo por sobre la colaboración. Frente a esto, entienden que la única manera de derribar barreras y abrirse puertas es demostrar resultados: publicar videos profesionales, mantener la regularidad y generar "números" reales en las plataformas.

Con más de 10.000 visualizaciones en sus reels promocionales y la experiencia previa de haber abierto el show del trapero "El Doctor", el dúo mira al futuro con ambición medida. Mientras Thomas se enfoca en perfeccionar un sonido vocal único y reconocible, LYRO apunta a estructurar la monetización, la publicidad y el marketing digital para transformar su arte en su único empleo.

"Baires" se estrena esta noche a las 21:30 en el canal oficial de LYRO. No es solo un lanzamiento; es el manifiesto de dos amigos de la infancia que decidieron dejar las herramientas de carpintería en el taller para construir su propio destino sobre los escenarios.

En el mapa musical de la provincia de Buenos Aires, existen artistas que logran capturar la esencia de su territorio no solo a través de las letras, sino mediante el ritmo y la cadencia de su propia vida. Nahu Elichiri es uno de ellos. Oriundo de Benito Juárez pero con un pie firme en Tandil, el músico representa una nueva generación de artistas que fusionan la calma del interior con la formación académica y la urgencia de la ciudad. Su recorrido fue analizado en detalle durante su paso por Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

Benito Juárez es descrito por Nahu Elichiri como un pueblo pequeño, de unas 30 cuadras de extensión, donde la movida musical sobrevive gracias a la pasión de sus habitantes más que a la infraestructura disponible. A pesar de no contar con tantos espacios de formación o lugares para tocar, Juárez ha mantenido históricamente un movimiento constante de músicos. El artista inició su camino a los nueve años en la Dirección de Cultura local, donde hoy, irónicamente, se desempeña como trabajador.

La música en la vida de Nahu Elichiri no es una elección azarosa, sino un legado familiar. Su padre formó una de las primeras bandas de canciones originales en Benito Juárez junto a su tío. Tras el fallecimiento de su padre cuando Nahu Elichiri tenía solo nueve años, la música se convirtió en un refugio y una forma de reconexión con su memoria. Actualmente, ese círculo familiar se mantiene intacto: su hermano Mateo toca el bajo y Luis Alberto Iocca, a quien considera un segundo padre, es su baterista.

Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Nahu Elichiri es cómo el entorno físico moldea su sonido. Juárez, con su geografía de llanura extrema, influye directamente en su sensibilidad compositiva. El artista describe su proceso como una mezcla de la visión urbana que le otorga Tandil y el aire folk y rural del campo juarense. Sus canciones suelen nacer de la música primero, dejando que las letras maduren con el tiempo, a veces durante años. Temas como el cambio de paisaje y la vida en la ruta son recurrentes, reflejando su rutina semanal: de lunes a jueves en Tandil por estudio y trabajo, y los fines de semana de regreso en Juárez.

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Actualmente, Nahu Elichiri se encuentra finalizando un proceso de grabación extenso para su nuevo álbum, el cual consta de 12 canciones. Este proyecto solista representa un salto al vacío y una apuesta personal. La grabación se lleva a cabo en la casa del tecladista de la banda y amigo cercano, lo que permite un ritmo de trabajo libre de las presiones comerciales.

"Juárez tiene esa posibilidad de que tenemos otros tiempos", explica el músico, destacando que pueden dedicar días enteros a una sola canción para dejarla madurar.

Este enfoque "slow" busca un salto de calidad y profundidad en las composiciones, alejándose de la ansiedad por el estreno inmediato. Como artista independiente, asume todas las facetas de su carrera, desde la composición hasta la gestión de su imagen digital. A pesar de la importancia de las plataformas, admite que el mundo de las redes sociales le resulta difícil. "Es difícil poner la cara y hablar... intento obligarme un poco a romper ese pudor y ese autocringe", confiesa sobre la necesidad de mostrarse en Instagram y otras plataformas para difundir su arte.

Su música, que incluye temas como "Ciudad" —regrabado con banda completa tras su versión original en pandemia— y el estreno de "Todo lo que hay dentro", busca redescubrir la luz y la oscuridad interna a través de melodías que invitan a la reflexión. Nahu Elichiri no oculta sus influencias, que van desde el impacto adolescente de la fuerza de Nirvana y Metallica hasta la admiración por figuras como Paul McCartney. Sin embargo, mantiene un fuerte vínculo con la música local, citando a bandas juarenses como Chicote y artistas como el Bomba Soco.

La propuesta de Nahu Elichiri es, en última instancia, una invitación a bajar un cambio, a escuchar el murmullo de la provincia y a valorar los procesos artísticos que se cocinan a fuego lento entre amigos y familia. Su música se puede encontrar en plataformas digitales como Spotify bajo su nombre y en Instagram como @elichiri.wav

La relación de Manuel, conocido artísticamente como Manu UNNAMED, con la música comenzó desde muy pequeño. Según relata el artista, los auriculares fueron su primer refugio frente a las dificultades cotidianas. "Siempre era de ponerme los auriculares e irme a un mundo aparte. Era una vida de escape que siempre me hizo muy bien y me permitió salir de la realidad", confiesa sobre sus años de infancia.

Su incursión formal en el mundo del hip hop se remonta a 2008 y 2009, cuando comenzó a practicar beatbox para sus amigos en la plaza. Aquella curiosidad inicial por el ritmo y la improvisación fue el motor que lo llevó a interesarse por las competencias de rap. Con 28 años en la actualidad, recuerda que su paso por la escuela secundaria fue fundamental para profundizar en el género, escuchando referentes que marcaron su estilo, como el grupo chileno Movimiento Original y artistas del rap estadounidense como Nate Dogg y Eminem.

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Para Manu, el lenguaje no fue una barrera para conectar con la música extranjera. "Es loco cómo hay algo que trasciende el lenguaje, es más el sentir", explica. Esta conexión emocional es la que hoy define su obra, la cual describe como un "canal de sanación" donde la búsqueda de autosuperación es el eje central de sus letras.

A diferencia de otros artistas que siguen métodos estrictos, el músico tandilense prefiere la fluidez. "No hay un método firme. Pongo un instrumental, tarareo, grabo y voy encontrando la vuelta dependiendo de lo que voy sintiendo", detalla sobre su forma de componer. Esta libertad creativa se complementa con un equipo de trabajo consolidado. 

Sobre el nombre artístico que lo identifica, el músico revela una anécdota curiosa vinculada a sus inicios en los videojuegos. "Estábamos con un compañero de laburo y buscaba un nombre. Me acordé que en el Counter, cuando no tenías nombre, aparecía 'unnamed'. Lo di vuelta y dice 'de Manu'. Es un juego de palabras: no tengo nombre, pero esto sale de Manuel", explica.

Al analizar el crecimiento del género urbano en los últimos años,  UNNAMED destaca la democratización de las herramientas de producción. "Antes se pensaba que para hacer música debías tener una formación estricta de conservatorio. Hoy, tener un micrófono en casa o más productores disponibles abrió una puerta gigante", sostiene. Asimismo, reconoce que el fenómeno del Quinto Escalón en 2015 fue un punto de inflexión que impulsó a toda una generación.

En cuanto a sus planes a corto plazo, el artista prefiere la agilidad de los lanzamientos individuales por sobre la estructura de un disco. "Tengo ganas de seguir sacando singles. La repercusión se la dejo a la vida", afirma. No obstante, el proyecto de llevar su música a los escenarios está latente. "Tengo pensado cocinarlo bien y presentarme con una banda, con batería y guitarra. Para fin de año es posible", concluye con entusiasmo, reafirmando que su norte es seguir creando con amor y honestidad.

El reconocido artista español Muerdo habló en exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre su esperada presentación en la ciudad. En una charla distendida, el músico reflexionó sobre su proceso creativo y la conexión especial que mantiene con el público argentino, al cual definió como "el mejor del mundo" por su calidez y afecto constante.

La gira, titulada "Gira por donde nacen las canciones", tiene un carácter acústico que le permite al artista llegar a localidades que habitualmente quedan fuera de los circuitos de los grandes espectáculos internacionales. Tras su paso por ciudades como Rosario, Córdoba y Mendoza, Muerdo continúa su recorrido por la provincia de Buenos Aires, incluyendo paradas en Junín, Olavarría, Lomas de Zamora, San Isidro y Mar del Plata, antes de su desembarco en Tandil.

Al ser consultado sobre el origen de su música, el cantautor explicó que sus composiciones nacen de las emociones y de una observación sensible de la realidad. "Las canciones surgen de lo que ocurre dentro y fuera de uno, de las historias de amigos y del mundo en general", señaló durante la entrevista. Este enfoque humano es el que ha logrado consolidar una carrera de 15 años, que ahora celebra con un repaso por sus seis discos de estudio.

Una de las particularidades más destacadas de esta gira es la metodología utilizada para definir el setlist. Muerdo decidió involucrar a sus seguidores a través de las redes sociales, permitiendo que sea el propio público quien elija las canciones que interpretará en cada show. Según el artista, este proceso ha sido "perfecto", ya que le brinda la oportunidad de revisitar temas antiguos y realizar un viaje emocional por todas sus etapas artísticas sin la presión de presentar material nuevo.

El formato del espectáculo en Tandil será sumamente íntimo. El músico se presentará solo en el escenario, acompañado únicamente por su guitarra, un teclado y su voz. A pesar de la sencillez del formato, el artista destacó que viaja respaldado por un equipo técnico y su Tour Manager, asegurando que la calidad sonora y la puesta en escena mantengan el "sello de calidad" que lo caracteriza en sus presentaciones internacionales.

Durante la charla, Muerdo recordó sus inicios en España, donde comenzó tocando en bares, centros cívicos y manifestaciones ligadas a movimientos sociales. También rememoró su primer viaje internacional a Cuba, donde fue invitado por el Instituto Cubano de la Música y tuvo la oportunidad de conocer a Silvio Rodríguez, un encuentro que marcó un antes y un después en su visión sobre la profesión.

Al reflexionar sobre el concepto de éxito en la industria musical actual, Muerdo fue contundente: "El verdadero éxito es poder vivir de la música y mantener una carrera larga y sostenible en el tiempo". Para el artista, los premios o los números en las plataformas de streaming son secundarios frente a la importancia de construir un público fiel en todo el mundo que acompañe al músico a lo largo de los años.

En su paso por Argentina, el cantautor valora especialmente el contacto con la naturaleza y los paisajes locales. Además, procura integrar a los músicos de cada región, a quienes suele invitar para abrir sus shows, fomentando un intercambio cultural enriquecedor. "Tandil y Olavarría son destinos nuevos para mí, y tengo muchas ganas de conocer su cultura y su gastronomía", comentó con entusiasmo.

Precisamente, el cierre de la entrevista tuvo un tono humorístico al abordar la gastronomía tandilense. Muerdo admitió tener excelentes referencias sobre los embutidos, el salamín y los quesos de la zona. Los conductores del programa bromearon sobre la competencia por el salame más largo del mundo, un récord que Tandil busca recuperar en noviembre, generando un momento distendido antes de recordar que las entradas para el show del 4 de septiembre ya se encuentran disponibles en su sitio web y redes sociales.

La banda Pezcuis atraviesa un momento de expansión creativa y profesional. Con el reciente lanzamiento de su sencillo Vencida, el grupo reafirma su identidad sonora y se prepara para presentar su nuevo material discográfico a fines de septiembre. Este proceso no solo marca una evolución en su propuesta musical, sino que también consolida su vínculo con la escena independiente a través del sello Casa del Puente, con sede en Mar del Plata.

Para Victoria Salas y Daniel Roca, integrantes del proyecto, este nuevo corte de difusión representa un regreso a las raíces más enérgicas del grupo. Si bien sus trabajos anteriores exploraron matices vinculados al jazz y la balada, Vencida recupera una esencia rockera, combinando un ritmo acelerado con una carga emocional distintiva en la voz de Victoria Salas. La pieza fue grabada en Mar del Plata y mezclada en Tandil, reflejando el trabajo colaborativo que define su presente.

A pesar de la búsqueda constante por trascender las fronteras locales y alcanzar una audiencia nacional, el orgullo por su origen en Tandil permanece intacto. La ciudad no solo es mencionada en cada una de sus presentaciones, sino que funciona como una referencia constante tanto en sus composiciones como en la narrativa visual de sus videoclips. Para los músicos, salir de la ciudad es una herramienta necesaria para ganar perspectiva y "abrir la cabeza", permitiéndoles fomentar un circuito cultural regional que conecte a Tandil con localidades como Azul, Benito Juárez y Mar del Plata, descentralizando la mirada puesta únicamente en Buenos Aires.

La integración al sello Casa del Puente ha sido un pilar fundamental en esta etapa. Según explican Victoria Salas y Daniel Roca, esta estructura les permite formar parte de una comunidad de bandas amigas, como Maniobras y Cartas a Mí. Este respaldo no solo facilita la distribución y edición de sus discos, sino que también abre puertas a la prensa nacional, permitiendo que la música producida en Tandil gane mayor visibilidad en el mapa cultural del país.

En cuanto a la escena local, la banda observa un ecosistema fragmentado entre diversos géneros, desde el jazz y el soul hasta el punk y el metal. Su propuesta busca "administrar" esos mundos, invitando a bandas de distintos estilos para generar una mixtura de públicos. Para Pezcuis, el éxito ya no se mide por la masividad de los estadios, sino por la capacidad de construir comunidades orgánicas y sinceras que presten atención a la propuesta artística.

El lanzamiento de Vencida viene acompañado de una propuesta estética que profundiza en la mitología propia de la banda. El videoclip relata la existencia de un dios llamado Pezcuis, quien otorga inspiración a los artistas, y su conflicto con un científico conocido como Lucas. Este último busca secuestrar a los integrantes de la banda para apropiarse de dicha fuente creativa.

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Esta narrativa explica la puesta en escena que el público puede observar en sus presentaciones en vivo, donde los integrantes aparecen con vendas o líneas en los ojos. Estos elementos simbólicos representan el estado de control bajo el cual se encuentran frente al personaje de Lucas, integrando la ficción con la experiencia musical en un concepto integral.

Tras el estreno de este sencillo, la banda mantiene la mirada puesta en el lanzamiento oficial de su nuevo álbum, programado para fines de septiembre. Este disco promete mantener la estética renovada que el grupo ha trabajado recientemente, sin perder la esencia que los caracteriza desde sus inicios.

Una vez publicado el material, Pezcuis tiene proyectada una gira que los llevará a recorrer diversos puntos del país. Entre los destinos pensados en esta etapa de expansión se encuentran La Plata, Buenos Aires, Rosario y Córdoba. Con este despliegue, el grupo busca consolidar su propuesta a nivel nacional, reafirmando que la autogestión y el trabajo colectivo son motores posibles para el crecimiento de la música independiente argentina.

El frío de Tandil es particular; es, en palabras de quien ha recorrido los escenarios más importantes del rock nacional, "la Antártida dentro de la provincia de Buenos Aires". Sin embargo, ese clima gélido que se queda atrapado entre las sierras no ha logrado enfriar la pasión de una de las bandas más emblemáticas de la ciudad, y que este fin de semana volverá a presentarse en un escenario local. Tras 35 años de trayectoria, Katarro Vandáliko se prepara para un regreso triunfal a su tierra natal, cargado de nostalgia, nuevos proyectos y una mirada crítica sobre el presente cultural de su ciudad.

La historia de la agrupación es, ante todo, una crónica de persistencia. Con 52 años de edad y 28 de residencia en Buenos Aires, Matt Buzz recuerda cómo la música fue el motor que lo empujó a buscar nuevos horizontes a los 24 años. En aquel entonces, Tandil ofrecía un "techo" difícil de perforar: o se trabajaba en el campo, en la metalúrgica o se enfrentaba la desocupación. Buenos Aires fue la "vidriera" necesaria, aunque el comienzo fue duro, trabajando como mandadero en moto para poder financiar su sueño.

Hoy, la carpeta laboral de la banda es envidiable. Han pisado suelo mexicano en cuatro ocasiones, han realizado tres giras por Chile y han llevado su punk rock a Uruguay y Paraguay. Han tocado dos veces en el mítico Estadio Obras, cuentan con casi 23.000 seguidores en Spotify y poseen éxitos como "Si te encontrara", que supera el millón y medio de reproducciones. El reconocimiento ha llegado de lugares inesperados: desde el Papu Gómez celebrando goles en Arsenal con la remera de la banda, hasta figuras como Juan Manuel Moretti elogiando su nombre como el mejor de la escena.

A pesar de ser embajadores culturales que han hecho que en Acapulco o Montevideo se asocie a Tandil con su música, la banda vivió un trago amargo recientemente. El músico no oculta su tristeza y decepción por no haber sido convocados para los festejos de los 200 años de la ciudad.

"Para mí fue un error garrafal", afirma con pesar, atribuyendo la omisión a una falta de información o formación por parte de los organizadores. El sentimiento de ser ignorado en un evento de tal magnitud duele, especialmente cuando se han dedicado tres décadas y media a poner el pecho por la identidad tandilense en el exterior.

"Artísticamente y culturalmente fuimos lo más importante representando a la ciudad. Todavía Tandil no se dio cuenta de la banda que somos", reflexiona, aclarando que no lo dice desde el egocentrismo, sino desde la realidad de los hechos y el esfuerzo invertido.

Lejos de guardar su experiencia bajo llave, el líder de Katarro se ofrece como un consejero para las nuevas generaciones. Su visión es clara y pragmática, basada en los años de "meter huevo" y garra.

El primer pilar es salir de las "cuatro avenidas". Advierte que Tandil tiene un "cascarón" que, si no se rompe a tiempo, te atrapa de por vida. Insta a los artistas a no cansarse de tocar siempre para la misma gente y en los mismos lugares; recomienda salir a Rauch, Necochea o cualquier otro destino para mostrar el arte.

En segundo lugar, destaca la importancia de invertir en el arte antes que en la estética. Recuerda sus inicios, donde prefería usar la misma ropa o el mismo jean gastado pero comprarse un buen amplificador, un micrófono o un pedal. "Artísticamente estaba creciendo, aunque en ese momento no se viera el resultado", explica, subrayando la importancia de priorizar la calidad del sonido y el equipo.

Asimismo, reconoce la necesidad de Buenos Aires. Aunque valora las herramientas digitales actuales como Spotify y YouTube, sostiene que CABA sigue siendo el epicentro donde están las oficinas de publishing, las prensas más importantes y los contactos clave para derivar en proyectos mayores.

Finalmente, aboga por el profesionalismo y la intensidad. Se define como un "intenso" con el laburo, supervisando cada detalle desde el sonido y las imágenes en pantalla hasta el staff y el merchandising. "Si no sos intenso en esto, te pasan por arriba o te cajonean", asegura desde la experiencia de gestionar una estructura que, en producciones grandes, moviliza hasta 15 personas.

El retorno a Tandil para presentar su nuevo disco de 10 canciones —el primero tras 11 años sin editar material— es una mezcla de emociones. El álbum incluye ocho temas propios y dos covers ("Ella vendrá" de Los Visitantes y "Nunca voy a olvidarte"), un repertorio que busca reactivar la energía de la banda tras el éxito de su reciente edición en vinilo de "Buenos Muchachos".

Más allá del show, el viaje es un reencuentro con sus raíces: con sus amigos de toda la vida, con su abuela de 98 años y con su hija mayor, que es fotógrafa profesional. A pesar de los años y de haber cumplido el sueño de viajar en avión —algo que de chico, viendo las aeronaves de la Base Militar desde la escuela, le parecía imposible—, mantiene los pies en la tierra.

Con 52 años, empieza a contemplar el futuro y la "depresión post-música", deseando que, cuando llegue el momento de cerrar el telón, sea con la coherencia necesaria para despedirse bien de su público. Mientras tanto, sigue ensayando en su sala de Caballito, irónicamente llamada "Sala Tandil", demostrando que, aunque el artista salga de la ciudad, la ciudad —con sus sierras, su frío y su identidad— nunca sale del artista.

La emblemática banda de punk rock Katarro Vandaliko se encuentra actualmente presentando su nuevo material discográfico, titulado En el Lado B del Corazón. Este lanzamiento, que marca un hito en su extensa carrera, fue abordado recientemente en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde se destacó la vigencia de un grupo que ha sabido mantenerse como una referencia ineludible del género a nivel nacional.

Con más de tres décadas de trayectoria, la formación originaria de Tandil continúa recorriendo escenarios de Argentina y Latinoamérica, combinando sus composiciones más recientes con aquellos clásicos que marcaron a diversas generaciones de seguidores. La banda, formada en 1991, logró desde sus inicios fusionar la energía cruda del punk con melodías trabajadas, incorporando influencias clave del rock británico de los años 70 y 80 para construir una identidad sonora propia y reconocible.

La formación original, integrada por Matt Buzz y Juanse Papponetti en guitarras y voces, Hepi Rock en batería y Tin Estévez en bajo, logró cimentar un repertorio lírico profundo. Sus canciones, atravesadas por temáticas como el amor, el desamor, la injusticia social y la frustración generacional, permitieron que el grupo se convirtiera en una voz representativa para miles de jóvenes.

El año 2000 marcó un punto de inflexión con la edición de su primer álbum, Buenos Muchachos, el cual contó con la producción de Mariano Martínez, integrante de Attaque 77. Este trabajo es considerado hoy por la crítica y los fanáticos como un clásico moderno del punk argentino, estableciendo los cimientos de una discografía prolífica que incluye títulos como Llegando al Límite (2002), producido por Honest John Plain de The Boys, Simple Nostalgia (2003), Té de Estilo (2004), Contrarreloj (2008) y El Sonido de tu Tiempo (2011).

La influencia del punk rock de las islas británicas siempre ha sido una constante en la propuesta de Katarro Vandaliko. Esta conexión quedó plasmada de manera explícita en el EP Simple Nostalgia, donde la banda realizó versiones de clásicos de The Beatles y Buzzcocks. Esta faceta les permitió compartir escenarios con figuras de renombre internacional como GBH, Buzzcocks y Stiff Little Fingers, además de referentes locales como Dos Minutos y Flema.

La historia del grupo quedó documentada en hitos como el DVD en vivo 20 Años en Groove, registrado en 2012 en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, en 2025, la banda celebró oficialmente sus 30 años de carrera con un show especial en Uniclub, donde se reunió la formación original, consolidando uno de los momentos más emotivos y significativos de su trayectoria.

Hoy, en 2026, el grupo sigue demostrando que su propuesta artística no solo se sostiene en la nostalgia, sino en la capacidad de renovarse. Con la presentación de En el Lado B del Corazón, Katarro Vandaliko reafirma su compromiso con el público y su lugar privilegiado en la historia del rock nacional, manteniendo intacta la energía que los vio nacer hace 35 años en las calles de Tandil.

Matías Leanza Montes, referente de la agrupación, participó recientemente de una entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el encuentro, el artista analizó el presente de la banda y cómo lograron consolidarse como uno de los proyectos independientes con mayor proyección federal en la actualidad. Con seis años de trayectoria, la banda supo construir una estética propia que combina la fuerza del rock con la sensibilidad melódica del pop, un híbrido que ellos mismos denominaron como “pop pesado”.

La propuesta de la banda no se limitó únicamente a lo sonoro. Desde sus inicios, los integrantes comprendieron que la pata visual resultaba fundamental para transmitir su mensaje. En ese sentido, Leanza Montes explicó que trabajaron intensamente en su canal de YouTube con videoclips de alta factura técnica. Curiosamente, la dirección de casi todas sus piezas audiovisuales estuvo a cargo de su sobrino, Juan Thiago Leanza Montes. “Cuando formamos la banda, la idea era tener un frente lo más amplio posible, que no solamente sea la música sino también toda la pata visual y de imagen”, relató el bajista, quien recordó que su sobrino comenzó su carrera como *filmmaker* casi en simultáneo con el nacimiento del grupo.

Uno de los puntos más destacados de la charla fue la filosofía de grabación que adoptó la agrupación. En un contexto donde la industria musical abusa de herramientas de corrección como el Auto-Tune o el Melodyne, ellos decidieron transitar el camino inverso. Matías señaló que, si bien cuidan cada detalle del diseño sonoro —desde los teclados hasta las afinaciones graves de las guitarras—, las voces permanecen sin ediciones que alteren su esencia natural.

“Nosotros no usamos edición de afinación en las voces; hasta incluso se escuchan ciertas desafinaciones en el disco”, confesó el músico. Según su visión, el oído cultural actual se encuentra “formateado” para que todo suene perfecto y encuadrado en una grilla, algo que termina por agotar la experiencia auditiva. Para Leanza Montes, recuperar esa imperfección orgánica es un acto de honestidad artística: “Buscamos recuperar la naturalidad sin abandonar la prolijidad, pero alejándonos de ese formato donde todo tiene que salir perfectito”.

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Esta búsqueda de autenticidad se traduce en lo que denominan “exceso de información”. El concepto de “pop pesado” no refiere necesariamente a una distorsión constante, sino a la densidad de las capas sonoras y a una ejecución vibrante que remite a las bandas clásicas, donde la interpretación humana primaba sobre el procesamiento digital.

Komo Yamarte recorre el país como una de las bandas independientes del momento, un logro que no es casual sino fruto de una estructura de trabajo muy disciplinada. El músico explicó que cuentan con su propia consola y un *setup* técnico específico que les permite sonar de la misma forma en cualquier escenario, independientemente de la infraestructura del lugar. “Tenemos una cuestión de banda de cumbia, de las que están súper aggiornadas y tocan en vivo de verdad; no dependemos estrictamente de amplificadores externos”, comparó.

Al ser consultado sobre qué significa “llegar” en la música contemporánea, Leanza Montes ofreció una respuesta pragmática y alejada de los romanticismos habituales. Para el artista de 41 años, el éxito hoy se mide en la capacidad de cortar más de 200 tickets de forma sostenida. “Cuando tenés una estabilidad en todas las zonas donde tocás, ya sea el sur, el norte, Rosario o Tandil, y llevás entre 100 y 200 personas, ya llegaste, porque eso te permite cubrir los costos”, aseguró.

En este recorrido, la banda valoró especialmente sus visitas a ciudades como Rosario y el interior de la provincia de Buenos Aires. El vínculo con Tandil también estuvo presente en la conversación, mencionando la relación cercana con artistas locales como Campo Lup, con quien compartieron escenario recientemente. Para los integrantes del grupo, el esfuerzo de trasladarse kilómetros para tocar es parte esencial del oficio: “Si sos músico o artista, te tenés que desplazar; nosotros somos de Zona Oeste y nos movemos siempre a todos lados”.

La realidad de la escena argentina para las bandas independientes fue otro de los ejes de la entrevista. Matías analizó las diferencias con mercados como el de Brasil y lamentó que, durante décadas, la música en el país fuera un negocio reservado para pocos. “Durante los 80, 90 y principios de los 2000, había poca información y se decía muy poco de lo que había que hacer”, reflexionó el entrevistado.

A pesar de que las redes sociales democratizaron el acceso a la difusión, el músico fue crítico con el rol de los algoritmos y la inversión publicitaria. Según su análisis, hoy en día se mantiene una lógica similar a la de las épocas de la radio: el talento sobra, pero la visibilidad depende en gran medida de la pauta y la infraestructura que se pueda financiar. “La pauta sale dinero y nadie está ahí solo por talento. El talento sobra en Argentina, hay artistas que no los conoce nadie y tienen canciones que son hermosas”, subrayó con firmeza.

Pese a ser una banda que utiliza la tecnología a su favor, mantienen una postura crítica sobre la alienación digital. Cuentan con una canción titulada “Que se apague todo”, la cual funciona como una declaración de principios. Para ellos, el contacto directo con los medios tradicionales y el público es irremplazable. “Nos gusta ir a los programas y tener contacto con los medios, porque son los que generan una opinión verdadera, los que generan el mito”, explicó Matías.

Para el líder de la agrupación, por más exposición que se tenga en plataformas, lo que termina ganando peso es lo que se genera en el “tú a tú” con el otro. Esta filosofía es la que los impulsa a seguir recorriendo rutas y escenarios, apostando a que su mensaje perdure más allá de la reproducción efímera de un video en redes sociales.

Finalmente, el músico invitó a los seguidores a buscarlos en plataformas como Spotify y YouTube bajo el nombre de la banda, aunque aclaró con humor que en TikTok están “frizados” porque no se dedican a hacer comedia ni se adaptan fácilmente al formato de contenido ultra breve que exige esa red. “Es muy trabajoso y no se adecúa al mensaje que queremos dar nosotros, que es básicamente un sopapo a lo efímero”, concluyó Leanza Montes, reafirmando el compromiso de la banda con una propuesta artística de largo aliento.

La banda tandilense Derivé se prepara para celebrar su segundo aniversario con un evento que promete marcar un hito en su trayectoria. Los integrantes Santino Ferrari y Agustín Dicembrile visitaron Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre el festejo que tendrá lugar el próximo 25 de este mes en el Hípico.

A dos años de su formación, el grupo atraviesa una etapa de consolidación y crecimiento. Según explicaron sus integrantes, el proyecto ha evolucionado significativamente desde sus inicios, adaptándose a cambios en su alineación. "Han habido cambios importantes, sobre todo en el cantante, que es lo que más se nota [NdR: actualmente el cantante es Pedro Moreno]. Cambiamos casi todo, básicamente. Jere Santillan, Santi y yo somos los que estamos desde que arrancamos", comentó Agustín sobre la dinámica interna de la banda.

El evento del 25 de este mes contará con una grilla extensa que incluye a bandas como Banda Especia, Plan Roma, Proyecto Varsovia y Mudras, además de un escenario alternativo con la participación de diversos artistas locales. Para los miembros de Derivé, esta fecha tiene un significado especial, ya que remite a sus orígenes: "Nuestra primera fecha, justamente cuando cumplimos los dos años, fue ahí mismo con Lunático. Se dan muchas similitudes", recordaron los músicos.

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Más allá de los festejos, la banda se encuentra enfocada en la producción de su primer disco. El objetivo es lanzar el material durante este año, un proceso que definen como democrático y minucioso. "Normalmente, el que tiene la idea la proyecta, se graba una demo y se manda al grupo. Si gusta se hace, y si no, vemos qué se le cambia", detalló Agustín Dicembrile sobre la metodología de trabajo que comparten con el resto de los integrantes.

El álbum contará con siete canciones, algunas de las cuales serán presentadas en vivo durante la celebración del aniversario. Entre los planes de estudio, la banda evalúa la regrabación de su sencillo Jardín del Ser, la única pieza disponible actualmente en plataformas digitales. La intención es mantener la esencia original pero adaptarla a la formación actual, reemplazando la batería programada por una ejecución real grabada en el estudio de Fran Margueritte.

La labor de mezcla y postproducción recae en gran medida sobre los mismos integrantes, quienes admiten que el proceso es exigente pero gratificante. "Es difícil decir 'bueno, hasta acá', porque siempre agarro y toco algo nuevo", confesó Agustín. A pesar de los desafíos técnicos, el grupo mantiene el entusiasmo por profesionalizar su sonido, incorporando más capas de voces, coros y guitarras en las nuevas composiciones.

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Con la mirada puesta en el show del 25, los músicos invitaron a la comunidad a sumarse a la fiesta. Las entradas se encuentran disponibles a través de las redes sociales de la banda, específicamente en su perfil de Instagram @derive.smp, y en los canales de difusión de Lunático Producciones. Con este evento, Derivé reafirma su lugar en la escena local, celebrando dos años de música, cambios y una identidad que sigue en constante desarrollo.

La expectativa por la semifinal del Mundial 2026 entre Argentina e Inglaterra, que se disputará este miércoles desde las 16 en Atlanta, también se hará sentir en Tandil. Aunque la ciudad todavía no estará de vacaciones de invierno, el partido promete modificar la rutina habitual y cada comercio decidirá si mantiene sus puertas abiertas o interrumpe la atención al público durante el encuentro.

A diferencia de la mayoría de las provincias argentinas, la provincia de Buenos Aires recién iniciará el receso invernal el próximo lunes 20 de julio. Esto significa que en Tandil las clases se desarrollarán con normalidad durante la jornada del miércoles, aunque no se descarta que muchas instituciones adapten sus actividades para que alumnos y docentes puedan seguir el partido.

En ese sentido, hasta el momento no hubo anuncios oficiales sobre cambios en el calendario escolar ni suspensiones de clases. Como ocurrió en otros eventos deportivos de gran convocatoria, cada establecimiento podría definir su propia organización para transitar una jornada que estará atravesada por la expectativa mundialista.

Uno de los principales interrogantes pasa por la actividad comercial. A diferencia de otras ciudades del país, donde cámaras empresarias recomendaron cerrar media hora antes del inicio del partido, en Tandil no existe una disposición general.

Por ese motivo, cada comercio resolverá de manera independiente si continúa atendiendo al público o si baja sus persianas para que empleados y clientes puedan seguir el encuentro. Se espera que muchos locales reduzcan su actividad desde las 15.30, mientras que otros podrían optar por permanecer abiertos y transmitir el partido en sus instalaciones.

La experiencia de anteriores encuentros de la Selección indica que, más allá de las decisiones particulares, la circulación de personas disminuye considerablemente durante los 90 minutos de juego y la actividad comercial se reduce al mínimo.

Mientras en gran parte del país las vacaciones de invierno ya comenzaron y millones de estudiantes seguirán el partido desde sus casas, en Buenos Aires el calendario escolar continúa vigente hasta el viernes. Recién la próxima semana comenzará el receso para los alumnos tandilenses.

En ese contexto, el miércoles se perfila como una jornada especial: con clases, algunos comercios abiertos, otros cerrados y una ciudad que, como suele ocurrir cuando juega la Selección, probablemente haga una pausa para acompañar a Argentina en busca de un lugar en la final del Mundial 2026.

Tandil se prepara para recibir una propuesta musical de alta calidad el próximo 4 de julio. A partir de las 21, el escenario de Nueve90 Espacio Cultural, será el epicentro de una presentación íntima y dinámica a cargo de Abi González. El artista, oriundo de Azul y reconocido por su trayectoria en la escena nacional, llega a la ciudad para desplegar su espectáculo titulado Escaleno en formato solo set.

La jornada contará con un valor agregado para el público local, ya que la apertura del concierto estará a cargo del músico tandilense José Alcobruni. Esta combinación promete una noche de intercambio artístico que busca conectar con la audiencia a través de la canción de autor y la exploración sonora.

El concepto de Escaleno se articula a través de tres ejes fundamentales que definen el recorrido emocional y técnico del show. En primer lugar, la exploración del "adentro", centrada en la canción íntima; en segundo lugar, "la casa", que remite al folklore, lo espontáneo y la esencia de la guitarreada; y finalmente, "la expansión hacia el afuera", donde el artista incorpora programaciones electrónicas y el uso de loops para transformar el ambiente sonoro.

A lo largo del concierto, Abi González propone un recorrido escénico que alterna entre estos tres territorios. El repertorio seleccionado para la ocasión incluye piezas destacadas de sus seis discos de estudio, además de adelantos exclusivos de lo que será su próximo material discográfico, permitiendo a los asistentes conocer la evolución constante de su obra.

Abi González es un artista integral que se desempeña como cantante, guitarrista, compositor y productor. Su labor ha sido reconocida en múltiples ocasiones, destacándose especialmente por haber obtenido dos Premios Gardel. Su disco Violeta Azul, editado en 2018, fue galardonado como Mejor Álbum Artista de Folklore, compitiendo en una terna de gran prestigio. Posteriormente, su trabajo 11Puerta3, lanzado en 2024, recibió el premio como Mejor Álbum Folklore Alternativo.

Este último material discográfico representa un hito en su carrera, al ser su primer álbum dedicado íntegramente a la canción de autor. En dicha producción, el músico contó con la colaboración de destacados referentes de la música argentina como Lula Bertoldi, Benjamín Amadeo, Sofía Viola, Luciana Jury, Raly Barrionuevo y Luna Monti, consolidando su posición como una de las voces más versátiles de la escena actual.

Más allá de sus logros discográficos, el músico ha forjado una carrera sólida en los escenarios. Ha participado en dos ediciones consecutivas del Festival Nacional de Folklore de Cosquín y ha compartido presentaciones con figuras de la talla de Liliana Herrero, La Bomba de Tiempo, Orozco Barrientos, Silvina Moreno y Ainda. Su compromiso con la cultura fue reconocido en su ciudad natal, Azul, donde fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura.

Actualmente, además de su proyecto solista, Abi González continúa su labor creativa integrando el trío folklórico Nomás Así, junto a Violeta Videla y Federico Siksnys. Su llegada a Tandil representa una oportunidad única para disfrutar de un artista que logra fusionar la tradición folklórica con elementos contemporáneos, ofreciendo una experiencia sonora que trasciende géneros y formatos convencionales.

La banda más original de la escena argentina, Los Tabaleros, continúa recorriendo el país con su particular visión del folklore. Con un estilo definido por la picardía, la autenticidad y una energía festiva inagotable, el grupo llegará a Tandil para ofrecer un espectáculo que promete transformar el escenario en un ritual de celebración colectiva.

La cita para los seguidores locales será el viernes 11 de septiembre, a partir de las 20:00, en Avenida España 745. Las entradas para este evento ya se encuentran disponibles.

La agrupación, integrada por los hermanos Roberto Luis Martínez “Beto” (guitarra y voz) y José María Martínez (guitarra y voz), junto a Félix Mateos (bombo y voz), llega a la ciudad en uno de los momentos más destacados de su trayectoria. Este presente está marcado por múltiples nominaciones a los Premios Gardel y el reciente éxito de su presentación a sala llena en el Art Media de Buenos Aires.

El grupo propone una experiencia que trasciende lo meramente musical. Amor, locura y alegría se fusionan en cada presentación, generando un clima donde la música se vive como un acto compartido, intenso y profundamente libre. Esta identidad, que alguna vez fue vista como una propuesta irreverente, se ha consolidado hoy como uno de los proyectos más sólidos y celebrados de la música nacional.

Tras recorrer el país durante todo 2025, la banda presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Todo es Folklore”. Esta obra reúne nueve canciones grabadas junto a nueve artistas y bandas argentinas de diversos géneros, derribando las fronteras estilísticas. El álbum cuenta con colaboraciones de figuras como Los Nocheros, Las Pastillas del Abuelo, Los Caligaris, Los Tekis, Ráfaga y El Kuelgue.

Este crecimiento artístico se vio reflejado en las recientes nominaciones a los Premios Gardel, donde fueron distinguidos en tres categorías: Mejor Videoclip Largo por “Todo es Folklore”, Mejor Canción de Cuarteto por “Hielo, vino y coca” junto a Los Caligaris, y Mejor Colaboración por “Campera de cuero” junto a Las Pastillas del Abuelo.

A lo largo de los últimos años, Los Tabaleros han participado en festivales de gran relevancia como el Festival de Peñas de Jesús María, Cosquín Rock, Baradero Rock y Quilmes Rock. En dichos escenarios, compartieron cartel con artistas de la talla de Babasónicos, Divididos, Ciro y Los Persas y Duki, demostrando su capacidad para conectar con audiencias diversas.

Su discografía, que comenzó en 2009 con “Carmesí”, incluye títulos como “Lolita” (2013), “¡Tuy!” (2015), “Chuy” (2019), “Una Noche en el Paraíso Escondido” (2020) y “Caramelos de Felicidad” (2023). En este último trabajo, contaron con la participación de artistas como Soledad, Sandro y 2 Minutos.

Dentro de su etapa actual, destaca el lanzamiento de “Montaña”, una colaboración junto a Ráfaga. Este encuentro entre ambas bandas representa la unión de dos universos fundamentales de la cultura popular argentina y se perfila como uno de los grandes hitos de su carrera. Con esta propuesta, el grupo continúa expandiendo los límites del género, prometiendo para su fecha en Tandil una fiesta irrepetible donde la música argentina brilla en todas sus formas.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

La figura de Carlos "Indio" Solari dejó una huella imborrable en Tandil, ciudad que fue escenario de algunos de sus conciertos más multitudinarios. Tras conocerse la noticia de su fallecimiento, comenzaron a surgir diversos testimonios de ciudadanos que tuvieron la oportunidad de interactuar con el artista, destacando siempre su amabilidad y disposición para el trato cercano con quienes lo rodeaban en su vida cotidiana.

Uno de los relatos más significativos proviene de Matías Gomez, quien durante el año 2016 se desempeñaba laboralmente en el hotel Amaike. Aquel establecimiento fue el lugar elegido por la productora del cantante para alojar al equipo durante más de una semana, en el marco de los preparativos y la posterior realización de su última presentación en la ciudad.

Matías recuerda con precisión el momento del arribo del equipo al complejo hotelero. "Yo trabajaba para el hotel, recuerdo cuando llegaron, yo sin saber el nombre del Indio, los esperamos a que bajen de la camioneta que los trasladaba", relató el trabajador en diálogo con El Eco. La escena, lejos de la pompa que rodea a una estrella de rock, tuvo un matiz de absoluta sencillez.

El empleado describió cómo fue el primer contacto directo con el músico: "Resulta que iban bajando todos y en un momento se acerca un hombre con gorra y lentes y me dice: 'hola, un gusto, Carlos'". Debido a que Matías no estaba interiorizado en la trayectoria musical del artista, no logró identificar en ese instante quién era la persona que lo estaba saludando con tanta cortesía.

La confusión se mantuvo durante los primeros minutos, incluso tras la llegada del médico personal del cantante. "En esos días había llegado también su médico personal, cuando se bajaron todos de la camioneta le digo al doctor: 'doc, no vino el Indio?'. Sí, te acaba de saludar, es Carlos", recordó Matías sobre la revelación que le permitió comprender la magnitud del huésped que acababa de recibir.

El hotel no solo sirvió como lugar de descanso, sino también como epicentro de actividades profesionales. Fue precisamente en esas instalaciones donde se llevó a cabo la entrevista con Mario Pergolini, material que dio forma a "Tsunami: Un océano de gente", el documental producido por Vorterix que actualmente se encuentra disponible en la plataforma YouTube.

Durante su estadía, el músico mantuvo una actitud abierta con el personal del hotel. En las imágenes que trascendieron de aquel momento, se lo puede observar accediendo con paciencia y buena voluntad a tomarse fotografías con cada uno de los empleados que se lo solicitaban, un gesto que los trabajadores locales atesoran como parte de su recuerdo personal. “Un día estabamos con la mucama en el piso donde él se hospedaba, salió de la habitación y nos preguntó si había algún problema en poner música un poco alta”.

Sin embargo, la experiencia más íntima ocurrió una vez finalizado el evento masivo. Mientras que la estructura técnica y los integrantes de la banda emprendieron el regreso poco después del show, el cantante decidió extender su permanencia en el entorno serrano para disfrutar de una mayor privacidad junto a su círculo más cercano.

"Terminó el show y al otro día se fueron casi todos los de la banda, solo se quedó él con su mujer y su hijo por varios días más", concluyó Matías, ofreciendo una mirada distinta sobre el último paso del Indio Solari por Tandil, alejado de los escenarios y refugiado en la tranquilidad de las sierras.

La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.