La emblemática banda de punk rock Katarro Vandaliko se encuentra actualmente presentando su nuevo material discográfico, titulado En el Lado B del Corazón. Este lanzamiento, que marca un hito en su extensa carrera, fue abordado recientemente en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde se destacó la vigencia de un grupo que ha sabido mantenerse como una referencia ineludible del género a nivel nacional.

Con más de tres décadas de trayectoria, la formación originaria de Tandil continúa recorriendo escenarios de Argentina y Latinoamérica, combinando sus composiciones más recientes con aquellos clásicos que marcaron a diversas generaciones de seguidores. La banda, formada en 1991, logró desde sus inicios fusionar la energía cruda del punk con melodías trabajadas, incorporando influencias clave del rock británico de los años 70 y 80 para construir una identidad sonora propia y reconocible.

La formación original, integrada por Matt Buzz y Juanse Papponetti en guitarras y voces, Hepi Rock en batería y Tin Estévez en bajo, logró cimentar un repertorio lírico profundo. Sus canciones, atravesadas por temáticas como el amor, el desamor, la injusticia social y la frustración generacional, permitieron que el grupo se convirtiera en una voz representativa para miles de jóvenes.

El año 2000 marcó un punto de inflexión con la edición de su primer álbum, Buenos Muchachos, el cual contó con la producción de Mariano Martínez, integrante de Attaque 77. Este trabajo es considerado hoy por la crítica y los fanáticos como un clásico moderno del punk argentino, estableciendo los cimientos de una discografía prolífica que incluye títulos como Llegando al Límite (2002), producido por Honest John Plain de The Boys, Simple Nostalgia (2003), Té de Estilo (2004), Contrarreloj (2008) y El Sonido de tu Tiempo (2011).

La influencia del punk rock de las islas británicas siempre ha sido una constante en la propuesta de Katarro Vandaliko. Esta conexión quedó plasmada de manera explícita en el EP Simple Nostalgia, donde la banda realizó versiones de clásicos de The Beatles y Buzzcocks. Esta faceta les permitió compartir escenarios con figuras de renombre internacional como GBH, Buzzcocks y Stiff Little Fingers, además de referentes locales como Dos Minutos y Flema.

La historia del grupo quedó documentada en hitos como el DVD en vivo 20 Años en Groove, registrado en 2012 en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, en 2025, la banda celebró oficialmente sus 30 años de carrera con un show especial en Uniclub, donde se reunió la formación original, consolidando uno de los momentos más emotivos y significativos de su trayectoria.

Hoy, en 2026, el grupo sigue demostrando que su propuesta artística no solo se sostiene en la nostalgia, sino en la capacidad de renovarse. Con la presentación de En el Lado B del Corazón, Katarro Vandaliko reafirma su compromiso con el público y su lugar privilegiado en la historia del rock nacional, manteniendo intacta la energía que los vio nacer hace 35 años en las calles de Tandil.

Matías Leanza Montes, referente de la agrupación, participó recientemente de una entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el encuentro, el artista analizó el presente de la banda y cómo lograron consolidarse como uno de los proyectos independientes con mayor proyección federal en la actualidad. Con seis años de trayectoria, la banda supo construir una estética propia que combina la fuerza del rock con la sensibilidad melódica del pop, un híbrido que ellos mismos denominaron como “pop pesado”.

La propuesta de la banda no se limitó únicamente a lo sonoro. Desde sus inicios, los integrantes comprendieron que la pata visual resultaba fundamental para transmitir su mensaje. En ese sentido, Leanza Montes explicó que trabajaron intensamente en su canal de YouTube con videoclips de alta factura técnica. Curiosamente, la dirección de casi todas sus piezas audiovisuales estuvo a cargo de su sobrino, Juan Thiago Leanza Montes. “Cuando formamos la banda, la idea era tener un frente lo más amplio posible, que no solamente sea la música sino también toda la pata visual y de imagen”, relató el bajista, quien recordó que su sobrino comenzó su carrera como *filmmaker* casi en simultáneo con el nacimiento del grupo.

Uno de los puntos más destacados de la charla fue la filosofía de grabación que adoptó la agrupación. En un contexto donde la industria musical abusa de herramientas de corrección como el Auto-Tune o el Melodyne, ellos decidieron transitar el camino inverso. Matías señaló que, si bien cuidan cada detalle del diseño sonoro —desde los teclados hasta las afinaciones graves de las guitarras—, las voces permanecen sin ediciones que alteren su esencia natural.

“Nosotros no usamos edición de afinación en las voces; hasta incluso se escuchan ciertas desafinaciones en el disco”, confesó el músico. Según su visión, el oído cultural actual se encuentra “formateado” para que todo suene perfecto y encuadrado en una grilla, algo que termina por agotar la experiencia auditiva. Para Leanza Montes, recuperar esa imperfección orgánica es un acto de honestidad artística: “Buscamos recuperar la naturalidad sin abandonar la prolijidad, pero alejándonos de ese formato donde todo tiene que salir perfectito”.

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Esta búsqueda de autenticidad se traduce en lo que denominan “exceso de información”. El concepto de “pop pesado” no refiere necesariamente a una distorsión constante, sino a la densidad de las capas sonoras y a una ejecución vibrante que remite a las bandas clásicas, donde la interpretación humana primaba sobre el procesamiento digital.

Komo Yamarte recorre el país como una de las bandas independientes del momento, un logro que no es casual sino fruto de una estructura de trabajo muy disciplinada. El músico explicó que cuentan con su propia consola y un *setup* técnico específico que les permite sonar de la misma forma en cualquier escenario, independientemente de la infraestructura del lugar. “Tenemos una cuestión de banda de cumbia, de las que están súper aggiornadas y tocan en vivo de verdad; no dependemos estrictamente de amplificadores externos”, comparó.

Al ser consultado sobre qué significa “llegar” en la música contemporánea, Leanza Montes ofreció una respuesta pragmática y alejada de los romanticismos habituales. Para el artista de 41 años, el éxito hoy se mide en la capacidad de cortar más de 200 tickets de forma sostenida. “Cuando tenés una estabilidad en todas las zonas donde tocás, ya sea el sur, el norte, Rosario o Tandil, y llevás entre 100 y 200 personas, ya llegaste, porque eso te permite cubrir los costos”, aseguró.

En este recorrido, la banda valoró especialmente sus visitas a ciudades como Rosario y el interior de la provincia de Buenos Aires. El vínculo con Tandil también estuvo presente en la conversación, mencionando la relación cercana con artistas locales como Campo Lup, con quien compartieron escenario recientemente. Para los integrantes del grupo, el esfuerzo de trasladarse kilómetros para tocar es parte esencial del oficio: “Si sos músico o artista, te tenés que desplazar; nosotros somos de Zona Oeste y nos movemos siempre a todos lados”.

La realidad de la escena argentina para las bandas independientes fue otro de los ejes de la entrevista. Matías analizó las diferencias con mercados como el de Brasil y lamentó que, durante décadas, la música en el país fuera un negocio reservado para pocos. “Durante los 80, 90 y principios de los 2000, había poca información y se decía muy poco de lo que había que hacer”, reflexionó el entrevistado.

A pesar de que las redes sociales democratizaron el acceso a la difusión, el músico fue crítico con el rol de los algoritmos y la inversión publicitaria. Según su análisis, hoy en día se mantiene una lógica similar a la de las épocas de la radio: el talento sobra, pero la visibilidad depende en gran medida de la pauta y la infraestructura que se pueda financiar. “La pauta sale dinero y nadie está ahí solo por talento. El talento sobra en Argentina, hay artistas que no los conoce nadie y tienen canciones que son hermosas”, subrayó con firmeza.

Pese a ser una banda que utiliza la tecnología a su favor, mantienen una postura crítica sobre la alienación digital. Cuentan con una canción titulada “Que se apague todo”, la cual funciona como una declaración de principios. Para ellos, el contacto directo con los medios tradicionales y el público es irremplazable. “Nos gusta ir a los programas y tener contacto con los medios, porque son los que generan una opinión verdadera, los que generan el mito”, explicó Matías.

Para el líder de la agrupación, por más exposición que se tenga en plataformas, lo que termina ganando peso es lo que se genera en el “tú a tú” con el otro. Esta filosofía es la que los impulsa a seguir recorriendo rutas y escenarios, apostando a que su mensaje perdure más allá de la reproducción efímera de un video en redes sociales.

Finalmente, el músico invitó a los seguidores a buscarlos en plataformas como Spotify y YouTube bajo el nombre de la banda, aunque aclaró con humor que en TikTok están “frizados” porque no se dedican a hacer comedia ni se adaptan fácilmente al formato de contenido ultra breve que exige esa red. “Es muy trabajoso y no se adecúa al mensaje que queremos dar nosotros, que es básicamente un sopapo a lo efímero”, concluyó Leanza Montes, reafirmando el compromiso de la banda con una propuesta artística de largo aliento.

La banda tandilense Derivé se prepara para celebrar su segundo aniversario con un evento que promete marcar un hito en su trayectoria. Los integrantes Santino Ferrari y Agustín Dicembrile visitaron Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre el festejo que tendrá lugar el próximo 25 de este mes en el Hípico.

A dos años de su formación, el grupo atraviesa una etapa de consolidación y crecimiento. Según explicaron sus integrantes, el proyecto ha evolucionado significativamente desde sus inicios, adaptándose a cambios en su alineación. "Han habido cambios importantes, sobre todo en el cantante, que es lo que más se nota [NdR: actualmente el cantante es Pedro Moreno]. Cambiamos casi todo, básicamente. Jere Santillan, Santi y yo somos los que estamos desde que arrancamos", comentó Agustín sobre la dinámica interna de la banda.

El evento del 25 de este mes contará con una grilla extensa que incluye a bandas como Banda Especia, Plan Roma, Proyecto Varsovia y Mudras, además de un escenario alternativo con la participación de diversos artistas locales. Para los miembros de Derivé, esta fecha tiene un significado especial, ya que remite a sus orígenes: "Nuestra primera fecha, justamente cuando cumplimos los dos años, fue ahí mismo con Lunático. Se dan muchas similitudes", recordaron los músicos.

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Más allá de los festejos, la banda se encuentra enfocada en la producción de su primer disco. El objetivo es lanzar el material durante este año, un proceso que definen como democrático y minucioso. "Normalmente, el que tiene la idea la proyecta, se graba una demo y se manda al grupo. Si gusta se hace, y si no, vemos qué se le cambia", detalló Agustín Dicembrile sobre la metodología de trabajo que comparten con el resto de los integrantes.

El álbum contará con siete canciones, algunas de las cuales serán presentadas en vivo durante la celebración del aniversario. Entre los planes de estudio, la banda evalúa la regrabación de su sencillo Jardín del Ser, la única pieza disponible actualmente en plataformas digitales. La intención es mantener la esencia original pero adaptarla a la formación actual, reemplazando la batería programada por una ejecución real grabada en el estudio de Fran Margueritte.

La labor de mezcla y postproducción recae en gran medida sobre los mismos integrantes, quienes admiten que el proceso es exigente pero gratificante. "Es difícil decir 'bueno, hasta acá', porque siempre agarro y toco algo nuevo", confesó Agustín. A pesar de los desafíos técnicos, el grupo mantiene el entusiasmo por profesionalizar su sonido, incorporando más capas de voces, coros y guitarras en las nuevas composiciones.

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Con la mirada puesta en el show del 25, los músicos invitaron a la comunidad a sumarse a la fiesta. Las entradas se encuentran disponibles a través de las redes sociales de la banda, específicamente en su perfil de Instagram @derive.smp, y en los canales de difusión de Lunático Producciones. Con este evento, Derivé reafirma su lugar en la escena local, celebrando dos años de música, cambios y una identidad que sigue en constante desarrollo.

La expectativa por la semifinal del Mundial 2026 entre Argentina e Inglaterra, que se disputará este miércoles desde las 16 en Atlanta, también se hará sentir en Tandil. Aunque la ciudad todavía no estará de vacaciones de invierno, el partido promete modificar la rutina habitual y cada comercio decidirá si mantiene sus puertas abiertas o interrumpe la atención al público durante el encuentro.

A diferencia de la mayoría de las provincias argentinas, la provincia de Buenos Aires recién iniciará el receso invernal el próximo lunes 20 de julio. Esto significa que en Tandil las clases se desarrollarán con normalidad durante la jornada del miércoles, aunque no se descarta que muchas instituciones adapten sus actividades para que alumnos y docentes puedan seguir el partido.

En ese sentido, hasta el momento no hubo anuncios oficiales sobre cambios en el calendario escolar ni suspensiones de clases. Como ocurrió en otros eventos deportivos de gran convocatoria, cada establecimiento podría definir su propia organización para transitar una jornada que estará atravesada por la expectativa mundialista.

Uno de los principales interrogantes pasa por la actividad comercial. A diferencia de otras ciudades del país, donde cámaras empresarias recomendaron cerrar media hora antes del inicio del partido, en Tandil no existe una disposición general.

Por ese motivo, cada comercio resolverá de manera independiente si continúa atendiendo al público o si baja sus persianas para que empleados y clientes puedan seguir el encuentro. Se espera que muchos locales reduzcan su actividad desde las 15.30, mientras que otros podrían optar por permanecer abiertos y transmitir el partido en sus instalaciones.

La experiencia de anteriores encuentros de la Selección indica que, más allá de las decisiones particulares, la circulación de personas disminuye considerablemente durante los 90 minutos de juego y la actividad comercial se reduce al mínimo.

Mientras en gran parte del país las vacaciones de invierno ya comenzaron y millones de estudiantes seguirán el partido desde sus casas, en Buenos Aires el calendario escolar continúa vigente hasta el viernes. Recién la próxima semana comenzará el receso para los alumnos tandilenses.

En ese contexto, el miércoles se perfila como una jornada especial: con clases, algunos comercios abiertos, otros cerrados y una ciudad que, como suele ocurrir cuando juega la Selección, probablemente haga una pausa para acompañar a Argentina en busca de un lugar en la final del Mundial 2026.

Tandil se prepara para recibir una propuesta musical de alta calidad el próximo 4 de julio. A partir de las 21, el escenario de Nueve90 Espacio Cultural, será el epicentro de una presentación íntima y dinámica a cargo de Abi González. El artista, oriundo de Azul y reconocido por su trayectoria en la escena nacional, llega a la ciudad para desplegar su espectáculo titulado Escaleno en formato solo set.

La jornada contará con un valor agregado para el público local, ya que la apertura del concierto estará a cargo del músico tandilense José Alcobruni. Esta combinación promete una noche de intercambio artístico que busca conectar con la audiencia a través de la canción de autor y la exploración sonora.

El concepto de Escaleno se articula a través de tres ejes fundamentales que definen el recorrido emocional y técnico del show. En primer lugar, la exploración del "adentro", centrada en la canción íntima; en segundo lugar, "la casa", que remite al folklore, lo espontáneo y la esencia de la guitarreada; y finalmente, "la expansión hacia el afuera", donde el artista incorpora programaciones electrónicas y el uso de loops para transformar el ambiente sonoro.

A lo largo del concierto, Abi González propone un recorrido escénico que alterna entre estos tres territorios. El repertorio seleccionado para la ocasión incluye piezas destacadas de sus seis discos de estudio, además de adelantos exclusivos de lo que será su próximo material discográfico, permitiendo a los asistentes conocer la evolución constante de su obra.

Abi González es un artista integral que se desempeña como cantante, guitarrista, compositor y productor. Su labor ha sido reconocida en múltiples ocasiones, destacándose especialmente por haber obtenido dos Premios Gardel. Su disco Violeta Azul, editado en 2018, fue galardonado como Mejor Álbum Artista de Folklore, compitiendo en una terna de gran prestigio. Posteriormente, su trabajo 11Puerta3, lanzado en 2024, recibió el premio como Mejor Álbum Folklore Alternativo.

Este último material discográfico representa un hito en su carrera, al ser su primer álbum dedicado íntegramente a la canción de autor. En dicha producción, el músico contó con la colaboración de destacados referentes de la música argentina como Lula Bertoldi, Benjamín Amadeo, Sofía Viola, Luciana Jury, Raly Barrionuevo y Luna Monti, consolidando su posición como una de las voces más versátiles de la escena actual.

Más allá de sus logros discográficos, el músico ha forjado una carrera sólida en los escenarios. Ha participado en dos ediciones consecutivas del Festival Nacional de Folklore de Cosquín y ha compartido presentaciones con figuras de la talla de Liliana Herrero, La Bomba de Tiempo, Orozco Barrientos, Silvina Moreno y Ainda. Su compromiso con la cultura fue reconocido en su ciudad natal, Azul, donde fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura.

Actualmente, además de su proyecto solista, Abi González continúa su labor creativa integrando el trío folklórico Nomás Así, junto a Violeta Videla y Federico Siksnys. Su llegada a Tandil representa una oportunidad única para disfrutar de un artista que logra fusionar la tradición folklórica con elementos contemporáneos, ofreciendo una experiencia sonora que trasciende géneros y formatos convencionales.

La banda más original de la escena argentina, Los Tabaleros, continúa recorriendo el país con su particular visión del folklore. Con un estilo definido por la picardía, la autenticidad y una energía festiva inagotable, el grupo llegará a Tandil para ofrecer un espectáculo que promete transformar el escenario en un ritual de celebración colectiva.

La cita para los seguidores locales será el viernes 11 de septiembre, a partir de las 20:00, en Avenida España 745. Las entradas para este evento ya se encuentran disponibles.

La agrupación, integrada por los hermanos Roberto Luis Martínez “Beto” (guitarra y voz) y José María Martínez (guitarra y voz), junto a Félix Mateos (bombo y voz), llega a la ciudad en uno de los momentos más destacados de su trayectoria. Este presente está marcado por múltiples nominaciones a los Premios Gardel y el reciente éxito de su presentación a sala llena en el Art Media de Buenos Aires.

El grupo propone una experiencia que trasciende lo meramente musical. Amor, locura y alegría se fusionan en cada presentación, generando un clima donde la música se vive como un acto compartido, intenso y profundamente libre. Esta identidad, que alguna vez fue vista como una propuesta irreverente, se ha consolidado hoy como uno de los proyectos más sólidos y celebrados de la música nacional.

Tras recorrer el país durante todo 2025, la banda presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Todo es Folklore”. Esta obra reúne nueve canciones grabadas junto a nueve artistas y bandas argentinas de diversos géneros, derribando las fronteras estilísticas. El álbum cuenta con colaboraciones de figuras como Los Nocheros, Las Pastillas del Abuelo, Los Caligaris, Los Tekis, Ráfaga y El Kuelgue.

Este crecimiento artístico se vio reflejado en las recientes nominaciones a los Premios Gardel, donde fueron distinguidos en tres categorías: Mejor Videoclip Largo por “Todo es Folklore”, Mejor Canción de Cuarteto por “Hielo, vino y coca” junto a Los Caligaris, y Mejor Colaboración por “Campera de cuero” junto a Las Pastillas del Abuelo.

A lo largo de los últimos años, Los Tabaleros han participado en festivales de gran relevancia como el Festival de Peñas de Jesús María, Cosquín Rock, Baradero Rock y Quilmes Rock. En dichos escenarios, compartieron cartel con artistas de la talla de Babasónicos, Divididos, Ciro y Los Persas y Duki, demostrando su capacidad para conectar con audiencias diversas.

Su discografía, que comenzó en 2009 con “Carmesí”, incluye títulos como “Lolita” (2013), “¡Tuy!” (2015), “Chuy” (2019), “Una Noche en el Paraíso Escondido” (2020) y “Caramelos de Felicidad” (2023). En este último trabajo, contaron con la participación de artistas como Soledad, Sandro y 2 Minutos.

Dentro de su etapa actual, destaca el lanzamiento de “Montaña”, una colaboración junto a Ráfaga. Este encuentro entre ambas bandas representa la unión de dos universos fundamentales de la cultura popular argentina y se perfila como uno de los grandes hitos de su carrera. Con esta propuesta, el grupo continúa expandiendo los límites del género, prometiendo para su fecha en Tandil una fiesta irrepetible donde la música argentina brilla en todas sus formas.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

La figura de Carlos "Indio" Solari dejó una huella imborrable en Tandil, ciudad que fue escenario de algunos de sus conciertos más multitudinarios. Tras conocerse la noticia de su fallecimiento, comenzaron a surgir diversos testimonios de ciudadanos que tuvieron la oportunidad de interactuar con el artista, destacando siempre su amabilidad y disposición para el trato cercano con quienes lo rodeaban en su vida cotidiana.

Uno de los relatos más significativos proviene de Matías Gomez, quien durante el año 2016 se desempeñaba laboralmente en el hotel Amaike. Aquel establecimiento fue el lugar elegido por la productora del cantante para alojar al equipo durante más de una semana, en el marco de los preparativos y la posterior realización de su última presentación en la ciudad.

Matías recuerda con precisión el momento del arribo del equipo al complejo hotelero. "Yo trabajaba para el hotel, recuerdo cuando llegaron, yo sin saber el nombre del Indio, los esperamos a que bajen de la camioneta que los trasladaba", relató el trabajador en diálogo con El Eco. La escena, lejos de la pompa que rodea a una estrella de rock, tuvo un matiz de absoluta sencillez.

El empleado describió cómo fue el primer contacto directo con el músico: "Resulta que iban bajando todos y en un momento se acerca un hombre con gorra y lentes y me dice: 'hola, un gusto, Carlos'". Debido a que Matías no estaba interiorizado en la trayectoria musical del artista, no logró identificar en ese instante quién era la persona que lo estaba saludando con tanta cortesía.

La confusión se mantuvo durante los primeros minutos, incluso tras la llegada del médico personal del cantante. "En esos días había llegado también su médico personal, cuando se bajaron todos de la camioneta le digo al doctor: 'doc, no vino el Indio?'. Sí, te acaba de saludar, es Carlos", recordó Matías sobre la revelación que le permitió comprender la magnitud del huésped que acababa de recibir.

El hotel no solo sirvió como lugar de descanso, sino también como epicentro de actividades profesionales. Fue precisamente en esas instalaciones donde se llevó a cabo la entrevista con Mario Pergolini, material que dio forma a "Tsunami: Un océano de gente", el documental producido por Vorterix que actualmente se encuentra disponible en la plataforma YouTube.

Durante su estadía, el músico mantuvo una actitud abierta con el personal del hotel. En las imágenes que trascendieron de aquel momento, se lo puede observar accediendo con paciencia y buena voluntad a tomarse fotografías con cada uno de los empleados que se lo solicitaban, un gesto que los trabajadores locales atesoran como parte de su recuerdo personal. “Un día estabamos con la mucama en el piso donde él se hospedaba, salió de la habitación y nos preguntó si había algún problema en poner música un poco alta”.

Sin embargo, la experiencia más íntima ocurrió una vez finalizado el evento masivo. Mientras que la estructura técnica y los integrantes de la banda emprendieron el regreso poco después del show, el cantante decidió extender su permanencia en el entorno serrano para disfrutar de una mayor privacidad junto a su círculo más cercano.

"Terminó el show y al otro día se fueron casi todos los de la banda, solo se quedó él con su mujer y su hijo por varios días más", concluyó Matías, ofreciendo una mirada distinta sobre el último paso del Indio Solari por Tandil, alejado de los escenarios y refugiado en la tranquilidad de las sierras.

La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.

Rama Robles participó de una extensa entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante la charla, el joven emprendedor analizó el fenómeno de Lunático, un proyecto que trascendió su formato original de ciclo musical para convertirse en una productora integral de eventos. Según explicó el protagonista, el crecimiento fue constante desde aquel inicio el 30 de junio del 2024, cumpliendo recientemente dos años de actividad ininterrumpida.

La propuesta comenzó con fechas fijas de los viernes en el Hípico, pero rápidamente se expandió hacia otros horizontes. "Empezó como la idea de un ciclo fijo y después, con el tiempo, se empezó a volver algo más seguido", relató Robles. El éxito de estas primeras convocatorias permitió la creación de festivales específicos, como el Festival Indie y el Festival Pibas, además de comenzar a producir eventos para otros artistas que buscaban el sello de calidad de la organización.

Robles remarcó que la profesionalización del espacio llevó a formalizar el hecho de ser una productora. En este sentido, destacó la reciente experiencia en Glow y Gluck, además de la incursión en nuevos escenarios como Harrys. "Tratamos de diferenciar cuando es un Lunático, que es un festival nuestro, o un evento que producimos para otra persona", aclaró durante la entrevista, subrayando la versatilidad alcanzada por el equipo de trabajo.

Uno de los pilares del éxito de esta iniciativa fue la curaduría artística, que busca amalgamar la frescura de las bandas jóvenes con la experiencia de los grupos consagrados. Robles señaló que esta mezcla "reaviva la llama de lo que es un recital". Mencionó casos como el de “Nos Miran Raro” o las bandas de la ciudad de La Plata que aportan una energía diferente a la escena tandilense. "El público de Lunático banca la propuesta y va a ver con qué se va a encontrar", afirmó con satisfacción.

El productor reconoció que el camino no estuvo exento de dificultades y aprendizajes sobre la marcha. Recordó momentos complejos, como las complicaciones climáticas en eventos al aire libre, pero destacó que esas experiencias sirvieron para fortalecer el proyecto. "Uno va corrigiendo sobre la marcha; hemos tenido miles de errores y correcciones", admitió, aunque prefirió enfocarse en los logros alcanzados, como el montaje de predios de gran envergadura en Mar del Plata.

Un aspecto fundamental que Robles resaltó fue el vínculo con las bandas locales. La productora se transformó en un espacio de visibilidad para artistas jóvenes como Pedro Moreno o las chicas de Odisea. Para muchos de ellos, participar de un evento bajo este sello representó su primera experiencia profesional en escenarios de mayor escala. "Me gusta mucho el hecho de que se haya generado un público que va a ver qué hay de nuevo", comentó el entrevistado sobre el recambio generacional.

En esa misma línea, el productor subrayó la importancia de las "sessions" grabadas, que permiten a las bandas contar con material audiovisual de alta calidad. Mencionó el caso de los chicos de NanoSe, quienes realizaron su primera grabación con la productora. Para Robles, este acompañamiento es una forma de retribuir a la escena musical el apoyo recibido durante este tiempo, generando un círculo virtuoso de producción y difusión cultural.

La relación con otros actores de la ciudad, como los programas de streaming Cultura Zip o Cokucha, también fue mencionada como parte esencial del entramado cultural que sostiene a Lunático. Robles definió esta colaboración como recíproca y necesaria para mantener la vigencia de las propuestas. Según su visión, la clave reside en no especular con el clima ni con los resultados, sino en apostar por la calidad técnica y musical en cada fecha programada.

De cara al futuro inmediato, el productor adelantó la fecha del 16 de mayo en Porch, que tendrá un foco especial en la cumbia colombiana. Ese día se presentará La Baruyera, que grabará su primer recital en vivo, junto a la banda Elsason. "Va a ser una noche espectacular, tempranero, de 21 a 00", precisó Robles, invitando a los seguidores del género a una propuesta que promete ritmo y color en un ambiente cuidado.

Finalmente, el músico se refirió al presente de su banda, Mamelooks. Reveló que están próximos a lanzar un nuevo EP titulado "Barco Fantasma", compuesto por cuatro canciones, tres de las cuales ya fueron grabadas. Además, anunció el estreno de una nueva sesión audiovisual que estará disponible en el canal de YouTube de Lunático. A pesar de su intensa labor como productor, Robles aseguró que mantiene su compromiso con la creación musical y el desarrollo de su propia carrera artística.

El surgimiento de nuevos proyectos artísticos en la ciudad continúa demostrando que la creatividad local no se detiene. Durante una reciente emisión de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, Betania Aramburu y Abigail Rodríguez, piezas fundamentales de la banda Odisea, compartieron los pormenores de un camino que comenzó hace poco más de un año y que ya las posiciona como una de las propuestas más frescas de la escena tandilense.

El proyecto nació oficialmente en septiembre de 2024, impulsado por una inquietud personal de Aramburu. La vocalista, oriunda de la localidad de Laprida pero radicada en Tandil, recordó que su intención inicial fue conformar una banda de covers de El Kuelgue. Sin embargo, la química entre los músicos y la diversidad de influencias transformaron rápidamente ese objetivo primario. "Canto desde que tengo uso de razón, pero siempre lo hice de forma casera. Un día decidí que quería armar algo y empecé a buscar gente por redes sociales", relató la cantante durante el ciclo de streaming.

La conformación de Odisea se caracteriza por una amalgama de estilos que van desde el rock pesado hasta el indie contemporáneo. Abigail Rodríguez, quien se desempeña como bajista, fue una de las primeras en sumarse a la formación estable. Su incorporación aportó una cuota de potencia particular, dado que su trayectoria previa estaba ligada al metal y al rock pesado. "Vengo de un palo completamente distinto, pero me enamoré de los sonidos más tranquilos e indie que proponía Betania. Dije que sí a todo y ahora estoy totalmente comprometida con este sonido", confesó la instrumentista.

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Junto a ellas, la banda se completa con Brian Fuentes en guitarra y Pedro Moreno en teclados, mientras que Lautaro Villalba oficia como guitarrista. Esta estructura les permitió ensayar con regularidad, sorteando los obstáculos lógicos de las obligaciones diarias. Mientras Aramburu se desempeña como docente de educación inicial y niñera, Rodríguez trabaja en la atención al público, una dinámica que las obliga a una organización milimétrica para coordinar los encuentros semanales en la sala de ensayo.

La gestión interna del grupo recae en gran medida sobre la vocalista, quien implementó un sistema de planillas para optimizar el tiempo. "Les pedí a todos sus horarios disponibles y armé una estructura para saber cuándo podemos ensayar sin excepciones. El compromiso es fundamental, sobre todo cuando uno empieza a proyectar un crecimiento profesional", explicó Aramburu. Esa disciplina fue la que les permitió pasar de las versiones de otros artistas a la creación de sus propias composiciones, un paso que definieron como natural pero necesario.

Aunque el repertorio de Odisea incluyó inicialmente reversiones de Marilina Bertoldi, Los Espíritus y El Kuelgue, las músicos destacaron que su estilo se diferencia por la energía y la velocidad que imprimen a cada pieza. "Nos dijeron que tocamos todo mucho más rápido de lo normal. Es algo que nos sale orgánicamente", señalaron. Esa impronta se trasladó a sus dos primeros temas originales: "Nada más" y "Al revés", canciones que surgieron de improvisaciones durante los ensayos y que ya forman parte del núcleo de sus presentaciones en vivo.

La composición de "Nada más", su primera creación, nació de un proceso espontáneo. Betania detalló que suele trabajar sobre bases rítmicas que encuentra en internet para luego volcar letras basadas en vivencias personales. Al presentar estas ideas al resto del grupo, los instrumentos terminan de dar forma a la identidad de Odisea. Esta transición hacia el material propio es uno de los pilares de su proyecto para el presente año, que incluye la meta de ingresar próximamente a un estudio de grabación para registrar su obra.

El crecimiento de la banda también se apoya en el trabajo de productores locales que apuestan por la renovación de la cartelera cultural. En este sentido, las invitadas destacaron la labor de Rama Robles y el espacio Lunático, quienes brindan oportunidades a las formaciones que recién comienzan. Para las integrantes de Odisea, el acompañamiento de estos actores es vital en un contexto donde la autogestión requiere de un esfuerzo económico y logístico considerable para garantizar un sonido de calidad en cada show.

Uno de los puntos centrales de la charla en El Eco Streaming fue el análisis de la infraestructura cultural de Tandil. A pesar de la proliferación de bandas jóvenes con un alto nivel técnico, las artistas advirtieron sobre la falta de lugares adecuados para tocar. "Hay muchísima movida y pibes muy jóvenes que tocan increíble, pero faltan espacios que permitan hacer un show grande sin que los costos se vuelvan imposibles", sostuvieron. Esta problemática, histórica en la ciudad, obliga a los músicos a recurrir a la creatividad y a la unión entre pares.

Durante la entrevista, se planteó la existencia de una suerte de desconexión entre las bandas consagradas de la ciudad y las nuevas camadas. Betania y Abigail mencionaron que, en ocasiones, los músicos con más trayectoria no suelen frecuentar los circuitos donde se presentan los artistas emergentes. 

Sin embargo, celebraron la sinergia que existe entre los grupos de su misma generación, como Under Control y Ruido Blanco, con quienes comparten fechas y colaboraciones. Esta red de contención permite que los proyectos se sostengan y crezcan de manera conjunta, compartiendo desde instrumentos hasta consejos técnicos. "La nueva camada viene mucho más sinérgica, nos invitamos a tocar, nos ayudamos con los equipos y eso hace que la movida no se caiga", resaltaron las jóvenes.

De cara al futuro inmediato, Odisea tiene una agenda cargada de presentaciones. El próximo viernes 24 de mayo se presentarán en el Harris, ubicado en Maipú e Independencia, a partir de las 21. El evento contará con entrada libre y gratuita, y compartirán escenario con Under Control y Ruido Blanco. Asimismo, adelantaron que el 6 de junio realizarán su primer show propio con una lista de temas extendida e invitados especiales.

La industria del entretenimiento vuelve a poner sus ojos en uno de los casos más estremecedores de la crónica negra argentina. Este 23 de abril, la plataforma Netflix suma a su catálogo "Yiya Murano, muerte a la hora del té", una película documental que se propone desandar la compleja trama de traición y muerte que protagonizó la mujer conocida como "la envenenadora de Monserrat". En este contexto de visibilidad internacional, la noticia cobra una relevancia especial para nuestra ciudad, ya que el actor tandilense Benjamín Bruni forma parte del elenco principal de la obra.

El film recorre la oscura historia de los envenenamientos cometidos a finales de los años setenta, una época en la que la sociedad argentina se vio sacudida por una serie de muertes que, inicialmente, parecían no tener conexión alguna. La producción detalla cómo se utilizaron los encuentros sociales y la hora del té para ocultar estafas económicas, transformando un ritual cotidiano en una trampa mortal. Este caso se convirtió, con el paso de las décadas, en un hito policial ineludible de nuestra cultura popular, analizado tanto por la criminología como por la sociología.

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La participación de Benjamín Bruni en este proyecto representa un paso significativo en su carrera profesional. El actor local interpreta el papel de Horacio Romeo, el perito que intervino de manera crucial en la causa judicial. Su labor en la pantalla permite reconstruir la mirada técnica y científica que fue necesaria para desentramar los crímenes de Murano, aportando una cuota de realismo y rigor histórico a la narrativa documental que propone la plataforma.

Para la comunidad de Tandil, el apellido Bruni es sinónimo de cultura y comunicación. "Benshi", como es conocido afectuosamente en su círculo cercano, continúa con el legado de una familia profundamente ligada al quehacer artístico de la ciudad. Es nieto del actor y comunicador "Petete" Bruni, cuya huella en los escenarios y medios locales permanece vigente. Esta proyección internacional de Benjamín no solo es un logro personal, sino también un reconocimiento al semillero de talentos que históricamente ha caracterizado a nuestra región.

Antes de su desembarco masivo en el servicio de streaming, la producción tuvo un paso destacado por el circuito de festivales. El actor recientemente celebró el preestreno de la obra en el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), uno de los eventos cinematográficos más prestigiosos de América Latina. Allí, la crítica y el público pudieron tener un primer acercamiento a esta reconstrucción que combina material de archivo con recreaciones ficcionalizadas de alta calidad técnica.

La llegada de esta historia a Netflix garantiza una audiencia global para un relato que, aunque profundamente argentino, toca fibras universales como la ambición, el engaño y la búsqueda de justicia. Es un motivo de orgullo para Tandil ver cómo sus artistas logran insertarse en producciones de esta envergadura, recreando un caso que, cuatro décadas después, sigue generando fascinación y horror por igual en el imaginario colectivo.

El documental no solo se centra en los hechos delictivos, sino que también analiza el fenómeno mediático en el que se convirtió la figura de Yiya Murano. A través de la interpretación de figuras como Benjamín Bruni, la obra logra capturar la atmósfera de una época y la complejidad de una investigación que desafió a los peritos de aquel entonces. La figura de Horacio Romeo, encarnada por el tandilense, resulta fundamental para entender cómo se logró probar científicamente lo que en su momento parecía una sospecha imposible de confirmar.

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Con este estreno, la ciudad suma un nuevo nombre a la lista de embajadores culturales que llevan el talento local a las plataformas más importantes del mundo. La historia de la mujer que sacudió a la Argentina de finales de los 70 encuentra ahora una nueva forma de ser contada, con el sello de calidad de las grandes producciones internacionales y la presencia de un actor que lleva el ADN artístico de Tandil en su interpretación.

La cinematografía se convirtió, una vez más, en el canal predilecto para procesar una tragedia que marcó a fuego la historia reciente de la Patagonia argentina. Mei Villagra, directora de cine que forjó su camino profesional en Mar del Plata, estrenará una pieza audiovisual que trascendió la mera crónica de un desastre ambiental. El proyecto nació desde las cenizas, literalmente, luego de que el incendio del 9 de marzo de 2021 en Golondrinas, Chubut, destruyera más de 250 viviendas, entre ellas la casa donde la madre de la realizadora residió durante los últimos 11 años.

La directora recordó que, al momento de iniciarse el fuego, ella se encontraba lejos del lugar de los hechos. Tras haber finalizado sus estudios secundarios, se trasladó a Mar del Plata para estudiar cine y fotografía, por lo que la noticia del desastre la alcanzó a la distancia. Aquella impotencia inicial de no poder estar presente para combatir las llamas se transformó, con el tiempo, en el impulso creativo necesario para documentar la resiliencia de toda una comunidad. Según relató Villagra, la película fue una forma de canalizar la bronca y, al mismo tiempo, de procesar internamente el impacto de lo sucedido.

El documental puso el foco en un evento específico: el incendio que consumió alrededor de 13 mil hectáreas de bosque nativo. La precisión del relato se sostuvo en testimonios desgarradores de quienes enfrentaron el frente de fuego. Entre las historias que integraron la obra, se destacó la de una mujer que permaneció atrapada por las llamas junto a sus dos hijos, de ocho y diez años, durante casi cuatro horas. Villagra señaló que para los protagonistas fue sumamente difícil recuperar la tranquilidad, ya que el trauma se reavivó con cada llegada del verano y la presencia de vientos intensos.

Otro de los testimonios clave del film pertenece a un brigadista que, mientras cumplía con su deber de intentar salvar las viviendas de sus vecinos, recibió la noticia de que su propia casa había sido consumida por el fuego. Esta dualidad entre el deber público y la pérdida privada atravesó todo el metraje, mostrando que el impacto de los incendios no se limitó a la superficie forestal quemada, sino que caló hondo en la estructura social de la región. La directora resaltó que, aunque la película presentó seis o siete historias centrales, estas representaron a las cientos de personas que vivieron el horror de cerca.

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La narrativa de "Abrazando la Patagonia" planteó una pregunta fundamental que guio toda la investigación: "¿Qué nos queda cuando perdemos todo?". Para Villagra, la respuesta no se halló en los objetos materiales, sino en los vínculos humanos. La cineasta observó que la reconstrucción de las vidas de los afectados hubiese sido imposible sin la enorme red de solidaridad que se gestó de forma espontánea. No solo se trató de la llegada de donaciones materiales, sino de una contención emocional que resultó vital para que las familias pudieran volver a empezar.

La experiencia personal de la directora también se vio reflejada en la dinámica de su propia familia. Villagra, quien forma parte de un grupo de seis hermanos, describió cómo se organizaron para asistir a su madre tras la pérdida total de su vivienda. Mientras algunos de sus hermanos viajaron directamente a la Patagonia para colaborar en las tareas de reconstrucción, ella y su hermana mayor permanecieron en Mar del Plata gestionando colectas y enviando camiones con donaciones.

El proceso de reconstrucción habitacional fue particularmente complejo. Dos de los hermanos de la cineasta, uno de ellos dedicado a la construcción y otra arquitecta, pusieron sus conocimientos al servicio de la recuperación del hogar materno. Trabajaron sobre los módulos habitacionales que el Estado entregó de forma precaria, reforzándolos para que pudieran soportar el crudo clima patagónico. Villagra reflexionó sobre la dificultad de volver a llamar "hogar" a una estructura nueva, cuando el fuego se llevó consigo no solo muebles, sino gran parte de la identidad y la memoria acumulada en los objetos personales.

Pese al dolor y al miedo constante que generaron las condiciones climáticas de cada temporada estival, la madre de la directora decidió permanecer en su lugar en el mundo. La realizadora explicó que su progenitora eligió la Patagonia a los 50 años como su proyecto de vida, y que ese arraigo fue lo que le dio las fuerzas para quedarse y reconstruir su cotidiano en el mismo suelo que el fuego intentó arrebatarle.

Realizar "Abrazando la Patagonia" no fue una tarea sencilla ni rápida. La producción demandó cinco años de trabajo, un tiempo que excedió la fecha del incendio de 2021 debido a que la obra incluyó un proceso de preproducción y una postproducción minuciosa. La directora subrayó que se trató de un cine completamente independiente, llevado adelante con el apoyo de amigos y familiares. En este sentido, destacó el rol de las mujeres y disidencias que formaron parte de su equipo técnico, quienes se sumaron al proyecto por "amor al cine y por la necesidad de contar esta historia".

Para financiar las etapas finales, como el montaje, el equipo debió recurrir a la organización de eventos culturales, muestras fotográficas y presentaciones de bandas en vivo. Villagra reconoció que, en el contexto actual del cine argentino, el desafío fue doble: por un lado, la carga emocional de tratar un tema tan sensible y personal; por otro, la falta de financiamiento oficial que obligó a buscar alternativas creativas para concluir el film. La cineasta sostuvo que, con un apoyo mínimo, el camino hubiese sido menos arduo, pero que el resultado final mantuvo la pureza de la autogestión.

La recepción del documental fue muy emotiva en las presentaciones previas, especialmente en la localidad de El Hoyo, donde asistieron las personas que brindaron su testimonio para la película. Villagra confesó haber sentido una gran responsabilidad al proyectar las imágenes frente a quienes vivieron el trauma. "Fue muy fuerte para ellos verse de nuevo y recordar todo lo que pasaron, pero el agradecimiento fue enorme", concluyó la directora, quien ahora acerca su obra a los espectadores de Tandil para visibilizar una problemática que, lamentablemente, se repite cada verano en distintos puntos del país.

En un gesto que buscó estrechar lazos con la comunidad, el barbero Mauri Diaz lanzó una iniciativa solidaria en su comercio ubicado en San Lorenzo 929. La propuesta consiste en ofrecer cortes de cabello gratuitos para todas aquellas personas que no cuentan con los medios económicos para abonar el servicio. El profesional, que se radicó en la ciudad hace dos años, explicó que su principal motivación fue devolverle a los tandilenses el trato y la calidez que recibió desde su llegada, facilitando el acceso a un servicio básico de estética e higiene.

Diaz recordó que esta no fue la primera vez que llevó adelante una acción de estas características. Antes de instalarse en las sierras, el joven peluquero desarrolló actividades similares en su ciudad natal, Necochea. En aquella localidad, trabajó de manera articulada con clubes de fútbol y diversos comedores comunitarios para acercar su oficio a los sectores más vulnerables. “La idea era que se acerquen ciertos comedores para el corte solidario. Que la gente que realmente no tiene los medios o no puede pagar pierda ese miedo”, relató el barbero en diálogo con este medio.

A pesar de que su comercio se encuentra en un sector céntrico, el profesional señaló que su intención es alcanzar a los vecinos de los barrios más periféricos. Según su visión, muchas veces las personas con necesidades urgentes no se animan a entrar a locales del centro por vergüenza o temor a ser rechazadas. Por este motivo, Diaz insistió en que su peluquería es un espacio de puertas abiertas donde lo primordial es la calidad humana y el respeto por el otro, independientemente de su capacidad de pago.

Originalmente, el plan del barbero era implementar esta movida solidaria antes del inicio del ciclo lectivo para ayudar a las familias con los gastos escolares. Sin embargo, reconoció que en aquel momento no contó con los canales de difusión necesarios para que el mensaje llegara a todos los interesados. “Por ahí no estoy en una zona muy periférica y eso hace que la gente de aquí tenga los medios para pagar, pero busco que la gente de las afueras también se acerque sin miedo”, explicó respecto a la ubicación estratégica de su local.

Para Mauricio, el ejercicio de su profesión va mucho más allá de una transacción comercial, ya que lo define como su gran pasión. En ese sentido, consideró que realizar algunos cortes sin cargo no le representa una pérdida significativa, sino una forma de retribución hacia la sociedad que lo eligió como comerciante. El peluquero se mostró convencido de que este tipo de gestos solidarios generan un círculo virtuoso que beneficia a toda la ciudad en el largo plazo.

En cuanto a la modalidad de trabajo, el dueño de la barbería aclaró que no maneja un sistema de turnos, sino que se rige por el estricto orden de llegada. Esta dinámica se aplica tanto para los clientes habituales como para aquellos que se acerquen por el corte solidario. Además detalló que el flujo de trabajo suele ser ágil y que, en general, los clientes no deben esperar más de 30 minutos para ser atendidos, lo que garantiza un servicio rápido y eficiente para todos por igual.

“Que vengan sin miedo y sin culpa, que les vamos a cortar gratis al que quiera”, enfatizó el peluquero, reforzando la invitación a quienes más lo necesitan. La propuesta buscó derribar las barreras invisibles que muchas veces impiden que las personas en situación de vulnerabilidad accedan a servicios que mejoran su autoestima y presentación personal. El barbero destacó que ver la satisfacción de un cliente luego de un cambio de imagen es uno de los aspectos más gratificantes de su día a día.

Desde que abrió las puertas de su negocio en Tandil, se sintió plenamente integrado a la vida local. El profesional manifestó su profundo agrado por la idiosincrasia de la ciudad y el recibimiento que tuvo su emprendimiento en estos dos años de actividad. “Los tandilenses son muy buenas personas, me he encontrado con gente muy cálida y me he hecho de buenos amigos”, comentó con entusiasmo sobre su experiencia en el medio local.

Finalmente, el titular de la barbería reafirmó su deseo de establecerse de forma definitiva en la ciudad y continuar con su proyecto profesional y solidario. Aseguró que Tandil es un lugar donde planea proyectar su futuro y que seguirá atento a las necesidades de la comunidad para colaborar desde su lugar de trabajo. Con la tijera y el peine como herramientas, Mauricio Diaz demostró que la solidaridad puede ejercerse desde cualquier rincón y que un pequeño gesto puede marcar una gran diferencia en la realidad de un vecino.

Puchasia se consolidó en la escena local como mucho más que una simple reunión de aficionados a los videojuegos. El proyecto, gestado por los socios y fundadores Maian Dalffaro y Gustavo "Tabo" Mansilla, surgió originalmente bajo el ala de una editorial independiente. El punto de partida fue un libro ilustrado, escrito por Dalffaro e ilustrado por Mansilla, que obtuvo el reconocimiento del Fondo Nacional de las Artes. Bajo el irónico título de "Puchos o 101 preguntas sobre la condición humana, tips y técnicas de inversión para pymes", la obra sentó las bases de una estética del absurdo que hoy impregna cada una de sus fiestas.

Aquel impulso inicial en el papel no tardó en expandirse hacia otras disciplinas artísticas. Antes de llegar a las consolas, la propuesta transitó por una muestra plástica en la Facultad de Arte de la Unicen y una pieza teatral en el Teatro de la Fábrica. Sin embargo, la transformación definitiva hacia el formato de evento nocturno ocurrió tras la inspiración de encuentros similares en Buenos Aires. "Dijimos: vamos a hacer esto en Tandil, no hay nada así acá", recordaron los organizadores, quienes comenzaron con reuniones pequeñas en un patio privado antes de dar el salto al circuito de los centros culturales.

La transición de Puchasia hacia el mundo del gaming se produjo de manera orgánica, impulsada por el deseo de los fundadores de compartir su colección personal de consolas en un ámbito social. Tras el éxito de las primeras experiencias domésticas en el barrio Villa Italia, la organización decidió profesionalizar la propuesta y trasladarla a Vértice, un espacio que permitió integrar una barra de bebidas y una logística más compleja. Según explicaron sus creadores, el objetivo primordial fue romper el hermetismo del nicho "geek" para ofrecer una experiencia abierta a todo el público tandilense.

El equipo de trabajo se amplió con el tiempo para cubrir las diversas aristas que demanda un evento de esta magnitud. Actualmente, la producción cuenta con la colaboración de Milena Varela, Ema Restivo y Candela Quesada en la ambientación y técnica. Además, la propuesta musical se convirtió en un pilar fundamental, contando con la participación de tres DJs: Princesa Border, Gitera y Juli. Esta combinación de disciplinas busca que el asistente no solo juegue, sino que disfrute de un entorno visual y sonoro cuidadosamente diseñado.

La identidad visual del evento también rinde homenaje a la cultura popular y musical. El nombre y el logotipo de la marca encuentran su origen en una referencia al álbum "Plantasia" de Mort Garson, un detalle que refuerza el carácter ecléctico del proyecto. "Si se preguntan a qué se refiere el logo, busquen Plantasia y se van a llevar una sorpresa hermosa", sugirió Mansilla, resaltando el vínculo constante entre sus raíces literarias y la estética actual.

Para esta cuarta edición, los organizadores destacaron la importancia de las alianzas locales para enriquecer la experiencia del usuario. En este sentido, concretaron una colaboración con El Ojo de Ugin, un café manga de la ciudad, que aportó los premios para los torneos. Asimismo, la incorporación de tecnología de impresión 3D, a cargo de colaboradores de Mar del Plata, permitió la creación de cartuchos personalizados de Family Game que funcionan como trofeos y objetos de colección para los ganadores de las competencias.

El despliegue técnico de Puchasia es una de sus mayores atracciones, ofreciendo un recorrido histórico por la industria del entretenimiento. La oferta incluye desde consolas clásicas como la PlayStation 1 y la Nintendo Genesis, hasta plataformas contemporáneas como la Nintendo Switch. Uno de los puntos más celebrados por el público es la presencia del mítico Family Game, equipado con el periférico "Duck Hunt" (la pistola de luz), y la PlayStation 2, que Mansilla calificó como la consola que marcó su infancia y "donde todo empezó".

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La autenticidad de la experiencia se apoya en el uso de televisores de tubo (CRT) para las consolas retro, respetando la frecuencia y la estética visual de los años noventa y principios de los dos mil. Los organizadores explicaron que cada generación de consolas cuenta con el monitor que le corresponde, desde pantallas de 14 pulgadas hasta televisores LCD para los sistemas más modernos como la PlayStation 4 y la Xbox 360 con Kinect. "Es un flash jugar con la pistola en una tele de tubo, es la luz original", comentaron con entusiasmo.

La grilla de juegos es variada y busca fomentar la competencia amistosa entre los asistentes. Entre los títulos más destacados se encuentran el Mortal Kombat, Mario Kart y Tetris Effect, además de los infaltables torneos. No obstante, la propuesta no se limita a lo digital; la organización incluyó opciones analógicas como mesas de Truco y el clásico Metegol, pensando en aquellos que prefieren un ritmo de juego diferente o simplemente desean compartir un vermut entre partidas.

Hacia el futuro, Maian y Tabo proyectan expandir la marca Puchasia más allá de las fronteras de Tandil. Entre los planes para el resto del año se encuentran posibles desembarcos en Necochea y Mar del Plata, así como la realización de ediciones temáticas centradas en juegos específicos como el Counter-Strike 1.6 o el Pro Evolution Soccer 6. Mientras tanto, la comunidad local sigue respondiendo con éxito: para la próxima cita en la ciudad, las entradas se encuentran virtualmente agotadas, reafirmando que la nostalgia y los videojuegos tienen un lugar privilegiado en la noche serrana.

La identidad de una marca no se construye de un día para el otro, sino a través de la coherencia y el vínculo con su comunidad. Bajo esa premisa, Buena Rola transitó más de doce años de historia en la ciudad, transformándose en mucho más que una simple etiqueta de indumentaria. Su creadora, Viqui Echezarreta, recordó cómo aquel proyecto que comenzó casi como un juego para vestir a sus hermanos y amigos terminó convirtiéndose en una identidad visual indisolublemente ligada a los paisajes y a la gente de Tandil.

La fundadora de la firma explicó que, desde el nacimiento de la marca, el objetivo principal fue generar un contenido que reflejara el entorno local. "Siempre trato de generar en todas las colecciones el contenido, tanto visual como audiovisual, con imágenes de Tandil, con modelos de la ciudad, mostrando lugares diferentes", señaló la diseñadora, quien destacó que en muchas ocasiones son los propios tandilenses quienes se sorprenden al descubrir rincones desconocidos a través de sus campañas. Este arraigo fue la piedra angular que permitió a Buena Rola diferenciarse en un mercado competitivo.

El proyecto dio sus primeros pasos en 2012, luego de que Viqui finalizara sus estudios en diseño de indumentaria. Por aquel entonces, la necesidad de crear prendas originales para su círculo íntimo fue el motor inicial. Con el tiempo, esa inquietud personal encontró un espacio de crecimiento en la escena cultural de la ciudad, especialmente vinculada a la música. La marca comenzó a ganar visibilidad en las previas de los shows que se realizaban en la ciudad, donde el público empezó a conectar con una propuesta que priorizaba la comodidad y la libertad.

Uno de los pilares que sostuvo el crecimiento de Buena Rola fue su estrecha relación con las bandas que llegaban a la ciudad. Viqui recordó que, tras la etapa de las ferias bajo el nombre de "Viqui", la marca adoptó su denominación definitiva inspirada en un capítulo de la serie animada Los Simpson. El término "rola", que en varios países de Latinoamérica hace referencia a una canción, sintetizó a la perfección la esencia del proyecto: una mezcla de buena onda y buena música.

"Sentíamos que abarcaba todo, porque rola es canción y era como buena onda, buena canción, y se relacionaba mucho a la producción", detalló la fundadora. Esa conexión no fue solo semántica, sino que se tradujo en una presencia constante en el ambiente de los recitales. La marca se convirtió en el vestuario predilecto para quienes buscaban una prenda distinta para asistir a un concierto, donde la morfología y los colores vibrantes permitían transmitir una energía diferente. De esta manera, el concepto de la firma se expandió orgánicamente entre músicos y seguidores de la escena local y regional.

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Con el correr de los años, Buena Rola dejó de ser una marca de nicho para alcanzar a un público diverso que rompe con las barreras generacionales. La diseñadora destacó que hoy cuenta con clientes de todas las edades, desde preadolescentes que no encuentran opciones en el mercado tradicional hasta personas mayores, incluyendo amigos de su padre y "señoras" que se sienten atraídas por las texturas y la calidad de los productos. Esta transversalidad es, según su mirada, uno de los mayores logros de la marca en su camino a la madurez.

Tras haber formado parte del recordado espacio Revolution Store en la calle San Martín, la marca decidió hace dos años apostar por un espacio exclusivo. La decisión de abrir el local en San Lorenzo 579 respondió a una necesidad del público que buscaba un punto de contacto directo con las prendas. "La gente me escribía para comprar ropa y estábamos solo con el taller y el estudio, no teníamos venta de showroom al público", explicó Viqui sobre el proceso que la llevó a inaugurar su actual casa.

El local se convirtió no solo en un punto de venta, sino en un estudio creativo donde conviven los procesos de diseño con la atención personalizada. Para la creadora, este espacio físico permite reafirmar el concepto de la marca en un entorno de naturaleza y cercanía, lejos del anonimato de las grandes ciudades. La apuesta por la calle San Lorenzo consolidó a Buena Rola como una parada obligatoria para quienes buscan diseño con sello local y una producción cuidada que escapa a las lógicas del consumo masivo.

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En la actualidad, el local mantiene un horario de atención extendido de lunes a viernes, de 9 a 13 y de 16.30 a 20.30, mientras que los sábados abre sus puertas de 10 a 13. A partir de la presente temporada, también se sumó la apertura por la tarde durante los fines de semana, buscando captar el flujo turístico y local que se intensifica en las zonas comerciales de la ciudad. Este crecimiento sostenido permitió a la firma mantener una estructura de producción a pulmón pero con estándares profesionales.

Mirando hacia el futuro inmediato, Buena Rola ya se encuentra trabajando en lo que será su colección de otoño-invierno. La diseñadora adelantó que el eje central de las nuevas piezas será el arte latinoamericano, con una fuerte impronta de la estética andina. "Lo van a ver en los dibujos, también muchas guardas. Todo lo que estoy haciendo en esta nueva cápsula es todo andino, incluyendo las camperas que la gente siempre busca y pide", reveló Vicky, entusiasmada por los nuevos colores y morfologías que llegarán a los percheros.

Mientras se termina de definir la nueva línea, la marca lanzó una gran liquidación de temporada con productos a precios muy competitivos. Se pueden encontrar buzos desde los 30.000 pesos y remeras a partir de los 20.000 pesos, una oportunidad pensada para que los clientes puedan acceder a prendas de diseño atemporal que no volverán a producirse. "Hay prendas que no volvemos a hacer, así que son productos súper regalados que ya son los últimos, es imperdible para aprovechar", señaló la responsable de la firma.

Con el respaldo de doce años de trayectoria y el reconocimiento de la comunidad serrana, Buena Rola se proyecta como una marca que sabe reinventarse sin perder su esencia. La combinación de arte, música y territorio sigue siendo la fórmula del éxito para un proyecto que nació en los talleres de la ciudad y hoy sueña con seguir llevando el diseño de Tandil a cada rincón del mundo. La invitación queda abierta para visitar el local de San Lorenzo 579 y descubrir por qué esta "buena rola" sigue sonando fuerte en el corazón de las sierras.

Después de casi una década sin presentarse en vivo, Fisión volvió a subirse a un escenario y lo hizo de la mejor manera: ante su gente, en una noche cargada de emoción, recuerdos y celebración. La banda, una de las más reconocidas de la historia reciente de la música tandilense y con proyección a nivel nacional, eligió La Incubadora del Arte para concretar un regreso largamente esperado por su público.

Durante los años de mayor actividad, Fisión logró trascender el ámbito local, con presentaciones en distintos puntos del país y apariciones en radios y canales de televisión. Ese recorrido dejó una huella que, lejos de borrarse con el paso del tiempo, pareció fortalecerse con la ausencia. El viernes por la noche quedó claro que la espera no fue en vano.

Minutos antes de las 23, con la sala colmada y una expectativa que se podía sentir en el aire, Agustín Román fue el primero en aparecer sobre el escenario. Las luces bajas, los murmullos del público y los primeros acordes marcaron el inicio de un show que sería tan intenso como emotivo. El estallido llegó de inmediato cuando sonó “Florencia”, una de las canciones más emblemáticas del grupo del albúm “Sacate las zapatillas”, que desató el grito unánime de los fanáticos y confirmó que la conexión seguía intacta.

Fisión está integrada por Juan Pablo Sparo, Nacho y Pepe Osa, Agustín Román y Juan Ignacio Gorostidi, impulsor de este regreso. Juntos ofrecieron un show de casi dos horas en el que repasaron buena parte de su repertorio, combinando clásicos infaltables con una puesta en escena cuidada y un sonido sólido, a la altura de la ocasión.

Lejos de limitarse a un ejercicio nostálgico, la banda mostró una versión madura y consolidada de sí misma. Cada canción pareció ocupar el lugar justo dentro del setlist, con momentos de explosión y otros de pausa, demostrando criterio, experiencia y una clara lectura del clima que se vivía en el lugar. La respuesta del público fue constante: nadie dejó de cantar, saltar o acompañar cada tema.

No todas las bandas logran ser profetas en su tierra, pero Fisión lo consiguió una vez más. Temas como “Ya lo oigo”, “Laport”, “A tus oídos” y “Gritar” fueron coreados de principio a fin por una audiencia que abarcó distintas generaciones, uniendo a quienes crecieron con esas canciones y a quienes las descubrieron con el paso de los años.

El recital dejó en claro que Fisión ocupa un lugar de privilegio dentro de la cultura musical de Tandil. Su popularidad, potenciada en su momento por el vínculo simbólico con La Torre de Tandil —en referencia a Juan Martín del Potro—, trascendió modas y contextos, consolidando a la banda como parte del ADN artístico de la ciudad.

Ahora queda la incógnita sobre lo que vendrá. ¿Fue este regreso un encuentro puntual, una manera de volver a compartir escenario y canciones, o el primer paso hacia una nueva etapa? La posibilidad de que este reencuentro marque el inicio de algo más grande de cara a 2026 ilusiona a sus seguidores.

Lo cierto es que Fisión volvió, y lo hizo dejando una señal clara: su música sigue vigente, su público está presente y su historia aún tiene capítulos por escribir. Para quienes no los conocen, sus canciones están disponibles en distintas plataformas. Para quienes los esperaron durante años, la noche del viernes fue la confirmación de que algunas bandas nunca se van del todo.

Con apenas dos años, el pequeño Felipe convirtió el paso del camión de la basura en el momento más esperado de su jornada, forjando un vínculo de respeto y afecto con los trabajadores de la Municipalidad de Tandil que trascendió el simple saludo desde la vereda.

Desde que tuvo uso de razón, feli manifestó una fascinación inusual por una de las tareas esenciales de la vida urbana. Mientras otros niños se distraían con dibujos animados, él permanecía atento al sonido del motor y al ajetreo de los trabajadores que, cada día, recorren las calles de la ciudad para mantener la higiene pública. Esta vocación temprana nació del contacto cotidiano y de la calidez de los recolectores, quienes transformaron una rutina laboral en un acto de ternura para el pequeño vecino.

La curiosidad del niño no se quedó puertas adentro. Según relató su madre, Agustina, la familia adoptó como propia la pasión del hijo y comenzó a participar activamente de ese ritual diario. "Siempre que podíamos, salíamos a su encuentro para dejarles las bolsas en la casa de los abuelos y en nuestra casa", recordó la mujer, destacando que el gesto se convirtió en una tradición familiar que reforzó el vínculo entre el niño y sus ídolos de mameluco.

La respuesta de los trabajadores municipales fue fundamental para alimentar la ilusión de Felipe. A pesar de la exigencia física y la rapidez que demanda el servicio de recolección en una ciudad con el crecimiento de Tandil, los recolectores siempre encontraron un espacio para la humanidad. Sin ninguna obligación, los operarios frenaban la marcha, lo saludaban con entusiasmo y tocaban la bocina, gestos que para un adulto pueden parecer menores, pero que en el mundo del pequeño representaban la validación de su mayor sueño.

Para Felipe, ser recolector no era solo una observación pasiva, sino su principal forma de entretenimiento. A los dos años, el living de su hogar se transformaba diariamente en un escenario de trabajo logístico donde la imaginación no tenía límites. Junto a sus amigos, el niño replicaba con exactitud las maniobras que veía en la calle, repartiendo pequeñas bolsas por toda la sala para luego pasar a recogerlas en sus autitos de juguete.

La precisión con la que el pequeño imitaba la labor era sorprendente para su familia. Agustina detalló que su hijo no solo se limitaba a trasladar los residuos, sino que incorporaba a su juego los detalles técnicos del camión. El niño realizaba la mímica de la doble palanca e incluso reproducía el sonido característico del sistema hidráulico, demostrando una capacidad de observación minuciosa sobre el funcionamiento de la maquinaria municipal.

Este tipo de conductas, lejos de ser una simple curiosidad pasajera, reflejaron la internalización de un oficio que muchas veces resulta invisible para la sociedad. En la mirada de Felipe, el recolector no era un operario más, sino un héroe cotidiano encargado de una misión vital. El juego en el living era, en realidad, un homenaje diario a esos hombres que veía pasar frente a su ventana con tanta admiración.

La historia de este pequeño tandilense comenzó a circular como un ejemplo de cómo los valores se construyen desde la infancia a través de la observación de lo cotidiano. En un contexto donde el trabajo manual a veces es relegado en el imaginario del éxito, Felipe puso en valor una tarea fundamental, recordándole a los adultos la importancia de cada eslabón en la cadena de servicios de la comunidad.

El punto culminante de esta relación de afecto mutuo se produjo durante la jornada del 24 de diciembre. Como es costumbre en muchos hogares de la ciudad, la llegada de la Navidad motivó a la familia de Felipe a realizar un gesto concreto de agradecimiento hacia quienes recorrieron la cuadra durante todo el año, incluso bajo condiciones climáticas adversas o en horarios nocturnos.

La familia decidió que este año el agradecimiento debía ser especial, buscando retribuir todo el cariño que los trabajadores le brindaron al niño sin esperar nada a cambio. "No podíamos dejar de agradecerles todo el cariño que demostraron día a día sin ninguna obligación. Su sonrisa demuestra ese cariño y a nosotros nos explota el corazón de alegría", expresó Agustina con visible emoción ante el encuentro navideño.

Para los padres de Felipe, la actitud de los recolectores fue una lección de vida. La madre subrayó que, en un mundo a veces indiferente, estos gestos de empatía hacen que la convivencia sea más habitable. La entrega de un presente en vísperas de Nochebuena fue la forma que encontraron para cerrar un ciclo de encuentros que, para su hijo, significaron mucho más que una simple recolección de residuos.

Esta historia, que El Eco atesora como un reflejo de la identidad local, resalta la importancia de la empatía y el respeto por el trabajo del otro. Felipe, con su deseo de ser recolector, no solo eligió un futuro oficio en sus juegos, sino que logró que toda una vecindad volviera a mirar con ojos de niño y gratitud una tarea que sostiene el bienestar de todos los tandilenses.

Desde la audaz decisión de dejar un trabajo estable para dedicarse plenamente al arte, hasta la grabación de su primer disco con Fusca y su visión sobre el efervescente polo cultural de Tandil, el artista radicado en Tandil se proyecta como una figura clave en la escena creativa de la ciudad.

El año de Nahuel "Naju" Gorosito ha sido, en sus propias palabras, "agitado". El músico y actor, uno de los artistas más referente de la Facultad de Arte, visitó los estudios de "Cultura Zip" para conversar sobre un presente de profundos cambios y un futuro prometedor. Recientemente, Naju tomó la decisión de renunciar a su trabajo estable, un paso audaz para dedicarse por completo a sus pasiones: la música y el teatro. "Me costó un poco, estaba haciendo una gran seguridad económica, pero bueno, un poco también hay que jugarselá", reflexionó Gorosito, asumiendo el desafío que implica la vida del artista. Este giro vital coincide con su último año de la Licenciatura en Teatro en la Facultad de Arte, cerrando un ciclo formativo y abriendo otro de dedicación plena a la creación. Sus planes incluyen la producción de obras de teatro y presentaciones, además de futuras fechas con Fusca y otros proyectos.

Parte fundamental de su apuesta artística es Fusca, la banda que Naju integra y que celebra tres años desde su primera presentación. Lo que inicialmente surgió como una búsqueda del músico para interpretar sus raps en vivo con acompañamiento instrumental, evitando el formato de pendrive, derivó en un proyecto con identidad propia. La banda se conformó inicialmente con Maian Dalffaro en el bajo y Marcelo Cacciato en el acordeón –un instrumento poco común en el género–, al que se sumaron posteriormente Tomas Varales en las percusiones y Julia Mengascini en los coros.

La incorporación del acordeón no fue casual; Naju buscaba emular una tradición familiar de su abuela paterna, cuya orquesta de Benito Juárez incluía el bandoneón. Marcel, el acordeonista, fue descubierto por un amigo a través de un documental que resaltaba sus múltiples talentos, incluyendo la creación de marionetas, y la conexión fue inmediata. La banda, con influencias musicales de todos sus integrantes, comenzó a tomar una forma más profesional, un proceso que ha implicado un constante aprendizaje para Naju de la mano de sus compañeros.

La química del grupo y el proceso creativo los ha llevado a "maquetear todo el disco" este año. El verano será clave para el "trabajo más fino", regrabando y puliendo los temas. Gorosito enfatiza la importancia de escucharse a sí mismos como banda, distanciándose de la ejecución para identificar mejoras y nivelar las composiciones. Este ejercicio, que implica hasta la "pelea con el metrónomo", ha sido fundamental para el crecimiento musical del grupo.

Para el próximo año, el objetivo principal es el lanzamiento de este álbum, acompañado de videoclips y una presentación en vivo que planean sea "con bombos y platillos". Si bien no hay una fecha definida, la banda prefiere no apurar los tiempos para asegurar la calidad final del trabajo. La complejidad de los horarios y la magnitud del proyecto han hecho que el avance sea gradual, pero firme, con la expectativa de que el verano les permita dedicarse con mayor intensidad a la etapa de grabación final.

Gorosito destaca la "mucha movida" que actualmente se vive en la ciudad, especialmente en torno a la Facultad de Arte. Existe una nueva generación de egresados y estudiantes avanzados –entre los que se cuenta– que, a diferencia de épocas anteriores, elige quedarse en Tandil, consolidando la ciudad como un "polo cultural" de gran potencia. Esta generación no solo se desarrolla individualmente, sino que también genera un camino para los que vienen detrás, fomentando un ambiente de generosidad y colaboración, prestando lugares y abriendo puertas. Naju subraya la importancia del "ejercicio de la cultura" colectivo para el desarrollo de nuevas ideas y técnicas, algo que cree que Tandil está demandando y para lo cual posee un "territorio fértil".

La escena teatral, en particular, enfrenta el desafío de llegar a un público más amplio. Naju la considera la rama "más complicada de demostrarse" para su generación, pero también la que ofrece el valor de "volver a lo analógico" y al "convivio", una experiencia que se extraña en la vida actual. "Hay algo de esquivarle a los problemas y, bueno, vos ves el teatro, ves un dramón", comenta, resaltando la capacidad del arte de generar una conexión profunda y auténtica. En este contexto, la Facultad de Arte no solo nutre talentos sino que también impulsa proyectos como "Cosas Que Pasan", un espacio de radio donde los estudiantes y graduados pueden mostrar su trabajo.

Para el próximo año, Naju y su compañero Tapo trabajan en un ambicioso proyecto: un canal de streaming experimental que busca profesionalizar a los graduados de la Facu, ofreciéndoles un campo de juego para sus diversos saberes y formaciones integrales. La idea es crear "un lugar de experimentación, de juego, un poco de infotainment", sin perder la identidad académica ni la visión de que el arte puede abrir múltiples caminos laborales.

En cuanto a la capacidad de Tandil para producir contenido audiovisual de mayor escala, Gorosito es optimista. Asegura que la ciudad tiene "las condiciones" y, crucialmente, el "capital humano" formado por la Facultad de Arte para generar ficciones, series o películas. Recuerda producciones locales previas como "Fábricas" para la TV Pública o el rodaje sobre la historia del Tata Dios. Sin embargo, advierte sobre la necesidad de pensar "otras maneras de producir", independientemente de los subsidios del INCAA, proponiendo una producción con "identidad provincial, tandilense, bonaerense" que fomente la autonomía creativa y productiva.

Respecto a sus propias inspiraciones, Naju confiesa que ha visto poco cine, con clásicos pendientes como "Volver al Futuro". Recientemente se sumergió en "Pulp Fiction", de la que destaca su densidad y la cualidad de "no saber qué va a pasar", algo que valora también en el teatro. Musicalmente, ha estado explorando a bandas como los Viagra Boys y el último EP de Wos. Se describe como un "muy de Spotify" que disfruta del "Descubrimiento Semanal", armando playlists con artistas que a veces ni siquiera conoce por nombre, priorizando el gusto personal por encima de lo mainstream. Esta diversidad también se refleja en su apariencia; es conocido por sus "looks muy cambiantes", con un ciclo de cortes y colores de pelo cada dos semanas, fruto de un "impulso de idiotez" y el aburrimiento, una forma de expresar su constante evolución personal.

La incursión de Naju en el teatro fue, según relata, un "encuentro casual". Originario de Olavarria, su primer contacto real con las tablas fue en Tandil, mientras estudiaba Trabajo Social. Compartiendo pensión con un estudiante de teatro, se sumergió en la vida de La Fábrica, donde finalmente decidió cambiar de rumbo. La decisión fue un "duelo", pero su madre, con una cita inspirada en "En busca de la felicidad", lo impulsó: "Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo". Para el próximo año, sus planes actorales incluyen la dirección de un infantil, con elenco y equipo ya confirmados para el verano, y la participación en "Carne Fresca", donde actualmente se encuentra leyendo obras en busca de la que lo sorprenda y lo cautive. Otro de sus talentos ocultos, reveló, es la cocina, destacando su habilidad para preparar desde solomillo hasta pan casero.