En su regreso a Tandil, Claudio "Tano" Marciello fue parte de una nueva edición de Parada Cultural, el ciclo audiovisual de Bici Productora junto a El Eco, donde repasó su actualidad solista y el peso de su trayectoria. El emblemático guitarrista de Almafuerte aprovechó su estadía para recorrer las calles locales, compartir momentos con seguidores y ultimar los detalles de un show que combinó las canciones de su último disco con los clásicos que marcaron a fuego la historia del rock nacional. Durante la entrevista, el músico destacó la conexión que mantiene con el público y la vigencia de un mensaje que continúa interpelando a los nuevos oyentes.

Antes de su arribo a la prueba de sonido, Marciello caminó por la zona céntrica y se encontró con vecinos que se acercaron a saludarlo. "Anduve dando unas pequeñas vueltitas, me fui a tomar un café y me encontré con gente que me conoce y me trajo obsequios", relató. La jornada incluyó una visita a una propiedad vinculada a los integrantes de la banda local Manobrava, donde el músico fue invitado a almorzar. En ese contexto íntimo, la sobremesa derivó en un recital acústico improvisado en el que repasaron canciones conocidas antes de trasladarse al recinto del show.

La relación de Marciello con Tandil tiene raíces profundas, tanto en su etapa con Almafuerte como en su proyecto personal CTM. Según explicó el guitarrista, siempre sintió una respuesta positiva de los tandilenses, a quienes definió como un público con mucho "aguante" y conocedor del género. En esta oportunidad, su visita coincidió con el primer aniversario de la presentación de su álbum "Vive". Al revisar sus archivos, el músico notó que su anterior paso por la ciudad ocurrió en agosto de aquel año, por lo que decidió modificar la lista de temas para ofrecer una experiencia renovada.

Para el "Tano", armar el orden de las canciones no resultó una tarea sencilla debido a la extensión de su discografía. El criterio para esta gira itinerante consistió en mantener los cortes de su producción más reciente, pero alternando composiciones de sus discos solistas previos y, fundamentalmente, el legado de Almafuerte. "Trato de no reiterar las mismas canciones, aunque hay otras que están puestas fijas porque sé que la gente las está esperando para cantarlas; esas no se pueden sacar", reconoció el músico sobre el equilibrio necesario entre lo nuevo y lo clásico.

Uno de los puntos que más sorprendió al guitarrista en el último tiempo fue la renovación constante de sus seguidores. Marciello destacó que, gracias al alcance de las redes sociales, el contacto entre el músico y el público se volvió mucho más directo que en sus inicios. Comparó su adolescencia, cuando era imposible ver a sus referentes como Vox Dei o Luis Alberto Spinetta a través de un dispositivo, con la actualidad, donde los jóvenes pueden acceder a contenidos en vivo de forma inmediata.

A pesar de su estatus de leyenda del metal argentino, el artista aseguró que eligió transitar su carrera sin recurrir a medidas de seguridad restrictivas. "No tengo guardaespaldas; separo mucho la parte artística de la persona. A veces termino de tocar, bajo y me pongo a hablar con la gente", señaló. Esa accesibilidad se reflejó en las firmas de guitarras de adolescentes de 14 o 15 años que asistieron al show acompañados por sus familias. Para Marciello, el hecho de que su propuesta trascienda sin depender de estrategias de marketing responde a que es una música con peso propio y un mensaje genuino.

Desde 2011, la formación de su banda cuenta con la presencia de su hija, Melina Marciello, en la batería. El músico enfatizó que esta incorporación se dio de manera natural y no por una imposición familiar. En la actualidad, Melina no solo cumple su rol como instrumentista, sino que también es docente, madre y una pieza clave en la logística y el asesoramiento de la banda. "Es una compañera formidable; la música es un lenguaje extra para llegar a la gente y ella eligió el mismo lenguaje que yo sin que se lo haya inculcado", expresó con orgullo.

Al ser consultado sobre su extensa labor junto a Ricardo Iorio, Marciello fue contundente al definirla como una parte fundamental de su vida. El guitarrista valoró el repertorio construido en conjunto y la figura de Iorio como un poeta contemporáneo cuya obra mantiene una vigencia social impactante. Como ejemplo, mencionó la canción "El pibe tigre", grabada en 1995, la cual denunciaba la explotación y el abuso laboral, problemáticas que, según el músico, persisten en diversas regiones del país donde la ley no llega.

Para el artista, la mejor manera de reconocer a un colega que ya no está físicamente es continuar interpretando su obra. En este sentido, manifestó su satisfacción al ver a jóvenes músicos en plataformas como Instagram realizando versiones de sus solos de guitarra grabados en 1996. "Para mí ese es el mejor reconocimiento que puede tener un artista", concluyó Marciello, quien antes de subir al escenario en Tandil reafirmó su compromiso de seguir sumando y compartiendo con sus colegas y el público, lejos de cualquier postura de aislamiento.

La música y docente Laura Ravioli repasó su trayectoria, analizó las exigencias físicas de la trompeta y reflexiono sobre los retos actuales de la enseñanza frente a la inmediatez de las redes sociales. Su testimonio se dio en una nueva entrega de Parada Cultural, el ciclo de entrevistas realizado por Bici Productora en colaboración con El Eco Multimedios. Allí, la artista detalló su formación, su rol como profesora y el desafío que representa ser trompetista en la actualidad, combinando la rigurosidad de la música clásica con la escena autogestiva regional.

Durante la entrevista, Ravioli recordó que su vínculo con el arte comenzó a los cinco años, influenciada por su tía Susana y por un interés temprano en la lectura y la música clásica. A pesar de haber iniciado su formación con el piano —instrumento que aún la acompaña en su labor docente en el Conservatorio de Música—, la trompeta le brindó una nueva dimensión social y profesional en su adultez.

La infancia de Ravioli estuvo marcada por una curiosidad constante. Según relató, pasaba horas intentando imitar lo que su tía ejecutaba y vinculaba el sonido con el movimiento corporal y la pintura. Sin embargo, sus primeros pasos en la enseñanza formal no estuvieron exentos de dificultades. Tras un breve paso por clases particulares que consideró estructuradas, ingresó al Conservatorio a los diez años. En la institución encontró en la profesora María del Carmen Alonso una guía técnica y humana que marcó su camino.

La transición hacia la trompeta nació de su interés por géneros como la salsa y el jazz, inspirada por figuras como Arturo Sandoval. Ravioli recordó que, a los 19 años, debió enfrentar la resistencia familiar por su elección de vida, lo que la llevó a trabajar en diversos rubros para financiar su carrera. Trabajó en la venta de cuentas bancarias y en la firma Musimundo hasta la crisis económica del año 2001, sin perder de vista su objetivo principal. “Hice todo por la música”, afirmó la instrumentista, quien se recibió de pianista a los 22 años antes de volcarse de lleno al estudio de los vientos.

En la actualidad, su rutina se divide entre las aulas y las horas de estudio personal. Ravioli explicó que la trompeta requiere una preparación física constante, ya que demanda desarrollo muscular facial y capacidad pulmonar. Para ofrecer un espectáculo de una hora y media, aseguró que se necesitan al menos tres horas diarias de práctica en el hogar. Esta disciplina le permite integrar múltiples elencos en Tandil y la región bajo un esquema autogestivo.

Como docente, Ravioli compartió su visión sobre el impacto de las tecnologías en el aprendizaje. En sus clases observa que los estudiantes suelen buscar resultados inmediatos, una actitud que colisiona con los tiempos naturales que requiere el dominio de un instrumento. Ante esta realidad, aconsejó establecer límites en el uso de redes sociales y priorizar la conexión real con el instrumento. Para captar la atención de sus alumnos, recurre a herramientas actuales como filmar sus manos en acción, generando un puente entre lo digital y la práctica tradicional.

Respecto al panorama cultural en Tandil, la trompetista señaló que, si bien existe una actividad dinámica con la llegada de artistas de Capital Federal que brindan clases magistrales, la ciudad enfrenta una escasez de determinados instrumentistas. Ravioli mencionó la falta de bateristas y pianistas, lo que obliga a que los músicos locales deban multiplicarse en diferentes proyectos. “Somos poquitos, es como un croquis”, graficó sobre la interconexión necesaria para sostener la actividad cultural de la ciudad.

Al analizar la producción musical contemporánea, Ravioli se mostró abierta a la diversidad de géneros, aunque manifestó una visión crítica sobre el desplazamiento de lo instrumental en favor de lo escenográfico. Sin embargo, celebró la vigencia de artistas jóvenes que logran equilibrar ambas facetas. Para la docente, la música es un campo libre de purismos donde la actualización constante constituye una elección personal.

Al reflexionar sobre su propia imagen frente al instrumento, Ravioli reconoció que lo que observa es fuerza. El camino hacia la profesionalización le exigió sacrificios familiares y personales que considera valiosos. Acompañada por su familia, sostiene una labor basada en la autogestión y el compromiso con la enseñanza en la ciudad.

Rosana Santorum inició su camino con la marca Trama en 2020, con el objetivo inicial de desarrollar un emprendimiento textil de prendas y accesorios hechos a mano. Sin embargo, aquel proyecto original se transformó rápidamente en algo más complejo y personal. 

Según relató en Parada Cultural —el ciclo de entrevistas producido por Bici Productora en colaboración con El Eco Multimedios—, la necesidad de expresión desvirtuó el fin comercial para dar paso a una fusión de herramientas que incluyen la danza, la escritura y el diseño.

"Me cuesta decir lo que hago porque me siento mejor en la levedad, sin estar parada en ninguna casilla, porque eso me da libertad", explicó durante el encuentro.

Para la creadora de Trama, el acto de entrelazar fibras tiene una conexión profunda con la historia de la humanidad y la comunicación. En este sentido, destacó un dato etimológico fundamental: la palabra texto proviene de la palabra tejido, subrayando que la humanidad aprendió a tejer mucho antes que a escribir. 

Esta premisa sostiene su trabajo actual, donde cada pieza intenta narrar una historia personal o colectiva. Santorum utiliza el textil para exteriorizar procesos vitales, transformando experiencias complejas en objetos que buscan la belleza y el bienestar, bajo la premisa de generar algo "que no haga daño".

En la actualidad, la artista considera que sentarse a tejer es, fundamentalmente, un acto de resistencia. Frente a una sociedad marcada por la dinámica del "clic", el consumo rápido de imágenes y la urgencia constante, el tejido demanda una temporalidad diferente. "Tejer demanda tiempo, es una tarea de paciencia. Hoy soy medio rebelde y estoy tejiendo encaje, algo que casi no existe, con agujas finitas para tardar más tiempo todavía", confesó.

Para ella, este ejercicio incentiva la concentración y permite que las ideas aparezcan de forma intuitiva mientras las manos trabajan. “Tejer es un acto de resistencia que pone a prueba e incentiva la concentración”, sentenció.

A pesar de que históricamente se asoció el tejido con las generaciones mayores, Santorum observó un cambio radical en la percepción actual de esta labor. Según su visión, el tejido regresó con fuerza a las pasarelas internacionales y a la cultura popular contemporánea.

Mencionó, por ejemplo, cómo referentes del género urbano como Cazzu utilizan prendas tejidas artesanalmente, lo que demuestra que el crochet y las técnicas manuales han vuelto a ser protagonistas del diseño de vanguardia y son valorados por un público joven que busca autenticidad.

Finalmente, al reflexionar sobre su identidad como artista independiente, Santorum reconoció que su trabajo es "a pulmón" y requiere un gran esfuerzo para encontrar el segmento de público que valore el tiempo y la dedicación que exige una prenda hecha a mano. 

Aunque su labor es minuciosa y requiere de una gran inversión de tiempo, aseguró que disfruta cada parte del proceso, desde la concepción de la idea hasta la ejecución final. Para ella, el tejido, la escritura y la danza son los tres pilares que sostienen su universo creativo en Tandil.

La fotógrafa tandilense Cata Bass protagonizó una nueva edición de Parada Cultural, el ciclo de entrevistas impulsado por “Bici Productora” en colaboración con “El Eco Multimedios”.  Durante el encuentro, la artista recorrió su carrera, desde sus primeros juegos con cámaras de rollo durante la infancia hasta su consolidación como retratista y realizadora documental. 

La charla permitió profundizar en su visión sobre la profesión, la cual describió como una herramienta fundamental para el autoconocimiento y el procesamiento de las vivencias personales.

Su pasión nació en el seno familiar, donde el manejo de cámaras de rollo representaba un desafío lúdico y, en aquel entonces, costoso. Bass recordó que solía jugar a escondidas con sus primas, capturando momentos que marcaron el inicio de su vocación.

Más tarde, inició su formación académica en la carrera de Artes Audiovisuales en Tandil, aunque pronto descubrió que el lenguaje del cine no le brindaba lo que buscaba. "Sentía que me faltaba más cercanía con la otra persona; en el set hay mucha gente", explicó sobre aquel proceso de transición.

Tras obtener una beca en una fotoescuela de La Plata, Cata logró profesionalizar su técnica y comenzó a trabajar en diversos eventos, como casamientos y cumpleaños de 15. Sin embargo, con el paso de los años, su búsqueda estética y personal la condujo hacia el retrato, un género que hoy define su identidad artística.

Para ella, esta rama de la fotografía permite un encuentro genuino, basado en la escucha y el respeto mutuo, donde la imagen final es el resultado de una conexión previa entre fotógrafa y sujeto.

Uno de los puntos más emotivos de la entrevista giró en torno a su labor documental con una de sus abuelas. Bass destacó que este proyecto representó un desafío emocional, ya que al exponer imágenes tan íntimas, el proceso deja de ser puramente personal para transformarse en una pieza colectiva.

En particular, se refirió al documental realizado junto al “Club Zakheo”, centrado en su abuela Coca, quien atraviesa un proceso de deterioro cognitivo. La obra no solo se enfocó en su historia familiar, sino que se extendió a “Gamat” (Grupo de Apoyo al Mal de Alzheimer Tandil), un espacio de estimulación de la memoria donde asiste su abuela. La fotógrafa resaltó la importancia de visibilizar a los adultos mayores, quienes a menudo son despersonificados por la sociedad.

A través de su lente, buscó reivindicar sus historias y el rol fundamental de las familias que acompañan estos procesos, agradeciendo la apertura de quienes permitieron registrar ese vínculo.

En este contexto, Bass introdujo un concepto que rige su actualidad: la fotografía como acto de reparación. Según manifestó, la cámara le sirvió como un refugio y una herramienta para trabajar dolores y alegrías.

"La fotografía me ha salvado; me ha servido para trabajar mis cosas, desde lo que más me ha afectado hasta lo que me ha dado felicidad", confesó la artista, quien también vinculó este proceso con la posibilidad de mirar con cariño su propia infancia y reconciliarse con la nostalgia de los años pasados.

Para la entrevistada, retratar es también una forma de abrazar a la niña curiosa que fue. Aseguró que esa curiosidad es el motor que le permite seguir descubriendo "puertas" dentro de la imagen, un mundo que calificó como inagotable.

Esta perspectiva le permitió transformar la sensibilidad personal en una expresión artística que busca, ante todo, ser honesta con lo que se siente y se observa a través del visor.

Respecto a la evolución tecnológica, la fotógrafa analizó la convivencia entre los métodos tradicionales y las nuevas herramientas digitales. Bass observó que existe un retorno hacia lo analógico, impulsado por una búsqueda de transparencia y claridad en el presente, lejos de las imágenes excesivamente producidas por la IA.

Valoró el tiempo de espera que impone el revelado de un rollo como un ejercicio necesario frente a la ansiedad contemporánea de la inmediatez.

Al ser consultada sobre la irrupción de la inteligencia artificial en el campo visual, se mostró cauta pero abierta a su uso como una herramienta complementaria. Si bien reconoció que es un recurso poderoso, advirtió que el mayor peligro reside en la conformidad con el resultado automatizado.

Para Bass, la esencia del acto fotográfico radica en la comunicación, el contacto visual y la experiencia del encuentro humano, elementos que la tecnología aún no puede replicar con la misma profundidad.

La profesional hizo hincapié en que la técnica, aunque es sumamente importante, no debe opacar la necesidad de investigar y ser autodidacta. Para ella, el aprendizaje constante surge de la voluntad de agarrar la cámara y explorar el mundo por medios propios.

En ese sentido, destacó que Tandil ofrece un escenario privilegiado para la experimentación artística, mencionando su propio vínculo con las sierras y la riqueza de la comunidad de mujeres artistas de la ciudad.

Finalmente, la fotógrafa alentó a quienes dan sus primeros pasos en el rubro a mantener la honestidad y la pasión. Sugirió que la clave reside en ponerle corazón a cada proyecto, ya que lo genuino es lo que logra conectar de manera poderosa con los demás.

"Ser curioso, agarrar la cámara y perderse en las sierras", fue el consejo final de una artista que entiende su profesión como un modo de vida y una forma de procesar la realidad.

Sergio Migón, vecino nacido y criado en el barrio La Movediza, se consolidó como una de las figuras más relevantes de la danza folclórica local tras años de una búsqueda artística constante. Su camino comenzó en el año 2000, cuando la Peña Amaiké resurgió en su barrio bajo la dirección del profesor Ricardo Casal. Junto a un grupo de amigos, Migón cambió las canchas de fútbol por las tablas del escenario, atraído por una curiosidad que pronto se transformó en una vocación de vida.

En sus declaraciones, el malambista recordó que lo que inicialmente lo sostuvo en la actividad fue el sentido de comunidad y el grupo de pertenencia que se gestó entre los chicos del barrio. Con el paso del tiempo, la observación de grandes referentes que llegaban a Tandil para participar de los festivales despertó en él un deseo de “zapatear así”. Esto se convirtió en el motor que lo llevó a profesionalizarse, entendiendo que el malambo demandaba no solo talento, sino una disciplina física y mental.

Además de su faceta como intérprete, Migón desempeña una labor docente en el Centro Tradicionalista y en Quebracho Ballet, además de preparar a aspirantes de diferentes puntos del país. Para el bailarín, la enseñanza es un proceso de intercambio constante que permite cuidar el patrimonio cultural. “Se trata de cuidar la imagen de esa gente que existió en ese momento, con sus modos de bailar y su música”, explicó.

Al explicar las particularidades de su arte, el campeón provincial detalló que, si bien el malambo permite una mayor libertad de expresión y creación que la danza tradicional, requiere un estado físico impecable debido al desgaste que genera. El jurado en las competencias evalúa no solo la calidad técnica y la música, sino también la capacidad del artista para traspasar el escenario y conectar con el público.

Migón señaló que la mayor dificultad reside en la simetría: “lo que se hace con un pie, tenés que tratar de volver para el otro de la misma forma”, una exigencia que pone a prueba el carácter y la templanza del malambista. Para el bailarín, estar arriba del escenario es un acto de honestidad brutal donde no hay espacio para la simulación. Aseguró que en esos minutos de actuación se refleja toda la vida, los miedos y el trabajo acumululado.

El artista describió la experiencia como un hecho artístico que busca alimentar el espíritu del espectador a través de un intercambio de energía. Tras años de preparación, el bailarín logró desarrollar la frialdad necesaria para concentrarse en su técnica, dejando las emociones para el final de la actuación, cuando el agradecimiento y el desahogo se hacen presentes tras el esfuerzo realizado.

Manu Díaz Vigo fue el protagonista de una nueva entrega de Parada Cultural, el ciclo de entrevistas producido por Bici Productora en colaboración con El Eco Multimedios. Durante la charla, el artista, que actualmente se desempeña como productor y como muralista, desglosó su cosmovisión artística y la profunda influencia de una estirpe dedicada por generaciones a la cultura y la expresión plástica.

A medida que creció, Díaz Vigo moldeó esa herencia a través de la formación académica y la experimentación constante. Aunque incursionó en la danza y estudió cine, encontró en el dibujo y las artes plásticas su principal canal de comunicación. No obstante, su presente profesional lo encuentra dividiendo el tiempo entre el ámbito audiovisual y el contacto directo con los pinceles.

La temática de su obra se encuentra íntimamente ligada a sus orígenes en el campo. El artista confesó ser un fanático de la llanura y de ese horizonte infinito que caracteriza al paisaje bonaerense. Aunque manifestó su amor por vivir en Tandil, reconoció que al regresar a su tierra natal busca reencontrarse con los eucaliptos a lo lejos y la amplitud del espacio rural, elementos que intenta plasmar de manera recurrente en sus composiciones pictóricas.

A través de la plástica, Díaz Vigo logró establecer un vínculo con lo que denomina la naturaleza cíclica. En sus trabajos suelen aparecer representaciones de la fauna y la flora, pero también una fascinación por los objetos que denotan el paso del tiempo. Le interesa lo avejentado, la madera podrida por la humedad de la intemperie y la belleza de las herramientas oxidadas que se funden con el entorno natural, reflejando cómo la vida y la muerte se retroalimentan constantemente en el ecosistema rural.

Respecto al avance de la inteligencia artificial y las herramientas digitales en el arte, Díaz Vigo mostró una postura reflexiva y abierta, aunque con matices claros sobre la identidad del artista. Consideró que son herramientas que deben ser aceptadas y eventualmente utilizadas, trazando un paralelismo histórico al mencionar que figuras como Miguel Ángel seguramente habrían utilizado un proyector para pintar la Capilla Sixtina si hubieran tenido acceso en su época.

Sin embargo, advirtió sobre el riesgo de la uniformidad que proponen estos recursos. Para el artista, el valor de una obra reside en la imperfección y en el rastro humano que deja un trazo realizado a mano alzada. Explicó que una línea recta trazada con una regla o mediante un software siempre será igual a la de cualquier otra persona, mientras que una línea dibujada sobre papel refleja el pulso, la respiración y el estado anímico del autor en ese momento preciso.

Uno de los proyectos más ambiciosos y personales que lleva adelante es la recuperación y archivo de la obra de su bisabuelo, Abraham Vigo. El reconocido artista ganó el Premio Nacional del Salón de Grabado en 1942 y dejó un legado que se encuentra disperso en museos de todo el país, incluyendo el Mumbat. Manu, al ser el único integrante de la familia que continuó el camino de las artes plásticas, asumió el compromiso de ordenar y respaldar toda la información disponible sobre su antepasado.

El proceso de inventario y recuperación fue descrito por el artista como una labor detectivesca y sumamente divertida. Comenzó a trabajar en el ordenamiento de fotos, filmes y notas de prensa que su abuelo Ariel había preservado durante décadas. Para Manu, crecer rodeado de cuadros era algo cotidiano, pero con el tiempo y su llegada a Tandil para estudiar, tomó verdadera dimensión de la relevancia histórica y cultural que tiene el nombre de Abraham Vigo.

En una nueva entrega de Parada Cultural, el ciclo de entrevistas de Bici Productora junto a El Eco Multimedios, la profesora, actriz y directora Abril Ocampos repasó su trayectoria. Durante la charla, la artista nacida en Bahía Blanca relató cómo se gestó su llegada a Tandil, profundizó en la compleja técnica del estatuismo y analizó la actualidad de la escena local.

La vinculación de Ocampos con el teatro comenzó a los ocho años en una escuela de estética de su ciudad natal. Tras cursar un taller en su adolescencia, decidió que la actuación sería su camino definitivo. Su destino cambió de rumbo cuando una excompañera de estudios le señaló una coordenada precisa en el mapa: la Facultad de Arte de la Unicen.

Ocampos arribó a la ciudad serrana en 2018 buscando formación universitaria y contacto con la naturaleza, lejos del ritmo de la Capital Federal. Desde su llegada, se integró activamente a la comunidad artística, participando en grupos de teatro independiente y proyectos de gestión cultural que consolidaron su identidad como tandilense por adopción.

Uno de los perfiles más singulares de Ocampos es su labor como estatua viviente, disciplina que comenzó a explorar en 2017 en el Teatro Municipal de Bahía Blanca. En Tandil continuó de manera autodidacta y dio vida a Bublina, personaje que debutó en la feria de Semana Santa de 2019. Para su segunda producción, Ethelma, trabajó cuatro meses junto al colectivo Tatequieto en una rigurosa investigación escenoplástica.

En cuanto a la preparación física, la técnica se nutre de la expresión corporal, el yoga y la meditación. La clave para sostener la quietud reside en el control de la respiración diafragmática para minimizar el movimiento del pecho y en mantener una concentración absoluta. "Es una mezcla de relajación y activación al mismo tiempo", señaló la artista, quien describió la experiencia como un estado meditativo en acción.

En la actualidad, Ocampos se vuelca a la dirección y la actuación. Dirige desde hace dos años la obra "El amor es un francotirador", actúa en el espectáculo infantil "Viva el miedo" y es asistente de dirección en "Sol Azul".

Al analizar el panorama cultural, afirmó que Tandil posee una calidad artística impresionante. Sin embargo, observó que aún resta camino por recorrer en la fidelización del público, ya que persiste una tendencia a priorizar las producciones comerciales que llegan desde Buenos Aires. No obstante, se mostró optimista respecto al crecimiento de la audiencia local, instando a continuar aceitando los canales de difusión.

Aurelia Jones se presentó en Parada Cultural para desandar un camino que comenzó hace ocho años. Su llegada a Tandil no estuvo motivada inicialmente por las luces del escenario, sino por la búsqueda de un futuro profesional en las ciencias. Proveniente de Sierras Bayas, se instaló en la ciudad con el objetivo de estudiar el profesorado de matemáticas en la Facultad de Ciencias Exactas de la Unicen. A pesar de haber iniciado sus estudios en Olavarría, la oferta académica y el entorno del campus tandilense la convencieron de que este era el lugar para trazar un nuevo rumbo.

El interés por lo artístico, sin embargo, latía desde su infancia como una necesidad expresiva que debió sortear diversos prejuicios sociales. El deseo de participar en obras de teatro estuvo presente desde siempre, aunque la danza fue una cuenta pendiente durante años por el temor al estigma de "morirse de hambre" a través del arte.

El 2019 marcó un punto de inflexión. Mientras avanzaba en su carrera, descubrió la cultura del drag en las fiestas Not The Mamma. “Me encantó, pero nunca había sido una opción para mí”, admitió, al recordar cómo los costos y la complejidad técnica parecían barreras infranqueables. Sin embargo, la pandemia y el vínculo con su madre drag, Blonda Jones, fueron los catalizadores para que en 2021 realizara su primer show como Aurelia Jones.

La creación de su identidad fue un proceso colectivo. La artista destacó que se nutrió de ropa prestada y el apoyo de su “familia drag”. El nombre, Aurelia, homenajea a su abuela paterna, una mujer que sufrió las limitaciones del patriarcado en la década del 30. “Esta es mi propia sangre la que me potencia; voy a hacer todas las cosas que a ella no la dejaron hacer”, afirmó.

Uno de los puntos destacados fue la integración entre su rol como profesor de matemáticas y su vida como drag queen. Tras un proceso terapéutico, comprendió la importancia de unificar su identidad. “Soy una misma persona que está disfrutando de todo eso”, reflexionó.

Esta integración alcanzó su punto máximo al asistir montada como Aurelia Jones para dar una clase de ingreso en la Facultad de Arte. Lejos de generar rechazo, la experiencia fue calificada como “fantástica”. Jones utiliza su posición para buscar que los alumnos se acerquen a la matemática desde un lugar más humano.

Desde los 18 hasta sus actuales 32 años, la Unicen fue su hogar. “Hoy tenemos una universidad nacional con un gran proyecto histórico de un país mejor”, enfatizó. Finalmente, concluyó que el arte transformó su existencia al permitirle explorar facetas que el cotidiano le negaba, logrando reconciliarse con su propio cuerpo a través del teatro y el drag.

Pepo Sanzano se sentó frente a las cámaras de Parada Cultural, el ciclo producido por Bici Productora junto a El Eco de Tandil, para desandar un camino que comenzó hace cuatro décadas. A sus 60 años, consolidado como una de las figuras más influyentes de la cultura serrana, el actor recordó sus inicios y reflexionó sobre el compromiso de ser un referente local.

Sanzano recordó que sus primeros pasos en la actuación fueron a los 20 años, protagonizando la obra “El Destete”. Poco después nació Los Prepu, un proyecto que surgió entre estudiantes de veterinaria y que terminó por profesionalizarse, llevándolos a radicarse en Buenos Aires durante dos décadas. Aquella etapa fue el motor que lo llevó a abandonar la carrera universitaria para abrazar el teatro como forma de vida.

A pesar de ser marplatense de nacimiento, el comediante es tajante al definir su vínculo con la ciudad: considera a Tandil su lugar en el mundo. Tras vivir diez años en Capital Federal, decidió regresar a las sierras, convencido por la conexión colectiva y el "proceso de juego" constante que le brinda el escenario.

El actor destacó la vitalidad de la escena local, que cuenta con más de 20 estrenos anuales y una oferta constante cada fin de semana. Para Sanzano, el éxito radica en la sinergia entre artistas y espectadores, y en el rol de las usinas de formación como la Facultad de Arte de la Unicen y salas independientes como el Club de Teatro, Bajo Suelo, la 990, La Fábrica y Éter.

Uno de los puntos centrales de la entrevista fue la transformación del género humorístico. Sanzano reconoció que las formas de hacer reír han evolucionado para mejor: “El humor cambió mucho por suerte. Antes estigmatizaba, era homofóbico, machista y racista”, admitió, señalando que hoy no repetiría comportamientos del pasado.

En relación a los límites de la comedia, citó una premisa compartida con Pedro Saborido: el humor no tiene límites per se, sino consecuencias de las que el artista debe hacerse cargo. Su límite personal, explicó, es no abordar temas que no puede explicar desde la ironía o el juego.

Como profesor en la Unicen, Sanzano mantiene un vínculo estrecho con los jóvenes. Su pedagogía se basa en el respeto y en la creación de un espacio de confianza. Para él, cualquier proyecto grupal debe sostenerse sobre tres pilares: la admiración, el amor y el respeto.

La emoción se hizo presente al recordar un mensaje de sus alumnos: “Si yo logré pasar por esta vida contagiando pasión, ya está”. Para el actor, esa "huella" es más importante que cualquier éxito comercial.

Pese a su vasta experiencia, Sanzano sigue sumando desafíos. Recientemente incursionó en el cine con la película “La luna de Coco”, dirigida por Javier Lester, donde compartió escena con su padrino artístico, Víctor Laplace.

Con la mirada en el futuro, Sanzano aseguró que su único deseo es seguir haciendo teatro y que la gente continúe riendo. Acompañado por el afecto de sus hijos y su nuevo rol como abuelo, el actor sigue apostando por la risa como la herramienta más potente para transformar la realidad.

Tito Lanfranqui se sentó frente a los micrófonos de Parada Cultural, el espacio producido por Bici productora en conjunto con El Eco Multimedios, para reflexionar sobre un presente marcado por los frutos de "La Luna de Coco". 

Durante el encuentro, el artista repasó los desafíos de protagonizar su primer largometraje, una obra que no solo recorrió festivales internacionales, sino que también funcionó como una vidriera de los paisajes de Tandil.

Con la serenidad de quien lleva más de 20 años habitando los escenarios locales, Lanfranqui profundizó en su formación, el sentido de pertenencia a la comunidad teatral independiente y la transformación que el arte imprimió en su vida.

El estreno de "La Luna de Coco" marcó un hito en su carrera al encarnar a Coco. El actor recordó con emoción el impacto de trabajar con un equipo de entre 150 y 160 personas, para quienes, en su mayoría, también significó su debut en el formato de cine de larga duración.

El camino desde la idea hasta las salas fue extenso. Lanfranqui detalló que la preproducción duró casi ocho meses, seguidos de tres semanas de rodaje intenso. La postproducción demandó otros ocho meses, completando un ciclo de casi dos años de trabajo interno.

La repercusión en festivales superó las expectativas. La película obtuvo distinciones como el premio a mejor comedia dramática en Bangladesh y mejor fotografía en Mar Chiquita. Asimismo, Lanfranqui fue distinguido como mejor actor en un festival de la India. No obstante, destacó con especial orgullo el galardón a mejor película en el Festival Leonardo Favio por su carácter autogestionado y cooperativo.

"La producción recorrió la ciudad de punta a punta", enfatizó el actor, señalando que el film revaloriza el entorno natural y urbano de la región. Para el espectador tandilense, la experiencia fue un ejercicio de reconocimiento de su propia identidad.

Lanfranqui también analizó las diferencias entre las tablas y la pantalla: "El teatro y el cine poseen lenguajes totalmente diferentes". Si bien ha transitado desde el drama hasta propuestas para infancias, confesó que su preferencia personal es el género dramático.

Su llegada a Tandil hace más de 20 años fue el punto de partida. Arribó para cursar la carrera de teatro y sintió una conexión inmediata. Hoy se reconoce "más tandilense" que de cualquier otro lugar, integrando una comunidad artística que define como de una calidad increíble.

La agenda de Lanfranqui para este año incluye la obra "Hipernatremia", estrenada a finales del año pasado. En paralelo, se prepara para el rodaje de una nueva película bajo la dirección de Agustín Abad. Este proyecto incursionará en el género de la ciencia ficción con una estética steampunk y fantástica, una apuesta disruptiva para la producción local.

Con la mirada puesta en lo que vendrá, el actor reafirmó su compromiso con el teatro independiente y su deseo de seguir descubriendo esas "otras personas" que habitan dentro de él para darles vida en la escena.