La escena musical de Tandil ha experimentado una transformación significativa en los últimos años, impulsada por una nueva generación de artistas que han encontrado en el género urbano una vía de expresión genuina. Entre ellos, Cami López, quien se presenta bajo el nombre artístico de Androm3da, ha logrado posicionarse como una figura destacada. Su camino, que comenzó de manera oficial en 2022, está profundamente ligado a la agrupación local Sharau, un colectivo de artistas que ha sido fundamental para el desarrollo de su identidad sonora y su integración en el circuito nocturno de la ciudad.

Aunque su incursión en el trap y el género urbano es reciente, la música ha sido una constante en su vida. Cami López recuerda con claridad sus primeros años, marcados por las reuniones familiares donde la guitarra y el piano eran protagonistas. "La música siempre estuvo en mí. De chiquita, las juntadas eran con mis abuelos cantando, mis tíos, y siempre cantaba con mi viejo", relata la artista, quien en su infancia se nutrió principalmente del folklore, interpretando temas de referentes como El Chaqueño Palavecino o Soledad Pastorutti. Esta base diversa le permitió, años más tarde, adaptarse con fluidez a los ritmos urbanos.

El salto hacia el género urbano ocurrió casi por casualidad, tras conocer a los integrantes de Sharau en la sala La Mayor. Lo que comenzó como una visita por hobby se transformó rápidamente en un compromiso artístico. "Me voló la cabeza ver a los pibes ahí y todo lo que hacían. Empecé a caer a las juntaditas y me adentré en la música", confiesa. Para ella, el cambio de género no representó un obstáculo, ya que siempre se consideró una oyente ecléctica, pasando por la cumbia y el rock nacional antes de encontrar en el trap, durante el auge de artistas como Duki, el lenguaje que mejor la representaba.

Al ser consultada sobre la escasa presencia femenina en el género, Androm3da no esquiva la realidad social. "Vivimos en una sociedad un poco machista", señala, aunque reconoce haber tenido la fortuna de ser integrada rápidamente por sus pares en Sharau. No obstante, advierte que muchas colegas enfrentan dificultades para ganar terreno. "Creo que tiene mucho que ver con que al hombre todo lo que hace le parece que está buenísimo y a la mujer como que no se le da la misma importancia", reflexiona. A pesar de esto, celebra que en los últimos tiempos más mujeres se han sumado a la movida local.

La evolución de la cultura urbana en Tandil ha sido notable desde 2022. Cami recuerda que, al regresar de La Plata, la oferta cultural en la ciudad era limitada, pero la situación cambió rápidamente con la aparición de espacios como Lunático y el crecimiento de la autogestión. "Hoy en día lo veo re bien, hay mucha movida en la noche, cositas por todos lados, arte y parte. Se ha abierto un montón la cabeza y hay mucha gente metiéndole a la música y a las bandas", afirma con entusiasmo sobre el presente artístico de la ciudad.

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La aceptación del género urbano por parte del público general también ha sido un proceso gradual. Según la artista, el rechazo inicial que solía generar este estilo musical se ha disipado a medida que los exponentes del género demostraron que no se trataba de una moda pasajera. "Cuando ves que hoy en día muchos artistas llenan estadios como River o escenarios grandes y llegan muy lejos, te das cuenta de que no es algo así nomás", explica. En el ámbito local, asegura que el público tandilense, incluso el de mayor edad, ha comenzado a acompañar con mayor frecuencia las presentaciones en vivo.

Para Androm3da, el crecimiento profesional implica necesariamente mirar más allá de los límites geográficos de Tandil. "Moverte en tu ciudad te da un piso, pero toda ciudad tiene su techo; moverse a otras ciudades te abre oportunidades porque podés conocer artistas, gente y productores", sostiene. La experiencia de tocar en otras ciudades, como La Plata, ha sido clave para su desarrollo, brindándole una perspectiva más amplia sobre la industria y el intercambio cultural entre pares.

Un aspecto distintivo de su propuesta es la importancia que le otorga a la faceta audiovisual. Cami López no solo se encarga de la composición, sino que también gestiona la edición de sus videos y el diseño de sus portadas. "Siento que la música va más allá de escribir una canción; me gusta enfocarme en todos los detalles, porque todo suma para un resultado mucho mejor", comenta. Esta visión integral responde a su deseo de mostrar su identidad artística, priorizando la expresión personal por sobre la búsqueda obsesiva de métricas o visualizaciones en las plataformas digitales.

Recientemente, el colectivo Sharau presentó el tema "No fue fácil", una colaboración que incluye a 37LEONIDAS, BLOPA & L.C BABY. La canción aborda la incertidumbre y la ansiedad que atraviesan los jóvenes en la actualidad, proponiendo a la música como un refugio. "Es una forma de olvidarte de todo eso, disfrutar y sentirnos coronados haciendo lo que nos gusta", explica. Este lanzamiento es solo el inicio de una serie de proyectos que la artista tiene previstos para el resto del año, incluyendo el estreno de "Lo visualizamos" y otras colaboraciones con colegas como Plon.

Finalmente, al momento de recomendar talento local, Androm3da destaca la calidad de sus compañeros de Sharau y subraya el trabajo de Plown, a quien define como un productor y artista fundamental para la escena. Para quienes deseen seguir su trayectoria, la artista se encuentra disponible en Spotify, YouTube e Instagram bajo el nombre Androm3da, utilizando el número 3 en reemplazo de la letra E, una marca personal que ya identifica a esta referente que continúa construyendo su camino en la música urbana.

En un entorno natural, rodeados por la geografía de las sierras en Villa Laza, los integrantes de la banda Derivé compartieron los detalles de lo que será su próximo material discográfico. Tras una sesión de fotos que marca el inicio de la etapa de promoción, el grupo se mostró expectante y entusiasmado ante el inminente lanzamiento de su primer EP, un trabajo que definieron como corto, conciso y muy cuidado en cada uno de sus detalles técnicos y artísticos.

El proyecto, que ha demandado cerca de dos años de trabajo constante, se encuentra en su fase final de postproducción. Según explicaron los músicos, la instrumentación ya está completamente lista y solo restan definir algunos detalles menores en las voces para dar por concluido el proceso. Este EP de cinco canciones representa un paso fundamental en la trayectoria de la banda, que durante este año ha logrado consolidarse mediante diversas presentaciones en vivo, marcando un salto cualitativo en su carrera profesional.

Uno de los puntos más destacados del nuevo material es la revisión de temas conocidos por sus seguidores, como es el caso de Jardín del Ser. Esta pieza, que ya formaba parte del repertorio habitual del grupo, ha sido sometida a nuevos retoques y ajustes vocales, incluyendo la participación de Pedro Moreno en la voz principal. El objetivo, según señalaron, es ofrecer una versión con mayor profundidad, más voces y una estructura sonora más grande, buscando impactar positivamente en quienes ya conocen la propuesta original de la banda.

Para los integrantes de Derivé, la experiencia de grabar en un estudio ha sido un desafío que los obligó a elevar su nivel de exigencia. Jere Santillan, uno de los miembros del grupo, destacó la importancia de este proceso al señalar que el trabajo de estudio requiere una precisión y una prolijidad que difieren de la dinámica habitual de los ensayos en un garaje. La búsqueda de un sonido más simple pero efectivo fue una de las claves durante las sesiones de grabación, donde el perfeccionismo se convirtió en una herramienta fundamental para lograr el resultado deseado.

Para los músicos, la posibilidad de contar con material propio disponible en plataformas digitales como Spotify representa un hito emocionante. Existe una expectativa genuina sobre cómo reaccionará el público ante este nuevo repertorio y cómo se sentirá la banda al ver su obra consolidada en el ámbito digital en el futuro cercano.

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Al ser consultados sobre la identidad del grupo, Pedro definió a Derivé como una propuesta amplia, caracterizada por una gran potencia rockera y letras cuidadas. Esta versatilidad es la que han intentado volcar en el nuevo EP, buscando que cada canción aporte una textura diferente sin perder la esencia que los caracteriza. La banda enfatizó que, más allá de la técnica, el motor principal de este proyecto es la emoción y el deseo de sorprender a su audiencia con una evolución constante en su sonido.

Con el lanzamiento del EP programado para dentro de un mes, la banda ya se encuentra organizando los detalles de su presentación oficial. La intención es realizar un evento antes de que finalice el año, buscando un espacio adecuado y, posiblemente, acompañados por otras bandas de la escena local para enriquecer la experiencia del público. La logística de este evento es actualmente una de las prioridades del grupo, que busca armar una puesta en escena a la altura de la calidad del material grabado.

Más allá del lanzamiento, Derivé tiene planes ambiciosos para concluir el año. Entre sus objetivos se encuentra la posibilidad de realizar presentaciones en otras ciudades, con el fin de innovar y llegar a un público nuevo. Asimismo, el grupo ya comienza a proyectar el trabajo para el año próximo, donde planean enfocarse en la elección de nuevos covers, la definición de una estética propia y el desarrollo de aspectos más puntuales de su identidad artística. Este cierre de ciclo es vivido por los integrantes con gran satisfacción, celebrando el camino recorrido.

Para todos aquellos interesados en seguir de cerca las novedades, la banda invita a mantenerse atentos a sus canales oficiales. Los anuncios sobre la fecha exacta de lanzamiento y los detalles de los próximos shows serán comunicados a través de su cuenta de Instagram, derive.smp. De igual manera, el material estará disponible próximamente en Spotify bajo el nombre de la banda. Los integrantes concluyeron la entrevista reafirmando su compromiso con la música y su entusiasmo por compartir este nuevo capítulo con sus seguidores.

La banda la integran: Santino Ferrari, Agustín Dicembrile, Pedro Moreno, Abigail Rodríguez y Jeremías Santillan.

La escena musical tandilense se prepara para recibir nuevamente a Koino Yokan, una de las bandas con mayor crecimiento en el último tiempo. El grupo, liderado por Toto Otero y Jeremías Oro, se presentará el 23 de octubre en el escenario de Glow, en un show que promete marcar una diferencia respecto a sus visitas anteriores. La noticia fue confirmada durante una entrevista exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde el cantante compartió detalles sobre la actualidad del proyecto y su conexión con la ciudad.

Durante la charla, Toto Otero recordó con entusiasmo sus pasos previos por Tandil, aunque admitió que la última experiencia estuvo marcada por condiciones climáticas adversas. En esta oportunidad, el músico subrayó una diferencia fundamental: mientras que en ocasiones anteriores se presentaron en formato dúo, esta vez el grupo llegará con la banda completa. "La última vez fuimos a dúo y la experiencia fue acústica, íntima y suave; ahora vamos con la banda, así que es muy distinto", explicó el artista, anticipando una propuesta más potente para sus seguidores locales.

Al ser consultado sobre el vertiginoso ascenso de Koino Yokan, Otero reflexionó sobre la dualidad de sentirse una banda nueva con una trayectoria que ya suma casi diez años. "Uno siente que tiene cierta experiencia en escenarios, giras y grabaciones, pero sigo sintiendo que somos una banda nueva", confesó. Según el cantante, el crecimiento no fue un fenómeno meteórico, sino el resultado de un trabajo constante donde ciertas canciones y videos funcionaron como puntos de inflexión que obligaron al grupo a estar a la altura de las circunstancias.

El enfoque humano y la camaradería dentro del grupo fueron ejes centrales de la conversación. Otero destacó que, más allá de la música, el paso de los años les ha enseñado a comunicarse mejor y a fortalecer su amistad con Jere, algo que considera vital para la salud del proyecto. "Nos empezamos a hacer muy amigos con el paso de los años, nos entendemos muy bien. Hacer música juntos nos encanta y podemos vivir de esto", señaló, reconociendo que, a pesar de las dificultades económicas actuales que afectan a la industria cultural, cada presentación es una "bendición".

En cuanto a la evolución de sus objetivos personales y profesionales, el músico fue contundente al señalar que las metas han mutado desde sus inicios. "Al terminar el secundario me moría porque me aplaudan y sentirme importante", admitió, diferenciando aquellos deseos iniciales de los actuales, que están mucho más ligados a la búsqueda de la excelencia artística y al aprendizaje constante. Hoy, el propósito principal es seguir creando música, colaborar con colegas que admiran desde la infancia y lograr que sus canciones tengan un impacto positivo en quienes las escuchan.

El vínculo con el público en ciudades como Tandil, con cerca de 180.000 habitantes, sigue siendo una fuente de asombro para el artista. Otero describió la experiencia de tocar en vivo como una "fiesta" donde la conexión con los espectadores es lo más valioso. "Miro las caras de la gente y los veo cantando, tomados por la emoción. Es una locura pensar que esa canción que hice en un micro, en un momento dado, hoy acompaña a otra persona", compartió conmovido, reafirmando que la magia de compartir ese momento es algo que nunca deja de sorprenderlo.

Finalmente, el cantante se refirió a la dinámica de trabajo en el estudio, donde actualmente se encuentran grabando nuevo material. Lejos de la competitividad que pudo existir en los primeros años, hoy prima un espíritu de colaboración donde las ideas fluyen de manera orgánica. "De repente uno tiene una melodía, el otro la completa y empezamos a hacer la letra juntos; nos hacemos uno", describió sobre el proceso creativo que los mantiene enfocados en la calidad de su próximo disco.

La cita para el reencuentro con el público tandilense será el 23 de octubre. Las entradas ya se encuentran disponibles para quienes deseen disfrutar de una noche que, según las palabras de los integrantes del programa, se perfila como uno de los eventos destacados de la agenda cultural de la ciudad. Con la promesa de un show enérgico y la calidez que caracteriza a la banda, Koino Yokan se prepara para dejar su huella una vez más en Tandil.

La historia de Manuel Puente refleja el vertiginoso camino de un deportista moldeado por la disciplina del vestuario, la exigencia del básquet de ascenso y una búsqueda incesante de superación. Desde sus primeros botes en Buenos Aires hasta consolidarse como un referente en el Club Independiente de Tandil, el escolta repasa su evolución formativa, el periplo por las canchas del país y la mentalidad analítica con la que convierte las grandes noches anotadoras en un método de aprendizaje constante. Su presente, marcado por una actuación individual que sorprendió al ambiente deportivo local, es el resultado de años de rodaje en diversas categorías del básquetbol nacional.

El romance de Manuel con la pelota naranja comenzó casi por inercia familiar a los cuatro años. La figura de su padre —profesor de educación física, exjugador y entrenador— fue la puerta de entrada natural a los gimnasios y a la vida de club. Salvo por un breve paréntesis entre los 10 y 11 años donde probó suerte en el fútbol durante dos temporadas, el básquetbol se mantuvo siempre como una prioridad inquebrantable en su horizonte. Sus primeros fundamentos los pulió en las tablas de Estudiantil Porteño, en el oeste del Gran Buenos Aires, asentando una base técnica que no tardaría en trasladarse de escenario.

A los 14 años, un cambio de vida familiar lo depositó en la ciudad de Tandil junto a sus padres y su hermano. Conocedores del prestigio institucional y deportivo del Club Independiente en la región, la familia apostó por la entidad rojinegra. La adaptación fue inmediata: el grupo de compañeros lo cobijó desde el primer día, permitiéndole insertarse rápidamente en la estructura formativa. Sin embargo, el verdadero punto de quiebre se produjo a los 16 años, siendo aún categoría cadete, cuando le llegó la oportunidad de dar el salto al plantel de mayores, compartiendo equipo con referentes como Lobo, Orale y Valerio.

Aquel debut en la primera división no fue un mero trámite administrativo; implicó una transformación psicológica profunda. Manuel pasó de admirar desde la tribuna a compartir vestuario, entrenamientos y el duro roce físico con íconos de la institución. Convivir en el día a día con esos espejos deportivos provocó el ansiado clic mental: la disciplina dejó de ser simplemente un pasatiempo formativo para transformarse en una vocación profesional. Entendió que quería dedicarse de lleno a esto, vivir del básquetbol y descubrir hasta dónde era capaz de llegar su techo competitivo, una meta que sigue persiguiendo con la misma intensidad que en sus inicios.

El salto al profesionalismo requirió templar el carácter lejos de casa. Con 20 años, le llegó la primera propuesta para salir de Tandil y armar el bolso rumbo a Urquiza de Santa Elena, en la provincia de Entre Ríos. Aquella experiencia representó un impacto humano considerable: un joven alejado de su núcleo familiar, enfrentando la dureza del básquet de provincia. La clave para sostener la distancia estuvo en sus pares: la convivencia diaria con un grupo de 10 o 15 compañeros que compartían el mismo ecosistema exigió cultivar la predisposición interpersonal y construir lazos de camaradería indispensables para sobrevivir al rodaje federal.

A partir de allí, su carrera cobró una dinámica itinerante, sumando batallas y kilometraje por diversos rincones de la geografía basquetbolística argentina. Tras su paso por Entre Ríos, tuvo una breve estadía de dos meses en General Villegas, para luego recalar en Escobar, en la zona norte de la provincia de Buenos Aires. Posteriormente, regresó a Tandil para coronarse campeón provincial del torneo Prefederal y disputar la Liga Federal. Su camino continuó en Colón de Chivilcoy y en Ansorena de Mendoza, antes de concretar su retorno definitivo a Independiente, donde hoy se encuentra afianzado como una pieza clave.

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Con el bagaje que dan los años en la liga provincial y el plano nacional, el proceso de toma de decisiones de Manuel se ha vuelto sumamente analítico. Antes de estampar la firma en un contrato, abre el abanico para evaluar no solo la propuesta económica o extradeportiva y las condiciones de trabajo, sino el armado del plantel y, sobre todo, el diálogo directo con el entrenador para tener certezas sobre qué rol se espera de él y a qué objetivos colectivos apunta el proyecto. Esta madurez le permite elegir destinos donde pueda potenciar su juego sin descuidar la armonía del grupo.

La gestión de las propuestas deportivas es, para él, un ejercicio de responsabilidad. No se trata solo de jugar, sino de entender el contexto en el que se inserta. Al hablar con los entrenadores, busca comprender la visión táctica y las expectativas puestas sobre su figura. Esta forma de trabajar le ha permitido construir una reputación sólida en el ambiente, siendo valorado no solo por su capacidad anotadora, sino por su compromiso con el equipo y su capacidad para adaptarse a diferentes sistemas de juego, independientemente de la región o la categoría en la que le toque desempeñarse.

El fruto de esa constancia tuvo su pico de ebullición en una jornada inolvidable donde Manuel firmó una planilla personal de 45 puntos. Describe la noche como un estado de "flow" e iluminación total, de esos momentos donde el aro parece agigantarse en cada lanzamiento. Sin embargo, lejos de atribuirlo únicamente a una racha de suerte, destaca que esa efectividad es el reflejo directo del trabajo matutino invisible: sesiones intensas de entrenamiento junto al director técnico Lobo y sus compañeros para llegar a la cancha con el ritmo táctico al máximo, permitiendo que el talento fluya con naturalidad.

"Si bien fue una noche redonda, más que nada para mí y para los chicos, siendo más objetivo no me hubiera gustado cerrar el partido de esa manera. Estuvimos ganando por 25 puntos y después se nos vinieron. Creo que esas cosas hay que mejorarlas; con otro rival o con otra experiencia nos puede jugar en contra y podemos terminar perdiendo. Hay que poner el foco en las cosas que se hicieron mal para poder mejorarlas", señaló el jugador tras el encuentro.

Convivir con la autoexigencia es parte del ADN de Manuel, un rasgo que admite que a veces le juega en contra, pero que funciona como el motor principal para no estancarse. En la rutina de un atleta de alto rendimiento, la frustración no aparece únicamente tras las derrotas, sino en el barro cotidiano: un entrenamiento donde los tiros no entran o una sesión de gimnasio donde el cuerpo no responde. Para capear esos pozos, su método mental reside en aferrarse a la disciplina previa, mantener la templanza e ir a lo simple, buscando refugio táctico en aquellos movimientos y posiciones donde reconoce su mayor efectividad.

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Con la mirada puesta en lo que viene, las metas del escolta en el básquet de ascenso combinan la ambición colectiva del "Rojo" con su desarrollo profesional. Su objetivo inmediato es finalizar entre los dos primeros puestos con Independiente de Tandil en la fase regular, para luego buscar el boleto al Torneo Federal a través del Final Four. A largo plazo, Manuel busca mantener una curva de rendimiento ascendente que le permita seguir escalando de categoría, trabajando día a día para alcanzar su mejor versión y descubrir, con el paso del tiempo, cuál es su verdadero límite en la disciplina que eligió a los cuatro años.

La escena musical de Tandil cuenta con nuevos exponentes que, con una visión clara y una marcada impronta personal, buscan abrirse camino en la industria actual. José Pontaroli, un joven músico de 21 años, representa a esa generación que combina la formación académica con la necesidad expresiva de la composición. Aunque actualmente reside en Mar del Plata, donde cursa sus estudios en comunicación, su vínculo con Tandil permanece intacto y es el eje central sobre el cual proyecta sus próximos pasos artísticos.

Al ser consultado sobre sus inicios, Pontaroli reconoce que la música siempre estuvo presente en su vida, aunque durante mucho tiempo la mantuvo en un plano secundario por temor a las dificultades que implica dedicarse profesionalmente al arte. "Siempre toqué la guitarra, nunca lo tomé muy en serio, siempre escribí canciones así medio sencillas", comenta el músico. Sin embargo, la persistencia del impulso creativo terminó por imponerse. "Es eso que dicen siempre los artistas, que no le podés escapar. En algún punto fue decir: bueno, yo toda la vida, más allá de lo que haga o de lo que trabaje, voy a seguir haciendo música, así que más vale tomármelo en serio", explica.

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El entorno familiar de Pontaroli ha sido un pilar fundamental en su desarrollo, ya que proviene de un hogar donde el arte se respira en cada rincón. Con un padre dibujante y una madre vinculada a las artes plásticas, la sensibilidad estética fue un rasgo compartido entre los siete hermanos. "Toda mi familia es muy artística, aunque no siempre por el lado de la música. Mis tíos sí son músicos, pero mi viejo es dibujante y mi vieja estudió arte también. Yo aprendo a tocar la guitarra por mi viejo, pero muy sencillo. Mis hermanos también tocan instrumentos; uno el bajo y otro el piano, así que lo tenemos muy de familia", detalla el entrevistado.

En cuanto a su estilo, el músico se identifica con la tradición del folk, particularmente con la vertiente estadounidense, donde la narrativa y la estructura acústica son protagonistas. Esta elección estética conlleva desafíos técnicos, especialmente al presentarse en vivo. "Siento que tocar solo me limita un montón en las canciones. Todo el tiempo que las toco, estoy pensando en los arreglos y en los instrumentos que les agregaría. Suelo tocar en vivo solo porque es más fácil manejar un proyecto propio, pero siempre que las pienso para grabar o para algo a largo plazo, son canciones para tocar con banda", afirma Pontaroli.

Sobre la escena local, el joven músico observa un panorama alentador aunque con desafíos pendientes. "Para mí hay una linda movida. Me estoy adentrando más este último año, porque mi hermano también empezó a tocar en banda. Lo que siento que falta mucho es la banda joven en general, pero de a poco yo creo que se va dando y está relindo verlo", sostiene. Su plan para el año próximo es consolidar un ensamble musical con amigos de Tandil, aprovechando que finalizará su cursada presencial en Mar del Plata para instalarse nuevamente en la ciudad y trabajar con mayor regularidad en los arreglos de sus composiciones.

La autogestión es otro de los temas centrales en la carrera de Pontaroli. En un contexto donde el artista debe asumir roles de productor, distribuidor y estratega de marketing, el músico destaca la democratización de las herramientas digitales. "Ahora, en 2026, el laburo del artista es mucho más democrático. Tenés mucha más apertura a hacer un montón de cosas que antes no podías hacer. En tu cuarto podés grabar una canción con una calidad a la que antes la gente no podía llegar nunca", analiza. No obstante, reconoce que el éxito actual depende en gran medida de la construcción de una audiencia fiel.

Para el músico, la relación con el público es el motor que permite el crecimiento de un proyecto independiente. "Creo que es muy importante la audiencia. Se ha demostrado un millón de veces que artistas han crecido por Instagram o TikTok. Siento que no se le da tanta importancia al trabajo que hace la audiencia de compartir, de estar ahí todo el tiempo, de ir a los shows y de bancar. Muchos artistas se han dado cuenta de eso y le ponen más atención al trato con la comunidad", reflexiona sobre la dinámica actual entre creadores y seguidores.

En el plano de la composición, Pontaroli adopta una postura humilde y constante, entendiendo que la calidad es el resultado de un proceso de aprendizaje continuo. "Vas a escribir una buena canción cuando hayas escrito 500 malas. Te tenés que poner a escribir y a sacar todo lo malo. Personalmente, me pasa mucho de sobrepensar demasiado el arte, y siempre me doy cuenta de que, al revés, cuando menos lo pienso y cuanto más lo dejo fluir, mejores salen las cosas", confiesa sobre su método de trabajo.

Finalmente, el músico destaca cómo su formación en comunicación ha influido en su faceta artística, otorgándole herramientas para vincularse mejor con su entorno. "La carrera y los años de facultad me hicieron cambiar un montón como persona en el ámbito social, en aprender a comunicarme y a mostrarme. Me dio una apertura a la vida muy distinta a la que tenía en el colegio", concluye. Aquellos interesados en seguir su trayectoria pueden encontrar su material bajo el nombre de José Pontaroli en plataformas como Soundcloud, Instagram y TikTok.

El camino hacia la consolidación artística es, ante todo, un proceso de autodescubrimiento constante. Así lo definió el músico Montarosa durante su reciente participación en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV, El Eco Streaming y Tandil FM 104.1. 

En un diálogo profundo, el artista analizó cómo la construcción de su carrera no responde a una fórmula mágica, sino a una serie de etapas donde la conexión personal y el trabajo en equipo resultan fundamentales para sostener un proyecto creativo a largo plazo. "Si lo que hacés está bueno, es de corazón y potente, las oportunidades llegan", aseguró.

Al reflexionar sobre su crecimiento en los últimos años, Montarosa destacó que la música no se puede concebir como una tarea solitaria. "Me sirve mucho hacer equipo y tener muy presente que yo solo soy como una partícula ínfima en el universo", confesó. 

Para él, el intercambio de afecto y la sinergia con sus colaboradores son los pilares que permiten que las canciones cobren vida más allá de la individualidad. Esta visión, lejos de ser una estrategia comercial, se ha convertido en su filosofía de trabajo.

La conformación de su banda, que lo acompaña desde el año 2022 y participó en la grabación del disco La Reina del Páramo, lanzado en 2023, ha sido un proceso orgánico basado en la amistad. 

Según relató, las personas que se integraron a su proyecto llegaron a través de vínculos cercanos, priorizando siempre una mirada compartida sobre el mundo antes que la destreza técnica. "Para mí era muy importante que primero hubiese algo del orden del amor y la amistad", explicó el músico durante la entrevista.

Esta confianza mutua permite que, aunque él asuma el rol de líder y tome las decisiones finales, el grupo funcione con una dinámica aceitada. Montarosa admitió que, al ser la cara visible y el creador de las canciones, su voto suele definir el rumbo, pero siempre bajo el respaldo de un equipo que vibra en la misma sintonía. Esta estructura ha fortalecido la identidad del proyecto, permitiéndole confiar en el rol que cada integrante desempeña.

Salir a tocar con toda la banda representa uno de los retos más complejos para el artista en el contexto actual. Montarosa fue enfático al señalar la necesidad de contar con apoyos institucionales y espacios que apuesten por la cultura independiente. 

"Necesitamos gente que esté dispuesta a apostar por la música independiente, porque realmente hacerlo solos, autogestivamente, lo venimos haciendo hace años", sostuvo, subrayando la dificultad económica que implica viajar y producir espectáculos en la actualidad.

A pesar de las complicaciones, el músico reafirmó su compromiso con la red humana y con espacios como Cultura Zip, que facilitan la llegada de sus propuestas a nuevos públicos. Para él, la vigencia no se logra mediante una fórmula secreta, sino a través de la constancia: "Es tocar, tocar y tocar". 

En este sentido, ha descubierto que el éxito no reside necesariamente en los grandes escenarios, sino en la cercanía con el público, donde el intercambio humano tras el show resulta mucho más enriquecedor.

Esta perspectiva lo ha llevado a valorar los espacios pequeños, donde la audiencia está realmente atenta a la propuesta artística. Montarosa sostiene que, si la música es potente y nace del corazón, las oportunidades terminan llegando, independientemente de la geografía. 

Sin embargo, no oculta su deseo de regresar a Tandil, una ciudad que, según observa, está atravesando un momento cultural vibrante con propuestas locales que merecen ser apoyadas por la comunidad.

El vínculo con su ciudad natal es, para el cantante, una relación similar a un boomerang. Tras haberse ido a los 17 años en un proceso de transformación personal, donde sentía que su identidad estaba encapsulada por la mirada ajena, el regreso ha sido una experiencia sanadora. 

"Me fui un poco peleado, un poco también en transformación de mí mismo", recordó. Hoy, esa percepción ha cambiado radicalmente y se siente profundamente agradecido por el recibimiento que ha tenido en su vuelta a los escenarios locales.

El artista reconoce que, aunque la gran ciudad le brindó el anonimato necesario para construir su identidad lejos de las presiones del entorno conocido, el valor de Tandil es único. 

"Es un lujo vivir acá, poder hablar con la gente, el sol de las veredas, los árboles; las cosas más básicas terminan siendo lo único importante", reflexionó. Esta conexión con la naturaleza y la calidez humana son, a su juicio, parte de la magia que permite que en Tandil surjan tantos artistas con bases sólidas.

Finalmente, Montarosa destacó el resurgimiento de la movida cultural en la ciudad. Para el músico, existe actualmente una sed de poesía y música que está encontrando su cauce gracias a la apertura de estos espacios. Aunque todavía no tiene resuelto si se radicará definitivamente en un entorno más tranquilo, su intención de seguir vinculado a Tandil es clara, impulsado por el deseo de seguir construyendo desde la autenticidad y el afecto.

La relación de Imanol con el universo sonoro se gestó de manera orgánica y pausada en la tranquilidad cotidiana de Tandil. Fue entre los 13 y 14 años cuando tomó una guitarra por primera vez, abriendo una puerta que inicialmente parecía destinada a ser solo un pasatiempo de juventud. En su entorno familiar existía un antecedente sutil: su padre había tocado el instrumento durante un breve lapso, pero fue una práctica efímera que no perduró en el tiempo y se terminó abandonando.

Lejos de una tradición musical heredada, Imanol se convirtió formalmente en el primer artista de la familia junto a su hermana Maite, una talentosa pintora con quien comparte esa búsqueda expresiva indispensable. Sin embargo, aquel acercamiento inicial a las seis cuerdas sufrió una metamorfosis radical al momento en que la práctica individual dio paso a la interacción colectiva.

La verdadera transición de simple pasatiempo a canal de expresión profunda ocurrió cuando se presentaron los primeros proyectos grupales. Enfrentarse a la dinámica de tocar con otros exigió un compromiso distinto: el joven músico no solo tuvo que integrarse al pulso de una banda, sino también llevar al frente una postura e identidad artística bien definida ante el instrumento. Fue en esa instancia donde la guitarra dejó de ser un entretenimiento secundario para transformarse en la columna vertebral de su identidad y en el lenguaje primordial para volcar sus vivencias más íntimas.

El perfil artístico de Imanol no se explica únicamente desde la música; su paso por la carrera de cine introdujo una mirada narrativa y conceptual decisiva en su modo de habitar el arte. Para el músico, la creación artística constituye una herramienta fundamental para conectar con lo más genuino y transparente del ser humano. El escenario, en lugar de ser una vitrina de exhibición o un espacio cargado de presiones, se convierte bajo su óptica en un refugio donde es posible sentirse cómodo, reencontrarse con uno mismo y habitar el goce de la diversión más pura.

Esta visión se entrelaza de forma estrecha con su modo de concebir la propia subjetividad. Distante de las posturas estáticas o de una autoimagen rígida, Imanol entiende la identidad como una trama flexible, afirmando ser un conjunto de facetas donde habitan distintas partes de su ser. En esa pluralidad, la vivencia musical funciona como el catalizador que activa su dimensión más elevada.

“Conecto con ese Ima artístico, con ese Ima que nace de la música, porque yo también a la música la siento como algo espiritual y algo que me conecta con algo más.”

La maduración sonora de Imanol dentro del circuito independiente local se forjó en el calor de los ensayos y las presentaciones compartidas. Dos agrupaciones resultan fundamentales para comprender su recorrido: su paso por Ando Chillin y su experiencia más reciente en Manicomio del Amor. Ambas vivencias funcionaron como auténticas escuelas de formación técnica y humana, permitiéndole desarrollar la escucha atenta, la capacidad de acople y la construcción de un discurso sonoro común.

En la actualidad, la inquietud creadora de Imanol ha tomado un rumbo diferente, adentrándose de lleno en el universo de la música electrónica. Este giro conceptual tuvo un hito relevante durante su presentación en el evento local Lunatico, donde expuso ante el público su nuevo formato de exploración individual apoyado en sintetizadores y samplers. En este entramado, la improvisación emerge como el método central de composición e interpretación en directo.

Para el artista, la incorporación de tecnología representa la oportunidad de disponer de "juguetes para crear", reivindicando el concepto del juego infantil como un motor vital inalienable. En el territorio de la improvisación electrónica, el error deja de ser un fallo indeseado para transformarse en el insumo principal de la creación. La filosofía de Imanol sostiene que la equivocación debe utilizarse siempre a favor del proceso: se trata de hacer del error una obra en sí misma, aprender de la contingencia sonora y perfeccionar la expresión a través del descubrimiento imprevisto.

Al observar la escena independiente de Tandil, Imanol mantiene una mirada sumamente positiva y entusiasta. Define la movida local como un terreno dinámico, caracterizado por la floración constante de nuevos proyectos que renuevan el pulso cultural de la ciudad. Dentro de esta trama colectiva, el vínculo con sus pares ocupa un lugar de profunda gratitud, reconociendo a sus amigos y colegas locales como verdaderos maestros.

El psicólogo Alejandro Schujman abordó durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, la compleja realidad que atraviesan los adolescentes en la actualidad. 

Según el profesional, la adolescencia como etapa vital no ha cambiado, pero sí se ha transformado drásticamente la manera en que los adultos la comprenden y la acompañan. Schujman enfatizó que, en un mundo que no está diseñado para el cuidado de los jóvenes, los adultos deben dejar de ser espectadores pasivos para convertirse en protagonistas activos de su crianza.

Uno de los puntos centrales del análisis fue la dificultad para establecer límites claros, una herramienta que el psicólogo definió como un acto de amor y cuidado. Schujman señaló que existe una confusión generalizada respecto a la crianza respetuosa, la cual, mal interpretada, ha derivado en una situación donde los padres temen a sus hijos. 

"Pasamos del miedo a los padres al miedo a los hijos", afirmó, destacando que los adultos han perdido el sentido común al evitar la confrontación necesaria para el desarrollo saludable de los jóvenes.

El especialista detalló que los adolescentes, a quienes describió metafóricamente como "chihuahuas disfrazados de Rottweilers", piden ayuda y límites, aunque intenten romperlos constantemente. La falta de una estructura clara por parte de los padres facilita que los chicos se sientan solos ante un entorno hostil. 

En este sentido, Schujman subrayó que el suicidio se ha convertido en la segunda causa de muerte en jóvenes de 14 a 19 años, una cifra que calificó como "escalofriante" y que exige una respuesta inmediata de la sociedad.

La tecnología y el abuso de las plataformas digitales fueron señalados como factores determinantes en la pérdida de habilidades blandas y motricidad gruesa. El psicólogo advirtió que las pantallas están diseñadas intencionalmente para generar adicción, afectando incluso la capacidad de concentración de los adultos. 

En ese aspecto se puso como ejemplo al detallar que a sus 60 años scrollea y maratonea series sin ningún problema, pero que le está costando encontrar la concentración para leer libros. “Soy escritor y muy lector, me cuesta un montón leer un libro, me cuesta concentrarme, este año creo que he leído un solo libro entero”, detalló.

El acceso temprano a contenidos pornográficos y la exposición a mensajes explícitos en la música popular son, a juicio del psicólogo, elementos que distorsionan la percepción de la realidad y la sexualidad en edades tempranas.

En cuanto al consumo de sustancias, el especialista alertó sobre la normalización del alcohol y la marihuana en los grupos de adolescentes. Schujman, quien cuenta con experiencia en la dirección de hospitales de día para pacientes adictos, fue contundente al señalar que la marihuana causa daños significativos en cerebros que aún no han desarrollado completamente su corteza prefrontal. 

Asimismo, mencionó la problemática de las apuestas online como una "tragedia de este tiempo", donde la frontera entre el juego y la ludopatía es extremadamente delgada.

Otro aspecto crítico abordado por el psicólogo es la fragilidad del amor propio en la juventud. Schujman explicó que el amor propio se construye sobre tres pilares: autoconocimiento, autocuidado y autoestima propiamente dicha. 

Cuando los adolescentes ceden ante presiones externas para pertenecer, ya sea mediante el consumo de sustancias o conductas de riesgo, su amor propio se debilita. El especialista instó a los padres a trabajar en el umbral de frustración y la gestión de emociones de sus hijos desde el hogar.

Finalmente, Schujman reflexionó sobre la dificultad actual para formar vínculos profundos, mencionando la tendencia de los jóvenes a evitar compromisos formales, lo que él denomina como "situationships". Ante este panorama, el psicólogo hizo un llamado a la responsabilidad adulta: "Los adultos somos el mayor factor de protección que tienen nuestros chicos". 

La invitación es a recuperar la confianza en el rol parental, pedir ayuda profesional ante señales de alerta y, sobre todo, aprender a decir "perdón, me equivoqué" cuando la crianza se ha desviado del camino del acompañamiento y el cuidado.

Jorge Araujo y Alex Leys llevan alrededor de dos años construyendo un proyecto que, por definición, parece resistirse a quedar quieto. Guitarras, voces, percusión, electrónica e incluso inteligencia artificial forman parte de una propuesta que este sábado llegará a Tandil, con una presentación desde las 22 en Estación Victoria, ubicada en Garibaldi 1099.

Antes del show, los músicos dialogaron con Cultura Zip, por El Eco Streaming, y contaron cómo surgió una sociedad artística que comenzó casi naturalmente, pero que implicó para ambos correrse de los lugares en los que el público estaba acostumbrado a encontrarlos.

“Está en continua evolución. Él cambia, yo cambio”, resumió Leys sobre el dúo. El baterista recordó que Araujo había sido uno de sus referentes desde muy joven y que, con los años, comenzaron a reencontrarse hasta que una charla de café terminó abriendo la posibilidad de hacer música juntos.

La primera gran prueba llegó con una gira de diez conciertos por España. Allí descubrieron que la combinación funcionaba y decidieron darle continuidad. Sin embargo, el desafío inicial no había sido menor: Leys venía de casi una década dedicado intensamente a su propuesta como baterista solista, mientras que Araujo había comenzado a mostrar una faceta completamente diferente a la que había construido durante buena parte de su carrera.

Dejar atrás al Araujo detrás de la batería

Para Araujo, ese cambio significó bastante más que simplemente cambiar de instrumento. Después de décadas reconocido principalmente como baterista —con diez años como integrante de Divididos y su posterior recorrido en diferentes proyectos—, decidió plantarse frente al público con guitarra, voz, canciones propias y electrónica.

El músico recordó incluso una sesión de fotos realizada hace unos siete u ocho años que funcionó como una declaración de principios. Pidió expresamente aparecer con la guitarra y no con los palillos ni detrás de una batería.

“Fue una manera de yo mismo desrotularme de golpe”, explicó.

La decisión tuvo un costo. Araujo contó que comenzó a publicar su nueva música y la respuesta inicial estuvo lejísimos de la repercusión que conseguía cuando mostraba material vinculado a la batería. “En las redes sociales viví una soledad terrible”, reconoció.

Incluso recordó situaciones en las que productores utilizaron fotografías suyas tocando la batería para promocionar conciertos en los que, en realidad, iba a cantar y tocar la guitarra. Eso llegó a obligarlo a explicar frente al público qué espectáculo estaban por ver.

“Si vienen 60 personas y 30 quieren escucharme tocar la batería y fueron engañados, es un 50 por ciento del público que no viene dispuesto a disfrutar el espectáculo que estoy convocando”, planteó.

Por eso, remarcó que actualmente busca dejar claro desde el comienzo qué propone sobre el escenario: “Yo toco la viola, canto canciones mías, uso electrónica; Alex toca con inteligencia artificial. Lo que van a ver en Tandil es algo que muy poca gente ha visto”.

Dos búsquedas que terminaron encontrándose

Leys también atravesaba su propio proceso cuando apareció la posibilidad del dúo. Después de casi diez años tocando solo, sintió la necesidad de volver a compartir la música con otros artistas, pero no quería hacerlo únicamente por integrar un proyecto conocido.

“Necesito para mi alma la artística, necesito alguien que entienda lo que hago y que lo quiera incorporar a su música”, recordó.

Cuando escuchó las canciones de Araujo, su primera reacción estuvo lejos de ser sencilla: “Jorge, yo no puedo tocar esta música”, le dijo. La producción electrónica de aquellas composiciones contrastaba con el enorme instrumento acústico que utilizaba Leys.

En vez de convertirse en un impedimento, esa distancia terminó funcionando como motor creativo.

“Se terminó juntando todo”, explicó el baterista, quien destacó la “elasticidad” de las composiciones de su compañero. El dúo puede llevarlas hacia la electrónica, transformarlas en versiones acústicas, tocarlas a volúmenes mínimos o adaptarlas a escenarios completamente diferentes.

Una producción que los sorprendió en Quequén

La llegada a Tandil tendrá además como antesala un nuevo paso para el proyecto. Durante su estadía en Quequén, Araujo y Leys realizaron una producción audiovisual de gran escala en el estudio La Casualidad, con un equipo de alrededor de once personas.

Según contaron, el rodaje incluyó cámaras de cine, drones dentro del estudio y diferentes dispositivos tecnológicos que los propios músicos no habían utilizado anteriormente.

“No pensábamos que iba a tener la magnitud que tuvo”, admitió Araujo, todavía sorprendido por el resultado.

La producción quedó concentrada en una canción que, según adelantaron, representa especialmente la identidad del dúo. Aunque ya pudieron observar parte del material, decidieron contener las ganas de publicarlo inmediatamente y esperar a que atraviese todo el proceso de edición.

Para ellos, además, permitirá resolver algo que todavía estaba pendiente: tener un registro audiovisual capaz de mostrar verdaderamente qué sucede cuando los dos se encuentran musicalmente.

Adaptarse sin quedar atrapados en el pasado

La conversación también pasó por las nuevas formas de comunicar la música. Con carreras que atravesaron diferentes épocas de la industria, ambos coincidieron en que las redes sociales modificaron por completo la relación entre artistas, medios y público.

“Parte de la propuesta juntos radica también en no quedarnos atrapados en un pasado, en un siglo XX que terminó hace un cuarto de siglo”, sostuvo Leys.

Para el baterista, mantenerse activo también significa comprender los nuevos códigos y aprender de generaciones más jóvenes. Araujo, por su parte, contó que muchas veces descubre el alcance de programas, streams o medios alternativos recién después de participar de ellos, cuando comienza a recibir mensajes de personas que vieron la entrevista.

Ese cambio, consideró, también modificó la manera de pensar qué espacios sirven para comunicar un proyecto artístico.

¿Qué significa “pegarla” después de tantos años de música?

Sobre el final de la entrevista apareció una pregunta inevitable para dos artistas con décadas de recorrido: qué significa tener éxito en 2026.

Araujo reconoció que su manera de medirlo cambió con los años. “Me planteo mucho, sinceramente, qué quiero de mi vida. Todos los días me lo digo”, expresó.

Y puso como ejemplo justamente la producción realizada en Quequén: independientemente de la cantidad de personas que puedan asistir a los próximos conciertos, aseguró que el resultado artístico de aquella jornada ya había sido suficiente para regresar satisfecho a su casa.

Leys fue todavía más gráfico.

“Cuando termino un concierto con Jorge me voy a dormir tranquilo”, señaló.

Para el músico, poder terminar una presentación sintiendo que disfrutó de la música y que actuó en sintonía con aquello que realmente quiere hacer se convirtió en su propia definición del éxito.

“Hay una pureza en la artística de lo que hacemos. Hay una pureza en los motivos por los cuales lo hacemos”, sostuvo. “Me llena el alma, me satisface. Para mí hoy en día el éxito radica en eso”.

Esa búsqueda llegará este sábado a las 22 a Estación Victoria, donde Araujo y Leys presentarán un repertorio basado principalmente en música de autor y un formato que combina canciones, percusión y tecnología.

Antes, a las 18.30, Leys brindará además una clínica de batería en Manhattan Instrumentos Musicales, donde mostrará parte de su proyecto solista y cómo ese lenguaje terminó incorporándose al dúo. La actividad requiere inscripción previa y contará con cupos limitados.

Para Araujo, que alguien decida acercarse a escuchar canciones que todavía no conoce tiene un valor especial en un momento dominado por grandes espectáculos y repertorios instalados: “Que haya un público que apoya la música de autoría es una bendición”.

Daniela de Lucía pasó por Cultura Zip, el programa de El Eco Streaming, y protagonizó una charla distendida en la que repasó diferentes etapas de su carrera, desde sus primeros pasos profesionales y su trabajo como coach hasta la enorme exposición que alcanzó luego de ingresar a Gran Hermano.

Aunque desde hace años vive en Buenos Aires, De Lucía nació y creció en Tandil y mantiene un fuerte vínculo con la ciudad. “Mi corazón siempre está y estará en Tandil, en donde nací y crecí, fui al colegio, a la secundaria”, contó durante la entrevista.

La ex Gran Hermano se fue de la ciudad a los 18 años para estudiar la Licenciatura en Relaciones Públicas y luego desarrolló su carrera profesional en Buenos Aires. Sin embargo, intenta regresar con frecuencia para encontrarse con su familia y sus amigas de toda la vida. “Busco ir una vez por mes, una vez máximo cada dos meses”, señaló, y reveló además que Navidad y Año Nuevo suelen tener a Tandil como destino obligado.

Uno de los momentos más divertidos de la charla llegó cuando Daniela recordó cómo cambió su relación con el público local después de participar del reality. Antes de ingresar a la casa ya había publicado tres libros, trabajado en televisión y construido una importante comunidad en redes sociales, pero aseguró que en Tandil podía caminar prácticamente sin ser reconocida.

“Tuve que entrar en Gran Hermano para que me reconozcan como tandilense”, bromeó. Incluso recordó que antes del programa iba al supermercado y se preguntaba si alguien sabría quién era, pero prácticamente nadie se acercaba.

Después de su participación en el reality, la situación cambió. En sus posteriores visitas comenzó a encontrarse con chicos y adolescentes que la reconocían en heladerías, supermercados y distintos puntos de la ciudad y le pedían fotografías.

Para De Lucía, esa experiencia también confirmó que, pese al crecimiento de las plataformas digitales y el streaming, la televisión abierta conserva una capacidad de llegada enorme.

“Es increíble el alcance que tiene la televisión abierta todavía”, sostuvo. Y sobre Gran Hermano agregó que se trata de un fenómeno que trasciende incluso a quienes no siguen el programa: “Lo ve la mitad del país y lo critica incluso la otra mitad del país”.

El paso por Gran Hermano también significó quedar mucho más expuesta a las opiniones del público. De Lucía contó que aprendió a convivir con los comentarios negativos y explicó que utiliza de manera diferente cada plataforma.

En X suele responder y entrar en el juego de las discusiones, mientras que en Instagram prefiere bloquear aquellas cuentas que generan situaciones agresivas dentro de su comunidad.

“Un comentario negativo no puede afectar mi buen humor o mal humor, así como un comentario positivo tampoco dejo que me afecte. Lo tomo como información”, explicó.

Daniela señaló que intenta no personalizar las críticas y que, especialmente, busca evitar que otras personas reciban agresiones dentro de sus publicaciones. “Uno tiene que estar centrado en lo que hace, en lo que construye y en dar lo mejor de uno. No le vamos a gustar a todo el mundo”, resumió.

Además, contó que continúa administrando personalmente sus redes. Por la mañana revisa comentarios y mensajes, selecciona contenidos, edita sus propios videos y organiza las publicaciones que realizará durante el día.

Su ingreso al reality, de hecho, le generó un desafío inesperado con la audiencia. Antes de entrar ya contaba con alrededor de 450 mil seguidores y durante su estadía sumó aproximadamente 60 mil más, muchos de ellos provenientes directamente del universo de Gran Hermano.

Antes de dedicarse de lleno a la comunicación y las redes, De Lucía trabajó durante una década en una siderúrgica. Con el tiempo comenzó a sentir que ese camino profesional no terminaba de representarla y decidió estudiar coaching.

A partir de allí empezó a publicar contenidos en Instagram relacionados con el desarrollo personal. La respuesta de sus seguidores la llevó a profundizar ese recorrido y posteriormente a abordar especialmente los vínculos y las relaciones.

“Entendí que mi camino era comunicar y ayudar a las personas”, explicó sobre aquella transformación profesional.

Con los años publicó libros y desarrolló contenidos vinculados con relaciones, autoestima y marca personal. Su ingreso a Gran Hermano significó, en ese sentido, una decisión particular: exponerse dentro de uno de los programas más masivos de la televisión mientras había construido previamente una imagen profesional relacionada con el coaching.

“Fue una decisión de comunicación muy desafiante haber entrado a Gran Hermano siendo coach”, reconoció.

Actualmente, De Lucía atraviesa una nueva etapa profesional en radio, donde comparte equipo con Santiago del Moro. La tandilense se mostró entusiasmada por la oportunidad y destacó que el conductor le abrió las puertas luego de conocerla durante su participación en Gran Hermano.

“Estoy muy agradecida con Santiago del Moro. Me dio la oportunidad de poder participar en la radio y estoy muy contenta”, expresó.

El programa comienza a las 6 de la mañana y se extiende hasta las 10, una rutina que definió como un nuevo desafío dentro de su recorrido en los medios. No es, sin embargo, su primera experiencia radial: anteriormente había trabajado junto a Luis Ventura en Radio del Plata.

Antes de despedirse, Daniela prometió enviar un saludo a Cultura Zip desde su nuevo espacio radial y celebró los 450 programas alcanzados por el ciclo de El Eco Streaming.

“Me encanta lo que hacen. A partir de ahora los voy a poner”, aseguró, y cerró dejando en claro que su vínculo con Tandil sigue intacto: “Feliz de estar entrevistada acá con ustedes, de mi querida Tandil. Ustedes siempre van a tener prioridad en todo”.

La pantalla de Cultura Zip tendrá este jueves 1 de octubre una visita con sello tandilense: Daniela De Lucía será una de las invitadas del programa que se emite por El Eco Streaming y que combina actualidad, entretenimiento, entrevistas y contenidos vinculados con la cultura local.

De Lucía ganó notoriedad nacional durante 2026 a partir de su participación en “Gran Hermano: Generación Dorada”, la edición especial del reality de Telefe que reunió a figuras conocidas y nuevos participantes con motivo de los 25 años del formato en la Argentina. 

La tandilense ingresó a la casa el 23 de febrero y se presentó como coach, escritora e influencer, con la intención de poner a prueba sus herramientas de comunicación y manejo emocional en un contexto de convivencia y aislamiento. 

Su recorrido dentro del reality tuvo además un momento especialmente difícil. A pocos días de su ingreso recibió la noticia del fallecimiento de su padre y dejó temporalmente la competencia para viajar a Tandil y acompañar a su familia. En los días posteriores, la propia De Lucía compartió un mensaje con sus seguidores desde la ciudad, donde agradeció el acompañamiento recibido y habló sobre el vínculo con su padre y los valores que había incorporado de su familia. 

Luego de esa situación, De Lucía volvió al juego y continuó su participación hasta la semana 11. En mayo quedó enfrentada a Danelik Galazán en una placa negativa y oculta. Finalmente, el público determinó su salida con el 52,7% de los votos en ese mano a mano. De esta manera, se convirtió en una de las últimas participantes en abandonar la casa antes de avanzar hacia las siguientes etapas de la competencia. 

En su ingreso a Gran Hermano, De Lucía había anticipado que pretendía combinar su personalidad vinculada al coaching con una actitud de juego dentro de la casa. “Voy a tener luz y sombras”, había señalado durante su presentación, dejando en claro que no pretendía limitarse al rol de consejera de sus compañeros. 

Ya fuera del reality, la tandilense será entrevistada este jueves en Cultura Zip, el ciclo que se emite de lunes a viernes y que desde su lanzamiento se consolidó como una de las propuestas audiovisuales más reconocidas de El Eco Multimedios. 

La presencia de De Lucía permitirá repasar su experiencia en uno de los programas más populares de la televisión argentina, las situaciones que atravesó durante su permanencia en la casa y su regreso a la actividad pública después de la competencia.

Manu Mujica, cantante de Crazy Macayas, recorrió parte de su historia con la música, el camino de la banda y el particular momento que atraviesa la escena local, con una gran cantidad de proyectos y fechas que logran convocar público incluso cuando coinciden durante una misma noche.

Mujica lleva alrededor de 15 años cantando, aunque su acercamiento a la música no surgió de una tradición familiar. “En mi familia no hay músicos, pero algo me interesó desde chiquito”, contó. Sus primeros pasos llegaron casi de manera intuitiva, siguiendo melodías acompañado por una guitarra criolla.

Con el tiempo, aquella inquietud se convirtió también en un espacio personal. Cuando le preguntaron qué había encontrado en la música que no había hallado en otros ámbitos, respondió entre risas que, de entrada, descubrió algo “en lo que soy mejor que para los deportes”, aunque inmediatamente agregó una definición mucho más profunda: “Es un lindo refugio”.

La historia de Mujica con Crazy Macayas lleva aproximadamente cinco años, aunque con distintas etapas. Según explicó, el proyecto comenzó a tomarse con mayor seriedad durante los últimos tres.

“Encontramos un grupo donde el conector siempre es la amistad, el compartir y después viene todo lo más profesional”, señaló sobre la dinámica interna de la banda. Los comienzos estuvieron lejos de una estructura demasiado planificada: se juntaban a tocar, incluso sin baterista, hasta que comenzaron a aparecer las primeras composiciones propias.

“Empezamos medio a los ponchazos, de juntarnos ni siquiera con baterista al principio, zapar temas y de pronto en algún momento empezamos a hacer temas propios”, recordó. Ese fue el punto en el que comenzaron a advertir que había algo para desarrollar: “Esto suena bien. Capaz que si le damos una vueltita de rosca vale la pena”.

Actualmente, la banda está integrada por Manuel Mujica en voz, Alejo Aldaz en bajo, Tomas Medina y Juan Delgado en guitarras y Octavio Picasso en batería.

Buena parte de la charla giró alrededor de la escena musical tandilense. Para Mujica, la ciudad atraviesa una etapa especialmente interesante por la cantidad y diversidad de proyectos que están funcionando en simultáneo.

“A mí me da la sensación de que hay un muy lindo momento”, sostuvo. Como ejemplo, recordó noches en las que Crazy Macayas tocó con una buena convocatoria mientras, al mismo tiempo, otras bandas también llenaban sus respectivos espacios.

“Hay muchas cosas a veces en simultáneo y todo funciona, que teóricamente no debería. Hay muchas bandas, muchos proyectos, muchos géneros distintos. Hay un poco para cada uno y eso está buenísimo”, destacó.

Ese movimiento también permite que los públicos se mezclen. Para Mujica, compartir escenario entre diferentes proyectos es una de las principales puertas de entrada para quienes todavía no conocen una banda.

“Cuando se cruzan los públicos pasa que por ahí uno fue a ver una banda y de pronto le prestaste atención a la otra”, explicó. A eso se suman quienes llegan después de encontrarlos a través de plataformas como Spotify.

Crazy Macayas también debe convivir con una realidad que atraviesa prácticamente a cualquier proyecto musical independiente: las redes sociales y las plataformas digitales.

Mujica reconoció que es un terreno que todavía les cuesta. “Yo nunca tuve TikTok, por ejemplo. Entonces, todo lo que es participar o ponerse una cámara enfrente es muy difícil para nosotros”, contó.

Sin embargo, entiende que son herramientas necesarias para comunicar lo que hace la banda y llegar a nuevas personas. El límite, para él, aparece cuando la lógica de las redes obliga a un artista a convertirse en algo que no representa.

“No funciona nada que no sea genuino. No funciona nada que te haga salir por fuera de lo que vos realmente sos porque se nota enseguida”, planteó.

Aun así, destacó que existen bandas que encontraron en las redes otro terreno artístico: “Hay bandas que ahí encuentran un espacio de creatividad que excede a la música y eso también está bueno”.

Otro de los temas abordados fue la dificultad que encuentran muchos proyectos tandilenses para tocar fuera de la ciudad.

Mujica señaló que existe una primera barrera económica y logística, pero remarcó que el problema principal suele ser otro: llegar a una ciudad en la que la banda todavía no tiene público propio.

Eso obliga a generar vínculos con grupos de otras localidades y construir cierta reciprocidad: invitarlos a tocar en Tandil para luego encontrar oportunidades de presentarse en sus ciudades.

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“Es un gasto, pero sobre todo por ahí lo que más cuesta es llegar a una ciudad sin un público propio. Entonces te obliga a hacer esos lazos de reciprocidad con otras bandas”, explicó.

En el caso de Crazy Macayas, reconoció que se sienten particularmente cómodos jugando de locales. “Nos gusta tocar acá. Las veces que hemos salido fueron lindas experiencias, estuvo bueno”, expresó.

La próxima presentación de Crazy Macayas permitirá justamente uno de esos cruces que Mujica considera importantes. La banda compartirá fecha con El Síndrome de la Desatención y Nano C, proyectos con integrantes de distintas generaciones.

Mujica contó que ya existía un vínculo con El Síndrome, mientras que a Nano C lo conocieron después de coincidir en una fecha. La propuesta les gustó y rápidamente surgió la idea de volver a compartir escenario.

“Siempre tenés un cruce con bandas de otras generaciones. Hoy nos toca hacer un poco los más grandes. En algún momento fuimos los más chicos”, reflexionó.

En ese sentido, destacó que los jóvenes siguen encontrando un espacio dentro del rock, pese a que durante años se instaló la idea de que las nuevas generaciones estaban volcándose exclusivamente hacia géneros como el trap o el reggaetón.

Para Mujica, además, el público rockero mantiene una característica fundamental para sostener una escena independiente: la costumbre de ir a ver bandas en vivo, incluso cuando se trata de grupos emergentes.

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Recordó como ejemplo lo que ocurría en fechas de punk y hardcore, donde podían verse adolescentes muy jóvenes participando activamente de los shows. “Veías chicos muy pibitos mandándose a palos ahí adelante. Eso está buenísimo”, expresó.

El crecimiento de la escena también expuso otra dificultad: la cantidad limitada de espacios para tocar.

Mujica mencionó sitios como 990, Arte y Parte, Macanudo y Edípico, y reconoció que buena parte de la actividad termina concentrándose en una zona relativamente pequeña de Tandil.

“Cuando vos empezás a tocar medio seguido, empezás a repetir los lugares muy seguido”, señaló. Sobre 990, por ejemplo, aseguró que es un espacio que les encanta, aunque Crazy Macayas ya se presentó allí varias veces y, cuando no están tocando, suelen concurrir para ver otras bandas.

La posibilidad de generar circuitos musicales en otros barrios aparece como algo atractivo, aunque Mujica reconoció que existe una dificultad inevitable: para que aparezcan nuevos espacios también tiene que acompañar el público.

Aunque Crazy Macayas disfruta especialmente del vivo, el cantante explicó que intentan administrar las presentaciones para evitar saturar las fechas y encontrar tiempo para trabajar en material nuevo.

“A veces no amontonarte las fechas te da tiempo para sacar temas nuevos, para pulir lo anterior, para pensar lo que viene después”, explicó.

Por eso atraviesan distintas etapas: momentos en los que encadenan varias presentaciones con una lista relativamente similar y otros en los que prefieren retraerse para trabajar puertas adentro.

El repertorio también cambia según el contexto. Crazy Macayas tiene canciones con sonidos muy diferentes, por lo que pueden preparar una lista más pesada o una propuesta más tranquila dependiendo del espacio y de las bandas con las que compartan escenario.

Para quien todavía no haya escuchado al grupo, Mujica evitó elegir una sola canción como carta de presentación. “Para mí es una banda que se fortalece cuando vas viendo los distintos sonidos más que un tema en particular”, explicó.

Y dejó una recomendación concreta: quien tenga unos 25 minutos puede escuchar “Faunas”, disponible en Spotify, para tener una aproximación más completa al universo de Crazy Macayas.

“Los invitamos a todos. Vamos a estar ahí con El Síndrome, con Nano C, son dos grandes bandas de Tandil y bueno, vamos a estar nosotros también, que nos defendemos”, cerró Mujica entre risas.

Las anticipadas pueden solicitarse a través de las redes sociales de la banda, en @crazymacayas.

Con una trayectoria que ya superó los 14 años de historia, la banda Cuarto Despelote atraviesa un presente marcado por la consolidación y el crecimiento profesional. El grupo, compuesto por Marcos Rodríguez en guitarra y voz, Nicolás Gallo en bajo y voz, y David Gallo en batería, ha logrado transformar su dinámica de trabajo, pasando de la espontaneidad de sus inicios a una estructura más rigurosa y enfocada en la calidad de sus producciones propias.

La formación actual, que se mantiene estable desde hace años tras la partida del bajista Sergio Larrot, ha encontrado en la autogestión una herramienta clave para su desarrollo. Según relató Marcos Rodríguez en diálogo con El Eco, la evolución del grupo es un reflejo de lo que sucede en el ámbito musical local actual, donde la profesionalización se ha vuelto una constante necesaria para las bandas que buscan trascender las fronteras.

Al reflexionar sobre los cambios en la escena, Marcos Rodríguez señaló: "Veo mucho que hay una movida de grabación y profesionalismo que por ahí antes éramos más cachivache". Esta nueva impronta se traduce en ensayos constantes y una mayor dedicación a la composición de temas propios, dejando atrás la improvisación de los primeros años.

Tras la experiencia de su primer álbum, lanzado hace dos años, el trío decidió encarar este segundo trabajo con una metodología distinta. La grabación se llevó a cabo en dos fines de semana intensivos, donde la banda llegó con una preparación previa exhaustiva. "En el primero lo hicimos todo por parte, de a poquito, y nos llevó un montonazo de tiempo. De esta manera, en dos fines de semana, metimos un álbum", explicó el guitarrista.

Esta dinámica de trabajo permitió que muchas de las tomas de voz, guitarras y bajos fueran registradas en una primera instancia, manteniendo la frescura pero con la precisión que otorga el ensayo constante. 

La colaboración con el productor Juan Polito resultó fundamental para este proceso. Al respecto, Marcos Rodríguez destacó la importancia de este aprendizaje técnico: "Grabar es una experiencia tremenda".

El resultado es un material que, según sus integrantes, se percibe mucho más maduro. Mientras que el primer disco estuvo atravesado por los nervios propios de una primera experiencia, este nuevo álbum refleja una mayor confianza y seguridad, permitiendo que el proceso de creación sea disfrutado plenamente por los tres músicos.

La nueva apuesta de Cuarto Despelote no se limita únicamente a lo sonoro. El grupo ha tomado las riendas de su propia comunicación y difusión, encargándose de la producción de videoclips y la gestión en plataformas digitales. 

Un ejemplo de esta creatividad independiente fue la filmación de su reciente videoclip, donde utilizaron sus propios vehículos, modelos Renault 12, para lograr las tomas deseadas con recursos mínimos pero efectivos.

Nicolás Gallo ha asumido un rol central en la edición de video y la gestión de las plataformas de distribución, mientras que Marcos Rodríguez se ocupa de la difusión en redes sociales, un terreno que debió aprender a dominar a prueba y error. "Es ir aprendiendo sobre la marcha. Cada uno tiene su rol", comenta el vocalista sobre esta división de tareas que les permite mantener la independencia.

Para el trío, el éxito no se mide en grandes estadios, sino en la continuidad de su amistad y la posibilidad de seguir creando música. Con 15 años de vínculo personal y 14 de banda, el objetivo principal sigue siendo el mismo: disfrutar del proceso y conectar con el público.

"Que una banda dure 15 años es un bolazo. Es muy loco que, con todas las posibilidades que tenés vos de escuchar cualquier banda, que alguien en su casa se le dé por escuchar Cuarto Despelote, para mí es una locura", concluyó Marcos Rodríguez.

Adrián Berra tiene una historia con Tandil que comenzó cuando su carrera todavía daba sus primeros pasos. Después de un tiempo sin presentarse en la ciudad, este sábado 26 volverá para reencontrarse con el público tandilense en el Salón Danés, esta vez con una propuesta íntima, alejada del despliegue de una banda completa y sostenida esencialmente por las canciones.

Antes de ese regreso, el músico pasó por Cultura Zip, el programa que se emite de lunes a viernes de 14 a 16 por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, y conversó sobre el espectáculo que traerá a la ciudad, su nuevo disco Antes de saltar, sus procesos creativos y las transformaciones que experimentó la música desde que comenzó su carrera.

También hubo tiempo para hablar de aquello que sucede por fuera de las canciones: la necesidad permanente de generar contenido, los algoritmos, la fugacidad con la que se consume música y la presión para adaptarse a determinados formatos en las redes sociales.

Berra recordó que Tandil fue una de las ciudades que aparecieron temprano en su recorrido como músico independiente y destacó especialmente el vínculo construido a través de Vicky de Buena Rola.

“Es una de esas ciudades donde, cuando empecé a tocar, fui a hacer algunos de mis primeros shows. Hubo algo que quedó conectado gracias a Vicky, a su gestión cultural. Ella empezó a llevar un montón de artistas emergentes e independientes, me hice amigo de ella y gracias a eso fue un lugar al que volví”, contó.

Aunque reconoció que muchas veces sus visitas estuvieron marcadas por la dinámica propia de las giras y no pudo quedarse demasiado tiempo para conocer Tandil, durante esos viajes también construyó relaciones con músicos de la ciudad.

Entre ellos aparece Jo Alcobruni, quien será el encargado de abrir el recital del sábado. El vínculo entre ambos comenzó de una manera muy ligada a estos tiempos: a través de Instagram.

“Una vez fui a tocar allá hace muchos años y él me mandó una versión de un tema mío que se llama Desaprender. Él toca el bandoneón y me mandó un tema por Instagram diciéndome: ‘Che, yo soy de acá, soy músico’. Me mandó una versión de Desaprender en bandoneón y me encantó. Entonces le dije: ‘Pará, estoy yendo para allá, juntémonos’. Ahí lo conocí. Hoy ya es amigo y él va a abrir el show”, relató Berra.

La última presentación de Berra en Tandil había sido con banda completa en el Teatro del Fuerte. Esta vez, la propuesta será completamente diferente: guitarra y voz.

No se trata simplemente de una versión reducida de su espectáculo habitual. El músico explicó que decidió reservar septiembre para realizar apenas cuatro conciertos de estas características en la provincia de Buenos Aires, con presentaciones en San Antonio de Areco, Pergamino, Olavarría y Tandil.

“Cuando estoy mucho tiempo tocando en banda extraño la posibilidad de tocar solo, en conciertos más íntimos y más chiquitos. Y cuando estoy mucho tiempo tocando solo extraño la grupalidad de la banda”, explicó.

Por eso definió esta pequeña gira como “un paréntesis, una burbujita de conciertos íntimos a guitarra y voz”, donde conviven las canciones de Antes de saltar con composiciones de sus trabajos anteriores.

Despojar una canción que originalmente fue pensada con batería, arreglos e instrumentos también supone un desafío.

“Me encuentro con las canciones desde un lugar más esencial. De alguna forma uno las comparte con una energía parecida a aquella con la que fueron compuestas, desde el despojo absoluto”, señaló.

Para Berra, prácticamente cualquier composición puede trasladarse a ese formato, aunque algunas requieren mayor trabajo que otras. Hay temas que nacieron imaginando el funcionamiento de una banda y que encuentran buena parte de su identidad en un ritmo, una batería o un pasaje instrumental.

Por eso, preparar estos recitales implica buscar qué queda cuando todo eso desaparece.

“Es tratar de irle al hueso a las canciones y exponerlas de esa forma”, resumió.

La diferencia entre tocar acompañado y hacerlo solo no pasa únicamente por la cantidad de músicos arriba del escenario. También modifica completamente la relación con quienes están del otro lado.

Con una banda existe una estructura mucho más marcada. Hay luces, sonido, movimientos preparados y una lista que avanza con cierta lógica. Berra lo definió como “un tractorcito” que comienza a caminar y atraviesa distintos momentos hasta el final.

El formato solista, en cambio, le permite desviarse.

“Cuando estoy solo con la guitarra empiezan a aparecer cosas del contexto, de la gente, y el show se termina de armar ahí, con la gente en la sala”, explicó.

Puede aparecer una canción que alguien pide desde el público, una composición vieja que originalmente no estaba en los planes o incluso una versión espontánea. En uno de los conciertos recientes, por ejemplo, terminó interpretando un tema de Kiko Veneno que había escuchado mientras viajaba hacia Areco.

Para esa libertad también se apoya en diferentes sonoridades. Viaja con tres guitarras: eléctrica, acústica y criolla, y va observando qué necesita cada momento del recital.

“Uno de los desafíos que tiene este formato solo es estar bien atento, bien presente y que el show se vaya desarrollando de la mejor manera posible. Por eso también son conciertos muy irrepetibles, porque no se repite tanto la lista entera; se va construyendo”, sostuvo.

La charla en Cultura Zip también permitió meterse en la cocina de sus composiciones. Berra contó que su forma de escribir fue cambiando con los años y que actualmente trabaja con un método al que bautizó “el aljibe”.

En sus primeros discos, música y palabras aparecían prácticamente al mismo tiempo. “La música, la guitarra, la letra y la melodía salían medio todas a la vez”, recordó.

Con el tiempo comenzó a darle mayor espacio a la escritura sin una finalidad inmediata. Textos, frases, imágenes e ideas que quizás todavía no pertenecen a ninguna canción.

Lo definió, recuperando una expresión de Miguel Abuelo, como una suerte de “verdulería poética”.

Todo ese material queda guardado. Cuando aparece una idea musical, Berra vuelve a ese reservorio para buscar palabras que puedan encontrarse con ella.

“Le llamo el aljibe a ese método. Es tirar todo a un lugar y después, cuando encontrás algo musical, ir a buscar esas palabras, esa poesía. La canción nace, pero nace sin darte cuenta en distintos momentos, a veces con meses de diferencia, a veces días o semanas”, explicó.

El método también apareció como respuesta a los cambios de la vida adulta. Las giras, el teléfono, los hijos y las obligaciones cotidianas hicieron que ya no siempre existiera la posibilidad de sentarse durante horas frente a una guitarra y un cuaderno.

Las ideas, sin embargo, continúan apareciendo.

“Uno va armando una especie de baúl de ideas y en un momento, cuando tiene el espacio y el tiempo para desarrollarlas, aparecen. El desarrollo de una canción necesita atención, energía y un tiempo sostenido que muchas veces tenemos que generar porque el transcurso del día te lleva puesto”, reflexionó.

Berra comenzó su carrera en una industria muy diferente a la actual. Hoy una canción puede encontrar buena parte de su público a partir de unos pocos segundos utilizados en las redes sociales. Y esa transformación también apareció durante la entrevista.

Cuando le preguntaron si se sentía cómodo con esa lógica, fue claro.

“Como gustarme, no me gusta. Me parece que justamente la música, o lo lindo del arte, es habitar el estado. Es como leer un libro de una página”, comparó.

De todas maneras, entiende que forma parte de la época y que los artistas deben encontrar alguna manera de convivir con esas herramientas.

“Uno va tratando de adaptarse de la mejor manera, sin perder la esencia. Hay cosas a las que uno se adapta y está todo bien, hay cosas que cuestan y hay cosas a las que uno no se va a poder adaptar nunca”, sostuvo.

Su principal cuestionamiento aparece en la velocidad y en el peso que adquirieron los algoritmos sobre el consumo.

“Esta lógica tan veloz del consumo de la música y tan algorítmica no es algo que me guste mucho. Yo trato de resistir, por lo menos en el sentido de cómo la consumo. Después, cómo consumen mi música, eso no lo voy a poder controlar”.

Para Berra, escuchar música todavía supone detenerse.

“La música, al margen de un trabajo, es algo que hace muy bien. Cuando estoy medio desconectado por esto de la velocidad o las redes, me doy cuenta. Es un espacio que viene a hacerme bien y a acomodarme un poco. Me gusta pensar que mi música puede hacer eso y aportar en eso para los demás también”.

El músico profundizó todavía más cuando la conversación pasó de la forma de consumir canciones a la manera en la que actualmente los artistas deben mostrarse.

En una época atravesada por fórmulas sobre cómo publicar, cómo hablar frente a una cámara o cómo conseguir atención durante los primeros segundos de un video, Berra planteó otra búsqueda.

“Muchas veces la gente piensa que garpan cosas que no garpan. Me parece que lo que más garpa es ser uno. Y si eso no garpa, bueno, no garpa uno en algún punto, pero no es la forma lo que no está funcionando”, expresó.

La preocupación, explicó, es terminar persiguiendo una fórmula hasta perder aquello que vuelve reconocible a cada artista.

“Lo lindo es encontrar tu camino, tu manera de comunicar, de compartirte, de compartir lo que hacés e ir por eso”, sostuvo.

Y marcó cuál es el límite que espera no cruzar: “A lo que no me voy a adaptar nunca, o quisiera no adaptarme y que no me lleve puesto, es a la estandarización de las posiciones, las músicas, los formatos y la forma de comunicar. Siento que se está estandarizando todo de una manera muy poco nutritiva y que, además, tampoco funciona”.

Hay otra parte del oficio que ni siquiera los años permiten controlar: saber qué canción va a conectar con la gente.

Berra reconoció que cada vez que publica un disco tiene sus favoritas y aquellas composiciones que imagina como posibles “punta de lanza”. Pero el público no necesariamente coincide.

“Hay canciones que se abren paso, no sabés por qué. Mágicamente, no siempre son las mejores canciones para uno, pero hay canciones que la gente las abraza y van”, explicó.

En algunos discos acertó. En otros, la canción que imaginaba destinada a sobresalir pasó inadvertida y otra terminó ocupando inesperadamente ese lugar.

“Uno hace lo que hace y tiene una idea, pero después la gente recibe a su manera y cada canción tiene como su poder personal. A veces eso se puede predecir, pero a veces no”.

En medio de una conversación atravesada justamente por la velocidad del consumo apareció una costumbre bastante menos inmediata: escuchar discos completos.

Entre la música que viene acompañándolo últimamente mencionó a Maro y Parcels, pero también contó que volvió a encontrarse con Enemigos íntimos, el disco que Fito Páez y Joaquín Sabina grabaron juntos.

El regreso a Fito tampoco es casual.

“Fito lo amo mucho. Es una persona que con toda su música, o los primeros diez discos, aparece cualquier canción y me lleva a una etapa a la que le tengo mucho cariño. No solamente me parece un temazo o un discazo, sino que además me atravesó emocionalmente en muchas etapas de mi vida”, expresó.

Incluso encontró una nueva forma de revisitar clásicos. Hace poco descubrió que existían auriculares preparados para utilizar mientras nada, una actividad que practica desde hace algunos años.

Lo primero que hizo fue cargarles música.

“Me descargué la discografía de Charly. Entonces voy a nadar y cada vez que voy escucho un disco”, contó.

Una pequeña escena que, de alguna manera, sintetiza buena parte de lo conversado durante su paso por Cultura Zip: en tiempos donde una canción tiene apenas segundos para llamar la atención antes de que un dedo deslice la pantalla, Adrián Berra todavía encuentra lugares para escuchar un disco de principio a fin.

Y también para hacer algo parecido con sus propias canciones: sacarles capas, volver a mirarlas y descubrir qué queda en el centro.

Este sábado, cuando vuelva a Tandil después de un tiempo, será justamente eso lo que propondrá sobre el escenario del Salón Danés: tres guitarras, una voz, canciones nuevas y viejas y un recital que terminará de construirse cuando tenga al público enfrente.

La ciudad de Tandil se prepara para la realización de un evento que marcará un hito cultural sin precedentes con la realización de su primer festival dedicado íntegramente a la poesía. Susana Malfatti, una de las siete integrantes de la organización, compartió los detalles de esta iniciativa en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1. 

Según explicó, la propuesta nació del entusiasmo de un grupo de mujeres que, tras concurrir de forma conjunta a talleres literarios, decidió transformar su pasión compartida en un encuentro abierto a toda la comunidad. Así nació el colectivo, autodenominado "No es un lujo", el cual tomó su nombre de un ensayo de la poeta estadounidense Audre Lorde.

Bajo esta premisa, las organizadoras sostienen que la literatura no debe ser un privilegio, sino una herramienta accesible para todos. "La idea es que no es ningún privilegio poder leer y poder hacer poesía, y eso es un poco lo que nos guía", señaló Malfatti durante la entrevista.

La organización del festival ha sido un proceso marcado por la colaboración institucional y el trabajo voluntario. El evento cuenta con el respaldo de la Universidad Nacional del Centro, a través de la Secretaría de Cultura del Rectorado y la Facultad de Arte, además del apoyo económico otorgado por el Municipio de Tandil. 

Este financiamiento ha permitido cubrir traslados y alojamientos para las poetas invitadas, quienes participarán de forma gratuita, al igual que las talleristas. El evento mantiene un caracter de gratuidad que se ve reflejado desde el acceso para el público como para los protagonistas que hacen a la actividad.

Malfatti destacó la generosidad de los productores locales, quienes han donado diversos materiales para obsequiar a las autoras. "Todas vienen gratuitamente, todos los talleristas, vamos a hacer los talleres a la gorra. La idea es que, si nosotros queremos que las actividades sean gratuitas para todos, no tenemos posibilidad de pagarle a nadie, ni nosotras tampoco cobramos por lo que hacemos", explicó la organizadora sobre el espíritu solidario del encuentro.

La grilla del festival incluye figuras de renombre nacional como Alicia Genovese, Laura Forchetti y Tamara Grosso, quienes dictarán talleres abiertos a la comunidad. De acuerdo a lo comentado por la organización, la respuesta positiva a la invitación fue de inmediato.  

La convocatoria para participar de la ronda de poetas locales y regionales fue un éxito rotundo, recibiendo más de 80 postulaciones. Los seleccionados no solo tendrán su espacio de lectura el viernes 2 de agosto a las 21 horas, sino que también formarán parte de una antología que será publicada por la editorial de la universidad.

El festival se desarrollará durante el viernes 2 y el sábado 3 de octubre con una agenda cargada de propuestas. El viernes, la jornada comenzará con un taller de perfo poética y, simultáneamente, una actividad para infancias a cargo de Giraversos en El Gato Neftalí. Por la tarde, se llevará a cabo una feria de libros y objetos literarios, seguida de un conversatorio sobre el oficio poético con referentes de la región.

El sábado, las actividades iniciarán a las 10 de la mañana con un taller botánico-poético dictado por Laura Forchetti en Arte y Parte. La jornada continuará con muestras, serigrafía y un conversatorio sobre experiencias comunitarias de poesía en los barrios. Malfatti subrayó la importancia de inscribirse previamente a los talleres a través del formulario disponible en la página de Instagram del festival, debido a la alta demanda esperada.

En ambos días también habrá presentaciones musicales que animarán a la actividad. En la jornada inaugural dirá presente Emilia Inclán con su amplio repertorio de canciones de amor, mientras que para el sábado está pautada la presentación de Montarosa, la artista tandilense radicada en Buenos Aires desde hace algunos años. 

Con esta primera edición, el colectivo busca instalar la poesía como una pieza fundamental del calendario cultural tandilense, sumándose a otros eventos ya consolidados en la ciudad. "Queremos que este sea un festival más que se instale desde lo cultural. Hay muchísima gente en Tandil que le gusta la poesía", concluyó Malfatti, reafirmando el compromiso del grupo por convertir este encuentro en una semilla que continúe creciendo en los próximos años.

La historia de Runa es una crónica de adaptación y búsqueda constante. A sus 25 años, el músico recuerda cómo su familia dejó atrás el almacén barrial de su ciudad de origen para emprender un nuevo proyecto en Tandil. Aquella mudanza, que coincidió con el último año de su etapa escolar, marcó un punto de inflexión en su vida. "Fue un shock. Al principio fue medio chocante por el hecho de que mis amigos estaban allá, no conocía a nadie", confiesa sobre sus primeros tiempos, marcados por la incertidumbre y el aislamiento que luego se profundizaría con la llegada de la pandemia.

Sin embargo, fue en ese contexto de encierro donde comenzó a gestarse su identidad artística. Con una relación con la música que se remonta a su infancia —cuando ya posaba con una guitarra a los cinco años—, Runa encontró en el aislamiento el espacio necesario para profesionalizar su pasión. "Yo en mi casa en pandemia ya tenía mi home studio, me lo había comprado como para arrancar a meterle y me grababa solo", relata.

Aunque sus inicios estuvieron ligados al reggaetón, género que exploró con la intención de alcanzar un público masivo, el artista admite que nunca se sintió del todo cómodo con las limitaciones creativas del estilo. Su encuentro con el grupo Sharau y la influencia de figuras como Genson fueron determinantes para su giro hacia el trap. "El reggaetón por ahí es más bailable, se puede transmitir quizás más para algo más de movimiento; quizás las letras no son tan profundas. En el trap siento que te podés desenvolver más sobre sentimientos de otro lado", explica.

Esta evolución no solo fue lírica, sino también técnica. Tras trabajar con diversos productores, Runa notó que el resultado final de sus maquetas no siempre coincidía con su visión original. Fue entonces cuando decidió tomar las riendas de su sonido. "Dije: 'Bueno, tengo que empezar a hacer beats, hacer instrumentales propias y empezar a meterle'. Lo único que me faltaba era eso para complementar el hecho de no subir con beats de YouTube, que eso está mal si querés hacerlo más profesional", sostiene.

Hoy, el artista se ha consolidado como un productor integral. Desde hace un año, la totalidad de su música es producida por él mismo, alcanzando un ritmo de trabajo de 20 beats mensuales. Esta disciplina le permite mantener una biblioteca sonora diversa, clasificada por géneros y estados de ánimo, que utiliza tanto para sus proyectos personales como para colaboraciones con otros músicos de la escena local.

Para Runa, el desafío de hacer música desde Tandil implica una estrategia clara de difusión. Consciente de que Buenos Aires es el epicentro de la industria, utiliza herramientas digitales como Instagram Reels y TikTok para acortar distancias. "Siento que la manera que nos queda de hacernos ver es esa: subiendo contenido a todos lados", afirma, aunque aclara que ha dejado de obsesionarse con las métricas de reproducción. "El objetivo real es disfrutar lo que hacés y efectuar sin pensarlo tanto", añade.

Al observar el panorama actual, el músico se muestra optimista sobre el desarrollo de la cultura urbana en la ciudad. Según su perspectiva, la escena está atravesando un proceso de maduración donde los artistas locales están logrando una propuesta más "real y sostenible en el tiempo".

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A pesar de sus ambiciones, que incluyen colaboraciones soñadas con referentes como Duki o Don Toliver, Runa mantiene los pies sobre la tierra. Su enfoque actual está puesto en la constancia y en la calidad de su producción propia. "Siento que esa constancia es lo que me va a dar lo que quiero", concluye, reafirmando su compromiso con un camino artístico que, lejos de las fórmulas rápidas, se construye paso a paso desde la autogestión.

La expectativa crece entre los seguidores de la escena musical local ante la inminente confirmación de una nueva edición de Zip Unplugged. Este ciclo, que se ha consolidado como un pilar fundamental dentro de la propuesta de Cultura Zip, se prepara para abrir nuevamente sus puertas a los artistas de la región, ofreciendo un escenario donde la música se desnuda para mostrar su esencia más pura.

El formato acústico, característica distintiva de este bloque, permite que las bandas locales desplieguen su talento en un entorno íntimo y cercano. Esta propuesta busca resaltar la calidad compositiva y la destreza técnica de los músicos, alejándose de las grandes producciones eléctricas para centrarse en la calidez de los instrumentos y la voz.

La importancia de Zip Unplugged radica en su capacidad para generar un puente directo entre los artistas y su audiencia. Al prescindir de los artificios técnicos, el espectador tiene la oportunidad de apreciar matices que, en presentaciones convencionales, suelen quedar ocultos. Esta dinámica ha convertido al ciclo en un referente para quienes buscan descubrir nuevas propuestas o redescubrir a sus bandas favoritas desde una perspectiva diferente.

Desde la producción de Cultura Zip, se ha enfatizado que el objetivo principal sigue siendo la promoción de la cultura local y el fortalecimiento de los espacios de expresión para los músicos. Con el regreso del ciclo, se espera que la grilla de artistas vuelva a reflejar la diversidad y la riqueza creativa que caracteriza a la escena actual.

Para los fanáticos que han seguido el ciclo desde sus inicios, cada edición de Zip Unplugged representa una oportunidad única para conectar con el arte de una manera más profunda. La atmósfera que se logra en cada presentación es, sin dudas, uno de los sellos distintivos que ha permitido que este formato se mantenga vigente y esperado por la comunidad.

En los próximos días, se espera que se brinden más detalles sobre las bandas que formarán parte de esta nueva temporada. Mientras tanto, el repaso por las ediciones anteriores sirve como preámbulo ideal para lo que promete ser un ciclo cargado de talento y momentos memorables.

La invitación está hecha para todos aquellos que valoran la música en vivo y el esfuerzo de los artistas locales. Mantenerse atentos a las novedades de Cultura Zip será fundamental para no perderse ningún detalle de esta esperada vuelta a los escenarios acústicos. Volvé a ver los anteriores episodios acá.

Mun atraviesa una nueva etapa. Con una formación renovada, un sonido que se volcó hacia el rock y un nuevo EP bajo el brazo, Juan Segundo Maiaru conversó con Cultura Zip, el programa de El Eco Streaming, sobre el presente del proyecto que nació en Tandil y que actualmente desarrolla gran parte de su actividad en Buenos Aires.

“Hubo un cambio de sonido, cambio de integrantes, así que se podría decir que es un nuevo capítulo”, resumió Juanse al explicar la transformación que atravesó Mun durante el último tiempo.

El giro comenzó a gestarse mientras todavía trabajaba con las canciones de la etapa anterior, mucho más vinculadas al pop y al indie. Juanse ya tenía varias de las nuevas composiciones preparadas, pero sentía que necesitaban encontrar su propio espacio y diferenciarse del material que venía haciendo hasta entonces.

“Sentía como que no encajaban con las demás, como que necesitaban un trabajo aparte”, contó. A partir de su vida en Buenos Aires comenzó a conocer nuevos músicos, conformó otra formación y los ensayos terminaron de marcar el camino que buscaba para las canciones.

“Empezamos a ensayar mucho, dejamos de tocar los temas viejos, pasamos a pulir estos temas nuevos y agarramos viaje por este nuevo sonido más rock”, explicó.

Lejos de tratarse de una transformación forzada, Juanse aseguró que el género siempre había formado parte de sus consumos musicales. Entre las influencias que aparecen detrás de esta nueva etapa mencionó a Airbag, No Te Va Gustar y Los Ratones Paranoicos, referencias que se mezclaron hasta desembocar en “Malos Hábitos”, el nuevo EP de Mun.

El músico reconoció, de todos modos, que el cambio estuvo acompañado por dudas e incertidumbres. Especialmente al momento de definir cómo debían sonar las nuevas canciones sin caer en una copia de aquellas bandas que forman parte de sus influencias.

En ese proceso encontró además un contexto favorable, con una nueva generación de artistas que volvió a apostar por las guitarras.

“Hoy en día el rock volvió a renacer. Hay muchas bandas que están haciendo rock, muchos pibes de mi edad o más chicos. Volvió una nueva ola y siento que encajó perfecto con ese momento”, señaló.

La conformación de la nueva banda en Buenos Aires también modificó por completo la dinámica de Mun. Durante la etapa anterior, algunos integrantes estaban en Tandil mientras Juanse vivía en Capital, algo que hacía difícil sostener una rutina estable de ensayos y mantener activo el proyecto.

Ahora todos los músicos están radicados en la misma ciudad y esa cercanía permitió darle otra continuidad a la banda.

“Fue un cambio muy positivo porque antes ensayábamos de una manera muy esporádica. Era difícil mantener una banda así”, reconoció. Actualmente pueden encontrarse todos los fines de semana y, además, el movimiento musical de Buenos Aires los mantiene constantemente en búsqueda de nuevas fechas.

La formación actual surgió casi como un rompecabezas. Un amigo le pasó el contacto del baterista, mientras que al bajista lo encontró a través de un grupo de WhatsApp de músicos de Buenos Aires. Después de algunas búsquedas que no resultaron como esperaba, Juanse entendió que no alcanzaba solamente con encontrar buenos instrumentistas, sino que también necesitaba músicos que compartieran las expectativas del proyecto.

“Es importante que tengan los mismos intereses y que después empujemos todos para el mismo lado”, sostuvo.

Con “Malos Hábitos” publicado, Mun ya comenzó a trasladar las nuevas canciones al escenario. Durante el último tiempo realizó cuatro presentaciones en Buenos Aires y la intención es continuar sumando fechas entre finales de septiembre y octubre para mantener el EP en movimiento.

“Ni bien salió querés tocarlo por donde sea”, expresó Juanse. Y mientras las canciones empiezan a recorrer escenarios, la banda ya trabaja en lo que viene: continúan componiendo y grabando nuevo material.

“Entrás en una rueda que no querés que pare de girar”, graficó.

Dentro de esa agenda hay un destino que aparece como una cuenta pendiente: Tandil. Hubo conversaciones para concretar una presentación en la ciudad, aunque las obligaciones académicas de los integrantes y las dificultades logísticas impidieron hasta ahora cerrar una fecha.

La organización es diferente a la de los primeros años. Juanse es actualmente el único tandilense de la formación y para el resto del grupo tocar en la ciudad implica organizar el viaje, los horarios y la estadía.

Aun así, el deseo está intacto. “Tenemos muchas ganas de ir a tocar a Tandil y presentar el EP también allá”, aseguró.

Otro de los elementos importantes de esta nueva etapa es la apuesta por lo audiovisual. “Cara de Ángel”, una de las canciones del EP, cuenta con un videoclip que fue grabado en Tandil durante febrero, meses antes de su publicación.

La producción conservó el espíritu independiente que caracteriza al proyecto. El video fue realizado con la colaboración de amigos y hasta el Falcon que aparece en las imágenes fue prestado por un vecino de la casa donde Juanse vivió durante su infancia.

“Entre amigos nos fuimos ayudando. Grabamos todo en una tarde, cagándonos de calor, pero el resultado fue lo que esperaba”, recordó.

La cercanía entre la publicación del EP y el estreno del videoclip tuvo una explicación sencilla: las ganas de mostrar rápidamente el material terminado.

“Era más que nada un tema de ansiedad mío, de decir: ‘Che, dale, lo quiero sacar’. Podríamos haber esperado un poco más, pero era sacarlo cuanto antes”, reconoció.

La intención es profundizar ahora esa faceta audiovisual de Mun. Si bien producir un videoclip para cada canción representa un costo importante para una banda independiente, Juanse explicó que buscan darle mayor movimiento a YouTube con grabaciones de ensayos, procesos de producción y material detrás de escena.

La charla también permitió conocer cómo nacen las canciones. Para Juanse no existe un momento específico destinado a componer. Una melodía puede aparecer caminando por la calle, una frase puede surgir de una conversación entre amigos y una canción ajena puede funcionar como disparador para una idea propia.

Por eso suele grabarse tarareando melodías, guardar frases y hasta enviarse canciones por WhatsApp para volver sobre aquello que le despertó inspiración.

En cuanto a las letras, reconoció que buena parte del material surge de experiencias personales y, especialmente, de relaciones y desencuentros amorosos.

“A uno le es más fácil hablar sobre cosas que le pasan”, explicó. En ese sentido, escribir funciona como una forma de catarsis, aunque también tiene una contracara: “Es un arma de doble filo porque te sirve para descargarte, pero también estás todo el tiempo acordándote”.

El camino de Juanse hacia la música tampoco fue completamente lineal. En 2020 se instaló en Buenos Aires para estudiar Educación Física, pero la pandemia lo llevó nuevamente a Tandil. Ese período terminó siendo decisivo para descubrir qué quería hacer.

Con más tiempo disponible empezó a escuchar mucha más música, tocar la guitarra y escribir sus primeras canciones. Una vez superada aquella etapa tomó la decisión de apostar por lo que realmente le apasionaba.

A finales de 2022 comenzó a juntarse con Mateo, la primera persona a la que se animó a mostrarle aquellas canciones que hasta entonces consideraba algo muy íntimo. Entre ambos empezaron a trabajar las composiciones y rápidamente aparecieron nuevas preguntas: por qué no grabarlas, por qué no abrir redes sociales y por qué no empezar a mostrarlas.

“Una cosa se fue dando, se fue dando y ahora estamos acá hablando por videollamada”, sintetizó Juanse sobre aquel recorrido.

El crecimiento de un proyecto independiente también lo obligó a incorporar tareas que poco tienen que ver con sentarse con una guitarra a escribir una canción. Grabar contenido, editar videos, manejar las redes sociales y buscar nuevas maneras de llegar al público forman parte actualmente del trabajo cotidiano.

Juanse reconoció entre risas que no es precisamente el aspecto que más disfruta. “A uno le gusta hacer canciones y tocar”, planteó, aunque entiende que exponerse en las plataformas forma parte de las reglas del juego para un artista independiente que busca hacer crecer su música.

Los resultados, además, aparecen. TikTok se convirtió en la plataforma que mayor alcance le dio a Mun, especialmente mediante videos de ensayos, fragmentos de presentaciones y covers. A través de esos contenidos comenzó incluso a recibir mensajes de personas de otros países de Latinoamérica, entre ellos Perú y México.

“Es remarla y remarla y buscar que la gente empiece a escuchar tus canciones”, definió.

Hacia el final de la entrevista, Cultura Zip propuso una serie de preguntas rápidas que recorrieron gustos musicales, posibles colaboraciones y canciones especiales. Juanse sorprendió al elegir a Los Palmeras como los artistas con los que le gustaría grabar una canción, con la idea de hacer un verdadero “hit de bailanta” que pueda sonar tanto en boliches como en cumpleaños.

Para alguien que todavía no conoce Mun, en cambio, eligió “No puedo borrarte”, la primera canción que publicó el proyecto y una composición a la que todavía guarda un cariño especial.

“Esa sí que no me canso de escucharla. Es la primera canción que hicimos, entonces siento que es una buena introducción a todo lo que sigue”, aseguró.

La última pregunta volvió a conectar el presente del proyecto con el lugar donde comenzó todo: ¿qué lugar ocupa Tandil en la identidad de este nuevo Mun?

Juanse no dudó.

“Ocupa el 100%. Tandil está siempre presente”, afirmó. Y agregó que cada vez que surge la posibilidad de regresar para tocar intenta aprovecharla: “No podría hacerme el desentendido”.

Con nuevos integrantes, una base instalada en Buenos Aires y un sonido más rockero, Mun abrió un nuevo capítulo de su historia. Pero el cambio de ciudad, de formación y de estilo no modificó el vínculo con sus raíces: Tandil continúa ocupando un lugar central en la identidad del proyecto y aparece como el escenario al que Juanse quiere volver para presentar esta nueva etapa.

Nahuel Briones regresará a Tandil el próximo jueves 17 de septiembre para presentarse en Macanudo, en una noche que contará además con la participación de la artista local Valentina Palacio. Antes de su llegada a la ciudad, el músico conversó con Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

“Voy a estar haciendo un repaso por todos los discos de mi carrera. Seguramente toquemos algunas canciones nuevas también”, adelantó Briones durante la entrevista. Para esta presentación llegará con un formato en dúo que comenzó a desarrollar especialmente para una serie de conciertos.

Según explicó, la propuesta contará con diferentes instrumentos y dispositivos que les permitirán moverse durante las canciones y acercar el espectáculo a la intensidad que habitualmente consigue junto a una banda completa.

“Es un formato nuevo que estoy estrenando específicamente para estos conciertos”, señaló y agregó: “No se lo pierdan porque vamos a pasar una noche espectacular”.

La presentación tendrá además una particularidad: Tandil será la primera ciudad en la que Briones mostrará oficialmente este formato, antes de continuar con fechas en otros puntos de la región. “Es una forma de llevar, de una manera más resumida, lo que sucede en el concierto de una banda”, explicó.

No será su primera experiencia en la ciudad. El artista recordó especialmente su anterior presentación y reconoció que aquella respuesta del público fue uno de los motivos que lo impulsaron a regresar.

“La primera vez es como tirarse a una pileta sin saber qué hay”, describió. Sin embargo, aquella incertidumbre desapareció rápidamente: “Hubo en ese concierto un público que cantó todas las canciones, que estuvo muy conectado y dije: ‘Me parece que es tiempo de volver a ver si nos encontramos con el público de allí’”.

Durante la charla, Briones también se refirió a una de las características que atraviesan su carrera: la dificultad de encasillar su música dentro de un único género.

“Una característica de mi obra, y no sé si es algo positivo o negativo, es que es muy ecléctica”, sostuvo. De esa manera, explicó que dentro de un mismo disco pueden convivir una canción cercana al techno, un bolero o una composición con una impronta más punk.

Esa variedad surge, según contó, de su propia curiosidad musical. “En el mundo hay millones de músicas diferentes y yo tengo la curiosidad y ganas de hacerlas todas”, expresó.

La búsqueda implica también un proceso constante de composición. Briones aseguró que pasa muchas horas escribiendo y grabando canciones, aunque buena parte de ese material finalmente no vea la luz. “Cuando tengo muchas ganas de mostrar una canción nueva es más o menos porque hice diez o quince que quedaron ahí”, contó.

Con el paso de los años también modificó su forma de trabajar. Si durante buena parte de su carrera prefirió encargarse prácticamente solo de sus canciones, en los últimos tiempos comenzó a incorporar otras miradas al proceso creativo.

“Estoy siendo mucho más abierto a las opiniones y a trabajar con distintas personas”, afirmó. La experiencia y la cantidad de material publicado, explicó, también le permitieron perder cierto recelo sobre la necesidad de encontrar una versión “definitiva” de cada canción.

Al recordar sus comienzos, Briones ubicó un momento preciso como determinante para su relación con la música. Tenía ocho años cuando su padre lo llevó a ver a Los Redondos en Racing.

“Yo creo que eso me cambió la cabeza para siempre”, aseguró. Incluso contó que su padre recuerda que, en medio de aquel recital, le manifestó que quería dedicarse a eso.

El impacto fue inmediato. Apenas unos meses después comenzó a estudiar guitarra y empezó un camino que terminaría convirtiéndose en su profesión.

Entre sus principales referencias mencionó a Charly García, Los Redondos y María Elena Walsh, artistas que descubrió durante su infancia y que todavía considera fundamentales dentro de la cultura argentina.

La conversación también abrió paso a una reflexión sobre Spotify, las plataformas digitales y la inteligencia artificial. Briones destacó que internet permitió acceder inmediatamente a producciones musicales de prácticamente cualquier lugar del mundo, aunque advirtió que ese fenómeno también modificó profundamente la economía de los artis

La cantante y compositora Abril Olivera se prepara para desembarcar por primera vez en Tandil, donde el próximo 19 se presentará en Macanudo para compartir las canciones de “Río de la Plata”, su segundo disco. Antes de su llegada, dialogó con Cultura Zip, por El Eco Streaming, y repasó su recorrido musical, el desafío de sostener un proyecto independiente y su particular manera de entender el éxito dentro del arte.

Olivera llegará acompañada por Martín Allende, productor de sus dos discos, y Aarón Gordonas en piano, con una propuesta que definió como “potente, pero íntima”. La cercanía con el público es, precisamente, uno de los aspectos que más disfruta de este tipo de presentaciones.

“El escenario grande está bueno porque es adrenalínico, pero el escenario chiquito también es muy adrenalínico y tiene algo muy íntimo que a mí me gusta mucho, donde puedo interactuar más con el público, tenerlos más cerca, hasta inclusive conversar”, contó.

La artista reconoció además que está “muy entusiasmada” por conocer Tandil y, entre risas, confesó que ya le prometieron algunos de los clásicos productos regionales. “Me dijeron que me iban a separar unos quesitos, un salamín, algo para picar”, relató. Al ser consultada por sus preferencias, no dudó: “Más que nada quesitos, quesitos de todo tipo”.

Más allá del costado distendido de la charla, Olivera también se refirió a una realidad que atraviesa a buena parte de los músicos independientes. “Se hace difícil porque es todo muy autogestivo en mi caso. Tengo dos discos y soy una artista independiente”, explicó.

Aunque aclaró que no se queja de su situación personal, planteó que existe una dificultad general para sostenerse económicamente y que el mundo del arte no escapa a esa realidad. “El arte está bastante complicado”, resumió.

En ese contexto, dejó una reflexión para quienes comienzan a transitar su propio camino dentro de la música. Para Olivera, poner el reconocimiento masivo como principal objetivo puede terminar alejando a los artistas de aquello que originalmente los llevó a crear.

“No hay que pensar en términos de pegarla porque eso no te lleva a ningún lado. Siempre va a haber alguien más pegado que vos y alguien menos pegado que vos”, sostuvo.

En cambio, propuso regresar a preguntas mucho más sencillas: “¿Por qué hacés música? ¿Por qué le tenés cariño a esa canción? ¿Por qué la querés cantar? ¿Por qué la escribís?”.

También reivindicó las diferentes maneras de construir una vida vinculada con la música. “Se puede trabajar de la música y ser muy feliz siendo docente, siendo sesionista. Yo al día de hoy sigo siendo sesionista y también grabo mis canciones y, si puedo, las toco”, señaló.

Para la cantante, poder vivir exclusivamente de las propias canciones constituye una posibilidad reservada para pocos y no debería convertirse en una vara para determinar el valor de un músico. “Hay mucha gente que labura de otra cosa y también hace música y son músicos espectaculares. Eso no te hace mejor o peor músico”, expresó.

La llegada a Tandil tendrá como protagonista a “Río de la Plata”, un trabajo cuya producción demandó entre dos y tres años. Parte del material fue registrado durante dos jornadas en un estudio ubicado en el Delta, mientras que otras grabaciones se completaron posteriormente en el estudio de Mariano Otero.

La extensión del proceso tuvo mucho que ver con las agendas de quienes participaron del proyecto. Olivera se encontraba habitualmente de gira y lo mismo sucedía con sus compañeros, por lo que, según contó, buena parte del desafío fue “el arte de armar las agendas”.

La elección del Delta tampoco fue casual. “Quise mostrar un poco la música que estaba escuchando y las canciones que estaba craneando acá en mi casa, mis ideas melódicas más que nada, que es lo que más me gusta de la música, o algunas cosas de los textos que quería cantar y quería decir”, explicó sobre la búsqueda detrás del álbum.

Su carrera solista comenzó a tomar forma luego de recibirse en el conservatorio. En 2019 publicó su primer EP y desde entonces fue construyendo una audiencia propia, mientras paralelamente participaba de otros proyectos.

Entre ellos aparece Nafta, donde Olivera se desempeña como corista. La experiencia, explicó, es completamente diferente de encabezar su propio proyecto: “En Nafta hago coros y en mi grupo soy la compositora de las canciones y también la que toma las decisiones”.

“Formar parte de una banda tiene menos responsabilidades que ser tu propia jefa”, agregó.

Su crecimiento también estuvo acompañado por una práctica bastante particular a la hora de probar canciones nuevas. Olivera aseguró que muestra sus demos prácticamente a cualquiera que pase por su casa.

“Persona que entra a mi departamento: plomero, electricista, vecino... le digo: ‘¿Querés escuchar mi demo?’”, contó entre risas. “Voy midiendo un poco las reacciones. Yo le muestro mi música a todo el mundo. Vienen mis amigos, músicos o no músicos, y les muestro siempre todo”.

La conversación también atravesó un momento especialmente emotivo cuando apareció el nombre de Rubén Rada. Olivera mantiene una estrecha amistad con su hija, Julieta Rada, con quien compartió diferentes presentaciones y grabaciones en vivo.

Tras el fallecimiento del músico uruguayo, viajó a Montevideo para acompañar a su amiga y estuvo presente en su despedida.

“Pude ver el amor de un pueblo entero hacia un artista”, recordó. Olivera había tenido además la posibilidad de compartir momentos con Rada durante sus viajes a Uruguay.

“Más que nada pienso en mi amiga y en el dolor de perder un padre. Por más que no se pierde porque queda en el aire y en el pueblo, eso es en lo primero que pienso”, expresó.

Luego destacó la dimensión artística y humana del músico: “Qué artista divino y qué artista tan querido. Es como un ejemplo del bien, siempre”.

Para Olivera, la obra de Rada tiene una característica que explica por qué continúa llegando a públicos de distintas edades. “Es un repertorio que puede trascender generaciones y es atemporal”, definió.