El camino de los artistas tandilenses suele encontrar en las grandes urbes un espacio de expansión y profesionalización. El músico Lautaro Zugbi es un fiel reflejo de este recorrido. En una charla en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista recordó sus inicios en las sierras, detalló su presente en la capital provincial y brindó precisiones sobre su faceta como productor.

Hace 18 años que decidió mudarse a La Plata para iniciar sus estudios en la Facultad de Artes. Lo que comenzó como un proyecto de formación académica terminó por convertirse en un plan de vida que hoy lo encuentra plenamente integrado al circuito cultural. “Una cosa fue llevando a la otra. Me quedé, hice el profesorado, la licenciatura, y hoy trabajo en la facultad, doy clases y toco por acá”, explicó.

La relación de Zugbi con la música se gestó en un entorno familiar donde los instrumentos eran parte del día a día. Según relató, su madre tocaba la guitarra y ese fue el disparador para que, siendo muy joven, intentara ingresar a la Escuela Municipal de Música Popular de Tandil. Sin embargo, un requisito de edad postergó su ingreso formal, momento en el cual apareció una figura clave en su formación inicial: su primo Javi Lester.

Durante esa etapa formó parte de proyectos significativos que marcaron su madurez en el escenario. Mencionó con especial afecto a Apolín, un reconocido músico local recientemente fallecido, quien lo “apadrinó” y lo invitó a tocar cuando aún era un adolescente. Aquella experiencia, sumada a su paso por La Skandalosa, banda tributo a Los Fabulosos Cadillac, le permitió foguearse en grandes escenarios.

Uno de los recuerdos más pintorescos de su adolescencia fue la presentación en la Fiesta Provincial de la Frambuesa, en la localidad de Barker. “Éramos un montón y yo era muy chico. Fue muy gracioso porque, como era menor de edad, los organizadores pidieron una autorización de mis padres para que pudiera viajar a tocar”, rememoró entre risas, destacando que siempre contó con el apoyo de su familia.

La mudanza a La Plata fue una inmersión total en un ecosistema artístico que Zugbi describió como “muy intenso y grupal”. Al ingresar a la carrera de Música Popular, se encontró con una comunidad de estudiantes provenientes de todo el país. Esta diversidad, sumada a la lejanía de los afectos primarios, fomentó la creación de vínculos sólidos que derivaron en proyectos musicales y amistades duraderas.

“La ciudad tiene mucha movida estudiantil y cultural, tiene mucha vida”, señaló el guitarrista. Para él, la dinámica de la facultad permitió que el proceso de adaptación fuera amable y divertido, ya que el cursado diario implicaba estar constantemente rodeado de personas con las mismas inquietudes creativas.

Hoy, Zugbi no solo se desempeña como intérprete, sino que también ha volcado su experiencia en la docencia dentro de la misma institución donde se formó. Su labor en la Universidad se complementa con su actividad como productor y sesionista, manteniendo una agenda cargada. “La formación de la facultad aporta mucho, sobre todo por cómo junta a gente de todos lados”, analizó sobre el rol de la educación pública.

A pesar de su consolidación fuera de su ciudad natal, el músico sigue de cerca la evolución de la escena local. Cada vez que regresa para presentarse en vivo, se sorprende por el crecimiento del movimiento cultural. Para él, volver representa la oportunidad de reencontrarse con sus raíces y con una comunidad que, según sus palabras, está cada vez más “interesante” para la propuesta musical independiente.

En el último año, el artista volcó su energía en la creación de su material solista. Así nació "Iba a llamarse enero", un EP de seis canciones que el propio músico define como un "disco", a pesar de las nomenclaturas técnicas de las plataformas digitales. Este trabajo representó un hito en su carrera, ya que se hizo cargo de gran parte de la ingeniería de sonido y la producción desde su hogar.

“Me metí en el mundo de la producción de mis propios temas, que era algo que siempre me gustó”, detalló. La tecnología actual le permitió montar un estudio funcional con herramientas básicas: una placa de sonido, una computadora, un micrófono y sus guitarras. Para él, lo importante no es contar con un equipamiento de lujo, sino lograr tomas de calidad y tener el criterio necesario para dar forma a la canción.

En este proceso de autonomía creativa, destacó la importancia de saber cuándo delegar para obtener una “oreja externa”. Aunque realizó las bases de guitarras, bajos y baterías programadas, contó con la colaboración de amigos para las voces y la etapa final del audio. Martín Ruiz se encargó de la mezcla, mientras que la masterización quedó en manos de un reconocido productor platense.

El presente de Lautaro Zugbi es de una actividad constante. Actualmente se encuentra en pleno proceso de grabación de un nuevo material discográfico, razón por la cual ha decidido pausar sus presentaciones en vivo durante el mes de julio. Con un ojo puesto en el nuevo disco y otro en el próximo viaje a las sierras, reafirmó su compromiso con una identidad artística que, aunque lejos geográficamente, nunca olvida su origen tandilense.

La cantora e investigadora rosarina Clara Bertolini protagonizará este sábado el cierre de la primera fase del proyecto Mujeres Cantoras, una iniciativa impulsada por el Instituto Profesorado de Arte Tandil (IPAT) en conjunto con la Unicen. En diálogo con Cultura Zip, ciclo que se emite por El Eco Streaming, la artista contó que brindará una charla taller donde compartirá sus saberes sobre el rol de las mujeres en el cancionero popular, proponiendo el intercambio de experiencias y la visibilización de las artistas.

El vínculo entre Bertolini y el proyecto local se gestó en San Antonio de Arredondo, Córdoba, durante un encuentro donde coordinó un espacio de formación sobre la perspectiva de género en el folclore. Allí, un grupo de estudiantes del profesorado de Tandil se interesó por su enfoque y decidió cursar la invitación a la rosarina. Según explicó la cantante, la propuesta resultó fundamental para “divulgar una labor que muchas veces queda relegada de los registros oficiales” y que, a partir de esta digitalización, queda a disposición del mundo entero.

Para la cantora, el proyecto desarrollado en Tandil tiene una relevancia que trasciende las fronteras de la ciudad. El hecho de que la información sobre las artistas sea volcada en Wikipedia permite que la identidad de las cantoras argentinas sea reconocida globalmente. Bertolini destacó que la iniciativa del IPAT utilizó formularios abiertos a la opinión pública para recopilar datos, historias y nombres, logrando una apertura democrática y colectiva que enriqueció la base de datos.

La artista rosarina también aportó su conocimiento como investigadora al proyecto local, sumando perfiles de compositoras y hacedoras de la canción que forman parte de su propio registro documental. Este cruce de información resultó vital para alimentar la plataforma y asegurar que las trayectorias de estas mujeres no se pierdan con el paso del tiempo.

Bertolini manifestó su alegría por participar de este cierre, entendiendo que este tipo de programas institucionales son los que permiten transformar la realidad del sector cultural. En un contexto donde la representatividad femenina en los escenarios aún es un debate abierto, la documentación de sus obras y vidas aparece como una herramienta política y pedagógica de gran alcance. La cantora aseguró que este proceso en Tandil es apenas el comienzo de algo que tendrá una “repercusión creciente y se seguirá ampliando en el futuro”.

Para la artista, la cantora no parte exclusivamente de la técnica vocal o el conservatorio, sino que su canto nace del quehacer cotidiano y de la esencia popular. “La cantora lleva en la voz, la voz del pueblo”, definió, subrayando que esta figura representa una identidad ligada a la tierra y a las raíces contrahegemónicas que se sostienen a través del tiempo.

La interpelación por la cuestión de género en su carrera surgió de una observación directa en sus años como profesora de danza folclórica. Bertolini recordó el momento en que, al escuchar las letras de danzas tradicionales, percibió una carga misógina que ya no podía ser ignorada. Letras que trataban a las mujeres de "ingratas" o "falsas" la impulsaron a tomar la decisión de recrear el cancionero popular con letras nuevas, conscientes y representativas de la realidad actual, una labor que plasmó en tres materiales discográficos.

La referente rosarina sostuvo que es fundamental realizar una revisión profunda de lo que se canta, ya que el arte debe ser coherente con los valores de la sociedad contemporánea. En ese sentido, destacó que las mujeres representan la mitad del pueblo y, por lo tanto, su voz e identidad deben estar presentes en el relato musical oficial. Para Bertolini, la cantora tiene voz y voto sobre lo que dice arriba del escenario, alejándose de una música vacía de sentido para abrazar un canto con contenido social y político.

La visita de Clara Bertolini aportará un marco teórico y profesional a la iniciativa Mujeres Cantoras; también reforzará la idea de que la construcción de una cultura más justa requiere de la investigación, la documentación y el compromiso colectivo. El legado de las mujeres en la música, a partir de ahora, cuenta con un registro más sólido y accesible gracias a este esfuerzo mancomunado desde Tandil hacia el país.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

El equipo de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, confirmó el regreso de su formato más íntimo. Tras el éxito de la primera entrega, el ciclo #ZipUnplugged vuelve a la pantalla y a las ondas radiales para ofrecer una propuesta diseñada especialmente para los amantes de la escena musical, permitiendo un acercamiento profundo a las trayectorias y composiciones de diversos artistas bonaerenses.

La iniciativa busca transformar el estudio en un espacio de conexión directa, donde la crudeza poética y los arreglos minimalistas sean los protagonistas. A través de estos encuentros, los espectadores podrán disfrutar de versiones acústicas exclusivas, pensadas para ser apreciadas desde la comodidad del hogar, en un formato que prioriza la calidad sonora y la calidez del relato personal de cada invitado.

La programación de junio ha sido cuidadosamente seleccionada para ofrecer una variedad de estilos que van desde la canción de autor hasta la experimentación con sintetizadores. Según informaron desde la producción, el objetivo es consolidar este espacio como una plataforma de difusión para el talento regional, brindando un marco profesional para que los músicos puedan repasar sus historias y presentar sus obras en un contexto despojado de artificios.

La grilla de transmisiones comenzará este viernes 19 con la participación de Manu María, quien abrirá el ciclo con su propuesta artística. La agenda continuará el martes 23 con la visita de Ro Sosa, una de las voces destacadas que formará parte de esta serie de encuentros íntimos. Para cerrar el mes, el jueves 25 será el turno de Enzo Tassara, mientras que el viernes 26 el ciclo concluirá con la presentación de Jo Alcobruni.

Cada una de estas jornadas promete tardes cargadas de emoción, donde la música y la palabra se entrelazan para ofrecer una experiencia única. La propuesta de Cultura Zip reafirma su compromiso con la cultura local y regional, apostando por formatos que permiten una mayor cercanía entre el artista y su audiencia, un aspecto fundamental en la construcción de la identidad musical de la zona.

Los seguidores del programa podrán seguir cada una de las presentaciones a través de las plataformas habituales de El Eco Streaming en YouTube, Eco TV y Tandil FM 104.1. La invitación queda abierta para toda la comunidad, que podrá disfrutar de estas cuatro fechas especiales que prometen marcar el ritmo de la agenda cultural de finales de junio, desde las 14 horas.

Con esta segunda edición del Unplugged, el equipo de producción busca no solo entretener, sino también documentar el presente musical, creando un archivo de versiones acústicas que quedará disponible para el disfrute de los oyentes y televidentes. La expectativa es alta ante la diversidad de los artistas convocados, quienes ya se preparan para compartir sus canciones en este formato tan particular.

Contrabando Crew, el grupo fundacional de la cultura hip hop en Tandil, alcanzó recientemente más de veinte años de trayectoria ininterrumpida. Fran CB, Nico B y Mone, miembros históricos de la agrupación, explicaron cómo lo que comenzó como una curiosidad adolescente en 2005 se transformó en su motor vital.

La crew, reconocida como la más antigua y la primera de la ciudad de Tandil, sostuvo su actividad de manera independiente. A lo largo de este tiempo, sus integrantes lograron consolidar el breakdance como una herramienta de transformación personal y social.

Desde sus orígenes, los integrantes de este colectivo artístico se encargaron de ejercer la cultura hip hop de forma integral. Además del breaking, la crew también desarrolló con la misma intensidad otros pilares fundamentales como el graffiti, la música y el rap.

Nico B enfatizó que, a diferencia de otros deportes tradicionales, ellos no contaron con el respaldo de instituciones o clubes. Por este motivo, llevaron adelante su carrera de manera independiente y completamente a pulmón, impulsados únicamente por la pasión.

La exigencia física de esta disciplina los obligó a formarse como atletas. Para los protagonistas, el breaking requirió un estado físico impecable y una resistencia mental capaz de superar lesiones y la falta de incentivos económicos.

Según expresaron, la decisión de bailar durante más de dos décadas no respondió a un simple pasatiempo. Se transformó en una necesidad de expresión que los mantuvo unidos, forjando una identidad que hoy es referencia ineludible en Tandil.

A lo largo de este tiempo, el grupo logró profesionalizar su práctica desde la autogestión. Organizaron sus propios entrenamientos y alquilaron espacios para difundir el arte del baile en toda la comunidad tandilense.

Esta constancia permitió que Tandil fuera testigo del nacimiento de una generación de b-boys que, según Fran CB, adquirieron un enfoque y una disciplina especiales basados en el control total del cuerpo sobre el suelo.

Nico B manifestó que la danza conectó al grupo con una dimensión espiritual que superó la mera destreza física. Comparó la relación del b-boy con su baile con la que un pintor mantiene con su obra, asegurando que existe un vínculo genuino.

En este sentido, remarcó que el breaking permitió romper con las estructuras físicas convencionales. Lograron realizar movimientos que desafiaron la imaginación, como girar sobre la cabeza o sostener el peso del cuerpo con una sola mano.

Por su parte, Mone resaltó que el compromiso con esta cultura fue una elección de por vida. Recordó que la práctica constante desde la adolescencia les permitió perfeccionarse, pero admitió que también fue necesario nacer con un don para sostener la exigencia.

Bajo el lema "B-boy hasta la muerte", proyectó que continuarán ejerciendo los pasos básicos del breakdance incluso cuando alcancen los 60 años. Así, demostraron que la edad no es un límite para su expresión artística.

La evolución técnica de la disciplina también fue un punto de análisis para los integrantes de Contrabando Crew. Nico B destacó que el nivel actual en Tandil no tiene techo y que existen exponentes con capacidades extraordinarias.

No obstante, aclaró que lo más valioso siguió siendo la sensación de plenitud individual que brindó el baile. Esto se mantiene independientemente de la complejidad de los trucos o de la mirada externa del público.

Fran CB coincidió en que el desarrollo de la fuerza mental fue la clave para sostenerse durante más de dos décadas. El integrante recordó que comenzó a los quince años atraído por el impacto visual de la actividad.

Rápidamente se enamoró de la comunidad del breaking y de los encuentros de entrenamiento. Para él, esta disciplina permitió entender que no existen barreras generacionales cuando el baile se realiza a puro corazón.

La continuidad de Contrabando Crew también se vio reflejada en la formación de nuevos talentos. Bboy Hardy, uno de los miembros más jóvenes, relató que su vocación nació tras ver a un bailarín en una peatonal durante un viaje familiar.

A partir de ese momento, buscó formación técnica hasta que finalmente logró conectar con los referentes de la crew tandilense. Ellos se transformaron de inmediato en sus mentores en el camino de la cultura del hip hop.

El grupo mantuvo siempre una política de puertas abiertas para todos aquellos interesados en acercarse a la disciplina. A través de la autogestión, lograron sostener espacios de práctica donde compartieron sus conocimientos con la comunidad.

Fran CB reiteró la invitación a los vecinos de Tandil para que se sumen a los entrenamientos. Destacó que lo más importante es compartir el arte del movimiento y mantener viva la llama de la cultura urbana.

La agrupación se consolidó como un ejemplo de resiliencia y pasión artística. En la actualidad, Contrabando se enfocó en profundizar su legado y en seguir demostrando que el cuerpo humano es capaz de proezas extraordinarias cuando hay disciplina.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

¿Breaking Bad o Better Call Saul? ¿Friends o How I Met Your Mother? ¿Game of Thrones o Lost? Debates que durante años dividieron a los fanáticos de las series tendrán ahora un escenario para resolverse: el "Mundial de Series" organizado por Cultura Zip.

La propuesta reunirá a 32 de las producciones más populares, influyentes y exitosas de las últimas décadas en un formato de eliminación directa inspirado en los grandes torneos deportivos. A partir del próximo lunes, cada cruce se definirá mediante votaciones en las historias de Instagram del programa.

El certamen estará dividido en cuatro llaves temáticas. "El Peso Pesado" reunirá a los grandes dramas y series policiales; "La Batalla de las Risas" enfrentará a las comedias y sitcoms más emblemáticas; "Mundos Paralelos" pondrá cara a cara a producciones de ciencia ficción, fantasía y misterio; mientras que "Animación y Pasiones Multitudinarias" incluirá clásicos animados, dramas médicos y miniseries.

Entre los cruces de primera ronda aparecen enfrentamientos que prometen generar fuertes debates entre los seguidores. Breaking Bad se medirá con Better Call Saul, The Sopranos enfrentará a The Wire, Friends chocará con How I Met Your Mother y Game of Thrones hará lo propio ante Lost. También habrá duelos entre The Simpsons y Family Guy, Stranger Things y Dark, House M.D. y Grey's Anatomy, entre otros.

Una publicación compartida de Cultura ZIP! x El Eco (@culturazip)

Una de las particularidades del torneo será su sistema de definición. El resultado de cada serie no dependerá únicamente de la elección del público, sino que también contará con la participación de los conductores de Cultura Zip, quienes aportarán su voto para determinar qué producción avanza a la siguiente instancia.

De esta manera, cada enfrentamiento combinará la opinión de la audiencia con la mirada del equipo del programa, una fórmula que promete sumar discusión, análisis y, seguramente, alguna que otra polémica.

Con 32 series en competencia, 16 duelos iniciales y una sola campeona posible, el Mundial de Series buscará encontrar la producción más querida por la comunidad de seguidores de Cultura Zip.

La cuenta regresiva ya comenzó. Desde el próximo lunes, los fanáticos tendrán la oportunidad de defender a sus favoritas y participar de un torneo que promete revivir algunos de los debates más apasionantes del universo de las series.

Alexander Echandía, oriundo de Lobería pero afincado en Tandil, se definió en un momento de "desfachatez" creativa, en el que prioriza el contacto directo con el público por sobre las exigencias de la industria. Durante una entrevista emitida por El Eco Streaming en el programa Cultura Zip, desgranó cómo su vida oscila entre los escenarios, el aula y el taller de artesanía. Según explicó, estos tres mundos se retroalimentan para mantener a raya la ansiedad de los tiempos actuales.

Para el músico, la tecnología y la inteligencia artificial son herramientas que utiliza con frecuencia, aunque advirtió que para regular su avance se requeriría de un Estado fuerte que hoy no percibe. Ante esa hiperestimulación constante, Echandía encontró un refugio en el trabajo manual. El artista destacó su formación en la Universidad Barrial, donde aprendió el oficio de la platería y el cuero crudo, actividades que recomendó fervientemente a la comunidad.

"Me dedico a lo que es un bajativo a tierra, que es la música, y se convirtió en mi trabajo. Entonces, para bajar un poco, me dedico también a la artesanía. Una actividad monótona ayuda un montón a la cabeza en estos tiempos de hiperestímulo", relató. Además, adelantó que el año próximo iniciará la carrera de joyería en un espacio gratuito de Villa Italia, reforzando su visión de que siempre busca un uso económico para aquello que aprende.

En cuanto a su presente musical, Echandía reconoció que su proceso creativo hoy está pensado exclusivamente para el vivo. Lejos de las mortificaciones del pasado, cuando pasaba un año trabajando para sacar un disco, ahora graba en su casa y difunde de manera más relajada. "Estoy muy atento a ver qué pasa con el que tengo adelante, con el que está al medio y con el de atrás", aseguró, subrayando que su repertorio busca aportar picardía y valor agregado.

Su identidad musical es, según sus palabras, multifacética. Se siente un folclorista "a su estilo", capaz de transitar proyectos de rock, trap o folclore tradicional sin perder la raíz. En ese sentido, mencionó a Atahualpa Yupanqui y Mercedes Sosa como pilares fundamentales, pero también celebró fenómenos actuales como el de Milo J, de quien destacó su último disco por la profundidad y el vínculo con la historia social del país. "Tenemos una identidad poderosísima, desde Yupanqui al Indio", afirmó con orgullo, al tiempo que ponderó a Maggie Cullen como la referente actual más destacada del género.

Para Echandía, el folclore no es solo música, sino una forma de entender la soberanía y lo colectivo. Esa visión lo lleva a romper la "cuarta pared" en sus espectáculos, compartiendo con sus colegas o el público en lugar de esconderse en un camarín. "Necesitamos acercarnos y compartir más; así conozco un montón de historias de gente que la está remando", sostuvo, defendiendo la idea de generar un encuentro real.

Como docente con experiencia en el nivel primario y en los ámbitos público y privado, Echandía no esquivó el tema que conmovió a la ciudad la semana pasada: la agresión sufrida por un colega en el Colegio San José, quien terminó con una fractura de mandíbula tras ser golpeado por un estudiante. El músico analizó el hecho no como un caso aislado, sino como el síntoma de una sociedad que tiene "la mecha cortísima" y problemas de salud y economía que no son atendidos.

Echandía fue categórico al señalar la falta de acompañamiento institucional que sufren los docentes. "El profe venía pidiendo ayuda a los directivos porque no podía contener la situación", reveló, y lamentó que algunos colegas cuestionaran el manejo de la clase en lugar de solidarizarse. Para el músico, existe una negligencia por parte de las autoridades cuando no se trabaja la grupalidad desde los primeros años, dejando al docente solo frente a tres decenas de chicos en situaciones de extrema tensión.

"Tiene que haber una reparación justa tanto para la víctima como para el victimario", sentenció respecto a las consecuencias legales del hecho. El docente defendió la necesidad de establecer límites claros y consecuencias ante actos de violencia, criticando tanto las posturas que buscan bajar la edad de imputabilidad con oportunismo político como aquellas que se resisten a generar un "hasta acá" en el comportamiento adolescente.

"Si no, seríamos salvajes", concluyó, reafirmando que la educación y el arte deben ser espacios de contención, pero también de respeto mutuo.

La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.

A través de una minuciosa reconstrucción histórica, el historiador tandilense Guido Rapallini realizó en Cultura Zip (El Eco Streaming, 104.1 Tandil FM y Eco TV) un repaso exhaustivo de la denominada masacre del Tata Dios, un evento que marcó la memoria colectiva de la ciudad a finales del siglo XIX.

Gerónimo Solané, conocido popularmente como el Tata Dios, arribó a Tandil en noviembre de 1871. Su llegada se produjo a instancias de Rufina Pérez de Gómez, esposa de Ramón Gómez, uno de los estancieros más poderosos de aquel entonces. Rapallini explicó que la mujer padecía diversos dolores y buscó en el curandero una solución que la medicina tradicional no le ofrecía, en un contexto castigado por la fiebre amarilla y el cólera. Solané se encontraba detenido en la localidad de Azul por ejercicio ilegal de la medicina.

Una vez instalado, la figura de Solané comenzó a cobrar una dimensión mística que el historiador comparó con fenómenos de masas contemporáneos. "Siempre les digo a los chicos que el Tata Dios tenía un poco del Indio Solari; convocaba multitudes en esa época", señaló Rapallini. En los alrededores de su vivienda se generaban verdaderas romerías donde se mezclaban rezos, música y una profunda comunión popular. Según los documentos de la época, se lo mencionaba frecuentemente como "Adivino Dios", destacando su supuesta capacidad para predecir el futuro.

Sin embargo, detrás de esta devoción mística, Tandil atravesaba un proceso de transformación estructural. Este crecimiento generó una fuerte tensión catastral por la posesión de quintas y chacras. Rapallini sostuvo que el relato mesiánico y oscuro que se construyó sobre el Tata Dios pudo haber servido para encubrir una trama de intereses materiales y disputas de poder entre los nuevos ricos, como Ramón Santamarina, y los sectores tradicionales.

Para el investigador, los hechos que desencadenaron la matanza no fueron producto exclusivo del fanatismo religioso, sino que respondieron a la acción de un grupo de mercenarios con objetivos específicos. El foco principal de la agresión fue la familia Chapar, la cual albergaba un libro de deudas que comprometía a diversos estancieros de la zona. "Para mí fue un grupo de mercenarios; el interés concreto era derribar la casa de los Chapar", afirmó Rapallini, sugiriendo que la masacre fue utilizada para eliminar registros financieros en medio de una puja por el poder.

La ejecución del plan comenzó entre la Navidad y el 31 de diciembre de 1871. Bajo el liderazgo de Jacinto Pérez, un curandero que operaba de manera independiente a Solané, un grupo de paisanos armados inició un raid delictivo. Los atacantes, que portaban divisas punzó y gritaban consignas contra "gringos y masones", liberaron presos del juzgado local y asesinaron a un organillero italiano antes de dirigirse hacia las zonas rurales.

El saldo total de la tragedia fue de 36 víctimas, además de la posterior muerte del propio Solané. El historiador subrayó que la mayoría de los implicados en los crímenes ni siquiera conocían personalmente al Tata Dios y que muchos actuaron bajo una lógica de anarquía y violencia dirigida específicamente hacia los extranjeros.

Tras la masacre, la presión social y política recayó sobre Gerónimo Solané, quien fue señalado como el autor intelectual de los ataques a pesar de la falta de pruebas materiales que lo vincularan directamente con los ejecutores. Mientras que los cabecillas de la banda fueron abatidos, Solané fue trasladado a una celda en lo que hoy es el predio del Teatro del Fuerte. Según el relato histórico, el curandero no llegó a prestar declaración ante las autoridades judiciales.

La noche de Reyes de 1872, cerca de la una y media de la mañana, el Tata Dios fue asesinado en su celda. "Se escucharon unos disparos; estaba en una celda y el centinela estaba distraído", relató Rapallini, agregando que el curandero solo llegó a decir que hablaría ante el "juez justo" antes de morir. Este hecho clausuró la posibilidad de un proceso legal transparente y consolidó la versión oficial que lo culpaba de la masacre.

Incluso figuras prominentes de la época participaron del escarnio público hacia su figura. Se documentó que Ramón Santamarina, quien supuestamente figuraba como una de las posibles víctimas de la banda, agredió físicamente a Solané mientras era ingresado a la prisión, ante el aplauso de los vecinos presentes. La muerte del Tata Dios puso fin al episodio sangriento, pero dejó abierta una controversia histórica que, según Rapallini, todavía permite nuevas interpretaciones sobre la lucha por la tierra y el poder en el Tandil del siglo XIX.

Lula Andersen fue la encargada de poner el broche de oro a la primera edición de Zip Unplugged, un espacio dedicado a la música en vivo y la reflexión artística. Durante la entrevista, la cantante realizó un recorrido emocional por su historia, la cual comenzó de manera temprana en el seno de una familia donde el arte fue siempre el lenguaje común. La nota surgió de su participación en el programa Cultura Zip, ciclo que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

Andersen recordó que su vínculo con el canto se inició a los seis años, aunque fue a los ocho o nueve cuando dio sus primeros pasos con la guitarra. Con una fuerte influencia de la cultura pop de principios de los 2000, como High School Musical o School of Rock, la artista rememoró sus tardes de baile frente al espejo y sus primeras canciones bajo la ducha. Sin embargo, el rol de su hermano, el músico Ramiro Robles, resultó fundamental en aquel entonces. Fue él quien le enseñó los primeros acordes y se convirtió, con el paso del tiempo, en su principal referente y consejero técnico.

La vocación de Andersen no fue algo que surgió por azar. La cantante confesó que aún conserva un dibujo realizado a sus nueve años donde se representaba a sí misma frente a un estadio colmado de gente. Ese deseo infantil tuvo su primer contacto con la realidad en el escenario de la Escuela N° 34, durante un bingo familiar. Ante unas 300 personas, la pequeña intérprete se animó a cantar una canción de su autoría, marcando el inicio de una relación ininterrumpida con el público.

A los 16 años, la escena nocturna de La Plata se convirtió en su campo de entrenamiento. Durante esa etapa, formó parte de diversas bandas de cumbia y realizó innumerables presentaciones en bares y boliches. Fue en la capital provincial donde vivió una de sus experiencias más vertiginosas: cantar ante 50.000 personas como invitada de una banda amiga que abría el show de Los Totora. A pesar de la falta de ensayo previo, Andersen decidió enfrentar el desafío bajo una premisa clara: "Quiero vivir de esto, no me puede dar miedo".

Hace cuatro años, la artista decidió instalarse en Tandil, donde comenzó a tejer nuevos lazos con la comunidad artística local. Ya en la ciudad, se desempeñó como corista de la formación Mamelook's, participando en giras por la costa atlántica, y tuvo una actuación destacada durante los festejos por los 200 años de Tandil, un evento que recordó por la inmensa adrenalina que sintió al ver la cantidad de gente que colmaba la diagonal Illia.

Al analizar la escena cultural serrana, Andersen destacó que encontró un panorama con mucho talento, aunque con espacios de exhibición limitados en comparación con otras ciudades. No obstante, celebró el crecimiento de las bandas locales en el último tiempo. "Hay talento que estaba escondido y ahora se está viendo mucho más", señaló, al tiempo que valoró las invitaciones de otros artistas para compartir escenario, lo que le permitió integrarse rápidamente al circuito regional.

En la actualidad, la cantante atraviesa un proceso de transición hacia su faceta más auténtica. Tras años vinculada a la cumbia, hoy se identifica plenamente con el género melódico con matices de pop. Su proceso creativo es espontáneo; utiliza audios de celular para capturar melodías que surgen mientras camina por la calle y luego las desarrolla junto a su piano o guitarra. Sus letras, según explicó, suelen centrarse en la superación personal con el objetivo de inspirar a quienes la escuchan.

Una publicación compartida por Lula Andersen (@lula.andersen)

De cara al futuro, Andersen se trazó metas estrictas para combatir la procrastinación. Su próximo objetivo es terminar la grabación de dos nuevas canciones, trabajando con productores que aplican herramientas electrónicas, aunque no descarta la incorporación de músicos sesionistas para sus próximos lanzamientos.

Respecto al uso de las redes sociales, las definió como una herramienta de visibilidad indispensable en la actualidad, que le permite organizar su contenido y llegar a otros países. Para la artista, el objetivo final no es una fama vacía, sino lograr que sus canciones alcancen a la mayor cantidad de gente posible que necesite de su mensaje.

La banda La Taza Calva fue protagonista de una extensa charla en Cultura Zip, donde Nahuel, uno de sus cantantes y fundadores, recorrió la historia del proyecto musical que nació cuando él y su hermano apenas tenían 9 y 11 años.

Uno de los primeros temas abordados fue el curioso nombre del grupo, que suele despertar preguntas entre quienes los descubren por primera vez. Lejos de esconder una historia profunda, Nahuel reconoció que surgió espontáneamente durante un viaje en taxi cuando eran niños.

“La realidad es que no significa nada. Nos gustó cómo sonaba y quedó. Después la gente inventó teorías mucho más interesantes que la verdad”, contó entre risas.

Durante la entrevista, el músico explicó que si bien La Taza Calva puede definirse como una banda pop, la búsqueda artística nunca estuvo limitada a un solo género.

“Somos una banda pop porque hacemos canciones con melodías que cualquiera puede tararear, pero siempre escuchamos de todo: rock, jazz, tango, cumbia, música clásica. Nunca nos sentimos obligados a responder a un género específico”, sostuvo.

Según explicó, la identidad del grupo se mantiene gracias a una fuerte búsqueda melódica que atraviesa todas sus composiciones, incluso cuando experimentan con diferentes sonidos y estilos.

Consultado sobre el contenido de sus canciones, Nahuel aseguró que las letras nacen de manera natural y reflejan preocupaciones, vínculos y emociones personales.

“Tratamos de abrirnos bastante sobre cómo nos sentimos y de ser vulnerables. Muchas veces la gente dice que nuestra música es alegre pero que las letras son tristes. En realidad creo que tiene que ver con romper el prejuicio de que el pop no habla de nada”, reflexionó.

Entre los ejemplos mencionó “Vida de adulto”, una de las canciones más conocidas de la banda, que plantea interrogantes sobre las exigencias de la vida moderna y las expectativas asociadas al crecimiento.

A diferencia de otros proyectos que comienzan como un pasatiempo, Nahuel explicó que La Taza Calva siempre fue concebida como algo mucho más importante.

“Nunca la vimos como un hobby. Siempre fue el proyecto de nuestra vida. La banda creció con nosotros y nosotros crecimos con la banda”, afirmó.

En ese sentido, remarcó que el paso del tiempo incorporó responsabilidades y desafíos económicos, pero sin afectar la pasión original que los impulsó desde niños.

“Sigue siendo esencialmente el mismo proyecto que cuando éramos chicos”, resumió.

Otro de los aspectos destacados de la conversación fue la dinámica de trabajar junto a su hermano desde hace más de dos décadas.

Aunque admitió que existieron discusiones puntuales, especialmente en estudios de grabación o durante la adolescencia, aseguró que nunca hubo conflictos capaces de poner en riesgo el proyecto.

“Antes de tener una banda ya hacíamos todo juntos: jugábamos, filmábamos películas, escribíamos historias. La música fue una derivación natural de esa relación”, señaló.

Fanático del cine, Nahuel también fue invitado a relacionar el espíritu de La Taza Calva con una película o un director. Su elección fue Steven Spielberg.

“Me gusta porque tiene una sensibilidad popular enorme. Hace obras que puede disfrutar cualquier persona, pero que al mismo tiempo tienen muchas capas y decisiones artísticas muy cuidadas. Creo que nuestra música busca algo parecido”, explicó.

En el tradicional ping pong de preguntas del programa, el músico dejó varias definiciones que rápidamente captaron la atención de los conductores.

Consultado sobre la mayor mentira que le habían contado acerca de la adultez, respondió entre risas que era la facilidad para acceder a una vivienda propia.

“Yo creía que cuando fuera grande me iba a comprar una casa. Después descubrí que no era tan sencillo como parecía”, comentó.

También sostuvo que crecer no debería implicar abandonar la capacidad de jugar y de conservar la curiosidad.

“Si crecés y abandonás el juego, perdés una parte esencial de vos mismo. Pero si sólo jugás y nunca crecés, también te perdés muchas cosas importantes”, reflexionó.

Antes de despedirse, Nahuel adelantó que La Taza Calva ya tiene confirmada una presentación para agosto en Congo Club, en la Ciudad de Buenos Aires, y no descartó sumar nuevas fechas durante los próximos meses.

Además, dejó abierta la posibilidad de visitar Tandil en el futuro, una propuesta que los conductores celebraron y que podría convertirse en realidad próximamente.

Con una combinación de melodías pegadizas, letras introspectivas y una identidad construida a lo largo de más de dos décadas, La Taza Calva continúa consolidando un camino propio dentro de la escena independiente argentina, sin perder el espíritu lúdico con el que comenzó cuando sus integrantes apenas eran unos chicos.

En un contexto donde la búsqueda de alquileres y propiedades suele convertirse en una tarea agotadora, la tecnología comienza a ofrecer nuevas alternativas para agilizar procesos y mejorar la experiencia de usuarios e inmobiliarias. En Tandil, una de esas propuestas es Youpy App, una plataforma creada por el programador Matías Calvo que apunta a modernizar el sector inmobiliario local.

La iniciativa surgió a partir de una problemática cotidiana que el propio desarrollador atravesó durante sus años de estudiante y como inquilino en la ciudad. “La idea nació entre 2017 y 2018, en plena época de alquileres y con todas esas complejidades que nos pasan a todos. Muchas veces no sabés si te renuevan el contrato, querés mudarte y tampoco sabés por dónde empezar”, explicó.

Calvo, oriundo de Mar del Plata y radicado en Tandil desde 2009, señaló que la dispersión de información y la falta de actualización en muchos portales fueron algunos de los motivos que impulsaron el proyecto. “Hoy hay mucha información en redes, pero a veces tanta información desinforma. Todo está muy disperso y muchas publicaciones están desactualizadas”, indicó.

Youpy permite buscar alquileres y ventas, pero también incorpora herramientas de gestión para martilleros e inmobiliarias. La propuesta incluye un sistema administrativo desde el cual los profesionales pueden manejar contratos, seguimiento de clientes, control de operaciones y métricas sobre sus publicaciones.

Uno de los aspectos destacados es el portal exclusivo para inquilinos. A través de una invitación enviada por la inmobiliaria o el martillero, cada usuario puede acceder a un espacio personal donde consultar su contrato actualizado, documentación relevante, fechas de vencimiento e historial del alquiler.

“La idea es reducir fricciones y optimizar tiempos. Muchas veces el martillero tiene una enorme carga de trabajo y esto ayuda a simplificar tareas manuales”, explicó Calvo.

Además, la plataforma ofrece estadísticas sobre visualizaciones y conversiones de propiedades, permitiendo a los profesionales conocer qué publicaciones generan mayor interés.

Otro de los puntos fuertes de la propuesta es la seguridad. Frente al crecimiento de estafas en redes sociales vinculadas a alquileres y ventas, Youpy App incorpora sistemas de verificación de perfiles y validación de profesionales matriculados.

“Queremos que el usuario tenga la tranquilidad de saber que lo que se publica es real y verificable”, sostuvo el desarrollador.

La plataforma también permite publicar propiedades particulares, diferenciando claramente entre perfiles profesionales y usuarios individuales.

Actualmente, Youpy concentra su actividad en Tandil, aunque el objetivo es expandirse progresivamente hacia otras ciudades de la región. Calvo aseguró que busca un crecimiento “controlado y personalizado”, manteniendo un vínculo cercano con los usuarios y profesionales que utilizan la herramienta.

Además, adelantó que durante esta semana estará disponible la aplicación móvil para dispositivos Apple y Android, lo que permitirá acceder de manera más ágil desde celulares.

“La tecnología puede ayudar muchísimo a resolver problemas cotidianos. Me apasiona desarrollar herramientas que sumen valor y que realmente mejoren la experiencia de las personas”, expresó.

La plataforma puede encontrarse en:

Juan Cordiviola se alzó con el título de campeón provincial en las categorías Junior y Challenger el pasado 10 de mayo. El escenario de este importante logro fue el auditórium del Centro Cultural de Tandil, donde el atleta demostró el resultado de meses de entrenamiento constante y rigurosa conducta alimentaria.

El joven deportista local obtuvo el primer puesto tras una exigente preparación física y mental durante el certamen realizado en el espacio cívico. En su debut absoluto sobre las tablas, el atleta logró imponerse frente a sus pares, consolidando un presente prometedor dentro del fisicoculturismo regional.

Respecto a la vivencia en el certamen, Cordiviola destacó que transitó una preparación óptima y que disfrutó la experiencia de la competencia. El deportista manifestó que, si bien fue su primera vez en un escenario de este nivel, contó con el acompañamiento fundamental de sus allegados y referentes técnicos.

En ese sentido, resaltó el apoyo de Andrés Sanzberro y Nahuel, del gimnasio Level 360, además de la presencia constante de sus amigos, compañeros de salón y sus padres. El camino hacia la medalla dorada no fue sencillo y requirió de un estricto plan que comenzó mucho antes de la fecha del evento.

Durante el primer tramo, el atleta atravesó una etapa de mantenimiento para estabilizar su condición física. Sin embargo, el 10 de marzo inició la fase de definición, reduciendo su ingesta de 2400 a 2200 calorías.

Esta transición representó un desafío inédito para el joven, quien debió lidiar con las exigencias fisiológicas de un entrenamiento de alto rendimiento bajo un régimen de restricción energética. Cordiviola describió esa etapa como un proceso "bastante fuerte", marcado por la sensación de hambre durante gran parte del día.

El deportista reconoció que debió aprender a convivir con esa carencia para alcanzar el objetivo propuesto y no claudicar ante las tentaciones. "El cuerpo se acostumbra, hay que superarlo", manifestó con convicción, al tiempo que remarcó que en los momentos de mayor dificultad es donde se pone a prueba la verdadera determinación.

Su vínculo con los gimnasios comenzó en 2023, motivado inicialmente por el consumo de contenidos digitales relacionados al fitness y al culturismo. Lo que comenzó como una actividad recreativa se transformó en un proyecto competitivo cuando surgió la posibilidad de participar en el certamen provincial.

Según relató el protagonista, la invitación llegó de la mano de su profesor, Martín, y de sus compañeros de entrenamiento, quienes lo impulsaron a dar el paso hacia la profesionalización. Uno de los mayores obstáculos que debió sortear antes de subir al escenario no fue estrictamente físico, sino emocional.

Cordiviola confesó que debió trabajar intensamente para vencer a la vergüenza y al miedo, factores que identificó como sus principales inseguridades al inicio del proceso. El resultado final no solo le otorgó el reconocimiento deportivo, sino que validó su capacidad para sobreponerse a sus propios límites mentales.

Tras el éxito obtenido en el Centro Cultural, el campeón local proyecta un cierre de año enfocado en sus compromisos personales, ya que actualmente cursa el sexto año de la educación secundaria. El joven atleta planea dedicar los próximos meses al descanso y al disfrute junto a sus seres queridos.

El deportista no descarta un regreso a las competencias el año entrante si las condiciones y su motivación personal así lo disponen. Finalmente, al ser consultado sobre qué recomendación le daría a quienes desean iniciarse en esta actividad, Cordiviola fue categórico al señalar que no existen atajos hacia el éxito.

El campeón remarcó que la clave reside en la disciplina y el trabajo duro, sumando esfuerzos cotidianos hasta alcanzar la meta. Para el ganador provincial, el factor psicológico es determinante: "Tenés que aprender a ganarle a tu cabeza", concluyó, dejando un mensaje de perseverancia para los futuros deportistas de la ciudad.

El reconocido cocinero Emilio Pardo visitó los estudios de El Eco para adelantar los detalles de su libro en Cultura Zip, que se presentará el próximo mes de julio en el Teatro del Fuerte. Durante una extensa entrevista, reflexionó sobre la importancia de la identidad productiva de la ciudad y el valor de las corrientes migratorias que forjaron la idiosincrasia tandilense.

El chef confirmó la presentación de su nuevo libro titulado "Cocinero de Tandil" para el próximo 22 de julio a las 19 en las instalaciones del Teatro del Fuerte. El anuncio se realizó durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Allí, repasó su trayectoria profesional y brindó precisiones sobre una obra que demandó cinco años de intenso trabajo.

El proyecto buscó no solo recopilar recetas, sino también reivindicar la historia social y cultural de los restaurantes que marcaron una época en la ciudad serrana. La obra nació bajo una premisa alejada de las lógicas comerciales actuales de la industria editorial.

Pardo explicó que el proyecto se gestó "con el corazón" y respetando los tiempos de maduración necesarios. En este proceso, destacó la labor de Elías El Hage en la redacción de los textos y de la fotógrafa Vale Otero, quien realizó un trabajo de documentación visual que el propio autor describió como "inmortalizar momentos tremendos".

El libro no se limitó a ser un compendio de platos. El equipo seleccionó cinco corrientes migratorias que resultaron fundamentales para el desarrollo de la ciudad: la dinamarquesa, la belga, la italiana, la vasca y la árabe.

Pardo detalló que se reuniò con familias icónicas de cada colectividad para comprender cómo se alimentaban, cuáles eran sus costumbres y cómo ese legado se tradujo en la forma en que los tandilenses comen hoy en día. "Juntarme con esa gente que me mostraba con tanto orgullo cómo se alimentaban fue emocionante", relató el profesional.

Durante la entrevista, el chef analizó el fenómeno que posicionó a Tandil como un polo gastronómico de referencia en la provincia. Según su visión, un destino de este tipo no se construye de forma icónica o individual, sino a través de un conjunto que integra a cocineros, restaurantes y, fundamentalmente, productos de calidad.

Remarcó la responsabilidad que conlleva trabajar en un entorno donde el salame y el queso marcaron una vara de excelencia muy alta desde los inicios de la ciudad, obligando a los nuevos productores a mantener un nivel de competencia elevado. En este sentido, afirmó que el valor diferencial reside en mostrar lo que es único de la zona, permitiendo que la materia prima hable por sí sola.

Para Pardo, la gastronomía local atravesó una etapa de complejidad excesiva en la que se buscaba dotar a los platos de múltiples elementos para que parecieran ricos, pero hoy la tendencia se inclina hacia un minimalismo que resalta la calidad de origen. "Con los años fui aprendiendo que la comida tiene ese minimalismo; si tenés un producto de nivel, solo tenés que elegirlo y cortarlo", sostuvo.

Pardo explicó que, mientras existen solo cinco gustos básicos —ácido, dulce, picante, salado y amargo—, el sabor es la combinación del gusto más el aroma. Para ejemplificarlo, recurrió a una prueba clásica: si una persona muerde una cebolla con los ojos vendados y la nariz tapada, solo percibirá la acidez, pero será incapaz de identificar el producto debido a la falta del componente olfativo.

Esta capacidad de discriminación sensorial es, según el chef, algo que se entrena diariamente a través de la práctica profesional. A pesar de su formación técnica y su rol como crítico ante la elaboración de productos, Pardo confesó que en su vida privada huye de la postura del "sabelotodo".

Aseguró que disfruta de platos sencillos, como el pastel de papa de su suegra, y que entiende la alimentación no solo desde un lugar hedonista, sino también como una necesidad funcional del cuerpo. "Hay veces que uno quiere caer en ese lugar común para alimentarse; no todo el tiempo uno es hedonista", reflexionó.

Respecto a la dinámica diaria en la cocina, el autor de "Cocinero de Tandil" reconoció que, tras años de actividad, hoy disfruta de una etapa de mayor madurez y tranquilidad. Aunque el trabajo puede resultar agotador y repetitivo por momentos, mantiene intacta la pasión por cocinar cuando el deseo surge de forma espontánea.

En su hogar, la tarea es compartida: su mujer también se desempeña en el rubro gastronómico y su hijo suele tomar la iniciativa frente a las hornallas. Para Pardo, la cocina sigue siendo un acto de afecto, como lo demostró al mencionar una sopa reciente preparada por su esposa que fue celebrada por toda la familia.

Con la llegada del frío, el chef destacó la vigencia de la comida de olla, un formato que los cocineros celebran por su practicidad y calidez. En este contexto, mencionó la importancia del locro del 25 de mayo, una tradición que mantiene desde hace dos décadas y que representa una verdadera fiesta popular. "Es levantarse temprano, elegir los productos y hacerlo con mucho cariño", comentó.

En cuanto al contexto económico y su influencia en la mesa, Pardo fue categórico al afirmar que no cree en la distinción entre "alta cocina" y cocina popular, sino simplemente en la existencia de la "buena cocina" y la "mala cocina". Para el chef, el camino hacia el éxito gastronómico en Tandil no es la exclusividad para pocos, sino lograr que el público general esté conforme.

En una ciudad con un nivel de exigencia alto, la clave reside en trabajar con productos de temporada que, sin ser necesariamente los más caros, ofrecen resultados superiores si se saben elegir.

El cocinero observó que durante mucho tiempo se priorizaron cortes de carne costosos destinados a la exportación, ignorando opciones más económicas que poseen un gran potencial culinario. "Hace cinco años nos dimos cuenta de que el osobuco era buenísimo", ejemplificó.

Finalmente, reiteró la invitación para el 22 de julio en el Teatro del Fuerte, donde el libro "Cocinero de Tandil" será presentado formalmente. La obra promete ser un documento esencial para entender por qué la ciudad se convirtió en un refugio para quienes buscan una calidad de vida ligada a la buena mesa.

Para Pardo, el libro es el cierre de un ciclo de aprendizaje y un homenaje a la tierra que le permitió desarrollar su profesión y descubrir un mundo de productos que, por su propia excelencia, lo hacen sentir un privilegiado de la cocina serrana.

La cuenta regresiva para el Mundial 2026 ya empezó a tomar temperatura y en una nueva edición de Cultura Zip, Lauta Escudero repasó las principales novedades de las selecciones que disputarán la próxima Copa del Mundo, que tendrá un formato inédito con 48 equipos participantes y una extensión de 38 días de competencia.

Uno de los focos estuvo puesto en Inglaterra, donde el entrenador Thomas Tuchel generó una fuerte polémica tras dejar afuera de la lista de convocados a figuras importantes como Cole Palmer, Phil Foden, Jack Grealish y Harry Maguire. Según se comentó en el programa, la decisión provocó numerosas críticas en la prensa y entre los hinchas británicos.

En contraste, Brasil vive un escenario diferente con el regreso de Neymar, quien volverá a vestir la camiseta de su selección luego de tres años de ausencia. Lautaro explicó que el entrenador Carlo Ancelotti reconoció que la convocatoria respondió también al pedido del pueblo brasileño. Sin embargo, la “Verdeamarela” tendrá ausencias sensibles por lesión, entre ellas las de Rodrygo y Éder Militão.

La columna también repasó el panorama de otras potencias europeas. Francia afrontará el Mundial sin Antoine Griezmann, ya retirado del seleccionado, y tampoco contará con Eduardo Camavinga, marginado por decisión técnica. Alemania, en tanto, dejó fuera de consideración a Serge Gnabry y Karim Adeyemi.

El segmento tuvo además un recorrido histórico por algunas de las exclusiones más resonantes de la Selección Argentina en los mundiales.

Entre ellas apareció el caso de Diego Maradona en 1978, cuando César Luis Menotti decidió no convocarlo pese a su irrupción con apenas 17 años. También se recordó la ausencia de Ramón Díaz en Italia 90, marcada por los rumores sobre una mala relación con Maradona.

Otro de los episodios mencionados fue el denominado “Pelo-gate” de Francia 98, cuando Daniel Passarella dejó afuera a Claudio Caniggia y Fernando Redondo, supuestamente por negarse a cortarse el cabello, una situación que generó enorme repercusión en aquella época.

La lista continuó con la exclusión de Juan Román Riquelme del Mundial 2002 por decisión de Marcelo Bielsa, al considerar que el enganche no encajaba en su sistema de juego, y también con las ausencias de Mauro Icardi y Lautaro Martínez en Rusia 2018, pese al gran presente que atravesaban en sus clubes.

Sobre el presente de la Selección Argentina, Lautaro remarcó la preocupación que existe por el sector derecho de la defensa, debido a las lesiones de Gonzalo Montiel y Nahuel Molina, ambos afectados por desgarros.

Ante ese panorama, Lionel Scaloni podría verse obligado a probar alternativas como Agustín Giay e incluso evaluar nuevas opciones en los próximos días.

También se habló de la situación de Lionel Messi, quien podría no disputar todos los encuentros de la fase inicial para administrar cargas físicas, dependiendo de cómo avance la clasificación argentina.

En una entrevista exclusiva con el programa Cultura Zip, emitido por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el músico tandilense repasó su infancia ligada al ritmo, su consolidación profesional en Buenos Aires y los desafíos de vivir de lo que uno ama. Desde sus primeros golpes a los cuatro años hasta su presente como docente y músico de sesión, Palencia reveló su deseo de colaborar con referentes del género y proyectar su carrera hacia el exterior.

El joven baterista oriundo de Tandil compartió detalles íntimos sobre su trayectoria y ambiciones artísticas. Durante el diálogo, relató cómo fue su formación, marcada por una vocación temprana que lo llevó a dejar su ciudad natal para perfeccionarse en la Capital Federal. Con apenas 23 años, el artista ya logró insertarse en el circuito musical porteño, gestionando sus propios proyectos y manteniendo viva la llama de la enseñanza.

Para Palencia, la música apareció antes de nacer. Según relató, su madre escuchaba frecuentemente a Phil Collins durante la gestación, lo que pudo haber marcado su pulso rítmico. Al comenzar a gatear, las ollas y los cucharones de su cocina se convirtieron en su primer set de percusión improvisado.

A los cuatro años inició sus estudios formales, aunque enfrentó el desafío físico de no alcanzar los pedales debido a su contextura. Tras un breve alejamiento por esa frustración inicial, regresó con renovada energía a los cinco años, edad en la que su crecimiento físico le permitió dominar el instrumento por completo.

Su trayectoria académica en Tandil fue extensa y diversa. Recordó con cariño su paso por Tidema, una institución pionera donde comenzó a explorar distintos instrumentos, aunque su interés personal siempre lo devolvía a la batería. No obstante, el punto de inflexión llegó cuando conoció a Juan Bedoy.

Una publicación compartida por Bautista Palencia | Baterista | Sesionista (@bautipalencia)

Palencia fue categórico al afirmar que le debe gran parte de su carrera, ya que fue quien lo formó entre los seis y 12 años, dándole las herramientas necesarias para desenvolverse con solvencia y moldear su identidad detrás de los parches.

Posteriormente, el músico se integró a la Escuela de Música Popular. Allí participó de proyectos ambiciosos como los "Mini Beatles", una banda de covers que no solo se enfocaba en la fidelidad sonora, sino también en la puesta en escena y la vestimenta.

Durante su adolescencia en la ciudad, formó agrupaciones con amigos para interpretar clásicos de Divididos, Las Pelotas y Sumo, experiencias que consolidaron su amor por la música y el ambiente de las bandas locales antes de su partida hacia nuevos horizontes.

Hace casi cuatro años, Palencia decidió radicarse en Buenos Aires para expandir sus horizontes. Inicialmente, cursó la carrera de técnico en sonido. No obstante, el periodo de la pandemia y las dificultades de la modalidad virtual lo llevaron a replantearse su camino.

Tras el regreso a la presencialidad, comprendió que su lugar estaba frente al instrumento y no detrás de la consola de grabación. "Me encontraba más del otro lado de la vereda, siendo músico", admitió al explicar su decisión de volcarse de lleno a la ejecución profesional.

En esta nueva etapa, el joven tandilense encontró un mentor clave en Mariano Cabral, a quien considera la persona que terminó de moldearlo artística y técnicamente. Con él, se introdujo en el complejo mundo del folklore fusión, un género que le permitió perfeccionar la técnica tradicional y abrir su mente hacia nuevas estructuras rítmicas.

Gracias al apoyo incondicional de su familia, que no posee antecedentes musicales pero siempre respaldó su vocación, logró adquirir su segunda batería y establecer un espacio de práctica permanente en la gran ciudad.

El presente de Palencia lo encuentra sumergido en múltiples proyectos. Actualmente, se desempeña como baterista estable en una "Jam", un evento que reúne a músicos de diversos estilos para realizar sesiones en vivo. Según explicó, este espacio funciona con un show de apertura de seis o siete canciones reversionadas, tras lo cual se invita al público a subir al escenario. Esta dinámica le permitió ganar visibilidad y aceitar su capacidad de adaptación, una cualidad que considera fundamental para cualquier instrumentista que pretenda insertarse en el mercado actual.

Al ser consultado sobre sus aspiraciones a largo plazo, el artista fue claro: su objetivo es vivir de la música, específicamente del jazz fusión, el género con el que más se identifica. A pesar de reconocer la dificultad de subsistir exclusivamente de un estilo tan de nicho, destacó que tocar otros géneros abre la cabeza y prepara al músico para cualquier oportunidad laboral. Su visión de futuro incluye la posibilidad de trabajar en cruceros, siguiendo los pasos de colegas que ya transitan ese camino.

Además de su faceta como intérprete, Palencia dedica tiempo a la docencia y a la creación de contenido en sus redes sociales. En su cuenta de Instagram, inició una dinámica donde analiza una canción diaria, aportando contexto histórico y detalles sobre la composición.

Una publicación compartida por Bautista Palencia | Baterista | Sesionista (@bautipalencia)

Respecto a la enseñanza, derribó el mito de la edad al asegurar que nunca es tarde para comenzar a tocar. Si bien reconoció que los procesos cognitivos de una persona de 50 años difieren de los de un joven de 23, remarcó que el disfrute y el aprendizaje son posibles en cualquier etapa de la vida.

Finalmente, el músico tandilense se permitió soñar con las figuras con las que le gustaría compartir un escenario. Mencionó con admiración al tecladista Hernán Jacinto y al bajista Javier Malosetti, a quien definió como "el padre del bajo en Argentina".

Para Palencia, la meta principal es que la gente conozca su trabajo y poder establecer un estudio de grabación propio dedicado exclusivamente a la batería. Con paso firme y las raíces bien plantadas en su Tandil natal, Bautista continúa construyendo una carrera que promete seguir dando que hablar en la escena nacional.

La periodista, docente y cantante de la banda Blop, Mariana Binder, fue entrevistada en el programa de streaming Cultura Zip, donde repasó su trayectoria como comunicadora musical y presentó un ranking con los artistas tandilenses más escuchados en Spotify.

Binder, quien este año cumple 20 años en el periodismo, explicó que su proyecto actual, "Aquí Música", tiene sus raíces en el libro Fábrica de Canciones, editado en 2017, y en un blog personal que comenzó en 2020 durante la pandemia. Con el tiempo, ese espacio se transformó en un portal profesional dedicado a la difusión de nuevos artistas y producciones musicales.

"Escucho más de 50 bandas o producciones nuevas por semana", señaló al describir el intenso trabajo de curaduría que realiza para su sitio.

En cuanto a los criterios que orientan su selección, Binder remarcó que mantiene una línea editorial definida. "Nada que sea sexista, sexual o zarpado. Ese tipo de música no va para mi revista", sostuvo.

Durante su participación en Cultura Zip, Binder también presentó el Top 10 de artistas de Tandil con más reproducciones en Spotify, un trabajo técnico realizado junto a su compañero Ezequiel con el objetivo de mostrar el alcance y la calidad de la producción musical de la ciudad.

El ranking es encabezado por Katarro Vandálico, con casi 1,5 millones de reproducciones. También integran la lista V4, MattBuzz, Mamelooks, Emilia Inclán, Toboganes a Marte, Blop, Alazanes, Julieta de la Canal y La Reventada.

Binder destacó que la escena musical tandilense atraviesa un momento de crecimiento, aunque advirtió que muchos artistas jóvenes concentran su estrategia únicamente en las redes sociales.

"El pibe joven cree que todo está en Instagram. Hay que salir a la calle, hay que ir a otros recitales, hay que entrar en contacto con otros músicos", afirmó.

También cuestionó a quienes no se animan a difundir sus canciones más allá del entorno cercano. "La música no puede quedar en tu mamá, tu papá y tus amigos", señaló.

Una publicación compartida por Aqui Música (revista online) (@aquimusicarevista)

Por último, subrayó que escuchar y compartir la música local es una forma concreta de apoyar a los artistas y contribuir a que puedan seguir produciendo en un contexto económico complejo. "Cuanto más movamos los números, más va a ingresar plata a los artistas para poder seguir haciendo mejores producciones", concluyó.