La noticia de la llegada de El Eternauta 2 a la pantalla de Netflix dejó de ser un rumor para transformarse en una realidad confirmada. La serie, que cuenta con el papel protagónico del reconocido actor Ricardo Darín, se posiciona como una de las producciones más esperadas dentro del catálogo del servicio de streaming a nivel global.

Según trascendió, la nueva temporada promete ser mucho más grande en términos de producción y narrativa, buscando superar el impacto generado por los episodios iniciales. El regreso de esta historia ha despertado un gran interés, manteniendo en vilo a millones de espectadores que aguardan precisiones sobre el desarrollo de la trama.

Aunque los detalles específicos sobre la continuación se mantienen bajo reserva, la confirmación de esta segunda parte asegura la continuidad de un proyecto que busca llevar la obra maestra de la historieta nacional a una audiencia masiva y contemporánea. La presencia de Ricardo Darín refuerza el prestigio de una serie que ya genera expectativa mundial.

La espera para los seguidores de una de las ficciones más exitosas de la televisión argentina está llegando a su fin. La cuarta temporada de El encargado se estrenará el primero de mayo con todos sus episodios disponibles exclusivamente en la plataforma Disney+.

En esta nueva entrega de la serie de comedia ácida creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat, el personaje de Eliseo, interpretado por Guillermo Francella, se encuentra en la cima de su influencia. Sin embargo, mientras alcanza los más altos círculos del poder, en su edificio se gesta una conspiración encabezada por su histórico rival, Matías Zambrano, con el objetivo de destruirlo.

El duelo entre ambos personajes cruzará todo tipo de límites en una trama donde Eliseo jugará a todo o nada, poniendo incluso en riesgo su propia vida. Junto a Francella y Gabriel Goity, los nuevos episodios marcan el regreso de Manuel Vicente como Gómez y Gastón Cocchiarale en el papel de Miguel. Además, se destaca la incorporación de Arturo Puig, quien interpretará al presidente.

El elenco se completa con figuras como Daniel Aráoz, Miriam Odorico, Luis Gianneo, Micaela Riera, Agostina Inella, Martín Slipak, Mónica Raiola, Darío Barassi, Azul Fernández, Viviana Puerta, Alan Sabbagh, José María Listorti y Alejandro Paker. Asimismo, la temporada contará con participaciones especiales de Luis Brandoni, Benjamín Vicuña, Diego Velázquez como jefe de gabinete, Claudia Fontán, Norman Briski y Mirta Busnelli, entre otros.

La producción tiene a Jerónimo Carranza como showrunner junto a Cohn y Duprat. La dirección de los capítulos estuvo a cargo de Florencia Momo, mientras que Martín Hodara participó como director invitado para el episodio final. El equipo de guion fue liderado por Emanuel Diez como head writer.

Para quienes deseen ponerse al día antes del estreno, las temporadas una, dos y tres de la serie ya se encuentran disponibles de forma íntegra en el catálogo de la plataforma de streaming.

La plataforma de streaming Netflix confirmó recientemente la realización de un documental centrado en la vida y el trágico fallecimiento de Silvina Luna. La producción, que busca abordar los hechos que conmovieron al país, generó una fuerte repercusión tras conocerse que figuras muy cercanas a la modelo, como Gustavo Conti y Ximena Capristo, no formarán parte del proyecto.

El ex participante de Gran Hermano y amigo íntimo de la actriz reveló los motivos detrás de su decisión de mantenerse al margen de esta pieza audiovisual. Según trascendió, Conti optó por no participar en lo que se describe como un crudo documental sobre la historia de Luna, priorizando el resguardo de su vínculo personal y el duelo que atraviesa desde la partida de su amiga.

La ausencia de la pareja conformada por Conti y Capristo llamó la atención de los seguidores, dado que ambos acompañaron a la modelo durante sus últimos meses de internación y fueron voces activas en el pedido de justicia. Sin embargo, la verdad sobre su falta de testimonios en la obra de Netflix radica en una postura personal frente al enfoque de la producción.

El caso, que cuenta con el seguimiento legal del abogado Fernando Burlando, continúa generando interés público mientras se aguardan detalles sobre la fecha definitiva de estreno. El proyecto audiovisual promete reconstruir los aspectos más significativos de la carrera de Silvina Luna y las circunstancias que rodearon su deceso.

El esperado regreso de los hermanos Duffer a Netflix se concreta con un nuevo proyecto titulado Algo terrible está a punto de suceder, una serie de terror que ha despertado gran expectativa a nivel mundial. Esta producción, que tuvo su estreno global el 26 de marzo de 2026, cuenta con la participación de los creadores de Stranger Things y está dirigida por la showrunner Haley Z. Boston.

La serie explora los aspectos más oscuros de la psicología humana, articulando el terror en torno a los miedos al compromiso y las vulnerabilidades de una pareja joven que vive en un entorno aparentemente idílico pero inquietante. Protagonizada por Camila Morrone y Adam DiMarco, cuenta además con actuaciones destacadas de Jennifer Jason Leigh y Ted Levine.

La dirección apuesta por una mirada sensible y una atmósfera que ha sido descrita como escalofriante por especialistas en el género. La serie sobresale entre las producciones recientes por su enfoque innovador. Haley Z. Boston ha explicado que el proceso creativo comenzó a partir del final, desarrollando la tensión y el suspenso desde el desenlace en lugar de seguir la estructura tradicional.

La narrativa está diseñada para explorar los temores cotidianos que surgen ante decisiones significativas, en este caso, el matrimonio. Boston señala que su objetivo fue analizar la ansiedad de escoger a la persona equivocada, el miedo a los cambios personales y la tensión entre la identidad individual y la vida en pareja.

El resultado es una obra impregnada de humor negro, ambientes opresivos y referencias directas a clásicos como Carrie y El bebé de Rosemary. El terror no se limita a lo sobrenatural, sino que utiliza lo cotidiano y lo íntimo para intensificar la incertidumbre. El rodaje se realizó en Toronto durante el primer semestre de 2025, lo que permitió situar la acción en un bosque nevado y aportar una atmósfera claustrofóbica.

Boston destaca que el género del terror sirve como herramienta para procesar y comprender los miedos, explorar lo prohibido y enfrentar las ansiedades, lo cual queda reflejado en cada elección narrativa y visual. Algo terrible está a punto de suceder apuesta por un equipo creativo y actoral de gran nivel.

Camila Morrone interpreta a Rachel, quien se enfrenta a dudas crecientes en la semana previa a su boda, en la antigua casa familiar de su prometido. Adam DiMarco, en el papel de Nick, comparte reparto con Jennifer Jason Leigh como Victoria Cunningham y Ted Levine como Boris Cunningham, ambos figuras clave dentro del núcleo familiar de la historia.

En la dirección destaca Weronika Tofilska, nominada al Emmy por Bebé reno, quien también actúa como productora ejecutiva. Junto a ella figuran Axelle Carolyn y Lisa Brühlmann, directoras con experiencia en series de terror y drama. La presencia de este talento femenino permite a la serie abordar su temática central desde perspectivas poco frecuentes en el género.

Durante la convención Series Mania celebrada en Lille, Francia, la jefa de programación original de HBO Max, Sarah Aubrey, compartió nuevos detalles sobre la esperada serie de Harry Potter. La ejecutiva describió el proyecto como algo "absolutamente extraordinario" y subrayó el compromiso de la plataforma con una de las franquicias más queridas de la literatura y el cine.

Aubrey destacó que la empresa realizó una inversión financiera sin precedentes para llevar adelante esta producción, que adaptará la totalidad de los libros de J.K. Rowling. Según relató, la experiencia de visitar el set de filmación fue tan impactante que algunos invitados llegaron a las lágrimas al ver la recreación del mundo mágico.

"Es muy especial trabajar en algo que significa tanto. Hay mucha presión, pero también es muy, muy especial", afirmó la funcionaria de la compañía internacional.

La serie se encuentra actualmente en proceso de rodaje en los Warner Bros. Studios Leavesden y tiene como objetivo de estreno el año 2027. El plan de producción establece que cada temporada estará dedicada íntegramente a uno de los libros de la saga, permitiendo una profundidad narrativa que las películas no pudieron alcanzar por cuestiones de tiempo.

El equipo creativo está liderado por la showrunner Francesca Gardiner y el director Mark Mylod. En cuanto al elenco protagónico, se confirmó que los jóvenes actores Dominic McLaughlin, Alastair Stout y Arabella Stanton interpretarán a Harry, Ron y Hermione, respectivamente. Durante el panel, se exhibió la primera imagen oficial que muestra a McLaughlin caracterizado como el joven mago en un campo de Quidditch.

Finalmente, Aubrey hizo hincapié en la importancia de la industria televisiva británica en este proyecto, resaltando que cuenta con un equipo de guionistas, directores y artesanos del Reino Unido. La ejecutiva aseguró que los fanáticos sentirán que esta versión es una adaptación fiel que respeta la esencia original de las novelas.

Desde hace varios años, Prime Video apuesta por la producción de películas originales con un ritmo de lanzamientos más pausado que otros competidores, lo que permite que sus estrenos logren un impacto significativo. Este es el caso de Zeta, el thriller de acción liderado por Mario Casas que ya se posicionó en lo más alto del ranking en 31 países.

La trama de la película sigue la historia de un agente del CNI que recibe la misión de investigar la denominada Operación Ciénaga. El conflicto se desata cuando cuatro de los cinco participantes de dicha operación aparecen asesinados simultáneamente en diferentes embajadas alrededor del mundo. El protagonista deberá localizar al único sobreviviente, una tarea compleja que se ve agravada por la intervención de la inteligencia colombiana, que también busca dar con su paradero.

Lo primero que destaca en esta propuesta es su carácter de superproducción. Ambientada en múltiples localizaciones, la cinta aprovecha paisajes espectaculares como los de la Ribeira Sacra para imprimir un ritmo trepidante. La dirección de Dani de la Torre resulta fundamental en este aspecto, reafirmando la experiencia que el cineasta ya había demostrado en títulos anteriores como El desconocido o la serie La Unidad.

La primera hora del filme se caracteriza por una dinámica imparable que logra generar un interés genuino en la misión del personaje de Casas. A esto se suma la aparición de Luis Zahera, quien aporta su carisma habitual para elevar la tensión de la historia. Según la crítica especializada, la película se inclina más hacia el suspenso y la intriga de espías que hacia el espectáculo de acción convencional, buscando un tono realista que le sienta bien al relato.

A pesar de su éxito comercial, la narrativa presenta algunas irregularidades en su tramo final. El guion, que por momentos recurre a ciertos clichés del género, intenta conectar todos los cabos sueltos de una manera que puede resultar forzada. No obstante, Zeta se consolida como un pasatiempo sólido que destaca por su personalidad visual y las actuaciones de sus protagonistas gallegos.

Al cumplirse medio siglo del golpe de Estado del 24 de marzo de 1976, distintas expresiones culturales vuelven a ocupar un lugar central en la construcción de la memoria colectiva. Entre ellas, el cine argentino se consolida como una herramienta clave para narrar, denunciar y reflexionar sobre uno de los períodos más oscuros de la historia nacional. En ese marco, una selección de diez películas permite recorrer distintas miradas sobre el terrorismo de Estado y sus consecuencias.

Desde los primeros años de la dictadura, incluso bajo censura, el cine comenzó a dar cuenta del clima de época. Tal es el caso de Tiempo de revancha (1981), de Adolfo Aristarain, que, a través de una historia de venganza en el mundo laboral, logró aludir de manera indirecta al autoritarismo imperante. Con el retorno de la democracia, las producciones comenzaron a abordar de forma más directa los crímenes del régimen.

Una de las obras más emblemáticas es La historia oficial (1985), de Luis Puenzo, que expone el drama de la apropiación de niños durante la dictadura. La película, ganadora del Oscar, se convirtió en un hito al visibilizar internacionalmente las violaciones a los derechos humanos en Argentina.

En la misma línea, otros films profundizan en distintos aspectos del aparato represivo. La noche de los lápices (1986), de Héctor Olivera, reconstruye el secuestro y desaparición de estudiantes secundarios en La Plata, mientras que Garage Olimpo (1999), de Marco Bechis, muestra con crudeza el funcionamiento interno de los centros clandestinos de detención.

El cine también ha explorado las historias de resistencia y supervivencia. Crónica de una fuga (2006), de Adrián Caetano, relata la fuga real de detenidos, evidenciando el horror cotidiano del cautiverio. Por su parte, Infancia clandestina (2012), de Benjamín Ávila, propone una mirada íntima sobre la vida en la clandestinidad desde la perspectiva de un niño.

Más recientemente, películas como Argentina, 1985 (2022), de Santiago Mitre, retoman el proceso de justicia a través del histórico juicio a las juntas militares, un hecho sin precedentes que marcó la transición democrática.

La lista se completa con documentales y ficciones que amplían el enfoque: Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), de Carlos Echeverría, investiga la desaparición de un estudiante en Bariloche; Un muro de silencio (1993), de Lita Stantic, reflexiona sobre las dificultades de representar el horror; y Los rubios (2003), de Albertina Carri, reconstruye la memoria desde una perspectiva autobiográfica.

En conjunto, estas producciones configuran un mosaico de relatos que abordan la represión, la apropiación de menores, la militancia política, la vida cotidiana bajo el terror y los procesos de memoria y justicia posteriores.

A 50 años del golpe, el cine no solo actúa como testimonio, sino también como una forma activa de mantener vigente el reclamo de memoria, verdad y justicia. En un contexto donde persisten debates sobre el pasado reciente, estas películas se consolidan como herramientas fundamentales para interpelar a nuevas generaciones y evitar que el olvido vuelva a imponerse.

Chuck Norris, el legendario actor de acción y experto en artes marciales que se convirtió en un ícono de la cultura popular, murió este jueves a los 86 años. La noticia fue confirmada por su familia este viernes, generando una profunda conmoción entre sus seguidores de todo el mundo.

A través de un comunicado difundido en redes sociales, sus allegados expresaron:

"Aunque queremos mantener las circunstancias en privado, por favor sepan que estaba acompañado por su familia y en paz"

Según trascendió en medios especializados como el sitio TMZ, el deceso se produjo ayer por la mañana luego de que su cuadro de salud presentara diversas complicaciones. El actor, que había celebrado su cumpleaños la semana pasada, se mantenía activo y en contacto con su público. En uno de sus últimos videos publicados, se lo veía entrenando mientras bromeaba sobre el paso del tiempo:

“Yo no envejezco. Yo subo de nivel” manifestó en aquella oportunidad, reafirmando su imagen de vitalidad.

Norris dejó una huella imborrable en la industria del entretenimiento. Fue el protagonista de éxitos de taquilla durante la década de 1980, con películas como The Delta Force y Missing in Action. Sin embargo, su papel más recordado en la pantalla chica fue el de Cordell Walker en la serie Walker, Ranger de Texas, que se mantuvo al aire durante ocho temporadas.

Más allá de su carrera actoral, fue un destacado cinta negra en múltiples disciplinas y llegó a fundar su propio sistema de combate, denominado Chun Kuk Do. Su destreza física y su carisma lo posicionaron como una de las figuras más queridas y respetadas del género de acción a nivel global.

En una de las mayores sorpresas de la gala de los Premios Oscar 2026, el rubro a Mejor Cortometraje de Ficción (Live Action) culminó con un empate histórico. Entre los ganadores se destacó la presencia de la argentina Violeta Kreimer, quien se alzó con la estatuilla como productora del filme "Two People Exchanging Saliva" (Dos personas intercambiando saliva), una obra de origen francés con un marcado sello rioplatense.

El primer ganador anunciado por la Academia fue "The Singers", dirigido por Sam Davis, una adaptación de un relato de Ivan Turgenev. Sin embargo, la sorpresa llegó cuando se confirmó que compartiría el galardón con la producción de Kreimer, dirigida por Alexandre Singh y Natalie Musteata. La obra es una sátira surrealista ambientada en una París distópica donde besarse es considerado un crimen capital y la violencia física funciona como moneda de cambio social.

Kreimer, nacida en Vicente López y residente en la capital francesa desde los 20 años, consolidó su carrera en Europa tras formarse en el Liceo Francés y especializarse en ciencias políticas. Antes de volcarse a la industria cinematográfica, trabajó durante once años en el ámbito del arte contemporáneo y dirigió el taller del artista Xavier Veilhan. En plena pandemia, fundó la productora Misia Films junto a su socia Valentina Merli.

El cortometraje premiado tuvo un exitoso recorrido previo por 70 festivales internacionales, donde cosechó 20 distinciones. En el Festival de Clermont-Ferrand de 2025, recibió el Premio del Público, un reconocimiento que la productora valoró especialmente.

“Fue la constatación de que teníamos un público más amplio del que pensábamos”, declaró Kreimer sobre el impacto de la obra en las salas.

La idea de "Dos personas intercambiando saliva" surgió durante el confinamiento por el covid-19. Según relató la productora, el concepto nació como una serie filmada en galerías cerradas que luego se trasladó a rodajes nocturnos tras el fin de las restricciones. “El proyecto empezó siendo una serie que era al principio filmar dentro de las galerías cerradas... Cuando terminó el covid, quisimos seguir y comenzamos a filmar de noche”, explicó.

Para la campaña hacia los premios, el filme contó con el respaldo de figuras de renombre internacional como Isabelle Huppert y Julianne Moore, quienes oficiaron como madrinas del proyecto. Kreimer recordó que Huppert aceptó con una generosidad absoluta tras un encuentro con los directores, mientras que Moore se sumó tras ver el corto por recomendación de su agente y contactar directamente al equipo de producción.

Santiago Motolo, actor e influencer, protagonizó un polémico episodio en el barrio 31 de la Ciudad de Buenos Aires al filmarse disparando al aire. Las imágenes, que se volvieron virales en las últimas horas, mostraron al joven utilizando un arma de fuego en cercanías de un espacio recreativo.

En la grabación se observó a Motolo junto a un vecino de la zona, quien le brindó instrucciones sobre cómo manipular la pistola 9 mm. El hombre se posicionó junto al actor, sostuvo sus brazos y lo asistió para que gatillara al menos tres veces hacia el cielo. El hecho representó un grave peligro dado que los disparos al aire se convierten en balas perdidas que pueden herir o matar personas al caer.

El suceso ocurrió a pocos metros de una cancha de fútbol donde se encontraban niños. Tras la secuencia de los disparos, el influencer continuó con la grabación de contenidos para sus redes sociales y manifestó su asombro por las instalaciones del predio deportivo cercano.

Según consignó el medio TN, el actor visitó el asentamiento anteriormente con la intención de generar material audiovisual, pero en aquella oportunidad debió retirarse debido a un tiroteo que se produjo en el lugar. Días después regresó al barrio y fue él mismo quien accionó el armamento.

Hasta el momento, no se informaron detenciones vinculadas al caso ni trascendió si la justicia inició una investigación de oficio por el uso del arma y el riesgo generado en la vía pública.

Una de las actrices del momento, Ester Expósito, volvió a confirmar su preferencia por los paisajes del norte de España para sus días de descanso. Lejos de los destinos de lujo internacionales o las islas privadas, la protagonista de diversas producciones de éxito eligió nuevamente Viveiro, una joya de la Mariña Lucense, donde sus raíces familiares y la naturaleza salvaje prevalecieron sobre la exposición mediática.

La localidad de Lugo se transformó en el refugio definitivo para la intérprete, quien compartió con sus millones de seguidores lo que definió como sus "noches más bonitas del año". El entorno de Viveiro ofreció a la joven una combinación de pasado medieval y playas de aguas cristalinas que recordaron a paisajes caribeños, aunque con la fuerza característica del océano Atlántico.

Durante su estadía, Expósito recorrió las calles empedradas de la villa, que cuenta con hitos arquitectónicos como la Puerta de Carlos V y el mítico Puente de la Misericordia. El centro histórico, con sus antiguas calles gremiales de Zapatería y Ferreiros, permitió a la artista conectar con la historia de la región en un ambiente alejado de los flashes de las pasarelas de París, donde recientemente deslumbró en una gala exclusiva en el Louvre.

La actriz también aprovechó las condiciones naturales de la zona para practicar una de sus grandes pasiones: el surf. La playa de Covas, con su característica forma de media luna, fue el escenario principal para sus actividades deportivas. Además, visitó otros puntos destacados como la playa de Area y la gruta legendaria conocida como Cova da Doncela, un balcón natural sobre el Cantábrico al que se accede tras recorrer un túnel de 15 metros.

A solo cinco kilómetros del centro de la villa, la zona ofreció opciones de alojamiento singulares como el complejo Mi Tesoro, que cuenta con casas ecológicas semienterradas inspiradas en la estética de la literatura fantástica. Asimismo, la actriz visitó el mirador de Fuciño do Porco, una senda escalonada sobre acantilados que requirió reserva previa debido a la gran afluencia de visitantes durante los meses de julio y agosto.

Con esta elección, Ester Expósito demostró que el paraíso se encontró en la sencillez del aire puro gallego y el reencuentro con sus afectos, consolidando a Viveiro como uno de los destinos más buscados de la temporada en la costa de Galicia.

La cinematografía se convirtió, una vez más, en el canal predilecto para procesar una tragedia que marcó a fuego la historia reciente de la Patagonia argentina. Mei Villagra, directora de cine que forjó su camino profesional en Mar del Plata, estrenará una pieza audiovisual que trascendió la mera crónica de un desastre ambiental. El proyecto nació desde las cenizas, literalmente, luego de que el incendio del 9 de marzo de 2021 en Golondrinas, Chubut, destruyera más de 250 viviendas, entre ellas la casa donde la madre de la realizadora residió durante los últimos 11 años.

La directora recordó que, al momento de iniciarse el fuego, ella se encontraba lejos del lugar de los hechos. Tras haber finalizado sus estudios secundarios, se trasladó a Mar del Plata para estudiar cine y fotografía, por lo que la noticia del desastre la alcanzó a la distancia. Aquella impotencia inicial de no poder estar presente para combatir las llamas se transformó, con el tiempo, en el impulso creativo necesario para documentar la resiliencia de toda una comunidad. Según relató Villagra, la película fue una forma de canalizar la bronca y, al mismo tiempo, de procesar internamente el impacto de lo sucedido.

El documental puso el foco en un evento específico: el incendio que consumió alrededor de 13 mil hectáreas de bosque nativo. La precisión del relato se sostuvo en testimonios desgarradores de quienes enfrentaron el frente de fuego. Entre las historias que integraron la obra, se destacó la de una mujer que permaneció atrapada por las llamas junto a sus dos hijos, de ocho y diez años, durante casi cuatro horas. Villagra señaló que para los protagonistas fue sumamente difícil recuperar la tranquilidad, ya que el trauma se reavivó con cada llegada del verano y la presencia de vientos intensos.

Otro de los testimonios clave del film pertenece a un brigadista que, mientras cumplía con su deber de intentar salvar las viviendas de sus vecinos, recibió la noticia de que su propia casa había sido consumida por el fuego. Esta dualidad entre el deber público y la pérdida privada atravesó todo el metraje, mostrando que el impacto de los incendios no se limitó a la superficie forestal quemada, sino que caló hondo en la estructura social de la región. La directora resaltó que, aunque la película presentó seis o siete historias centrales, estas representaron a las cientos de personas que vivieron el horror de cerca.

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La narrativa de "Abrazando la Patagonia" planteó una pregunta fundamental que guio toda la investigación: "¿Qué nos queda cuando perdemos todo?". Para Villagra, la respuesta no se halló en los objetos materiales, sino en los vínculos humanos. La cineasta observó que la reconstrucción de las vidas de los afectados hubiese sido imposible sin la enorme red de solidaridad que se gestó de forma espontánea. No solo se trató de la llegada de donaciones materiales, sino de una contención emocional que resultó vital para que las familias pudieran volver a empezar.

La experiencia personal de la directora también se vio reflejada en la dinámica de su propia familia. Villagra, quien forma parte de un grupo de seis hermanos, describió cómo se organizaron para asistir a su madre tras la pérdida total de su vivienda. Mientras algunos de sus hermanos viajaron directamente a la Patagonia para colaborar en las tareas de reconstrucción, ella y su hermana mayor permanecieron en Mar del Plata gestionando colectas y enviando camiones con donaciones.

El proceso de reconstrucción habitacional fue particularmente complejo. Dos de los hermanos de la cineasta, uno de ellos dedicado a la construcción y otra arquitecta, pusieron sus conocimientos al servicio de la recuperación del hogar materno. Trabajaron sobre los módulos habitacionales que el Estado entregó de forma precaria, reforzándolos para que pudieran soportar el crudo clima patagónico. Villagra reflexionó sobre la dificultad de volver a llamar "hogar" a una estructura nueva, cuando el fuego se llevó consigo no solo muebles, sino gran parte de la identidad y la memoria acumulada en los objetos personales.

Pese al dolor y al miedo constante que generaron las condiciones climáticas de cada temporada estival, la madre de la directora decidió permanecer en su lugar en el mundo. La realizadora explicó que su progenitora eligió la Patagonia a los 50 años como su proyecto de vida, y que ese arraigo fue lo que le dio las fuerzas para quedarse y reconstruir su cotidiano en el mismo suelo que el fuego intentó arrebatarle.

Realizar "Abrazando la Patagonia" no fue una tarea sencilla ni rápida. La producción demandó cinco años de trabajo, un tiempo que excedió la fecha del incendio de 2021 debido a que la obra incluyó un proceso de preproducción y una postproducción minuciosa. La directora subrayó que se trató de un cine completamente independiente, llevado adelante con el apoyo de amigos y familiares. En este sentido, destacó el rol de las mujeres y disidencias que formaron parte de su equipo técnico, quienes se sumaron al proyecto por "amor al cine y por la necesidad de contar esta historia".

Para financiar las etapas finales, como el montaje, el equipo debió recurrir a la organización de eventos culturales, muestras fotográficas y presentaciones de bandas en vivo. Villagra reconoció que, en el contexto actual del cine argentino, el desafío fue doble: por un lado, la carga emocional de tratar un tema tan sensible y personal; por otro, la falta de financiamiento oficial que obligó a buscar alternativas creativas para concluir el film. La cineasta sostuvo que, con un apoyo mínimo, el camino hubiese sido menos arduo, pero que el resultado final mantuvo la pureza de la autogestión.

La recepción del documental fue muy emotiva en las presentaciones previas, especialmente en la localidad de El Hoyo, donde asistieron las personas que brindaron su testimonio para la película. Villagra confesó haber sentido una gran responsabilidad al proyectar las imágenes frente a quienes vivieron el trauma. "Fue muy fuerte para ellos verse de nuevo y recordar todo lo que pasaron, pero el agradecimiento fue enorme", concluyó la directora, quien ahora acerca su obra a los espectadores de Tandil para visibilizar una problemática que, lamentablemente, se repite cada verano en distintos puntos del país.

Una llama que usa smartphone. Una llama que viaja a Nordelta y se cree un carpincho. Una llama que charla con famosos y con animales. A más de 25 años de sus icónicas bromas telefónicas, La llama que llama regresa recargada y con contenido inédito de la mano de Personal.

El relanzamiento será el viernes 27 de febrero y llegará en formato de microcontenido al catálogo de entretenimiento de Flow. La nueva temporada se presenta como una miniserie de ocho episodios, con capítulos de entre cuatro y seis minutos de duración.

Ese viernes se estrenarán los primeros cuatro episodios, mientras que el jueves 5 de marzo se lanzarán dos más y el jueves 12 de marzo se completará la temporada con los dos capítulos finales. Además, habrá formatos más cortos, similares a los comerciales clásicos, pensados especialmente para los más nostálgicos.

El proyecto fue declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura y Turismo de Jujuy por su impacto en la memoria publicitaria y por reflejar los paisajes del Norte Argentino. La propuesta busca recuperar a los personajes originales y, al mismo tiempo, captar al público joven con referencias actuales: llamas que hacen vivos en Instagram, ironizan el lenguaje inclusivo y cambian los planos clásicos de cámara estática por tomas más dinámicas.

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La campaña original nació en 1998 para promocionar los planes de larga distancia en telefonía fija de Telecom. Con un humor irreverente, simple e ingenioso, la familia de llamas se convirtió rápidamente en un fenómeno popular que logró mantenerse en el imaginario social, incluso con el paso del tiempo y los cambios tecnológicos.

Durante la presentación oficial, Silvana Cataldo, directiva de Entretenimiento y Brand Marketing de Personal, señaló: “La llama viene a inaugurar una nueva categoría de contenidos dentro de Flow, en una búsqueda constante de innovación y diferenciación”.

“La decisión de revivir a estos personajes surgió del análisis de las audiencias, reconociendo que la marca sigue muy viva. El formato elegido responde a los hábitos actuales: una categoría de contenido corto, focalizado en ficción, pero con una duración acotada, ideal para quienes buscan entretenerse en poco tiempo sin las exigencias de una trama compleja”, agregó.

La miniserie fue creada por Maximiliano Anselmo y Sebastián Wilhelm, los creativos originales, y dirigida por Francisco Colombatti, de la productora Landia.

La familia regresa con las mismas voces y personajes: el padre, protagonista de las bromas; Llamona, la madre de risa inconfundible; Llamiro, el hijo adolescente; el Viejo y el Bebé “bandido”. Por primera vez, interactuarán con celebridades de carne y hueso, entre ellas el actor Benjamín Vicuña.

“Son personajes muy vivos, porque su humor es el que nos gusta: una mezcla de absurdo, ácido y tonto. El desafío fue pasar del formato publicitario al de miniserie, donde ya no son sólo chistes, sino una dinámica que permite desarrollar mejor a los personajes”, explicó Anselmo.

Wilhelm, por su parte, destacó: “Destacamos la humanidad en una era de inteligencia artificial. El títere es algo tan primitivo; la mano de alguien y su expresión nos parecen irremplazables. Ni la animación 3D ni la IA pueden darnos esa humanidad”.

Los creadores adelantaron que las llamas “viven en Jujuy, en la clásica casa de siempre”, aunque en algunos capítulos viajarán al Sur, a Buenos Aires y a otros lugares del país. “Ahora hablan con celular, así que lo pueden hacer desde cualquier lado”, comentaron.

Los ocho capítulos fueron realizados “como en los viejos tiempos”. El proceso incluyó cinco días de grabación de voces originales y una semana de rodaje con titiriteros.

“Es un trabajo muy arduo. Son horas de rodaje en las que no se debe ver ninguna parte de tu cuerpo. Te piden que te estires tanto que terminás convirtiéndote en el verdadero cuello de una llama”, contaron entre risas.

Durante el evento, conducido por Sofía “Jujuy” Jiménez, la modelo expresó: “Estoy muy feliz de ser jujeña. Tenía 10 años cuando salió el comercial, que es un orgullo argentino, y me daba mucha risa. Me parece fantástico que los personajes sigan siendo títeres en un mundo con tanta tecnología”.

Además del regreso de las llamas, Personal impulsa una nueva herramienta en fase beta llamada “Tendencias”, que utiliza Inteligencia Artificial para identificar los temas con mayor tráfico de búsqueda en Google. El sistema rastrea esas temáticas en transmisiones en vivo de canales de noticias, recorta los fragmentos y los ofrece como clips breves para que los usuarios se informen rápidamente.

Flow también sumará este año nuevos títulos como la segunda temporada de Viudas Negras: putas y chorras, protagonizada por Malena Pichot y Pilar Gamboa; El resto bien, con Benjamín Vicuña y Violeta Urtizberea; Cautiva, con Carolina Kopelioff; y el documental de producción propia El Método Scaloni, que se estrenará como antesala de la Copa del Mundo.

La muerte de Eric Dane, actor reconocido por sus papeles en televisión y cine, ha conmocionado a la industria audiovisual. Sam Levinson, creador de Euphoria, la serie de HBO Max en la que Dane interpretó al complejo Cal Jacobs (Jacob Elordi) durante tres temporadas, le dedicó unas sentidas palabras de despedida.

“Me duele el corazón la pérdida de nuestro querido amigo Eric. Trabajar con él ha sido un honor. Ser su amigo ha sido un regalo”, expresó Levinson al conocer la noticia.

Dane había revelado el pasado año que padecía ELA (esclerosis lateral amiotrófica), una enfermedad que marcó sus últimos meses de vida. Desde la cuenta oficial de Instagram de HBO Max también manifestaron su pesar: “Nos entristece mucho la noticia del fallecimiento de Eric Dane. Era increíblemente talentoso y HBO ha tenido la fortuna de contar con él durante las tres temporadas de Euphoria. Nuestros pensamientos están con sus seres queridos en este momento tan difícil”.

Más allá de su participación en Euphoria, la carrera de Eric Dane estuvo ligada a personajes relevantes de la televisión de las últimas décadas. Alcanzó gran popularidad al interpretar a “McSteamy” en la serie médica Anatomía de Grey y, previamente, formó parte de otra producción hospitalaria como Gideon’s Crossing.

En cine, también desarrolló una trayectoria con títulos como la saga X-Men, donde encarnó al Hombre Múltiple, comedias románticas como Una pareja de tres o Historias de San Valentín, además de algunos thrillers.

En una conversación con Variety el año pasado, reflexionaba sobre su vínculo con la actuación: “Siempre he sentido un profundo respeto por el oficio de actor, pero nunca me consideré un artista. No podía admitirlo, hasta que empecé a hacer Euphoria. Fue entonces cuando me permití sentir que era un artista”. Sobre su relación profesional con Levinson, añadía: “Confío tanto en Sam Levinson que no necesito saber lo que pasa. Ese día, él simplemente puede decirme qué hacer y adónde ir, y yo estoy conforme”.

Durante los últimos meses, Dane combinó su carrera artística con el activismo vinculado a la ELA, colaborando con entidades como I Am ALS. En una entrevista con The Washington Post, explicó su determinación con una frase que resume su postura frente a la enfermedad: “No quiero sonar excesivamente morboso, pero si tengo que irme, voy a irme ayudando a alguien”.

En paralelo a su labor solidaria, el actor continuó activo en el mundo audiovisual. El año pasado se incorporó al reparto de la serie La cuenta atrás en Amazon Prime, donde interpretó a un agente especial, ampliando su registro profesional.

El legado de Eric Dane, tanto por su trabajo en la pantalla como por su ejemplo personal, ha quedado reflejado en los mensajes de quienes compartieron con él proyectos y amistad. Además, podrá verse en la tercera temporada de Euphoria, que estará disponible a partir del próximo 13 de abril.

El drama romántico Cumbres borrascosas (Wuthering Heights) se ubicó en lo más alto de la taquilla global al recaudar 89 millones de dólares: 38 millones en Norteamérica y 51 millones en el resto del mundo, según destacaron Variety, Deadline y Box Office Mojo.

Protagonizada por los australianos Margot Robbie y Jacob Elordi, la película es el tercer largometraje de Emerald Fennell, quien anteriormente se destacó con Joven prometedora y Saltburn. La nueva versión propone una reinterpretación visceral y moderna de la célebre novela de Emily Brontë.

Con un presupuesto de 80 millones de dólares, el film se convirtió en el noveno debut en el número uno para una cinta de Warner Bros, un logro poco frecuente en la industria que anteriormente solo había alcanzado Disney.

La adaptación dirigida por Fennell generó reacciones encontradas tanto en el público como en la crítica. Muchos resaltaron las actuaciones de Robbie y, especialmente, de Elordi, además de la propuesta visual y la banda sonora de Charli XCX.

Otros cuestionaron las libertades tomadas respecto a la obra original, señalando que la propuesta prioriza la forma por sobre el fondo.

En el sitio Rotten Tomatoes, la película obtuvo un 63% de aprobación por parte de la crítica, mientras que el público le otorgó un 84%.

En el segundo puesto se ubicó la película animada Goat, con 47,6 millones de dólares. En tanto, Crime 101, protagonizada por Chris Hemsworth, Mark Ruffalo y Barry Keoghan, tuvo un debut por debajo de lo esperado, con una recaudación de entre 27 y 28 millones de dólares a nivel mundial durante su primer fin de semana. Con un presupuesto estimado en 90 millones, el thriller enfrenta un comienzo difícil.

Por su parte, Send Help (Ayuda), dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Rachel McAdams y Dylan O’Brien, alcanzó su tercer fin de semana en cartelera y se mantuvo en el cuarto lugar en Estados Unidos, con una recaudación global acumulada de 73,8 millones de dólares.

Desde hace años dejó de ser una verdad incuestionable que todo lo que Hollywood toca se convierte en oro. Ahora, una nueva adaptación de Cumbres Borrascosas, la novela de Emily Brontë, llega este jueves 12 de febrero a los cines en medio de expectativas, debates y controversias.

La película, dirigida por Emerald Fennel, se suma a una larga lista de versiones cinematográficas de la obra, lo que para algunos la acerca peligrosamente a la categoría del “manoseo” cultural. Sin embargo, también es cierto que la historia parecía reclamar una reinterpretación en clave moderna. Fennel, quien alcanzó notoriedad en 2020 con Promising Young Woman y consolidó su perfil como cineasta audaz y provocadora tras Saltburn (2023), promete una lectura contemporánea del clásico.

Pero del otro lado hay millones de lectores y cinéfilos que consideran a Cumbres Borrascosas un símbolo cultural. La elección de Margot Robbie y Jacob Elordi para interpretar a Catherine y Heathcliff, una de las parejas más icónicas de la literatura, encendió rápidamente las redes.

Robbie fue criticada por no representar la fragilidad de los diecinueve años del personaje, mientras que Elordi fue señalado por inscribirse en la extensa tradición de actores blancos que encarnaron a Heathcliff, ignorando la “piel oscura” y el origen racialmente ambiguo que Brontë describió en su manuscrito. Para muchos, allí había una oportunidad literaria desaprovechada.

La discusión también se trasladó al corazón de la novela: ¿es Cumbres Borrascosas la mayor historia de amor de todos los tiempos? Según especialistas y fanáticos, la respuesta dista de ser afirmativa. Heathcliff no es un héroe romántico, sino un personaje atravesado por la venganza y el clasismo. Reducir esa compleja arquitectura a un romance estilizado con banda sonora contemporánea es, para algunos, una trivialización del texto original.

Emily Brontë, quien escribió bajo el seudónimo de Ellis Bell para evitar prejuicios en su época, construyó una historia donde el amor es también una fuerza política y social, lejos de ser un mero accesorio estético.

Aun así, el inminente estreno disparó las ventas del libro en un 500% en algunos países, lo que sugiere que muchos espectadores llegarán a las salas con la novela ya leída y dispuestos a comparar cada escena con las páginas originales. La discusión vuelve a instalar una premisa conocida: toda transposición es válida si aporta algo nuevo, aunque ninguna puede igualar la imaginación del lector.

La historia de Cumbres Borrascosas ha sido reinterpretada en distintas épocas con resultados diversos.

La versión de William Wyler en 1939 es recordada por su elegancia y por la interpretación de Laurence Olivier, aunque omitió la mitad del libro. En 1954, Luis Buñuel ofreció con Abismos de pasión una lectura más cercana al tormento espiritual que atraviesa la obra, trasladando la historia al calor mexicano.

En 1992, Peter Kosminsky intentó abarcar la totalidad de la novela con Ralph Fiennes y Juliette Binoche, mientras que en 2011 Andrea Arnold propuso una adaptación cruda y directa, con un Heathcliff negro y una puesta en escena despojada de esteticismos.

Ahora, con la nueva versión de Emerald Fennel, el clásico vuelve a ponerse a prueba. Entre polémicas, expectativas y revisiones críticas, Cumbres Borrascosas demuestra, una vez más, que cada época encuentra en sus páginas un reflejo propio.

Netflix anunció el estreno de Stranger Things: Tales From ’85, una nueva serie animada que amplía el universo de la exitosa ficción creada por los hermanos Duffer. La producción llegará a la plataforma el próximo 23 de abril y presentará una historia completamente original, ubicada cronológicamente entre la segunda y la tercera temporada de la serie principal.

La trama se sitúa durante el invierno de 1985, luego de que las amenazas del Upside Down parecieran haber quedado atrás tras el cierre del portal llevado a cabo por Eleven en el laboratorio de Hawkins. En ese contexto, Eleven, Mike, Will, Dustin, Lucas y Max intentan recuperar una vida cotidiana marcada por partidas de Dungeons & Dragons, juegos en la nieve y una aparente calma en el pueblo.

Esa tranquilidad, sin embargo, no tarda en quebrarse. Una tormenta inusualmente intensa da lugar a una nueva amenaza, insinuando que algo logró sobrevivir al cierre del portal. Según lo mostrado en el avance, el peligro comienza a manifestarse bajo las heladas calles de Hawkins y obliga al grupo a enfrentar una amenaza desconocida, cuyo origen podría estar vinculado al Upside Down, al laboratorio o a un lugar aún más misterioso.

El paso al formato animado trae consigo un elenco renovado de voces. Brooklyn Davey Norstedt interpretará a Eleven, Jolie Hoang-Rappaport dará vida a Max y Luca Diaz será la voz de Mike Wheeler. El grupo se completa con Elisha “EJ” Williams como Lucas, Braxton Quinney como Dustin y Benjamin Plessala como Will Byers. Jeremy Jordan interpretará a Steve Harrington, mientras que Brett Gipson asumirá el rol de Hopper. Además, Odessa A’zion, Janeane Garofalo y Lou Diamond Phillips participarán en papeles secundarios que aún no fueron revelados.

La animación está a cargo de Flying Bark Productions, encargados de trasladar el suspenso y el misterio característicos de Stranger Things al lenguaje animado. En la producción ejecutiva participan Matt y Ross Duffer, junto al showrunner Eric Robles, Hilary Leavitt por Upside Down Pictures, Shawn Levy desde 21 Laps y Dan Cohen, con el objetivo de preservar la esencia de la franquicia en esta nueva propuesta.

Ambientada en una Hawkins cubierta de nieve, la serie mostrará cómo el regreso del peligro altera la vida cotidiana de los protagonistas y pone en jaque la seguridad del pueblo. El tráiler adelanta escenas de terror y acción en escenarios invernales, además de la aparición de nuevos monstruos que amplían el abanico de amenazas físicas y psicológicas para los personajes. Aunque los detalles sobre la naturaleza exacta del enemigo permanecen en reserva, las imágenes dejan en claro que el grupo deberá volver a unirse para evitar que la historia se repita.

Peter Lanzani debió ser intervenido quirúrgicamente de urgencia tras sufrir un inconveniente de salud durante el fin de semana. Su representante artístico, Javier Braier, confirmó a Teleshow que el actor fue operado por apendicitis y que la evolución es favorable.“Peter está bien, ya hasta fue dado de alta”, aseguró el manager.

La operación se realizó el domingo, en una clínica de la ciudad de Buenos Aires, luego de que el actor presentara un malestar que derivó en su internación. Braier detalló cómo fue el proceso posterior a la cirugía: “Ayer, lunes en la noche ya estaba bien y ahora se está yendo del sanatorio, para descansar y mañana retomar sus actividades”.

Desde el entorno del protagonista de Argentina, 1985 remarcaron la preocupación que generó la noticia, aunque llevaron tranquilidad al destacar que, si bien la intervención fue de urgencia, la recuperación fue rápida. En ese sentido, se espera que Lanzani retome en el corto plazo su agenda habitual, que incluye volver a trabajar bajo la dirección de Santiago Mitre.

La alarma por la salud del actor se encendió el lunes por la noche, cuando en LAM (América) se informó sobre una descompensación que motivó su hospitalización preventiva en el Sanatorio Colegiales. El panelista Pepe Ochoa aportó detalles sobre el ingreso del actor al centro de salud: “Le sacaron sangre y le hicieron estudios para descartar varias cosas, porque pensaron que iban a tener que operarlo”, explicó.

Ochoa señaló además que Lanzani presentó fiebre, un síntoma que generó preocupación en el sanatorio, aunque aclaró que “el cuadro se encuentra bajo control y la evolución es favorable”. Durante la internación, familiares del actor se acercaron al hospital y permanecieron a su lado mientras recibía atención médica.

En paralelo, el actor volvió a estar en el centro de la escena tras el anuncio de Netflix sobre una próxima película protagonizada por Lanzani y Verónica Llinás, bajo la dirección de Santiago Mitre. Luego de haber trabajado juntos en Argentina, 1985, la expectativa gira en torno a un personaje que el propio actor definió como un desafío ético y actoral.

“Aceptar este personaje es aceptar una incomodidad desde el primer día”, expresó Lanzani en un comunicado oficial de la plataforma. Allí explicó que se trata de un rol que exige comprender mecanismos reales de manipulación y traición, y asumió la responsabilidad ética que implica contar esa historia. El proyecto aún no cuenta con una fecha de estreno ni un calendario definido, ya que su producción no comenzó.

Además de su carrera como actor, Lanzani continúa desarrollando su faceta detrás de cámara con una ópera prima sobre la vida de Luca Prodan, líder de Sumo, a quien también interpretaría. Según personas vinculadas al proyecto, se trata de “un sueño de Peter”. En entrevistas radiales recientes, el actor reconoció que el trabajo avanza lentamente, ya que “se está realizando a pulmón”.

Con la humildad que lo caracteriza, Jacob Elordi atraviesa días especiales tras recibir su primera nominación a los premios Oscar por su papel como la criatura de Frankenstein, en la película dirigida por Guillermo del Toro que obtuvo nueve nominaciones. En este contexto, el actor australiano se encuentra promocionando junto a Margot Robbie la nueva versión de Cumbres borrascosas, dirigida por Emerald Fennell.

Durante una visita al programa The Jimmy Kimmel Live, Elordi habló sobre su presente profesional, el impacto de sus interpretaciones y la emoción que le genera haber alcanzado un reconocimiento de la Academia de Hollywood a los 28 años. En ese marco, destacó la figura de Heath Ledger como una inspiración fundamental en su carrera.

“Se supone que debería decir que no significa nada y que el arte es subjetivo, pero realmente era un sueño para mí, sobre todo por Heath Ledger. Él me demostró que era posible”, expresó el actor. Elordi recordó que al comienzo de su carrera pensaba que una nominación llegaría mucho más adelante y remarcó la coincidencia de haber sido nominado a la misma edad que Ledger tenía al momento de su fallecimiento, ocurrido en enero de 2008.

Heath Ledger murió trágicamente el 22 de enero de 2008, pocos meses antes de que su interpretación del Joker en El caballero oscuro alcanzara una enorme popularidad. El actor recibió de manera póstuma el premio Oscar como Mejor actor de reparto, distinción que fue recibida por sus padres y su hermana.

Elordi confirmó además que asistirá a la ceremonia de los premios Oscar, que se celebrará el próximo 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, acompañado por su madre. De esta manera, cumplirá una promesa que le había hecho cuando tenía 15 años. Fue ella, de hecho, quien le dio la noticia de la nominación durante la madrugada.

“Me fui a la cama y dormí plácidamente. Escuché el teléfono de mi madre sonar como a las 5 de la mañana y luego sus pequeños pies subiendo las escaleras. Su cara me dijo que estaba nominado”, relató el actor, quien también recibió una llamada de su padre desde Australia para celebrar la noticia.

El presente de Elordi marca uno de los mejores momentos de su carrera. Próximamente volverá a la pantalla con la tercera temporada de Euphoria, la serie que lo catapultó a la fama internacional, y también formará parte de The Dog Stars, la nueva película de Ridley Scott, donde compartirá elenco con Margaret Qualley, Josh Brolin y Guy Pearce.

El inicio del año trajo una nueva controversia para la actriz Sydney Sweeney, quien quedó envuelta en una polémica por la promoción de su nuevo proyecto: una marca de lencería. La actriz utilizó el emblemático cartel de Hollywood, uno de los símbolos más protegidos de la ciudad de Los Ángeles, en una acción que se volvió viral pero que podría derivar en un problema legal.

Sweeney, de 28 años, subió de noche hasta el letrero ubicado en las colinas de Hollywood junto a parte de un equipo de filmación. En un video obtenido de manera exclusiva por el portal TMZ, se la ve vestida con una sudadera oscura y capucha, acompañada por un integrante de su equipo, colgando varios sujetadores en las letras del cartel. Las prendas formarían parte de su futura línea de ropa interior, aún no lanzada, bajo la marca SYRN.

Las imágenes muestran a la actriz pasando entre las letras e incluso trepando por los andamios del cartel para colocar los sostenes, que luego fueron unidos en una larga tira y colgados del metal. Se trata de una intervención que requiere autorizaciones específicas, las cuales, según la Cámara de Comercio de Hollywood, no fueron otorgadas.

El cartel de Hollywood es un monumento altamente protegido y su gestión está a cargo de la Cámara de Comercio de Hollywood, organismo que también administra el Paseo de la Fama. El acceso al letrero está restringido, está prohibido tocarlo y no se ilumina por las noches para evitar incursiones ilegales y riesgos en la zona, que además presenta un terreno escarpado.

La propia actriz compartió en su cuenta de Instagram, donde suma 36,1 millones de seguidores, un video del momento en el que se la observa cruzando una valla y utilizando una cuerda para llegar hasta las letras. La publicación no incluyó texto, solo la mención a su nueva firma, SYRN, que por ahora no tiene publicaciones.

Tras la difusión del video, la Cámara de Comercio de Hollywood emitió un comunicado en el que desmintió haber autorizado la producción. “La producción en la que participaron Sydney Sweeney y el letrero de Hollywood no fue autorizada por la Cámara de Comercio de Hollywood. No tuvimos conocimiento previo de ella”, afirmó su presidente y director ejecutivo, Steve Nissen. Además, remarcó que el organismo es titular de los derechos de propiedad intelectual del cartel y que cualquier uso comercial requiere una licencia o permiso previo.

“La Cámara de Comercio de Hollywood no concedió ninguna licencia ni permiso de ningún tipo para la producción en la que participó Sydney Sweeney, ni nadie solicitó una licencia o permiso”, agregó Nissen, quien señaló que aún se está investigando cómo y bajo qué autoridad el equipo accedió al lugar. Aunque no confirmó acciones legales inmediatas, no descartó esa posibilidad.

Según la versión publicada por TMZ, el equipo habría contado con un permiso del organismo FilmLA, encargado de promover los rodajes en la ciudad. Sin embargo, ese organismo solo puede autorizar grabaciones y no tiene competencia para permitir el acceso físico o la intervención directa sobre el cartel.

Tras el rodaje, los sujetadores fueron retirados, aunque varios quedaron dispersos en la zona, lo que podría vincular directamente al equipo con la acción. Esa situación podría derivar en una denuncia por intrusión sin permiso o por daños a un elemento del patrimonio histórico de la ciudad, que desde hace 103 años domina las colinas de Hollywood.