Jo Alcobruni fue el encargado de cerrar la segunda edición de Zip Unplugged, segmento de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. El artista repasó los hitos que marcaron su trayectoria y profundizó en el presente de su carrera solista. En una charla íntima, recordó el momento exacto en el que decidió dejar el rol de acompañante para tomar el centro del escenario, un quiebre que ocurrió durante una gira con el cantante Raúl Lavié.

Alcobruni relató que, tras un concierto en el Festival de la Canción en Mar del Plata, sintió la necesidad de liderar su propia propuesta. "Quiero estar ahí cantando, quiero yo estar haciendo el show adelante", le confesó en aquel entonces a su amigo Diego Romero. Aunque desarrollaba su música desde muy pequeño, el proceso de soltar el espacio de sesionista fue gradual y estuvo apuntalado por encuentros fortuitos con grandes referentes de la escena nacional que validaron su talento.

Otro de esos momentos clave fue junto a Nacha Guevara. Debido a un imprevisto por el cual Cacho Castaña no pudo asistir a un compromiso, Alcobruni terminó cantando con ella sobre el escenario. Al escucharlo, la reconocida artista fue tajante: "Tenés que cantar", le dijo. Para el bandoneonista, trabajar con figuras de esa magnitud fue una escuela de profesionalismo donde comprendió que "la música tiene que estar primero" y que la cosmovisión artística no se negocia.

Su relación con el "fuelle" comenzó a los ocho años, influenciado por un tío de Azul a quien observaba tocar en las reuniones familiares. "Me llamaba la atención y mis viejos me dieron la oportunidad de empezar a estudiar", recordó con nostalgia. Sus primeros pasos los dio en Tandil bajo la tutela de grandes maestros, hasta que al finalizar la Secundaria se radicó en Buenos Aires para perfeccionarse con Rodolfo Mederos.

Alcobruni definió al bandoneón como un "instrumento raro" y complejo, que exige un esfuerzo inicial importante pero que ofrece posibilidades sonoras únicas. Pese a la dificultad técnica, el músico buscó siempre despojar al fuelle de cierta solemnidad tradicional para permitir el juego y la experimentación en diversos géneros musicales alejados del tango clásico.

En ese sentido, admitió que le resultó más sencillo alejarse del mote estrictamente tanguero que adaptarse a las dinámicas del ambiente. Aunque disfrutó y aprendió del género, confesó que no lograba "hallarse" plenamente en ese contexto. Paradójicamente, fueron referentes como Lavié y Guevara quienes celebraron su estilo: "Está buenísimo que no suenes a tanguero", le solían decir, impulsándolo a consolidar su propia identidad sonora.

Esta versatilidad lo llevó a grabar para su disco con figuras como Joaquín del Mundo, Nuria Saba y Cami Andersen. Su nuevo trabajo discográfico refleja esta apertura estética y consolida una búsqueda personal que trasciende las fronteras de los géneros tradicionales. Para Alcobruni, el disco representa un cambio de página y la confirmación de que su camino está ligado a la creación de contenido propio y original.

La presentación de su nuevo material en Tandil fue descrita por el artista como un evento "soñado". Con un teatro lleno, Alcobruni destacó la importancia de compartir su obra con el público local. "La idea era poder generar un regalo a la gente, poder compartirlo con ellos y mover desde acá", señaló, subrayando que la ciudad funciona para él como un centro de descanso y un espacio de contención afectiva indispensable.

Sobre la escena musical tandilense, el bandoneonista destacó la constante ebullición de talentos en la zona. Abogó por una mayor profesionalización de la actividad, aunque aclaró que se trata de una elección en la forma de vivir el arte. Para él, lo fundamental es el respeto por la obra y la integración generacional que percibe a nivel local, factores que considera esenciales para que la cultura de la región continúe en un proceso de crecimiento constante.

Uno de los momentos más significativos de la entrevista fue cuando recordó una frase que le transmitió Rodolfo Mederos, la cual originalmente perteneció a Astor Piazzolla: "El mundo es de los audaces". Alcobruni atesora ese concepto, que incluso lleva grabado en su instrumento, como una guía para su carrera profesional. "Me di cuenta con el tiempo de lo significativo que había sido", reflexionó sobre aquel encuentro con el maestro Mederos.

Con la mirada puesta en el futuro inmediato, el músico anticipó que se viene un período de intensa actividad y difusión de su nuevo disco. Aunque los últimos dos años estuvo más presente en Tandil abocado al proceso de grabación, el próximo movimiento incluirá una serie de conciertos que ya se encuentran en agenda. "Lo primero que tiene que haber es la música", concluyó Alcobruni.

El cuidado de la estética personal y la salud de la piel ganaron un terreno fundamental en la conversación cotidiana de los tandilenses. En este contexto, Joaco Falabella, reconocido modelo y productor de moda local, participó de una distendida entrevista en la que desglosó los pilares de lo que denominó un "skincareazo". Durante la charla, el invitado no solo compartió sus conocimientos técnicos, sino que también puso en práctica una rutina en vivo para los conductores del ciclo.

La visita se produjo en el marco de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Allí, Falabella explicó que una rutina de cuidado no requiere de una complejidad extrema ni de una inversión de tiempo inalcanzable. Según el especialista, con apenas cinco minutos por la mañana y otros cinco por la noche, cualquier persona puede alcanzar resultados notables en la textura y vitalidad de su rostro, siempre que se mantenga la constancia y se utilicen los productos adecuados para cada tipo de dermis.

El punto de partida de cualquier tratamiento, según indicó el invitado, comenzó estrictamente con la limpieza facial. Falabella destacó que este paso es innegociable, ya sea mediante geles, leches o espumas de limpieza, para retirar las impurezas acumuladas. Posteriormente, se procedió a la aplicación de un tónico o bruma, cuya función principal es devolver el pH natural a la piel después del proceso de lavado. "El tónico equilibra y prepara el rostro para lo que viene después", comentó mientras aplicaba el producto sobre los integrantes de la mesa.

Un paso que suele generar dudas es el uso del serum, un concentrado de activos que debe aplicarse con una técnica específica. El productor tandilense fue categórico al señalar que el producto no debe arrastrarse sobre la piel, sino aplicarse mediante pequeños toques o tapping para asegurar su correcta absorción y evitar que el producto quede mayoritariamente en las manos del usuario. En este sentido, recomendó utilizar apenas dos gotas para cubrir toda la superficie del rostro, incluyendo el cuello y el escote, áreas que frecuentemente se olvidan en el cuidado diario.

La hidratación y los tratamientos específicos para afecciones como la rosácea también formaron parte de la clase magistral. Falabella mostró una crema verde diseñada especialmente para pieles sensibles, explicando que el color verde ayuda a neutralizar visualmente el color rojo característico de esta condición. Al respecto, subrayó que a partir de los 25 años el cuerpo comienza a producir una cantidad menor de colágeno, por lo que es el momento ideal para introducir productos que ayuden a mantener la elasticidad y prevenir el envejecimiento prematuro.

Finalmente, remarcó que el paso más importante de todos es el uso de protector solar. Independientemente de si se realiza una rutina completa o no, la protección contra los rayos UV es una cuestión de salud pública más que de belleza. "El sol es lo más dañino que existe para la piel; el protector hay que usarlo todo el año, incluso en los días de invierno o de lluvia", sentenció Falabella, desmitificando la idea de que su uso es exclusivo para la temporada estival en las playas o piletas.

Más allá de la cosmética, Joaco Falabella aprovechó la oportunidad para brindar una serie de recomendaciones sobre el lenguaje corporal y el modelaje profesional. Para el joven tandilense, posar para una fotografía es, ante todo, un acto de comunicación. Explicó que para lograr una imagen "canchera" es fundamental la descontracturación del cuerpo. Según su visión, la rigidez es el principal enemigo de una buena toma fotográfica, por lo que recomendó buscar posiciones cómodas, jugar con los ángulos de los hombros y mantener una expresión facial natural.

Durante la demostración práctica, el modelo enseñó cómo la posición de los hombros y la dirección de la mirada pueden cambiar drásticamente el resultado de una fotografía. Enfatizó que no existe una única "cara sexy" universal, sino que cada individuo debe encontrar el gesto con el que se sienta más seguro frente al espejo. "Esa cara que ponés cuando te ves bien antes de salir de tu casa, esa es la que tenés que llevar a la foto", aconsejó de manera didáctica a los presentes en el estudio de El Eco.

Otro de los momentos destacados de la tarde fue la lección sobre la técnica de pasarela. Falabella diferenció claramente la marcha femenina de la masculina: mientras que las mujeres suelen caminar siguiendo una única línea imaginaria (poniendo un pie delante del otro), los hombres deben desplazarse sobre dos líneas distintas para proyectar una imagen de mayor porte y seguridad. Esta técnica, sumada a mantener los hombros arriba y la espalda erguida, constituye la base del desfile para las marcas que buscan un estilo serio y elegante.

El trabajo de Falabella en Tandil se vincula estrechamente con la producción para marcas locales e internacionales, colaborando con empresas como Laca y Sol Pleno. Comentó que su rol como productor implica guiar a modelos y personas que no se dedican profesionalmente a la industria para que puedan dar lo mejor de sí ante la cámara. En este punto, destacó que la ciudad cuenta con un gran potencial y que cada vez son más los hombres que se animan a consultar sobre rutinas de estética y cuidado personal, rompiendo viejos prejuicios de género.

Por último, Falabella repasó su presente profesional en la ciudad, donde continúa desarrollando producciones de fotos y capacitaciones. Su trabajo no solo se limita al maquillaje y el peinado, sino a una visión integral de la moda que busca resaltar la identidad de cada persona. Con una presencia activa en redes sociales bajo su perfil profesional, Joaco Falabella se consolidó como una referencia ineludible para quienes buscan mejorar su imagen y entender las claves de una industria que, en Tandil, sigue creciendo con sello propio.

Alejandro Szykula, el cerebro detrás de "Alejo y Valentina", brindó una entrevista exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante la charla, el artista repasó cómo una producción que comenzó como un chiste interno entre amigos a principios de 2002 se transformó en un fenómeno cultural que trascendió fronteras y plataformas, marcando a toda una generación de internautas que aún hoy repiten sus frases más icónicas.

Szykula recordó que, mucho antes de la existencia de las redes sociales y los algoritmos, debió valerse de herramientas técnicas para posicionar su contenido de manera orgánica. "Investigaba todos los trucos sobre cómo posicionar la página; en ese momento no estaba Google, pero estaban Altavista y Yahoo", explicó. Para el creador, ese conocimiento técnico previo fue el motor que permitió que la serie explotara de forma masiva hacia 2003.

Sobre la estética característica de los personajes, Szykula confesó que el estilo "mamarrachoso" fue una decisión deliberada y ligada a la inmediatez. Los primeros episodios se realizaron íntegramente con un mouse en el programa Flash, buscando un humor absurdo que priorizaba el remate brusco por sobre la prolijidad. Esta fórmula captó la atención de la cadena MTV, que lo contactó en 2005 para producir cuatro temporadas originales. "Terminó televisado cuatro años después del primer episodio web", relató.

Antes de desembarcar en la pantalla internacional, Szykula mantuvo una reunión clave con Marcelo Tinelli en las oficinas de Ideas del Sur. El conductor pretendía sumar a Alejo y Valentina a las filas de "Videomatch", manteniendo la esencia que ya era un éxito en internet. Sin embargo, el proyecto no prosperó debido a diferencias creativas con la producción de aquel entonces, que pretendía modificar el humor de la obra original para evitar que el público hiciera zapping.

"Me la recontra bajaron porque me terminaban dando un guion escrito por ellos con chistes que no me gustaban; le cambiaban la personalidad a mis personajes", recordó el animador sobre aquella experiencia frustrante. A pesar de esos contratiempos, la serie mantuvo su independencia y hoy vive una nueva etapa de expansión digital. Actualmente, las temporadas quinta y sexta se encuentran disponibles en Flow, mientras que la séptima entrega se lanzará a través de YouTube.

Al ser consultado sobre el impacto del humor actual y la sensibilidad social, Szykula se mostró tranquilo respecto a sus creaciones. Aseguró que nunca se vio limitado por la corrección política y que los personajes, con sus defectos y prejuicios, son interpretados por el público desde la simpatía y no desde la ofensa. "Cada personaje puede tener sus propios prejuicios; para mí sigue siendo un juego, tal como cuando arranqué", sostuvo el animador, quien todavía se sorprende al escuchar a jóvenes en la calle replicar las voces de sus criaturas.

El presente del creador lo encuentra recorriendo ciudades, alimentado por la vigencia de un producto que nació hace más de 20 años. Esta conexión ininterrumpida con los seguidores es lo que hoy motiva sus presentaciones en vivo y su participación activa en la comunidad de la animación. Szykula remarcó que el proceso de creación, aunque hoy es más profesional y cuenta con mayor equipo, conserva el espíritu lúdico que le permitió revolucionar el contenido digital en Argentina.

El animador confirmó que visitará Tandil próximamente para participar de una nueva edición de la Puchasia, el evento que reúne a fanáticos del animé, el gaming y la cultura geek. Szykula compartirá escenario con otro referente del contenido digital, Marito Baracus, en lo que promete ser un encuentro cargado de nostalgia y humor ácido para los seguidores locales de todas las edades.

"Me copa ir a este tipo de eventos. A mí me encanta Dragon Ball, Evangelion y los superhéroes", confesó el creador de LoCoArts. Aunque reconoció que su primera aproximación a estas convenciones fue desde el rol de expositor o artista invitado, disfruta del contacto directo con el público que creció consumiendo sus animaciones en la época dorada de los cibercafés y que hoy lo recibe como a un pionero de la red.

Para Tandil, la llegada de una figura de la trayectoria de Szykula representa un hito en la agenda de eventos temáticos de la ciudad. El impacto de sus personajes en la cultura popular es innegable, y su presencia permitirá a los asistentes conocer de cerca al hombre que, con un mouse y mucha inventiva, cambió las reglas de la producción independiente.

Finalmente, el autor agradeció el cariño de quienes le manifiestan que, gracias a sus videos, decidieron volcarse al mundo de las artes digitales. Con la misma sencillez de sus comienzos, Alejandro Szykula se prepara para reencontrarse con el público serrano, demostrando que Alejo, Valentina y Carlitox siguen más vivos que nunca en el imaginario colectivo nacional.

El director de Juventud brindó detalles sobre la actualidad del área y los desafíos que enfrenta la gestión municipal en un año marcado por la austeridad. En diálogo con Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, Matías D’Eramo se refirió a "Hablemos a tiempo", desmintió rumores sobre la mudanza de la Farándula al Anfiteatro y advirtió sobre las dificultades financieras para concretar el Roca Rock en este 2026.

La agenda inmediata de la Dirección de Juventud está centrada en la prevención y el acompañamiento. En ese sentido, D´Eramo habló de la segunda charla abierta del programa "Hablemos a tiempo", que tendrá lugar este miércoles en el Teatro del Fuerte. El encuentro, destinado tanto a jóvenes como a adultos, abordará una de las temáticas más urgentes de la actualidad: el uso de las pantallas y el impacto de las redes sociales en la vida cotidiana.

El funcionario explicó que la elección de los temas surge del contacto constante con los estudiantes y las problemáticas que se detectan en las escuelas. "Las problemáticas todos los días nos atraviesan y vamos viendo con base en la demanda que tenemos por preguntas e inquietudes de los jóvenes", señaló. En esta oportunidad, la charla coincide con una efeméride internacional, lo que permitió potenciar la convocatoria para debatir sobre el uso responsable de la tecnología.

La jornada contará con tres disertantes de renombre: Emiliana Quaglia, Javier Pianta y Esteban Sarabia, este último integrante del “Cluster Tecnológico Tandil”. La articulación con el sector privado fue clave para el desarrollo de la propuesta, que originalmente se pensó para un entorno corporativo pero terminó escalando al Teatro del Fuerte. Para el municipio, este tipo de encuentros son fundamentales para no "mirar para el costado" ante el crecimiento de casos de ludopatía y acoso digital.

D'Eramo fue tajante al vincular el mal uso de las plataformas con el deterioro de la salud mental. Según detalló, el equipo de Juventud trabaja estrechamente con el área de salud para abordar casos de ansiedad y depresión potenciados por el ecosistema digital. "La pelota sigue creciendo y esto ya explotó. Tenemos un montón de casos que están abordándose hoy en día y yo creo que las redes son las grandes responsables", afirmó con preocupación sobre el escenario actual.

Ante las versiones que circulaban, el funcionario aseguró que el “rumor es falso” y que aún no existe una definición sobre el lugar donde se llevará a cabo el evento. "Se está evaluando tanto con la COES como con el gobierno local para ver cuál va a ser el lugar apropiado para llevar semejante monstruo de evento", explicó, remarcando que la prioridad es que los jóvenes "la pasen bien".

La reciente relación con “Ferro”, entidad que cedió sus instalaciones durante años, atraviesa un cambio de etapa. D’Eramo reconoció que la institución ha cuidado el campo de juego, que actualmente se encuentra en excelentes condiciones, lo que dificulta la realización de un evento de tal magnitud sobre el césped. No obstante, destacó que no tiene miedo a los cambios y que la intención es "reinventarse" para mejorar la experiencia de los participantes y de sus familias.

En este proceso, la COES cumple un rol fundamental. El director de Juventud enfatizó que los representantes estudiantiles tienen mucha injerencia en las decisiones y que el temario de cada reunión se discute y evalúa en conjunto. "Hay una decisión política por una cuestión de seguridad y perímetro, pero se escucha a todos por igual", indicó. Un ejemplo de este trabajo articulado fue el reciente Picnic de la Primavera, donde las actividades fueron propuestas por los chicos.

Sobre el formato del desfile, descartó la posibilidad de que la Farándula regrese a la modalidad de "calle", un pedido frecuente de algunos sectores. Según el funcionario, son los propios estudiantes quienes prefieren mantener el esquema actual. El objetivo de la gestión es que el evento vuelva a ser libre y gratuito, eliminando el sistema de entradas que considera obsoleto, para garantizar que toda la comunidad pueda acompañar a los jóvenes sin restricciones.

Finalmente, el funcionario se refirió a la situación del Roca Rock. Si bien la edición del año pasado fue calificada como "espectacular" por el nivel de producción y la respuesta del público, la realización en este 2026 está bajo la lupa. D’Eramo admitió que, al ser un evento que requiere una gran inversión en sonido y escenario, la falta de presupuesto es hoy el principal obstáculo.

La situación económica a nivel nacional ha impactado directamente en las arcas municipales, limitando la capacidad de financiar festivales de gran escala. "Como Estado a mí me encanta hacer todos los eventos que tenemos en agenda y la verdad es una tristeza enorme que por falta de presupuesto no podamos", expresó. Aunque el funcionario no dio el evento por descartado, reconoció que es "difícil que un municipio sostenga todo".

Para D’Eramo, el Roca Rock ha demostrado estar a la altura de los grandes festivales provinciales, destacando que en la última edición el protagonismo absoluto fue de las bandas locales, prescindiendo de cierres con artistas de renombre. Esta jerarquización del talento tandilense es lo que motiva al área a buscar alternativas para no perder la fecha. A pesar de la incertidumbre, insistió en que la voluntad política es seguir generando espacios de contención y expresión para la juventud.

Ro Sosa visitó los estudios de El Eco para participar de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el ciclo Unplugged, la cantante compartió las vivencias que marcaron su presente artístico. Habló del impacto que significó volver a la ciudad tras su paso por La Voz Argentina y la grabación de su nuevo material.

Su participación en el certamen televisivo en 2021 representó un punto de inflexión en su carrera profesional. Sin embargo, la artista confesó que el regreso a Tandil no fue sencillo. "Nadie te dice cómo hay que hacer para volver", reflexionó, aludiendo a la rapidez con la que debió retomar su vida laboral. Tuvo que afrontar la producción local sin tiempo para procesar la exposición mediática.

Pese a la tentación de instalarse en la Capital Federal, la cantante eligió volver a su casa. Aseguró que mantiene siempre los pies sobre la tierra. Aunque las puertas en la gran ciudad siguen abiertas, su prioridad hoy está en los proyectos que genera desde Tandil. Su experiencia en Buenos Aires le permitió fortalecer vínculos con bandas como Las Pastillas del Abuelo. Con ellos llegó a compartir grandes escenarios, integrando listas de temas junto a figuras consagradas como Abel Pintos.

Para la entrevistada, la experiencia en los grandes medios fue un aprendizaje sobre la constancia. Sostuvo que el trabajo artístico requiere seguir golpeando puertas de manera permanente. A sus 25 años, miró hacia atrás y consideró que la madurez actual le otorgaría otras herramientas para enfrentar la popularidad. Se mostró agradecida por el camino recorrido y por la decisión de haber regresado para continuar su formación.

La familia ocupa un lugar central en la cosmovisión de la cantante y es el motor de sus interpretaciones. Su abuela Adelina es una figura fundamental en este esquema. Sosa explicó que a través de su voz busca dar espacio a todo aquello que su abuela no pudo expresar artísticamente en su juventud. La describió como una crítica rigurosa que prefiere que las canciones se sientan antes que los alardes técnicos.

El lazo con sus hermanos, y especialmente con Ayelén, también fue protagonista del encuentro. Tras años de cantar juntas y registrar grabaciones caseras desde la infancia, Sosa destacó el presente de su hermana. Consideró que es el momento de que brille con luz propia en la escena local. Para la entrevistada, la música es una herencia genética que recorre a toda su familia, donde el arte fluye de manera natural.

Esa conexión familiar se extiende a la forma en que elige su repertorio y gestiona sus emociones sobre el escenario. Recordó con afecto cómo su abuela viajó de sorpresa a Mar del Plata para verla en un homenaje a Leonardo Favio. Este gesto reforzó su convicción de que la música es, ante todo, un vínculo. Para Sosa, cantar es una forma de decir "te quiero" sin necesidad de palabras.

Actualmente, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer material discográfico. Espera concretar este hito antes de fin de año. Este trabajo contará con seis canciones, cinco de su propia autoría, y está bajo la dirección del músico y productor local Fran Margueritte. Sosa valoró la posibilidad de delegar la dirección técnica en alguien con quien comparte un lenguaje similar.

El proceso de grabación se desarrolla de forma independiente y sin las presiones de los grandes sellos. La cantante planea una modalidad de colaboración abierta para que la comunidad y otros músicos puedan acompañar el financiamiento. De este modo, busca eliminar la barrera de una entrada fija para permitir que el arte circule libremente. "Es un momento de no seguir postergando cosas", afirmó sobre su decisión.

En su búsqueda artística actual, Sosa no descartó seguir explorando géneros diversos, desde el tango hasta versiones acústicas de cumbia. Su enfoque está puesto en la comunicación y en la capacidad de reversionar obras ajenas bajo su propia impronta. Con el apoyo de referentes de la movida cultural de Tandil, la cantante se consolida como una de las voces más auténticas de la ciudad.

El cantante y compositor Abi González pasó por Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1 en el marco de la promoción de su concierto denominado "Escaleno". En un diálogo distendido, el artista explicó que, si bien ha visitado Tandil en reiteradas oportunidades, esta presentación significó su debut con una propuesta que busca definir su identidad actual tras años de búsqueda profesional en la Capital Federal.

González recordó que sus comienzos estuvieron íntimamente ligados a su casa en Azul, donde su padre era cantor y su madre bailarina. En ese entorno, el folclore se manifestó primero a través de la danza, hasta que a los 18 años decidió radicarse en Buenos Aires para profesionalizar su vocación musical, una decisión que transformó su carrera de manera definitiva.

Pese a los años transcurridos y el reconocimiento nacional, el artista remarcó que su ciudad de origen permanece en su ADN artístico. Confesó que viaja a Azul cada 15 días para dictar talleres y reencontrarse con su esencia, ya que Buenos Aires, aunque estimulante desde lo académico y creativo, a menudo le resultó una ciudad abrumadora que lo obligaba a buscar refugio en su "casa".

Según explicó, el bagaje obtenido en Buenos Aires le permitió recorrer no solo el norte y la Patagonia argentina, participando en espacios emblemáticos como Cosquín, sino también llevar su música a Europa. Para González, la experiencia de alejarse del lugar de origen resultó fundamental para enriquecer su mirada sobre el arte y el mundo, aunque siempre manteniendo el contacto con sus colegas del ambiente.

Respecto a su evolución, el intérprete comparó sus primeros trabajos con su presente y definió a cada disco como una "foto" y una oportunidad para el cambio. En ese sentido, destacó que su disco solista “11 Puerta 3” marcó un quiebre fundamental en su narrativa, ya que fue la primera vez que se animó a componer por encima de la forma folclórica.

En aquel material discográfico, el artista se abrió a "la canción" sin etiquetas de géneros específicos como la chacarera. El nombre del álbum simbolizó su mudanza hacia la Capital Federal y cómo dejó que las influencias urbanas permearan su corazón. Contó con colaboraciones de figuras como Lula Bertoldi, aportando un matiz rockero, y Benjamín Amadeo en la veta de la canción pop.

Esa apertura artística fue validada por la industria y sus pares con la obtención de un Premios Gardel. Respecto a estos premios, González recordó con especial afecto la primera distinción, la cual recibió con sorpresa en una edición histórica realizada en la provincia de Mendoza. Aquella fue la primera vez que la ceremonia tuvo un carácter federal, lo que le dio un valor agregado a la estatuilla.

Para él, los premios son alegrías que no deben subestimarse, especialmente por el esfuerzo que implica sostener una carrera independiente. Sin embargo, aclaró que lo artístico es difícil de medir en términos de competencia, por lo que prefiere tomar los galardones como un impulso para seguir explorando nuevos sonidos, tal como lo demuestra en su actual etapa solista.

El espectáculo que presentó, titulado "Escaleno", nació de la dificultad de definirse tras tantos años de cambios. La propuesta se estructuró sobre tres ejes fundamentales representados por un triángulo. El primero de ellos es la canción íntima, donde se muestra en su faceta de cantautor más despojada y cercana al público.

El segundo eje es "la casa", el espacio que representa su parte más folclórica y espontánea. Allí, el concierto recuperó el espíritu de las guitarreadas y el compartir cultural que aprendió en su infancia. Esta sección suele estar acompañada por material visual que refuerza la idea del origen y la pertenencia a la tierra azuleña.

Finalmente, el tercer extremo es "el afuera", vinculado a una sonoridad más actual y electrónica. En esta parte del show, González incorporó el uso de loops y samples, adelantando lo que será la estética de su próximo material discográfico. Esta faceta busca reflejar la influencia de la gran ciudad y las nuevas tendencias tecnológicas aplicadas a la raíz folclórica.

El concierto no solo se limitó a lo musical, sino que también incluyó una puesta teatral con un guion que hilvanó cada una de las canciones. De esta manera, Abi González logró sintetizar en un solo escenario al joven que partió de Azul con una guitarra y al artista consagrado que hoy busca, a través de la experimentación, el futuro de la canción argentina.

Tandil se prepara para recibir una propuesta musical de alta calidad el próximo 4 de julio. A partir de las 21, el escenario de Nueve90 Espacio Cultural, será el epicentro de una presentación íntima y dinámica a cargo de Abi González. El artista, oriundo de Azul y reconocido por su trayectoria en la escena nacional, llega a la ciudad para desplegar su espectáculo titulado Escaleno en formato solo set.

La jornada contará con un valor agregado para el público local, ya que la apertura del concierto estará a cargo del músico tandilense José Alcobruni. Esta combinación promete una noche de intercambio artístico que busca conectar con la audiencia a través de la canción de autor y la exploración sonora.

El concepto de Escaleno se articula a través de tres ejes fundamentales que definen el recorrido emocional y técnico del show. En primer lugar, la exploración del "adentro", centrada en la canción íntima; en segundo lugar, "la casa", que remite al folklore, lo espontáneo y la esencia de la guitarreada; y finalmente, "la expansión hacia el afuera", donde el artista incorpora programaciones electrónicas y el uso de loops para transformar el ambiente sonoro.

A lo largo del concierto, Abi González propone un recorrido escénico que alterna entre estos tres territorios. El repertorio seleccionado para la ocasión incluye piezas destacadas de sus seis discos de estudio, además de adelantos exclusivos de lo que será su próximo material discográfico, permitiendo a los asistentes conocer la evolución constante de su obra.

Abi González es un artista integral que se desempeña como cantante, guitarrista, compositor y productor. Su labor ha sido reconocida en múltiples ocasiones, destacándose especialmente por haber obtenido dos Premios Gardel. Su disco Violeta Azul, editado en 2018, fue galardonado como Mejor Álbum Artista de Folklore, compitiendo en una terna de gran prestigio. Posteriormente, su trabajo 11Puerta3, lanzado en 2024, recibió el premio como Mejor Álbum Folklore Alternativo.

Este último material discográfico representa un hito en su carrera, al ser su primer álbum dedicado íntegramente a la canción de autor. En dicha producción, el músico contó con la colaboración de destacados referentes de la música argentina como Lula Bertoldi, Benjamín Amadeo, Sofía Viola, Luciana Jury, Raly Barrionuevo y Luna Monti, consolidando su posición como una de las voces más versátiles de la escena actual.

Más allá de sus logros discográficos, el músico ha forjado una carrera sólida en los escenarios. Ha participado en dos ediciones consecutivas del Festival Nacional de Folklore de Cosquín y ha compartido presentaciones con figuras de la talla de Liliana Herrero, La Bomba de Tiempo, Orozco Barrientos, Silvina Moreno y Ainda. Su compromiso con la cultura fue reconocido en su ciudad natal, Azul, donde fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura.

Actualmente, además de su proyecto solista, Abi González continúa su labor creativa integrando el trío folklórico Nomás Así, junto a Violeta Videla y Federico Siksnys. Su llegada a Tandil representa una oportunidad única para disfrutar de un artista que logra fusionar la tradición folklórica con elementos contemporáneos, ofreciendo una experiencia sonora que trasciende géneros y formatos convencionales.

Melomanía o muerte es un evento integral que combina cine, ferias y música en vivo. La propuesta fue diseñada por el músico Lautaro Soto, quien buscó generar un espacio de encuentro para los amantes del arte que escapan de las tendencias algorítmicas. El artista compartió los pormenores de esta iniciativa durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming.

Respecto al nombre del encuentro, Soto explicó que surgió como una reflexión sobre la polarización actual y la falta de curiosidad en el consumo artístico. El músico planteó que la propuesta representa dos extremos: el fanatismo apasionado por descubrir nuevos sonidos frente a la "muerte" que implica escuchar únicamente lo que el sistema impone.

"Si me hubiese quedado solamente con lo que el consumo masivo me ofrecía de chico, hoy estaría muerto artísticamente", sentenció.

Esta filosofía se trasladó también al mundo digital a través de un canal de YouTube homónimo que Soto inauguró recientemente. Allí, el productor comenzó a subir selecciones musicales y sets con el objetivo de recomendar artistas y generar un currículum visual de su faceta como DJ.

Según indicó, el proyecto le demandó una dedicación especial no solo en lo auditivo, sino también en lo estético, con una identidad visual que busca reflejar la esencia del concepto.

En cuanto a su visión sobre la industria masiva, el artista se mostró indiferente ante las fórmulas del éxito instantáneo o el contenido diseñado para redes sociales. Aseguró que su música nace de una necesidad de expresión humana y no de una estrategia comercial.

"Mucha gente hace música pensando en el recorte para TikTok y esa gente es la que está muerta; nosotros somos los melómanos", afirmó.

Para Soto, la clave de la vigencia cultural reside en la renovación constante y en el diálogo entre generaciones. En ese sentido, manifestó su deseo de que el evento logre convocar a un público joven que pueda mezclarse con quienes llevan más de 20 años en la escena.

El músico sostuvo que la efervescencia de la adolescencia es fundamental para mantener viva cualquier movida artística en la ciudad.

Durante la entrevista, el artista también brindó precisiones sobre su nuevo álbum de estudio, el cual se encuentra actualmente en la etapa de mezcla final. El trabajo, que consta de nueve temas y un interludio, fue grabado bajo la mirada minuciosa del productor Gastón Gauna en Nido Records.

Según relató, el proceso fue largo y atravesó diversas búsquedas sonoras hasta encontrar el camino definitivo que dejó conformes a todos los integrantes.

La formación que lo acompañará este sábado, y que participó activamente del disco, está integrada por Fede Islas en batería y coros, Martín Estévez en bajo, Lucía Rojas en coros y Lautaro Villalba en guitarra. Una de las novedades de los últimos ensayos fue la decisión de eliminar el uso de metrónomos y secuencias disparadas desde computadoras.

Soto explicó que buscaban una sonoridad "más humana". Al quitar la rigidez digital, la banda logró fluir de una manera mucho más orgánica.

La apuesta por lo humano también se verá reflejada en el arte de tapa del disco, que será un cuadro original del artista visual Cristian Amescua. Soto le encargó al pintor una obra inspirada exclusivamente en la música del álbum, priorizando la mano humana por sobre cualquier diseño digital.

"Es un cuadro buenísimo que todavía tenemos guardado", adelantó con entusiasmo, reafirmando su compromiso con el valor del objeto físico.

La actividad contará con la proyección de la película "24 Hour Party People", un largometraje que narra la historia del sello discográfico Factory Records en Manchester. Soto destacó que la cinta retrata una movida efervescente donde el rock y la electrónica comenzaron a fusionarse bajo la gestión de Tony Wilson.

"Fue una etapa muy loca que incluyó a bandas pioneras como Joy Division, New Order y los Happy Mondays", recordó el organizador.

Adrián Lopinto será el encargado de musicalizar bloques en vinilo, mientras que la banda local Contrastes ofrecerá su repertorio en vivo. Por su parte, Soto anunció que realizará un set de DJ utilizando exclusivamente discos compactos, una práctica que rescató recientemente tras adquirir un equipamiento de los años 90.

También tendrá la presentación de su propia banda, en una velada que se extenderá hasta las 2 de la mañana.

Además de lo musical, el encuentro contará con una feria de coleccionistas donde se podrán adquirir vinilos y CDs, sumado a la participación de emprendedores locales. Fede Islas presentará sus correas artesanales para instrumentos, mientras que Maxi González ofrecerá una selección de fanzines.

El equipo de Cultura Zip vivió una jornada de celebración especial al alcanzar las 400 emisiones, un número que marca un hito en la trayectoria del proyecto desde su lanzamiento en 2024. El ciclo, que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, se ha transformado en un punto de encuentro ineludible para la comunidad, combinando entrevistas, música en vivo y una propuesta descontracturada que rompe con los moldes tradicionales de los medios de comunicación.

La conducción del programa está a cargo de Manu González Acosta, Martín Rosito, Nico Racciatti, Marisol Córdoba y Amalia Goñi, quienes han logrado construir una identidad propia basada en la química grupal y el humor. Este equipo es el encargado de llevar adelante la dinámica diaria, logrando conectar con una audiencia que busca contenidos frescos y cercanos a la realidad cultural de la ciudad.

Detrás de la puesta en el aire, el trabajo técnico resulta esencial para mantener la calidad que caracteriza a la propuesta. Los operadores Matías Doyle e Ignacio Macci son piezas fundamentales en el engranaje que permite que el streaming de El Eco se transmita con los estándares técnicos necesarios, utilizando tecnología de punta, micrófonos profesionales y una ambientación moderna que se ha vuelto una marca registrada del estudio.

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El éxito del programa no solo radica en la conducción, sino también en su capacidad para adaptarse a las nuevas formas de consumo digital. La apuesta por un formato de streaming permitió que el ciclo se posicionara rápidamente como una alternativa potente, capaz de integrar la inmediatez de la radio con la potencia visual de la televisión, logrando así un puente directo con los protagonistas de la escena local.

Uno de los pilares que permitió el crecimiento sostenido de Cultura Zip fue la creación del ciclo Zip Unplugged. Esta propuesta acústica e íntima se consolidó como una vitrina de primer nivel para los músicos de la región, permitiendo que artistas locales compartan sus canciones en un entorno cuidado y con una calidad audiovisual destacada.

A través de sesiones de guitarra, voces en vivo y grabaciones realizadas directamente en el estudio, el segmento logró captar la atención de un público ávido de nuevas expresiones artísticas. Este formato no solo brindó visibilidad a los músicos, sino que también enriqueció la propuesta integral del programa, convirtiéndose en uno de los contenidos más valorados por la audiencia que sigue el streaming diariamente.

La trayectoria de estos 400 programas demuestra que existe un lugar genuino para la cultura local en los medios. La combinación de entrevistas, entretenimiento y el respaldo de una producción profesional ha permitido que el proyecto no solo se mantenga, sino que continúe expandiéndose hacia nuevas audiencias que consumen contenido a través de las plataformas digitales de El Eco.

Para quienes deseen revivir los momentos más destacados de este festejo o ponerse al día con las entrevistas y sesiones musicales, todo el material se encuentra disponible en el canal de YouTube de El Eco Streaming. Asimismo, la comunidad puede seguir las novedades y el contenido exclusivo a través del portal eleco.com.ar, donde la propuesta continúa sumando capítulos a su historia.

La atmósfera de los estudios de El Eco Streaming se transformó con los primeros acordes de una milonga uruguaya de los años 40, interpretada por un artista que carga con casi dos décadas de escenarios sobre sus espaldas. Manu María fue el protagonista del primer encuentro de Zip Unplugged 2, donde repasó sus raíces, sus viajes por Latinoamérica y la madurez que alcanzó con su última producción. La participación tuvo lugar en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

Durante la charla, el compositor rememoró sus inicios en la ciudad, vinculados estrechamente a un entorno familiar donde la música era el lenguaje cotidiano. Recordó que su padre, fabricante de instrumentos, y su hermana mayor fueron las influencias determinantes que lo llevaron a subirse por primera vez a un escenario a los once años en la emblemática peña La Cautiva.

La primera parte de la entrevista giró en torno a su nuevo EP, titulado "Piedra Libre", una obra que el artista definió como un lanzamiento bisagra en su carrera. Según explicó, el proceso de grabación y producción se extendió durante más de un año, un tiempo inusual para sus dinámicas anteriores, lo que le permitió ejercitar la paciencia y analizar el concepto de cada pieza antes de materializarla. Este trabajo representó un desafío particular al ser realizado con un equipo más numeroso, alejándose de la inmediatez que suele proponer la virtualidad y las redes sociales.

El músico destacó que las cuatro canciones que componen el EP intentan amalgamar todo lo transcurrido en su historia personal. En temas como “Esquina Libertador” o “Tres Caminos”, esta última con una fuerte impronta folclórica, buscó plasmar las diferentes aristas que conforman su estilo, el cual oscila entre la canción de autor, el tango y los ritmos de raíz.

“Prioricé la expectativa y el proceso por sobre el resultado inmediato”, aseguró, señalando que esta dirección le permitió sentirse más cómodo con el camino elegido. La obra también refleja una distancia crítica con la industria musical. Para el artista, hoy existe una brecha significativa entre lo que se consume de forma virtual y lo que sucede en el vivo. En ese sentido, “Piedra Libre” fue pensado para acortar esa distancia, ofreciendo una sonoridad que respeta los tiempos del músico y la tradición de los géneros que lo formaron desde su paso por la Escuela Polivalente.

Uno de los momentos más intensos de la entrevista fue cuando relató su estadía en México, una experiencia que calificó como un antes y un después en su vida. A los 17 años, impulsado por una serie de hechos fortuitos y el apoyo de personas que creyeron en su talento sin conocerlo, decidió cruzar la frontera para radicarse un tiempo en el país azteca. Allí, se integró como voluntario en la selva, conviviendo con la comunidad zapatista en el sureste mexicano, cerca de la frontera con Guatemala.

Esta convivencia le otorgó una nueva escala de valores y respeto por el conocimiento ajeno. Recordó con asombro la experiencia de cantarle a la comunidad y escuchar sus historias, incluso llegando a conocer al subcomandante Marcos. Sin embargo, lo que más lo marcó fue una lección sobre la comunicación y la humildad: la importancia de preguntar hasta entender. “Hoy soy una persona que no sabe y eso me deja tranquilo”, confesó, refiriéndose a la garantía de aprendizaje que surge cuando alguien reconoce su ignorancia, un concepto que aprendió en su estadía en México.

A raíz de sus vivencias en el exterior, el artista aprovechó para reflexionar sobre las narrativas de éxito que imperan en la sociedad actual. Se mostró crítico con el discurso de la meritocracia, argumentando que su propia trayectoria estuvo rodeada de una "suerte aleatoria" y de personas generosas que le facilitaron el camino. “Hay muchos artistas que se rompen el lomo y no tienen la misma suerte de encontrarse con alguien que les regale un pasaje”, analizó, subrayando que es necesario reconocer esos factores externos que desbordan el esfuerzo individual.

La banda más original de la escena argentina, Los Tabaleros, continúa recorriendo el país con su particular visión del folklore. Con un estilo definido por la picardía, la autenticidad y una energía festiva inagotable, el grupo llegará a Tandil para ofrecer un espectáculo que promete transformar el escenario en un ritual de celebración colectiva.

La cita para los seguidores locales será el viernes 11 de septiembre, a partir de las 20:00, en Avenida España 745. Las entradas para este evento ya se encuentran disponibles.

La agrupación, integrada por los hermanos Roberto Luis Martínez “Beto” (guitarra y voz) y José María Martínez (guitarra y voz), junto a Félix Mateos (bombo y voz), llega a la ciudad en uno de los momentos más destacados de su trayectoria. Este presente está marcado por múltiples nominaciones a los Premios Gardel y el reciente éxito de su presentación a sala llena en el Art Media de Buenos Aires.

El grupo propone una experiencia que trasciende lo meramente musical. Amor, locura y alegría se fusionan en cada presentación, generando un clima donde la música se vive como un acto compartido, intenso y profundamente libre. Esta identidad, que alguna vez fue vista como una propuesta irreverente, se ha consolidado hoy como uno de los proyectos más sólidos y celebrados de la música nacional.

Tras recorrer el país durante todo 2025, la banda presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Todo es Folklore”. Esta obra reúne nueve canciones grabadas junto a nueve artistas y bandas argentinas de diversos géneros, derribando las fronteras estilísticas. El álbum cuenta con colaboraciones de figuras como Los Nocheros, Las Pastillas del Abuelo, Los Caligaris, Los Tekis, Ráfaga y El Kuelgue.

Este crecimiento artístico se vio reflejado en las recientes nominaciones a los Premios Gardel, donde fueron distinguidos en tres categorías: Mejor Videoclip Largo por “Todo es Folklore”, Mejor Canción de Cuarteto por “Hielo, vino y coca” junto a Los Caligaris, y Mejor Colaboración por “Campera de cuero” junto a Las Pastillas del Abuelo.

A lo largo de los últimos años, Los Tabaleros han participado en festivales de gran relevancia como el Festival de Peñas de Jesús María, Cosquín Rock, Baradero Rock y Quilmes Rock. En dichos escenarios, compartieron cartel con artistas de la talla de Babasónicos, Divididos, Ciro y Los Persas y Duki, demostrando su capacidad para conectar con audiencias diversas.

Su discografía, que comenzó en 2009 con “Carmesí”, incluye títulos como “Lolita” (2013), “¡Tuy!” (2015), “Chuy” (2019), “Una Noche en el Paraíso Escondido” (2020) y “Caramelos de Felicidad” (2023). En este último trabajo, contaron con la participación de artistas como Soledad, Sandro y 2 Minutos.

Dentro de su etapa actual, destaca el lanzamiento de “Montaña”, una colaboración junto a Ráfaga. Este encuentro entre ambas bandas representa la unión de dos universos fundamentales de la cultura popular argentina y se perfila como uno de los grandes hitos de su carrera. Con esta propuesta, el grupo continúa expandiendo los límites del género, prometiendo para su fecha en Tandil una fiesta irrepetible donde la música argentina brilla en todas sus formas.

La atmósfera de los estudios de El Eco se transformó con los primeros acordes de una milonga uruguaya de los años 40, interpretada por un artista que, a pesar de su juventud, carga con casi dos décadas de escenarios sobre sus espaldas. Manu María fue el protagonista del primer encuentro de Zip Unplugged 2, una propuesta que regresó esta semana a la grilla para permitir que los artistas locales desplieguen su obra en un marco de intimidad y diálogo pausado. La participación del músico tuvo lugar en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, donde repasó sus raíces, sus viajes por Latinoamérica y la madurez que alcanzó con su última producción.

Durante la charla, el compositor rememoró sus inicios en la ciudad, vinculados estrechamente a un entorno familiar donde la música era el lenguaje cotidiano. Recordó que su padre, un incansable fabricante de instrumentos, y su hermana mayor fueron las influencias determinantes que lo llevaron a subirse por primera vez a un escenario a los once años en la emblemática peña La Cautiva. Desde aquel niño que grababa canciones a capela en el teléfono de sus padres para luego pedirles que lo escucharan, hasta el hombre que hoy reflexiona sobre el peso de la industria, el camino estuvo marcado por una búsqueda constante de la originalidad y la identidad propia.

El núcleo de la presentación giró en torno a su nuevo EP, titulado “Piedra Libre”, una obra que el artista definió como un lanzamiento bisagra en su carrera. Según explicó, el proceso de grabación y producción se extendió durante un año entero, un tiempo inusual para sus dinámicas anteriores, lo que le permitió ejercitar la paciencia y analizar el concepto de cada pieza antes de materializarla. Este trabajo representó un desafío particular al ser realizado con un equipo de trabajo más numeroso, alejándose de la inmediatez que suele proponer la virtualidad y las redes sociales en la actualidad.

Manu María destacó que las cuatrocanciones que componen el EP intentan amalgamar todo lo transcurrido en su historia personal. En temas como “Esquina Libertador” o “Tres Caminos”, esta última con una fuerte impronta folclórica, el músico buscó plasmar las diferentes aristas que conforman su estilo, el cual oscila entre la canción de autor, el tango y los ritmos de raíz. “Prioricé la expectativa y el proceso por sobre el resultado inmediato”, aseguró, señalando que esta dirección le permitió sentirse más cómodo con el camino elegido, priorizando siempre lo que le hace bien artísticamente por sobre las exigencias externas del mercado.

La obra, que fue presentada como un manifiesto transparente de su identidad, también refleja una distancia crítica con la industria musical moderna. Para Manu, hoy existe una brecha significativa entre lo que se consume de forma virtual y lo que sucede en el vivo, donde la música se experimenta de manera orgánica. En ese sentido, “Piedra Libre” fue pensado para acortar esa distancia, ofreciendo una sonoridad que respeta los tiempos del artista y la tradición de los géneros que lo formaron desde su paso por la Escuela Polivalente de Tandil.

Uno de los momentos más intensos de la entrevista fue cuando el músico relató su estadía en México, una experiencia que calificó como un antes y un después en su vida. A los 17 años, impulsado por una serie de hechos fortuitos y el apoyo de personas que creyeron en su talento sin conocerlo, decidió cruzar la frontera para radicarse un tiempo en el país azteca. Allí, se integró como voluntario en la selva Lacandona, conviviendo con la comunidad zapatista en el sureste mexicano, cerca de la frontera con Guatemala.

Esta convivencia le otorgó una nueva escala de valores y respeto por el conocimiento ajeno. Manu María recordó con asombro la experiencia de cantarle a la comunidad y escuchar sus historias, incluso llegando a conocer al subcomandante Marcos. Sin embargo, lo que más lo marcó fue una lección sobre la comunicación y la humildad: la importancia de preguntar hasta entender. “Hoy soy la persona que no sabe, y eso me deja tranquilo”, confesó, refiriéndose a la garantía de aprendizaje que surge cuando alguien reconoce su ignorancia frente al otro, un concepto que aprendió observando la paciencia de los campesinos chiapanecos.

A raíz de sus vivencias en el exterior, el artista aprovechó para reflexionar sobre las narrativas de éxito que imperan en la sociedad actual. Se mostró crítico con el discurso de la meritocracia pura, argumentando que su propia trayectoria estuvo rodeada de una "suerte aleatoria" y de personas generosas que le facilitaron el camino. “Hay muchos artistas que se rompen el lomo y no tienen la misma suerte de encontrarse con alguien que les regale un pasaje”, analizó, subrayando que es necesario reconocer esos factores externos que desbordan el esfuerzo individual.

La cantora e investigadora rosarina Clara Bertolini protagonizará este sábado el cierre de la primera fase del proyecto Mujeres Cantoras, una iniciativa impulsada por el Instituto Profesorado de Arte Tandil (IPAT) en conjunto con la Unicen. En diálogo con Cultura Zip, ciclo que se emite por El Eco Streaming, la artista contó que brindará una charla taller donde compartirá sus saberes sobre el rol de las mujeres en el cancionero popular, proponiendo el intercambio de experiencias y la visibilización de las artistas.

El vínculo entre Bertolini y el proyecto local se gestó en San Antonio de Arredondo, Córdoba, durante un encuentro donde coordinó un espacio de formación sobre la perspectiva de género en el folclore. Allí, un grupo de estudiantes del profesorado de Tandil se interesó por su enfoque y decidió cursar la invitación a la rosarina. Según explicó la cantante, la propuesta resultó fundamental para “divulgar una labor que muchas veces queda relegada de los registros oficiales” y que, a partir de esta digitalización, queda a disposición del mundo entero.

Para la cantora, el proyecto desarrollado en Tandil tiene una relevancia que trasciende las fronteras de la ciudad. El hecho de que la información sobre las artistas sea volcada en Wikipedia permite que la identidad de las cantoras argentinas sea reconocida globalmente. Bertolini destacó que la iniciativa del IPAT utilizó formularios abiertos a la opinión pública para recopilar datos, historias y nombres, logrando una apertura democrática y colectiva que enriqueció la base de datos.

La artista rosarina también aportó su conocimiento como investigadora al proyecto local, sumando perfiles de compositoras y hacedoras de la canción que forman parte de su propio registro documental. Este cruce de información resultó vital para alimentar la plataforma y asegurar que las trayectorias de estas mujeres no se pierdan con el paso del tiempo.

Bertolini manifestó su alegría por participar de este cierre, entendiendo que este tipo de programas institucionales son los que permiten transformar la realidad del sector cultural. En un contexto donde la representatividad femenina en los escenarios aún es un debate abierto, la documentación de sus obras y vidas aparece como una herramienta política y pedagógica de gran alcance. La cantora aseguró que este proceso en Tandil es apenas el comienzo de algo que tendrá una “repercusión creciente y se seguirá ampliando en el futuro”.

Para la artista, la cantora no parte exclusivamente de la técnica vocal o el conservatorio, sino que su canto nace del quehacer cotidiano y de la esencia popular. “La cantora lleva en la voz, la voz del pueblo”, definió, subrayando que esta figura representa una identidad ligada a la tierra y a las raíces contrahegemónicas que se sostienen a través del tiempo.

La interpelación por la cuestión de género en su carrera surgió de una observación directa en sus años como profesora de danza folclórica. Bertolini recordó el momento en que, al escuchar las letras de danzas tradicionales, percibió una carga misógina que ya no podía ser ignorada. Letras que trataban a las mujeres de "ingratas" o "falsas" la impulsaron a tomar la decisión de recrear el cancionero popular con letras nuevas, conscientes y representativas de la realidad actual, una labor que plasmó en tres materiales discográficos.

La referente rosarina sostuvo que es fundamental realizar una revisión profunda de lo que se canta, ya que el arte debe ser coherente con los valores de la sociedad contemporánea. En ese sentido, destacó que las mujeres representan la mitad del pueblo y, por lo tanto, su voz e identidad deben estar presentes en el relato musical oficial. Para Bertolini, la cantora tiene voz y voto sobre lo que dice arriba del escenario, alejándose de una música vacía de sentido para abrazar un canto con contenido social y político.

La visita de Clara Bertolini aportará un marco teórico y profesional a la iniciativa Mujeres Cantoras; también reforzará la idea de que la construcción de una cultura más justa requiere de la investigación, la documentación y el compromiso colectivo. El legado de las mujeres en la música, a partir de ahora, cuenta con un registro más sólido y accesible gracias a este esfuerzo mancomunado desde Tandil hacia el país.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

El equipo de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, confirmó el regreso de su formato más íntimo. Tras el éxito de la primera entrega, el ciclo #ZipUnplugged vuelve a la pantalla y a las ondas radiales para ofrecer una propuesta diseñada especialmente para los amantes de la escena musical, permitiendo un acercamiento profundo a las trayectorias y composiciones de diversos artistas bonaerenses.

La iniciativa busca transformar el estudio en un espacio de conexión directa, donde la crudeza poética y los arreglos minimalistas sean los protagonistas. A través de estos encuentros, los espectadores podrán disfrutar de versiones acústicas exclusivas, pensadas para ser apreciadas desde la comodidad del hogar, en un formato que prioriza la calidad sonora y la calidez del relato personal de cada invitado.

La programación de junio ha sido cuidadosamente seleccionada para ofrecer una variedad de estilos que van desde la canción de autor hasta la experimentación con sintetizadores. Según informaron desde la producción, el objetivo es consolidar este espacio como una plataforma de difusión para el talento regional, brindando un marco profesional para que los músicos puedan repasar sus historias y presentar sus obras en un contexto despojado de artificios.

La grilla de transmisiones comenzará este viernes 19 con la participación de Manu María, quien abrirá el ciclo con su propuesta artística. La agenda continuará el martes 23 con la visita de Ro Sosa, una de las voces destacadas que formará parte de esta serie de encuentros íntimos. Para cerrar el mes, el jueves 25 será el turno de Enzo Tassara, mientras que el viernes 26 el ciclo concluirá con la presentación de Jo Alcobruni.

Cada una de estas jornadas promete tardes cargadas de emoción, donde la música y la palabra se entrelazan para ofrecer una experiencia única. La propuesta de Cultura Zip reafirma su compromiso con la cultura local y regional, apostando por formatos que permiten una mayor cercanía entre el artista y su audiencia, un aspecto fundamental en la construcción de la identidad musical de la zona.

Los seguidores del programa podrán seguir cada una de las presentaciones a través de las plataformas habituales de El Eco Streaming en YouTube, Eco TV y Tandil FM 104.1. La invitación queda abierta para toda la comunidad, que podrá disfrutar de estas cuatro fechas especiales que prometen marcar el ritmo de la agenda cultural de finales de junio, desde las 14 horas.

Con esta segunda edición del Unplugged, el equipo de producción busca no solo entretener, sino también documentar el presente musical, creando un archivo de versiones acústicas que quedará disponible para el disfrute de los oyentes y televidentes. La expectativa es alta ante la diversidad de los artistas convocados, quienes ya se preparan para compartir sus canciones en este formato tan particular.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

¿Breaking Bad o Better Call Saul? ¿Friends o How I Met Your Mother? ¿Game of Thrones o Lost? Debates que durante años dividieron a los fanáticos de las series tendrán ahora un escenario para resolverse: el "Mundial de Series" organizado por Cultura Zip.

La propuesta reunirá a 32 de las producciones más populares, influyentes y exitosas de las últimas décadas en un formato de eliminación directa inspirado en los grandes torneos deportivos. A partir del próximo lunes, cada cruce se definirá mediante votaciones en las historias de Instagram del programa.

El certamen estará dividido en cuatro llaves temáticas. "El Peso Pesado" reunirá a los grandes dramas y series policiales; "La Batalla de las Risas" enfrentará a las comedias y sitcoms más emblemáticas; "Mundos Paralelos" pondrá cara a cara a producciones de ciencia ficción, fantasía y misterio; mientras que "Animación y Pasiones Multitudinarias" incluirá clásicos animados, dramas médicos y miniseries.

Entre los cruces de primera ronda aparecen enfrentamientos que prometen generar fuertes debates entre los seguidores. Breaking Bad se medirá con Better Call Saul, The Sopranos enfrentará a The Wire, Friends chocará con How I Met Your Mother y Game of Thrones hará lo propio ante Lost. También habrá duelos entre The Simpsons y Family Guy, Stranger Things y Dark, House M.D. y Grey's Anatomy, entre otros.

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Una de las particularidades del torneo será su sistema de definición. El resultado de cada serie no dependerá únicamente de la elección del público, sino que también contará con la participación de los conductores de Cultura Zip, quienes aportarán su voto para determinar qué producción avanza a la siguiente instancia.

De esta manera, cada enfrentamiento combinará la opinión de la audiencia con la mirada del equipo del programa, una fórmula que promete sumar discusión, análisis y, seguramente, alguna que otra polémica.

Con 32 series en competencia, 16 duelos iniciales y una sola campeona posible, el Mundial de Series buscará encontrar la producción más querida por la comunidad de seguidores de Cultura Zip.

La cuenta regresiva ya comenzó. Desde el próximo lunes, los fanáticos tendrán la oportunidad de defender a sus favoritas y participar de un torneo que promete revivir algunos de los debates más apasionantes del universo de las series.

La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.

A través de una minuciosa reconstrucción histórica, el historiador tandilense Guido Rapallini realizó en Cultura Zip (El Eco Streaming, 104.1 Tandil FM y Eco TV) un repaso exhaustivo de la denominada masacre del Tata Dios, un evento que marcó la memoria colectiva de la ciudad a finales del siglo XIX.

Gerónimo Solané, conocido popularmente como el Tata Dios, arribó a Tandil en noviembre de 1871. Su llegada se produjo a instancias de Rufina Pérez de Gómez, esposa de Ramón Gómez, uno de los estancieros más poderosos de aquel entonces. Rapallini explicó que la mujer padecía diversos dolores y buscó en el curandero una solución que la medicina tradicional no le ofrecía, en un contexto castigado por la fiebre amarilla y el cólera. Solané se encontraba detenido en la localidad de Azul por ejercicio ilegal de la medicina.

Una vez instalado, la figura de Solané comenzó a cobrar una dimensión mística que el historiador comparó con fenómenos de masas contemporáneos. "Siempre les digo a los chicos que el Tata Dios tenía un poco del Indio Solari; convocaba multitudes en esa época", señaló Rapallini. En los alrededores de su vivienda se generaban verdaderas romerías donde se mezclaban rezos, música y una profunda comunión popular. Según los documentos de la época, se lo mencionaba frecuentemente como "Adivino Dios", destacando su supuesta capacidad para predecir el futuro.

Sin embargo, detrás de esta devoción mística, Tandil atravesaba un proceso de transformación estructural. Este crecimiento generó una fuerte tensión catastral por la posesión de quintas y chacras. Rapallini sostuvo que el relato mesiánico y oscuro que se construyó sobre el Tata Dios pudo haber servido para encubrir una trama de intereses materiales y disputas de poder entre los nuevos ricos, como Ramón Santamarina, y los sectores tradicionales.

Para el investigador, los hechos que desencadenaron la matanza no fueron producto exclusivo del fanatismo religioso, sino que respondieron a la acción de un grupo de mercenarios con objetivos específicos. El foco principal de la agresión fue la familia Chapar, la cual albergaba un libro de deudas que comprometía a diversos estancieros de la zona. "Para mí fue un grupo de mercenarios; el interés concreto era derribar la casa de los Chapar", afirmó Rapallini, sugiriendo que la masacre fue utilizada para eliminar registros financieros en medio de una puja por el poder.

La ejecución del plan comenzó entre la Navidad y el 31 de diciembre de 1871. Bajo el liderazgo de Jacinto Pérez, un curandero que operaba de manera independiente a Solané, un grupo de paisanos armados inició un raid delictivo. Los atacantes, que portaban divisas punzó y gritaban consignas contra "gringos y masones", liberaron presos del juzgado local y asesinaron a un organillero italiano antes de dirigirse hacia las zonas rurales.

El saldo total de la tragedia fue de 36 víctimas, además de la posterior muerte del propio Solané. El historiador subrayó que la mayoría de los implicados en los crímenes ni siquiera conocían personalmente al Tata Dios y que muchos actuaron bajo una lógica de anarquía y violencia dirigida específicamente hacia los extranjeros.

Tras la masacre, la presión social y política recayó sobre Gerónimo Solané, quien fue señalado como el autor intelectual de los ataques a pesar de la falta de pruebas materiales que lo vincularan directamente con los ejecutores. Mientras que los cabecillas de la banda fueron abatidos, Solané fue trasladado a una celda en lo que hoy es el predio del Teatro del Fuerte. Según el relato histórico, el curandero no llegó a prestar declaración ante las autoridades judiciales.

La noche de Reyes de 1872, cerca de la una y media de la mañana, el Tata Dios fue asesinado en su celda. "Se escucharon unos disparos; estaba en una celda y el centinela estaba distraído", relató Rapallini, agregando que el curandero solo llegó a decir que hablaría ante el "juez justo" antes de morir. Este hecho clausuró la posibilidad de un proceso legal transparente y consolidó la versión oficial que lo culpaba de la masacre.

Incluso figuras prominentes de la época participaron del escarnio público hacia su figura. Se documentó que Ramón Santamarina, quien supuestamente figuraba como una de las posibles víctimas de la banda, agredió físicamente a Solané mientras era ingresado a la prisión, ante el aplauso de los vecinos presentes. La muerte del Tata Dios puso fin al episodio sangriento, pero dejó abierta una controversia histórica que, según Rapallini, todavía permite nuevas interpretaciones sobre la lucha por la tierra y el poder en el Tandil del siglo XIX.

Lula Andersen fue la encargada de poner el broche de oro a la primera edición de Zip Unplugged, un espacio dedicado a la música en vivo y la reflexión artística. Durante la entrevista, la cantante realizó un recorrido emocional por su historia, la cual comenzó de manera temprana en el seno de una familia donde el arte fue siempre el lenguaje común. La nota surgió de su participación en el programa Cultura Zip, ciclo que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

Andersen recordó que su vínculo con el canto se inició a los seis años, aunque fue a los ocho o nueve cuando dio sus primeros pasos con la guitarra. Con una fuerte influencia de la cultura pop de principios de los 2000, como High School Musical o School of Rock, la artista rememoró sus tardes de baile frente al espejo y sus primeras canciones bajo la ducha. Sin embargo, el rol de su hermano, el músico Ramiro Robles, resultó fundamental en aquel entonces. Fue él quien le enseñó los primeros acordes y se convirtió, con el paso del tiempo, en su principal referente y consejero técnico.

La vocación de Andersen no fue algo que surgió por azar. La cantante confesó que aún conserva un dibujo realizado a sus nueve años donde se representaba a sí misma frente a un estadio colmado de gente. Ese deseo infantil tuvo su primer contacto con la realidad en el escenario de la Escuela N° 34, durante un bingo familiar. Ante unas 300 personas, la pequeña intérprete se animó a cantar una canción de su autoría, marcando el inicio de una relación ininterrumpida con el público.

A los 16 años, la escena nocturna de La Plata se convirtió en su campo de entrenamiento. Durante esa etapa, formó parte de diversas bandas de cumbia y realizó innumerables presentaciones en bares y boliches. Fue en la capital provincial donde vivió una de sus experiencias más vertiginosas: cantar ante 50.000 personas como invitada de una banda amiga que abría el show de Los Totora. A pesar de la falta de ensayo previo, Andersen decidió enfrentar el desafío bajo una premisa clara: "Quiero vivir de esto, no me puede dar miedo".

Hace cuatro años, la artista decidió instalarse en Tandil, donde comenzó a tejer nuevos lazos con la comunidad artística local. Ya en la ciudad, se desempeñó como corista de la formación Mamelook's, participando en giras por la costa atlántica, y tuvo una actuación destacada durante los festejos por los 200 años de Tandil, un evento que recordó por la inmensa adrenalina que sintió al ver la cantidad de gente que colmaba la diagonal Illia.

Al analizar la escena cultural serrana, Andersen destacó que encontró un panorama con mucho talento, aunque con espacios de exhibición limitados en comparación con otras ciudades. No obstante, celebró el crecimiento de las bandas locales en el último tiempo. "Hay talento que estaba escondido y ahora se está viendo mucho más", señaló, al tiempo que valoró las invitaciones de otros artistas para compartir escenario, lo que le permitió integrarse rápidamente al circuito regional.

En la actualidad, la cantante atraviesa un proceso de transición hacia su faceta más auténtica. Tras años vinculada a la cumbia, hoy se identifica plenamente con el género melódico con matices de pop. Su proceso creativo es espontáneo; utiliza audios de celular para capturar melodías que surgen mientras camina por la calle y luego las desarrolla junto a su piano o guitarra. Sus letras, según explicó, suelen centrarse en la superación personal con el objetivo de inspirar a quienes la escuchan.

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De cara al futuro, Andersen se trazó metas estrictas para combatir la procrastinación. Su próximo objetivo es terminar la grabación de dos nuevas canciones, trabajando con productores que aplican herramientas electrónicas, aunque no descarta la incorporación de músicos sesionistas para sus próximos lanzamientos.

Respecto al uso de las redes sociales, las definió como una herramienta de visibilidad indispensable en la actualidad, que le permite organizar su contenido y llegar a otros países. Para la artista, el objetivo final no es una fama vacía, sino lograr que sus canciones alcancen a la mayor cantidad de gente posible que necesite de su mensaje.