El próximo lunes 13 de abril no será una jornada habitual para la programación de El Eco Streaming. Con la expectativa propia de los grandes estrenos, la plataforma digital de El Eco se prepara para dar inicio a la tercera temporada de Cultura Zip, el ciclo que ha logrado capturar la atención de una audiencia joven y ávida de contenidos culturales alternativos. El programa, que se ha transformado en un pilar de la producción audiovisual local, volverá a ocupar su espacio en la grilla diaria para ofrecer una mirada profunda sobre el arte y la música.

Al frente de esta nueva etapa se encuentra Manu González Acosta, quien lidera un equipo de profesionales que combina experiencia y frescura. Lo acompañarán en esta travesía Nicolás Raciatti, Martín Rosito, Marisol Córdoba y Amalia Goñi. Juntos, buscarán profundizar la identidad de un programa que no solo informa, sino que construye un puente directo entre los creadores y el público. La química del grupo y la diversidad de enfoques prometen una dinámica renovada para las tardes tandilenses.

En la previa del debut, el conductor del ciclo no ocultó su entusiasmo por el reencuentro con los seguidores. "Estamos muy contentos y ansiosos con el comienzo. La espera se nos hizo larga, el año pasado terminamos antes y este año estamos comenzando un poco más tarde de lo habitual, pero tenemos muchas ganas de volver", expresó Manu González Acosta, reflejando el sentimiento de un equipo que ha trabajado intensamente en la preproducción durante los últimos meses.

El horario de emisión se mantendrá fiel a la costumbre que el público ya ha incorporado: las 14 horas. Se trata de una franja que el programa supo afianzar durante el ciclo anterior y que le permite dialogar con una audiencia que busca contenidos de calidad en el inicio de la tarde. Sin embargo, la continuidad horaria no significa que el formato se mantenga estático, ya que se han planificado cambios estructurales para dinamizar la propuesta diaria.

La tercera temporada de Cultura Zip no será una simple continuación de lo visto anteriormente. Según adelantó el propio conductor, el programa presentará modificaciones significativas que buscan sorprender a los espectadores desde el primer minuto. "Vamos a tener una modificación en los días de emisión, que el lunes se van a enterar. También tenemos nuevas incorporaciones que van a aportar mucho a lo que nos gusta hacer", reveló González Acosta, manteniendo el misterio sobre los detalles técnicos que se develarán en el estreno.

Estas incorporaciones no solo responden a una necesidad de renovación estética, sino también a la voluntad de ampliar el espectro de temas a tratar. La integración de nuevas voces permitirá abordar la realidad cultural desde diferentes ángulos, manteniendo siempre el estándar de calidad que caracteriza a las producciones de El Eco. La apuesta por el crecimiento del equipo humano es, en definitiva, una apuesta por la solidez del contenido periodístico y de entretenimiento.

La estructura del programa se ha diseñado para permitir una interacción más fluida con las redes sociales y las diversas plataformas digitales. En un contexto donde el consumo de medios se ha fragmentado, Cultura Zip busca ser un punto de encuentro unificado. La versatilidad de los integrantes del equipo será fundamental para transitar entre la entrevista íntima, el debate cultural y la presentación de nuevos talentos musicales.

El desafío de esta temporada radica en superar los niveles de audiencia alcanzados previamente, manteniendo la esencia que lo convirtió en un éxito. La combinación de música en vivo, entrevistas exclusivas y análisis de la agenda cultural local conforma un menú atractivo para una ciudad que respira arte en cada uno de sus rincones. El compromiso con la excelencia técnica y narrativa sigue siendo el norte de la producción.

El objetivo primordial de Cultura Zip se mantiene inalterable: brindar visibilidad a la cultura y la música independiente de todo el país. En un escenario mediático a menudo saturado por lo comercial, el programa se erige como un espacio necesario para las expresiones que surgen desde la autogestión. "Como siempre músicos, actores, actrices, van a pasar por el programa. Nos gusta escuchar música, conocer bandas y artistas nuevos", destacó el conductor sobre el ADN del ciclo.

La posibilidad de realizar esta tarea dentro de una estructura comunicacional robusta es un factor que González Acosta valora especialmente. "Que lo hagamos en el mayor multimedio de la ciudad y la región me pone muy contento", afirmó, subrayando la importancia de contar con el respaldo tecnológico y profesional de El Eco. Esta sinergia permite que los artistas locales tengan un alcance que trasciende las fronteras de Tandil, llegando a toda la zona de influencia a través del streaming.

El programa se ha consolidado como una plataforma de lanzamiento para muchos proyectos emergentes. La curaduría musical y la selección de invitados responden a un criterio de diversidad y calidad, buscando siempre ofrecer algo distinto al espectador. En esta tercera temporada, se espera que el desfile de talentos sea aún más intenso, convirtiendo al estudio en un escenario vivo donde la creatividad no tiene límites.

Con la cuenta regresiva ya en marcha, la expectativa crece entre los seguidores del programa y la comunidad artística local. El regreso de Cultura Zip representa no solo la vuelta de un programa de televisión por internet, sino la reafirmación de un compromiso con la identidad cultural de la región. El próximo lunes, a las 14, la pantalla de El Eco volverá a encenderse para dar paso a la música, el arte y la palabra de sus protagonistas.

El fin de semana largo de Semana Santa en nuestra ciudad no solo se destacó por la ocupación turística plena o las controversias locales habituales de la temporada. En esta oportunidad, el foco de atención se desplazó hacia el ámbito digital y el ingenio de los emprendedores locales, quienes supieron capitalizar la visita de una de las figuras más importantes del espectáculo argentino: Alejandro "Marley" Wiebe.

Todo comenzó el pasado viernes, cuando el conductor compartió en sus redes sociales imágenes junto a sus hijos disfrutando de un descanso en las sierras. La noticia corrió como reguero de pólvora entre los tandilenses, generando el debate inmediato sobre la ubicación exacta de su hospedaje. Mientras muchos dudaban de si efectivamente se encontraba en el partido, la confirmación de su presencia activó la creatividad de dos proyectos locales que decidieron no dejar pasar la oportunidad de posicionar sus marcas a nivel nacional.

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Los responsables de Mates Mok, un emprendimiento liderado por la pareja de jóvenes Tomás y Luisiana, fueron los primeros en dar el golpe de efecto. Utilizando herramientas de inteligencia artificial, generaron una imagen del conductor sosteniendo uno de sus productos y la publicaron etiquetándolo. La respuesta de la comunidad fue inmediata: los seguidores comenzaron a mencionar masivamente al animador hasta que el posteo llegó a sus ojos, provocándole una reacción de genuina gracia que compartió con su audiencia.

A esta iniciativa se sumó Tiendas PP, una cuenta de Instagram que ya cuenta con antecedentes de viralización exitosa, como ocurrió meses atrás con la llegada de una famosa cadena de hamburgueserías a la ciudad. En esta ocasión, Joaquín y Gustavo, los protagonistas de la marca, crearon una pieza digital donde se los veía junto a Marley en la puerta de uno de sus locales. La calidad del montaje y el tono humorístico volvieron a captar la atención del conductor de Luzu TV.

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El impacto definitivo ocurrió el lunes durante la emisión de "El Show del Verano", el ciclo que Marley conduce diariamente junto a Florencia Peña. En vivo, el equipo de producción mostró las imágenes generadas en Tandil, desatando las risas de los integrantes del estudio y de los miles de espectadores que siguen el canal de streaming. Fue en ese preciso instante cuando la producción decidió contactar a los tandilenses para invitarlos formalmente al piso en Buenos Aires.

Este martes, el encuentro virtual se transformó en realidad. Los emprendedores viajaron hacia los estudios de Luzu TV para participar del programa, llevando consigo los productos que originaron la movida digital. Con una cuota de actuación y mucha simpatía, los jóvenes tandilenses se integraron a la dinámica del show, logrando un espacio de promoción invaluable para el sector productivo de la ciudad.

Durante la entrevista, Marley se tomó con humor la situación y destacó la omnipresencia de su imagen en la ciudad gracias a la tecnología. "Aparecí por todos los locales de Tandil, con los salames, los churros, con todas las cosas que hay en la ciudad", bromeó el conductor mientras dialogaba con Joaquín y Gustavo sobre el alcance que tuvieron las publicaciones durante el fin de semana largo.

El clima en el estudio fue de total distensión, al punto que uno de los productores de la señal lanzó una idea que ilusionó a los seguidores locales: "Vamos a hacer el programa a Tandil", exclamó en el momento en que Tomás y Luisiana hacían su ingreso con los obsequios para el equipo. La visita culminó con un agradecimiento especial de Florencia Peña, quien celebró el gesto de los jóvenes: "Muchas gracias por haber venido y traernos estas cosas", señaló la actriz al cierre del segmento.

Esta experiencia marca un precedente sobre el uso de las nuevas tecnologías y las redes sociales como herramientas de marketing para los pequeños comercios. Lo que comenzó como una humorada digital terminó con emprendedores de Tandil representando el potencial creativo de la ciudad en uno de los medios de comunicación más influyentes de la actualidad, demostrando que el ingenio local no tiene fronteras cuando se trata de emprender.

La génesis de la muestra "Monstruos y Monstruosidades" se encontró en el cruce de búsquedas personales y una conexión estética que los artistas fueron tejiendo con el tiempo. Nazareno Rodríguez Di Biasse, recientemente graduado como profesor de artes visuales, y Abril Nazar, estudiante en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), decidieron sacar a la luz procesos creativos que, usualmente, suelen quedar confinados a la intimidad de los talleres. Para ambos, esta instancia representó una oportunidad fundamental de socializar su producción y compartir una mirada crítica sobre la materialidad y el entorno.

El proyecto no fue una ocurrencia repentina, sino el resultado de un trabajo sostenido. Según explicaron los protagonistas, la muestra reune piezas que datan incluso desde el año 2021. Aunque en aquel entonces las obras no fueron concebidas bajo un concepto unificado, el proceso de curaduría y recopilación permitió identificar tópicos y búsquedas estéticas que ya latían en la producción de cada uno. Este hilo conductor se volvió evidente al observar cómo los temas del desecho y lo monstruoso aparecían de forma recurrente mucho antes de que se formalizara la exhibición.

La organización logística y la selección de las piezas demandaron varios meses de labor intensa. Rodríguez Di Biasse señaló que al momento de reunir los trabajos se dieron cuenta de que existían resonancias estéticas que habían nacido de manera orgánica. Por su parte, Nazar destacó que la intención primordial fue generar una pregunta en el público, incluso a través de la incomodidad, trayendo a la superficie aquello que habitualmente se ignora o se oculta.

Uno de los pilares fundamentales de la exposición es el trabajo con materiales de descarte. Los artistas no solo utilizaron elementos reciclados por una cuestión de sustentabilidad, sino como una declaración política y poética. La propuesta consistió en elaborar imágenes sobre aquellos sujetos o elementos que son "descartados" en la estructura social actual. En este sentido, la basura dejó de ser un residuo para transformarse en un vehículo de nuevos significados.

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Rodríguez Di Biasse detalló que el vínculo con estos materiales permitió una resignificación de lo cotidiano. Al trabajar con lo que otros consideran basura, los artistas buscaron que el espectador pueda entrar en el mundo que ellos crearon y, desde allí, observar el mundo que habitamos día a día bajo una nueva luz. Esta mirada permitió transformar el objeto desechado en una pieza artística capaz de interpelar y generar una conexión emocional o intelectual.

La elección del concepto de "monstruo" no fue casual. Para los creadores, lo monstruoso representa aquello que escapa a la norma, lo que sobra o lo que causa extrañeza. Al llevar estos conceptos a la mesa, buscaron que la obra funcionara como un espejo de las tensiones sociales. La materialidad rugosa, los ensambles de objetos encontrados y las texturas densas contribuyeron a consolidar una atmósfera donde lo bello y lo grotesco convivieron sin jerarquías.

La muestra se caracterizará por una marcada interdisciplinariedad, donde los límites entre la pintura, la escultura y el videoarte se presentarán de forma porosa. Según comentaron los artistas, la repetición de ciertos materiales en las diferentes técnicas fue lo que otorgó unidad visual a toda la exposición. 

Rodríguez Di Biasse reflexionó sobre el estado actual de las artes visuales, indicando que los límites tradicionales de cada disciplina están hoy en constante discusión. En su caso particular, el artista trabajó con lo que se conoce como técnica mixta, integrando el collage sobre la pintura o el dibujo, e incluso vinculando el grabado con la escultura. Esta fluidez permitió que las obras dialogaran entre sí de manera armoniosa, unidas por la materialidad y por las preocupaciones conceptuales que comparten ambos creadores.

Un elemento destacado de la exhibición será la incorporación de un vestuario específico, como es el caso del personaje del Mina Taura, reconocida drag local. Abril Nazar explicó que su búsqueda se extendió más allá de las obras bidimensionales, creando personajes a los que se les dio vida a través de la indumentaria elaborada también con descartes. Esta faceta de la muestra permitió explorar la tridimensionalidad y la posibilidad de que el arte habite el cuerpo.

La presencia de estos personajes reforzó la idea de lo "monstruoso" como algo vivo y presente. El vestuario no solo funcionó como una pieza estática de exhibición, sino como parte de una narrativa visual más amplia que incluyó el videoarte y la puesta en escena. Para los artistas, este enfoque integral fue clave para lograr que la experiencia de "Monstruos y Monstruosidades" fuera envolvente y lograra el impacto deseado en la comunidad artística de Tandil.

La exposición se podrá ver por única vez este domingo 15 de marzo a las 19 horas, en Defensores de Las Artes (Pueyrredón 72).

La cinematografía se convirtió, una vez más, en el canal predilecto para procesar una tragedia que marcó a fuego la historia reciente de la Patagonia argentina. Mei Villagra, directora de cine que forjó su camino profesional en Mar del Plata, estrenará una pieza audiovisual que trascendió la mera crónica de un desastre ambiental. El proyecto nació desde las cenizas, literalmente, luego de que el incendio del 9 de marzo de 2021 en Golondrinas, Chubut, destruyera más de 250 viviendas, entre ellas la casa donde la madre de la realizadora residió durante los últimos 11 años.

La directora recordó que, al momento de iniciarse el fuego, ella se encontraba lejos del lugar de los hechos. Tras haber finalizado sus estudios secundarios, se trasladó a Mar del Plata para estudiar cine y fotografía, por lo que la noticia del desastre la alcanzó a la distancia. Aquella impotencia inicial de no poder estar presente para combatir las llamas se transformó, con el tiempo, en el impulso creativo necesario para documentar la resiliencia de toda una comunidad. Según relató Villagra, la película fue una forma de canalizar la bronca y, al mismo tiempo, de procesar internamente el impacto de lo sucedido.

El documental puso el foco en un evento específico: el incendio que consumió alrededor de 13 mil hectáreas de bosque nativo. La precisión del relato se sostuvo en testimonios desgarradores de quienes enfrentaron el frente de fuego. Entre las historias que integraron la obra, se destacó la de una mujer que permaneció atrapada por las llamas junto a sus dos hijos, de ocho y diez años, durante casi cuatro horas. Villagra señaló que para los protagonistas fue sumamente difícil recuperar la tranquilidad, ya que el trauma se reavivó con cada llegada del verano y la presencia de vientos intensos.

Otro de los testimonios clave del film pertenece a un brigadista que, mientras cumplía con su deber de intentar salvar las viviendas de sus vecinos, recibió la noticia de que su propia casa había sido consumida por el fuego. Esta dualidad entre el deber público y la pérdida privada atravesó todo el metraje, mostrando que el impacto de los incendios no se limitó a la superficie forestal quemada, sino que caló hondo en la estructura social de la región. La directora resaltó que, aunque la película presentó seis o siete historias centrales, estas representaron a las cientos de personas que vivieron el horror de cerca.

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La narrativa de "Abrazando la Patagonia" planteó una pregunta fundamental que guio toda la investigación: "¿Qué nos queda cuando perdemos todo?". Para Villagra, la respuesta no se halló en los objetos materiales, sino en los vínculos humanos. La cineasta observó que la reconstrucción de las vidas de los afectados hubiese sido imposible sin la enorme red de solidaridad que se gestó de forma espontánea. No solo se trató de la llegada de donaciones materiales, sino de una contención emocional que resultó vital para que las familias pudieran volver a empezar.

La experiencia personal de la directora también se vio reflejada en la dinámica de su propia familia. Villagra, quien forma parte de un grupo de seis hermanos, describió cómo se organizaron para asistir a su madre tras la pérdida total de su vivienda. Mientras algunos de sus hermanos viajaron directamente a la Patagonia para colaborar en las tareas de reconstrucción, ella y su hermana mayor permanecieron en Mar del Plata gestionando colectas y enviando camiones con donaciones.

El proceso de reconstrucción habitacional fue particularmente complejo. Dos de los hermanos de la cineasta, uno de ellos dedicado a la construcción y otra arquitecta, pusieron sus conocimientos al servicio de la recuperación del hogar materno. Trabajaron sobre los módulos habitacionales que el Estado entregó de forma precaria, reforzándolos para que pudieran soportar el crudo clima patagónico. Villagra reflexionó sobre la dificultad de volver a llamar "hogar" a una estructura nueva, cuando el fuego se llevó consigo no solo muebles, sino gran parte de la identidad y la memoria acumulada en los objetos personales.

Pese al dolor y al miedo constante que generaron las condiciones climáticas de cada temporada estival, la madre de la directora decidió permanecer en su lugar en el mundo. La realizadora explicó que su progenitora eligió la Patagonia a los 50 años como su proyecto de vida, y que ese arraigo fue lo que le dio las fuerzas para quedarse y reconstruir su cotidiano en el mismo suelo que el fuego intentó arrebatarle.

Realizar "Abrazando la Patagonia" no fue una tarea sencilla ni rápida. La producción demandó cinco años de trabajo, un tiempo que excedió la fecha del incendio de 2021 debido a que la obra incluyó un proceso de preproducción y una postproducción minuciosa. La directora subrayó que se trató de un cine completamente independiente, llevado adelante con el apoyo de amigos y familiares. En este sentido, destacó el rol de las mujeres y disidencias que formaron parte de su equipo técnico, quienes se sumaron al proyecto por "amor al cine y por la necesidad de contar esta historia".

Para financiar las etapas finales, como el montaje, el equipo debió recurrir a la organización de eventos culturales, muestras fotográficas y presentaciones de bandas en vivo. Villagra reconoció que, en el contexto actual del cine argentino, el desafío fue doble: por un lado, la carga emocional de tratar un tema tan sensible y personal; por otro, la falta de financiamiento oficial que obligó a buscar alternativas creativas para concluir el film. La cineasta sostuvo que, con un apoyo mínimo, el camino hubiese sido menos arduo, pero que el resultado final mantuvo la pureza de la autogestión.

La recepción del documental fue muy emotiva en las presentaciones previas, especialmente en la localidad de El Hoyo, donde asistieron las personas que brindaron su testimonio para la película. Villagra confesó haber sentido una gran responsabilidad al proyectar las imágenes frente a quienes vivieron el trauma. "Fue muy fuerte para ellos verse de nuevo y recordar todo lo que pasaron, pero el agradecimiento fue enorme", concluyó la directora, quien ahora acerca su obra a los espectadores de Tandil para visibilizar una problemática que, lamentablemente, se repite cada verano en distintos puntos del país.

En un gesto que buscó estrechar lazos con la comunidad, el barbero Mauri Diaz lanzó una iniciativa solidaria en su comercio ubicado en San Lorenzo 929. La propuesta consiste en ofrecer cortes de cabello gratuitos para todas aquellas personas que no cuentan con los medios económicos para abonar el servicio. El profesional, que se radicó en la ciudad hace dos años, explicó que su principal motivación fue devolverle a los tandilenses el trato y la calidez que recibió desde su llegada, facilitando el acceso a un servicio básico de estética e higiene.

Diaz recordó que esta no fue la primera vez que llevó adelante una acción de estas características. Antes de instalarse en las sierras, el joven peluquero desarrolló actividades similares en su ciudad natal, Necochea. En aquella localidad, trabajó de manera articulada con clubes de fútbol y diversos comedores comunitarios para acercar su oficio a los sectores más vulnerables. “La idea era que se acerquen ciertos comedores para el corte solidario. Que la gente que realmente no tiene los medios o no puede pagar pierda ese miedo”, relató el barbero en diálogo con este medio.

A pesar de que su comercio se encuentra en un sector céntrico, el profesional señaló que su intención es alcanzar a los vecinos de los barrios más periféricos. Según su visión, muchas veces las personas con necesidades urgentes no se animan a entrar a locales del centro por vergüenza o temor a ser rechazadas. Por este motivo, Diaz insistió en que su peluquería es un espacio de puertas abiertas donde lo primordial es la calidad humana y el respeto por el otro, independientemente de su capacidad de pago.

Originalmente, el plan del barbero era implementar esta movida solidaria antes del inicio del ciclo lectivo para ayudar a las familias con los gastos escolares. Sin embargo, reconoció que en aquel momento no contó con los canales de difusión necesarios para que el mensaje llegara a todos los interesados. “Por ahí no estoy en una zona muy periférica y eso hace que la gente de aquí tenga los medios para pagar, pero busco que la gente de las afueras también se acerque sin miedo”, explicó respecto a la ubicación estratégica de su local.

Para Mauricio, el ejercicio de su profesión va mucho más allá de una transacción comercial, ya que lo define como su gran pasión. En ese sentido, consideró que realizar algunos cortes sin cargo no le representa una pérdida significativa, sino una forma de retribución hacia la sociedad que lo eligió como comerciante. El peluquero se mostró convencido de que este tipo de gestos solidarios generan un círculo virtuoso que beneficia a toda la ciudad en el largo plazo.

En cuanto a la modalidad de trabajo, el dueño de la barbería aclaró que no maneja un sistema de turnos, sino que se rige por el estricto orden de llegada. Esta dinámica se aplica tanto para los clientes habituales como para aquellos que se acerquen por el corte solidario. Además detalló que el flujo de trabajo suele ser ágil y que, en general, los clientes no deben esperar más de 30 minutos para ser atendidos, lo que garantiza un servicio rápido y eficiente para todos por igual.

“Que vengan sin miedo y sin culpa, que les vamos a cortar gratis al que quiera”, enfatizó el peluquero, reforzando la invitación a quienes más lo necesitan. La propuesta buscó derribar las barreras invisibles que muchas veces impiden que las personas en situación de vulnerabilidad accedan a servicios que mejoran su autoestima y presentación personal. El barbero destacó que ver la satisfacción de un cliente luego de un cambio de imagen es uno de los aspectos más gratificantes de su día a día.

Desde que abrió las puertas de su negocio en Tandil, se sintió plenamente integrado a la vida local. El profesional manifestó su profundo agrado por la idiosincrasia de la ciudad y el recibimiento que tuvo su emprendimiento en estos dos años de actividad. “Los tandilenses son muy buenas personas, me he encontrado con gente muy cálida y me he hecho de buenos amigos”, comentó con entusiasmo sobre su experiencia en el medio local.

Finalmente, el titular de la barbería reafirmó su deseo de establecerse de forma definitiva en la ciudad y continuar con su proyecto profesional y solidario. Aseguró que Tandil es un lugar donde planea proyectar su futuro y que seguirá atento a las necesidades de la comunidad para colaborar desde su lugar de trabajo. Con la tijera y el peine como herramientas, Mauricio Diaz demostró que la solidaridad puede ejercerse desde cualquier rincón y que un pequeño gesto puede marcar una gran diferencia en la realidad de un vecino.

Puchasia se consolidó en la escena local como mucho más que una simple reunión de aficionados a los videojuegos. El proyecto, gestado por los socios y fundadores Maian Dalffaro y Gustavo "Tabo" Mansilla, surgió originalmente bajo el ala de una editorial independiente. El punto de partida fue un libro ilustrado, escrito por Dalffaro e ilustrado por Mansilla, que obtuvo el reconocimiento del Fondo Nacional de las Artes. Bajo el irónico título de "Puchos o 101 preguntas sobre la condición humana, tips y técnicas de inversión para pymes", la obra sentó las bases de una estética del absurdo que hoy impregna cada una de sus fiestas.

Aquel impulso inicial en el papel no tardó en expandirse hacia otras disciplinas artísticas. Antes de llegar a las consolas, la propuesta transitó por una muestra plástica en la Facultad de Arte de la Unicen y una pieza teatral en el Teatro de la Fábrica. Sin embargo, la transformación definitiva hacia el formato de evento nocturno ocurrió tras la inspiración de encuentros similares en Buenos Aires. "Dijimos: vamos a hacer esto en Tandil, no hay nada así acá", recordaron los organizadores, quienes comenzaron con reuniones pequeñas en un patio privado antes de dar el salto al circuito de los centros culturales.

La transición de Puchasia hacia el mundo del gaming se produjo de manera orgánica, impulsada por el deseo de los fundadores de compartir su colección personal de consolas en un ámbito social. Tras el éxito de las primeras experiencias domésticas en el barrio Villa Italia, la organización decidió profesionalizar la propuesta y trasladarla a Vértice, un espacio que permitió integrar una barra de bebidas y una logística más compleja. Según explicaron sus creadores, el objetivo primordial fue romper el hermetismo del nicho "geek" para ofrecer una experiencia abierta a todo el público tandilense.

El equipo de trabajo se amplió con el tiempo para cubrir las diversas aristas que demanda un evento de esta magnitud. Actualmente, la producción cuenta con la colaboración de Milena Varela, Ema Restivo y Candela Quesada en la ambientación y técnica. Además, la propuesta musical se convirtió en un pilar fundamental, contando con la participación de tres DJs: Princesa Border, Gitera y Juli. Esta combinación de disciplinas busca que el asistente no solo juegue, sino que disfrute de un entorno visual y sonoro cuidadosamente diseñado.

La identidad visual del evento también rinde homenaje a la cultura popular y musical. El nombre y el logotipo de la marca encuentran su origen en una referencia al álbum "Plantasia" de Mort Garson, un detalle que refuerza el carácter ecléctico del proyecto. "Si se preguntan a qué se refiere el logo, busquen Plantasia y se van a llevar una sorpresa hermosa", sugirió Mansilla, resaltando el vínculo constante entre sus raíces literarias y la estética actual.

Para esta cuarta edición, los organizadores destacaron la importancia de las alianzas locales para enriquecer la experiencia del usuario. En este sentido, concretaron una colaboración con El Ojo de Ugin, un café manga de la ciudad, que aportó los premios para los torneos. Asimismo, la incorporación de tecnología de impresión 3D, a cargo de colaboradores de Mar del Plata, permitió la creación de cartuchos personalizados de Family Game que funcionan como trofeos y objetos de colección para los ganadores de las competencias.

El despliegue técnico de Puchasia es una de sus mayores atracciones, ofreciendo un recorrido histórico por la industria del entretenimiento. La oferta incluye desde consolas clásicas como la PlayStation 1 y la Nintendo Genesis, hasta plataformas contemporáneas como la Nintendo Switch. Uno de los puntos más celebrados por el público es la presencia del mítico Family Game, equipado con el periférico "Duck Hunt" (la pistola de luz), y la PlayStation 2, que Mansilla calificó como la consola que marcó su infancia y "donde todo empezó".

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La autenticidad de la experiencia se apoya en el uso de televisores de tubo (CRT) para las consolas retro, respetando la frecuencia y la estética visual de los años noventa y principios de los dos mil. Los organizadores explicaron que cada generación de consolas cuenta con el monitor que le corresponde, desde pantallas de 14 pulgadas hasta televisores LCD para los sistemas más modernos como la PlayStation 4 y la Xbox 360 con Kinect. "Es un flash jugar con la pistola en una tele de tubo, es la luz original", comentaron con entusiasmo.

La grilla de juegos es variada y busca fomentar la competencia amistosa entre los asistentes. Entre los títulos más destacados se encuentran el Mortal Kombat, Mario Kart y Tetris Effect, además de los infaltables torneos. No obstante, la propuesta no se limita a lo digital; la organización incluyó opciones analógicas como mesas de Truco y el clásico Metegol, pensando en aquellos que prefieren un ritmo de juego diferente o simplemente desean compartir un vermut entre partidas.

Hacia el futuro, Maian y Tabo proyectan expandir la marca Puchasia más allá de las fronteras de Tandil. Entre los planes para el resto del año se encuentran posibles desembarcos en Necochea y Mar del Plata, así como la realización de ediciones temáticas centradas en juegos específicos como el Counter-Strike 1.6 o el Pro Evolution Soccer 6. Mientras tanto, la comunidad local sigue respondiendo con éxito: para la próxima cita en la ciudad, las entradas se encuentran virtualmente agotadas, reafirmando que la nostalgia y los videojuegos tienen un lugar privilegiado en la noche serrana.

La ciudad comenzó a movilizar a sus artistas de cara a lo que será uno de los encuentros musicales más nutridos de la temporada. El ciclo Lunático retornó a la agenda local con una propuesta que se extenderá por tres jornadas, donde el escenario principal será una terraza que recibirá a una numerosa delegación de talentos tandilenses.

La organización del evento ratificó que la actividad se pondrá en marcha el próximo jueves a partir de las 20:30. En esa primera noche, el protagonismo recaerá sobre las expresiones de la música urbana y las fusiones contemporáneas, con las presentaciones de Luperca, la banda instrumental Cuatrotre, Fran Cb, Lyro YCL, Sharau, Mile y Zión.

La diversidad de estilos es uno de los pilares de esta nueva entrega del ciclo. Tras el inicio del jueves, la jornada del viernes estará orientada a sonidos con mayor peso instrumental y experimentales. Para esta segunda noche, se confirmó la presencia sobre el escenario de Mad Mosh, Under Control, Hombre pie, Derive y Mudras, quienes aportarán sus matices al ambiente de la terraza.

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Finalmente, el sábado marcará el cierre del ciclo con una propuesta que invita al baile y al despliegue rítmico. Durante el tercer día del Lunatico Terraza, se presentarán Dr. Funkenstein, Mamelooks, Falucho, Plan Roma y Las Nubes. Como broche de oro para la velada, se anunció un "after" que estará a cargo de Dj Batik, encargado de musicalizar el final de la jornada.

Desde la producción del ciclo señalaron que el objetivo es generar un espacio de encuentro entre amigos, acompañado por cerveza y buena música, aprovechando el entorno al aire libre que ofrece el espacio elegido. La iniciativa busca consolidarse como un punto de referencia para el circuito de bandas independientes que buscan profesionalizar sus presentaciones.

En cuanto a las entradas anticipadas, se informó que ya se encuentran disponibles para la compra. Los interesados en asistir podrán conseguirlas a través de la cuenta de Instagram de cada una de las bandas participantes. Se recomendó al público adquirir los tickets con antelación debido a la capacidad del lugar y la gran expectativa que generó la convocatoria de casi 20 artistas locales.

La identidad de una marca no se construye de un día para el otro, sino a través de la coherencia y el vínculo con su comunidad. Bajo esa premisa, Buena Rola transitó más de doce años de historia en la ciudad, transformándose en mucho más que una simple etiqueta de indumentaria. Su creadora, Viqui Echezarreta, recordó cómo aquel proyecto que comenzó casi como un juego para vestir a sus hermanos y amigos terminó convirtiéndose en una identidad visual indisolublemente ligada a los paisajes y a la gente de Tandil.

La fundadora de la firma explicó que, desde el nacimiento de la marca, el objetivo principal fue generar un contenido que reflejara el entorno local. "Siempre trato de generar en todas las colecciones el contenido, tanto visual como audiovisual, con imágenes de Tandil, con modelos de la ciudad, mostrando lugares diferentes", señaló la diseñadora, quien destacó que en muchas ocasiones son los propios tandilenses quienes se sorprenden al descubrir rincones desconocidos a través de sus campañas. Este arraigo fue la piedra angular que permitió a Buena Rola diferenciarse en un mercado competitivo.

El proyecto dio sus primeros pasos en 2012, luego de que Viqui finalizara sus estudios en diseño de indumentaria. Por aquel entonces, la necesidad de crear prendas originales para su círculo íntimo fue el motor inicial. Con el tiempo, esa inquietud personal encontró un espacio de crecimiento en la escena cultural de la ciudad, especialmente vinculada a la música. La marca comenzó a ganar visibilidad en las previas de los shows que se realizaban en la ciudad, donde el público empezó a conectar con una propuesta que priorizaba la comodidad y la libertad.

Uno de los pilares que sostuvo el crecimiento de Buena Rola fue su estrecha relación con las bandas que llegaban a la ciudad. Viqui recordó que, tras la etapa de las ferias bajo el nombre de "Viqui", la marca adoptó su denominación definitiva inspirada en un capítulo de la serie animada Los Simpson. El término "rola", que en varios países de Latinoamérica hace referencia a una canción, sintetizó a la perfección la esencia del proyecto: una mezcla de buena onda y buena música.

"Sentíamos que abarcaba todo, porque rola es canción y era como buena onda, buena canción, y se relacionaba mucho a la producción", detalló la fundadora. Esa conexión no fue solo semántica, sino que se tradujo en una presencia constante en el ambiente de los recitales. La marca se convirtió en el vestuario predilecto para quienes buscaban una prenda distinta para asistir a un concierto, donde la morfología y los colores vibrantes permitían transmitir una energía diferente. De esta manera, el concepto de la firma se expandió orgánicamente entre músicos y seguidores de la escena local y regional.

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Con el correr de los años, Buena Rola dejó de ser una marca de nicho para alcanzar a un público diverso que rompe con las barreras generacionales. La diseñadora destacó que hoy cuenta con clientes de todas las edades, desde preadolescentes que no encuentran opciones en el mercado tradicional hasta personas mayores, incluyendo amigos de su padre y "señoras" que se sienten atraídas por las texturas y la calidad de los productos. Esta transversalidad es, según su mirada, uno de los mayores logros de la marca en su camino a la madurez.

Tras haber formado parte del recordado espacio Revolution Store en la calle San Martín, la marca decidió hace dos años apostar por un espacio exclusivo. La decisión de abrir el local en San Lorenzo 579 respondió a una necesidad del público que buscaba un punto de contacto directo con las prendas. "La gente me escribía para comprar ropa y estábamos solo con el taller y el estudio, no teníamos venta de showroom al público", explicó Viqui sobre el proceso que la llevó a inaugurar su actual casa.

El local se convirtió no solo en un punto de venta, sino en un estudio creativo donde conviven los procesos de diseño con la atención personalizada. Para la creadora, este espacio físico permite reafirmar el concepto de la marca en un entorno de naturaleza y cercanía, lejos del anonimato de las grandes ciudades. La apuesta por la calle San Lorenzo consolidó a Buena Rola como una parada obligatoria para quienes buscan diseño con sello local y una producción cuidada que escapa a las lógicas del consumo masivo.

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En la actualidad, el local mantiene un horario de atención extendido de lunes a viernes, de 9 a 13 y de 16.30 a 20.30, mientras que los sábados abre sus puertas de 10 a 13. A partir de la presente temporada, también se sumó la apertura por la tarde durante los fines de semana, buscando captar el flujo turístico y local que se intensifica en las zonas comerciales de la ciudad. Este crecimiento sostenido permitió a la firma mantener una estructura de producción a pulmón pero con estándares profesionales.

Mirando hacia el futuro inmediato, Buena Rola ya se encuentra trabajando en lo que será su colección de otoño-invierno. La diseñadora adelantó que el eje central de las nuevas piezas será el arte latinoamericano, con una fuerte impronta de la estética andina. "Lo van a ver en los dibujos, también muchas guardas. Todo lo que estoy haciendo en esta nueva cápsula es todo andino, incluyendo las camperas que la gente siempre busca y pide", reveló Vicky, entusiasmada por los nuevos colores y morfologías que llegarán a los percheros.

Mientras se termina de definir la nueva línea, la marca lanzó una gran liquidación de temporada con productos a precios muy competitivos. Se pueden encontrar buzos desde los 30.000 pesos y remeras a partir de los 20.000 pesos, una oportunidad pensada para que los clientes puedan acceder a prendas de diseño atemporal que no volverán a producirse. "Hay prendas que no volvemos a hacer, así que son productos súper regalados que ya son los últimos, es imperdible para aprovechar", señaló la responsable de la firma.

Con el respaldo de doce años de trayectoria y el reconocimiento de la comunidad serrana, Buena Rola se proyecta como una marca que sabe reinventarse sin perder su esencia. La combinación de arte, música y territorio sigue siendo la fórmula del éxito para un proyecto que nació en los talleres de la ciudad y hoy sueña con seguir llevando el diseño de Tandil a cada rincón del mundo. La invitación queda abierta para visitar el local de San Lorenzo 579 y descubrir por qué esta "buena rola" sigue sonando fuerte en el corazón de las sierras.

Después de casi una década sin presentarse en vivo, Fisión volvió a subirse a un escenario y lo hizo de la mejor manera: ante su gente, en una noche cargada de emoción, recuerdos y celebración. La banda, una de las más reconocidas de la historia reciente de la música tandilense y con proyección a nivel nacional, eligió La Incubadora del Arte para concretar un regreso largamente esperado por su público.

Durante los años de mayor actividad, Fisión logró trascender el ámbito local, con presentaciones en distintos puntos del país y apariciones en radios y canales de televisión. Ese recorrido dejó una huella que, lejos de borrarse con el paso del tiempo, pareció fortalecerse con la ausencia. El viernes por la noche quedó claro que la espera no fue en vano.

Minutos antes de las 23, con la sala colmada y una expectativa que se podía sentir en el aire, Agustín Román fue el primero en aparecer sobre el escenario. Las luces bajas, los murmullos del público y los primeros acordes marcaron el inicio de un show que sería tan intenso como emotivo. El estallido llegó de inmediato cuando sonó “Florencia”, una de las canciones más emblemáticas del grupo del albúm “Sacate las zapatillas”, que desató el grito unánime de los fanáticos y confirmó que la conexión seguía intacta.

Fisión está integrada por Juan Pablo Sparo, Nacho y Pepe Osa, Agustín Román y Juan Ignacio Gorostidi, impulsor de este regreso. Juntos ofrecieron un show de casi dos horas en el que repasaron buena parte de su repertorio, combinando clásicos infaltables con una puesta en escena cuidada y un sonido sólido, a la altura de la ocasión.

Lejos de limitarse a un ejercicio nostálgico, la banda mostró una versión madura y consolidada de sí misma. Cada canción pareció ocupar el lugar justo dentro del setlist, con momentos de explosión y otros de pausa, demostrando criterio, experiencia y una clara lectura del clima que se vivía en el lugar. La respuesta del público fue constante: nadie dejó de cantar, saltar o acompañar cada tema.

No todas las bandas logran ser profetas en su tierra, pero Fisión lo consiguió una vez más. Temas como “Ya lo oigo”, “Laport”, “A tus oídos” y “Gritar” fueron coreados de principio a fin por una audiencia que abarcó distintas generaciones, uniendo a quienes crecieron con esas canciones y a quienes las descubrieron con el paso de los años.

El recital dejó en claro que Fisión ocupa un lugar de privilegio dentro de la cultura musical de Tandil. Su popularidad, potenciada en su momento por el vínculo simbólico con La Torre de Tandil —en referencia a Juan Martín del Potro—, trascendió modas y contextos, consolidando a la banda como parte del ADN artístico de la ciudad.

Ahora queda la incógnita sobre lo que vendrá. ¿Fue este regreso un encuentro puntual, una manera de volver a compartir escenario y canciones, o el primer paso hacia una nueva etapa? La posibilidad de que este reencuentro marque el inicio de algo más grande de cara a 2026 ilusiona a sus seguidores.

Lo cierto es que Fisión volvió, y lo hizo dejando una señal clara: su música sigue vigente, su público está presente y su historia aún tiene capítulos por escribir. Para quienes no los conocen, sus canciones están disponibles en distintas plataformas. Para quienes los esperaron durante años, la noche del viernes fue la confirmación de que algunas bandas nunca se van del todo.

Desde la audaz decisión de dejar un trabajo estable para dedicarse plenamente al arte, hasta la grabación de su primer disco con Fusca y su visión sobre el efervescente polo cultural de Tandil, el artista radicado en Tandil se proyecta como una figura clave en la escena creativa de la ciudad.

El año de Nahuel "Naju" Gorosito ha sido, en sus propias palabras, "agitado". El músico y actor, uno de los artistas más referente de la Facultad de Arte, visitó los estudios de "Cultura Zip" para conversar sobre un presente de profundos cambios y un futuro prometedor. Recientemente, Naju tomó la decisión de renunciar a su trabajo estable, un paso audaz para dedicarse por completo a sus pasiones: la música y el teatro. "Me costó un poco, estaba haciendo una gran seguridad económica, pero bueno, un poco también hay que jugarselá", reflexionó Gorosito, asumiendo el desafío que implica la vida del artista. Este giro vital coincide con su último año de la Licenciatura en Teatro en la Facultad de Arte, cerrando un ciclo formativo y abriendo otro de dedicación plena a la creación. Sus planes incluyen la producción de obras de teatro y presentaciones, además de futuras fechas con Fusca y otros proyectos.

Parte fundamental de su apuesta artística es Fusca, la banda que Naju integra y que celebra tres años desde su primera presentación. Lo que inicialmente surgió como una búsqueda del músico para interpretar sus raps en vivo con acompañamiento instrumental, evitando el formato de pendrive, derivó en un proyecto con identidad propia. La banda se conformó inicialmente con Maian Dalffaro en el bajo y Marcelo Cacciato en el acordeón –un instrumento poco común en el género–, al que se sumaron posteriormente Tomas Varales en las percusiones y Julia Mengascini en los coros.

La incorporación del acordeón no fue casual; Naju buscaba emular una tradición familiar de su abuela paterna, cuya orquesta de Benito Juárez incluía el bandoneón. Marcel, el acordeonista, fue descubierto por un amigo a través de un documental que resaltaba sus múltiples talentos, incluyendo la creación de marionetas, y la conexión fue inmediata. La banda, con influencias musicales de todos sus integrantes, comenzó a tomar una forma más profesional, un proceso que ha implicado un constante aprendizaje para Naju de la mano de sus compañeros.

La química del grupo y el proceso creativo los ha llevado a "maquetear todo el disco" este año. El verano será clave para el "trabajo más fino", regrabando y puliendo los temas. Gorosito enfatiza la importancia de escucharse a sí mismos como banda, distanciándose de la ejecución para identificar mejoras y nivelar las composiciones. Este ejercicio, que implica hasta la "pelea con el metrónomo", ha sido fundamental para el crecimiento musical del grupo.

Para el próximo año, el objetivo principal es el lanzamiento de este álbum, acompañado de videoclips y una presentación en vivo que planean sea "con bombos y platillos". Si bien no hay una fecha definida, la banda prefiere no apurar los tiempos para asegurar la calidad final del trabajo. La complejidad de los horarios y la magnitud del proyecto han hecho que el avance sea gradual, pero firme, con la expectativa de que el verano les permita dedicarse con mayor intensidad a la etapa de grabación final.

Gorosito destaca la "mucha movida" que actualmente se vive en la ciudad, especialmente en torno a la Facultad de Arte. Existe una nueva generación de egresados y estudiantes avanzados –entre los que se cuenta– que, a diferencia de épocas anteriores, elige quedarse en Tandil, consolidando la ciudad como un "polo cultural" de gran potencia. Esta generación no solo se desarrolla individualmente, sino que también genera un camino para los que vienen detrás, fomentando un ambiente de generosidad y colaboración, prestando lugares y abriendo puertas. Naju subraya la importancia del "ejercicio de la cultura" colectivo para el desarrollo de nuevas ideas y técnicas, algo que cree que Tandil está demandando y para lo cual posee un "territorio fértil".

La escena teatral, en particular, enfrenta el desafío de llegar a un público más amplio. Naju la considera la rama "más complicada de demostrarse" para su generación, pero también la que ofrece el valor de "volver a lo analógico" y al "convivio", una experiencia que se extraña en la vida actual. "Hay algo de esquivarle a los problemas y, bueno, vos ves el teatro, ves un dramón", comenta, resaltando la capacidad del arte de generar una conexión profunda y auténtica. En este contexto, la Facultad de Arte no solo nutre talentos sino que también impulsa proyectos como "Cosas Que Pasan", un espacio de radio donde los estudiantes y graduados pueden mostrar su trabajo.

Para el próximo año, Naju y su compañero Tapo trabajan en un ambicioso proyecto: un canal de streaming experimental que busca profesionalizar a los graduados de la Facu, ofreciéndoles un campo de juego para sus diversos saberes y formaciones integrales. La idea es crear "un lugar de experimentación, de juego, un poco de infotainment", sin perder la identidad académica ni la visión de que el arte puede abrir múltiples caminos laborales.

En cuanto a la capacidad de Tandil para producir contenido audiovisual de mayor escala, Gorosito es optimista. Asegura que la ciudad tiene "las condiciones" y, crucialmente, el "capital humano" formado por la Facultad de Arte para generar ficciones, series o películas. Recuerda producciones locales previas como "Fábricas" para la TV Pública o el rodaje sobre la historia del Tata Dios. Sin embargo, advierte sobre la necesidad de pensar "otras maneras de producir", independientemente de los subsidios del INCAA, proponiendo una producción con "identidad provincial, tandilense, bonaerense" que fomente la autonomía creativa y productiva.

Respecto a sus propias inspiraciones, Naju confiesa que ha visto poco cine, con clásicos pendientes como "Volver al Futuro". Recientemente se sumergió en "Pulp Fiction", de la que destaca su densidad y la cualidad de "no saber qué va a pasar", algo que valora también en el teatro. Musicalmente, ha estado explorando a bandas como los Viagra Boys y el último EP de Wos. Se describe como un "muy de Spotify" que disfruta del "Descubrimiento Semanal", armando playlists con artistas que a veces ni siquiera conoce por nombre, priorizando el gusto personal por encima de lo mainstream. Esta diversidad también se refleja en su apariencia; es conocido por sus "looks muy cambiantes", con un ciclo de cortes y colores de pelo cada dos semanas, fruto de un "impulso de idiotez" y el aburrimiento, una forma de expresar su constante evolución personal.

La incursión de Naju en el teatro fue, según relata, un "encuentro casual". Originario de Olavarria, su primer contacto real con las tablas fue en Tandil, mientras estudiaba Trabajo Social. Compartiendo pensión con un estudiante de teatro, se sumergió en la vida de La Fábrica, donde finalmente decidió cambiar de rumbo. La decisión fue un "duelo", pero su madre, con una cita inspirada en "En busca de la felicidad", lo impulsó: "Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo". Para el próximo año, sus planes actorales incluyen la dirección de un infantil, con elenco y equipo ya confirmados para el verano, y la participación en "Carne Fresca", donde actualmente se encuentra leyendo obras en busca de la que lo sorprenda y lo cautive. Otro de sus talentos ocultos, reveló, es la cocina, destacando su habilidad para preparar desde solomillo hasta pan casero.

La emblemática banda tandilense, compuesta por Juampi Sparo, Nacho Osa, Juan Ignacio Gorostidi, Agustín Román y José Osa, anunció su esperado regreso.

La cita será el viernes 26 de diciembre a las 22 horas en La Incubadora de Arte, un evento que promete ser un reencuentro cargado de nostalgia y nuevas energías, con entradas que ya agotan su preventa y una expectativa que supera todas las proyecciones. El público local y de la región se prepara para revivir la trayectoria de una formación que marcó una época en la escena musical.

La iniciativa de esta vuelta, tan anhelada por sus seguidores, surgió de Juani Gorostidi, quien, tras un período de menor actividad con Kapanga, propuso la idea de retomar el proyecto. Si bien los integrantes mantuvieron contacto y algunas reuniones informales, como el tradicional show de cumpleaños del bajista Nacho Osa en una terraza, la posibilidad de un regreso concreto se venía postergando. El año pasado, la agenda de Agustín Román, que residía en Brasil, y los compromisos de Gorostidi con Kapanga obligaron a posponer la fecha. Sin embargo, este año, la invitación para participar en una terna en un festival fue el puntapié definitivo.

"No estábamos desesperados por volver, queríamos que se diera cuando se tenga que dar", explica Osa, reflejando la paciencia con la que abordaron este retorno. A partir de junio, el quinteto se impuso un cronograma de ensayos que, a diferencia de otras etapas, cumplieron rigurosamente. La premisa principal, según Sparo, no era meramente melancólica, sino "volver y sonar bien". Esta exigencia se convirtió en el motor que los llevó a reencontrarse con sus canciones, muchas de las cuales han adquirido una nueva dimensión tras los años de experiencia y madurez musical individual.

El reencuentro con el repertorio de Fision ha sido un proceso transformador para sus integrantes. "Hay canciones que se resignifican, que se tocan de otra manera. Hay más madurez", asegura Sparo, aludiendo a cómo la evolución personal de cada músico impacta en la interpretación de temas que, en algunos casos, datan de su adolescencia. Osa, por su parte, destaca el placer de escuchar las canciones sonar "igual o mejor que hace seis años", una sensación que los conecta con su esencia. Si bien la nostalgia es un componente innegable de este regreso, la banda también se ha dedicado a reformular instrumentaciones de algunos temas para adaptarlos a un sonido más actual.

Lejos de ser un mero ejercicio de memoria, este regreso también mira hacia adelante. Los músicos confirmaron que están trabajando en una canción nueva, aún en "boxes", lo que sugiere que el show del 26 de diciembre podría ser solo el inicio de una nueva etapa. La respuesta del público ha sido contundente: la preventa se agotó en la primera semana, y las redes sociales se inundaron de mensajes de apoyo, tanto de viejos seguidores como de nuevas generaciones que conocieron a Fision post-separación. Esta acogida generó una "gran expectativa" y el deseo de llevar su música a otras ciudades del país, donde ya se multiplicaron los pedidos de fechas. "Primero era vencer la inercia, y después vamos a ir viendo qué sale", afirma Sparo, dejando la puerta abierta a futuras presentaciones.

Fision no es una banda cualquiera; es parte de la historia musical de Tandil. Sus orígenes se remontan a principios de la década de 2000, cuando comenzaron como "Niño Fision" y luego pasaron por "Fision Fiesta Rock", hasta adoptar el nombre definitivo que los llevó a recorrer el país. Su primera fecha importante ocurrió en 2004, año trágico para la música en vivo por Cromañón, un evento que complicó enormemente los circuitos de bares y producción. "Tocamos en Buenos Aires y nos costó un montón volver a tocar", rememora Osa, aludiendo a las dificultades de aquel entonces. La formación que subirá al escenario de La Incubadora es la misma que grabó un videoclip con Osvaldo Laport y tocó en programas de televisión como C5N, llevando su música "desde Tilcara al Chaltén", superando los desafíos de la autogestión en un "Gol con un carrito atrás".

El concierto del 26 de diciembre se concibe como una celebración más que un maratón musical. "Nos aburren un poco los shows largos", confiesa Osa, por lo que el repertorio incluirá "todos los temas más significativos" en un show de duración ajustada, pero con una producción de alto nivel. La posibilidad de artistas invitados, si bien no fue confirmada, se dejó entrever con la frase "puede haber sorpresas". Ante la masiva demanda, los músicos recomiendan adquirir las entradas restantes en el local Commodity (Vicente López y Del Valle) o a través de todopass.com.ar. La banda también tuvo que estrenar un nuevo perfil de Instagram, @fision.ar, luego de que su cuenta anterior fuera hackeada.

Para Sparo y Osa, este regreso es también un viaje en el tiempo. La música tiene el poder de "transportarte automáticamente a esa época", y el show del 26 será, por primera vez, un encuentro con ese factor nostálgico. "Antes, al estar activos, no jugábamos con ese factor del recuerdo, hoy es inevitable", reflexiona Sparo. La experiencia, según Osa, es ver a "mucha gente que se va a reencontrar con una parte de su vida". El cariño de los fans es palpable, como lo demuestra el comentario del "Mono" de Kapanga en su publicación, un gesto que subraya el impacto de Fision en la escena nacional. Con la emoción a flor de piel y el talento intacto, como demostró Sparo al interpretar en vivo un fragmento de la canción "No te animás", Fision está listo para escribir un nuevo capítulo en su historia musical, invitando a su público a ser parte de un momento único.

Gonzalo “Pochi” Sarmiento, referente en el mundo del gin y creador de contenido, visitó los estudios de El Eco para sumergirse en la fascinante diversidad de esta bebida. Con su “arsenal” de botellas y copones, Sarmiento desgranó los secretos de su elaboración, historia y la cultura que rodea el consumo consciente de una bebida que experimenta un auge sin precedentes en Argentina y, especialmente, en el vibrante escenario local.

La pasión de Gonzalo Sarmiento por el gin es palpable. Con un vasto conocimiento del rubro, el especialista introdujo la charla exhibiendo la versatilidad de la bebida con dos etiquetas: “La Francesa”, de Mar del Plata, y “Catsit” de Buenos Aires. Esta diversidad fue el puntapié inicial para desmitificar un prejuicio común: "Cuando me dicen ‘no me gusta el gin’, es porque no encontraste el gin que es para vos", afirmó Sarmiento, subrayando que esta bebida es tan cosmopolita que cada origen le otorga una identidad única.

Tandil no es ajena a este fenómeno. Gonzalo Sarmiento destacó la creciente oferta local, mencionando a Campo con sus etiquetas Lagonico y Prez. A ellas se suman destilerías como Ta-ta-Dios, Piratas y Magic Stone, confirmando el florecimiento de la producción de gin en la región. Asimismo, mencionó su primer encuentro con el gin, un London Dry clásico, “Bulldog”, y cómo lo cautivó “Bosque”, una etiqueta argentina patagónica. De ella resaltó no solo su aroma que "parece perfume" y su exquisito sabor, sino también sus múltiples galardones internacionales y sus variedades, como Bosque Nativo y Alta Montaña, esta última con 54 grados de alcohol, una de las graduaciones más altas permitidas en el país.

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El experto desentrañó el proceso de elaboración, que puede variar en complejidad, pero siempre debe cumplir con una premisa fundamental: la presencia de enebro. "Si no lleva enebro, no es gin", sentenció Sarmiento, explicando que esta es la base legal para su denominación. Además, diferenció el gin de la ginebra: esta última requiere la creación del propio mosto de alcohol, mientras el gin se elabora a partir de alcohol agrícola tridestilado, al que se le infunden botánicos mediante maceración o arrastre de vapor en un alambique.

El proceso de destilación es clave y delicado. Una vez que el alcohol hierve y sus vapores se condensan, el maestro destilador realiza los "cortes": cabezas, corazón y colas. Las cabezas, con su olor a "caucho quemado", contienen metanol y alcoholes pesados, perjudiciales para el consumo. El corazón es la parte más pura y valiosa del destilado, mientras que las colas, que huelen a "quita esmalte", arrastran aceites no solubles que, según se cree, contribuyen a la resaca. De allí la importancia de consumir bebidas con registros sanitarios que garanticen su seguridad y calidad.

El gin ha experimentado una revolución en la última década. Sarmiento recordó que "de pibe era raro tomar gin tonic", un trago que hoy es omnipresente. El fenómeno se aceleró con la pandemia, cuando el tiempo libre impulsó a muchos a experimentar con la destilación casera. “Mucha gente se puso a destilar y ahí arrancaron un montón de marcas”, explicó, destacando cómo el proceso, técnicamente "sencillo" en sus bases, permitió la emergencia de numerosas etiquetas.

La historia del gin se remonta a Holanda, donde nació como una "ginebra" de uso medicinal, aprovechando las propiedades antiinflamatorias del enebro. Sin embargo, su consolidación como bebida popular y la creación del gin tonic tienen un origen más particular: la malaria. Para combatir esta enfermedad, se utilizaba un extracto de quinina de sabor desagradable. La ingeniosa solución fue mezclarlo con gin, dando origen a la bebida que hoy conocemos y sentando las bases de lo que sería el agua tónica.

En el mercado actual, la presentación es casi tan importante como el contenido. Sarmiento afirmó que el diseño de las botellas de gin es fundamental para el marketing y para que cada marca encuentre su "identidad propia". "Todo lo que vos comprás primero entra por los ojos", sentenció, señalando que la estética de la botella es crucial para destacarse en la góndola. Un ejemplo es la descripción de "La Francesa", con notas de piel de naranja, enebro y anís estrellado, que ilustra la complejidad aromática y gustativa que los destiladores buscan en cada creación.

En cuanto a la preparación, Sarmiento desterró el mito de que mucho hielo "agüa" el trago. Por el contrario, explicó que el hielo abundante es esencial para mantener la bebida fría y evitar su rápida dilución. Los cócteles, como el gin tonic, tienen medidas estandarizadas, y el uso de un jigger asegura la cantidad precisa de alcohol. "Si te agüa el trago, es porque lo estás tomando muy lento", bromeó, invitando a disfrutar la bebida a su ritmo. Respecto a la tónica, su preferencia es por las opciones sin azúcar, aunque reconoce que la elección es "totalmente subjetiva".

Gonzalo Sarmiento, conocido en redes como @Pochitonic, utiliza sus plataformas para ofrecer "reseñas organolépticas" de gins nacionales, describiendo perfiles, aromas y notas. Su objetivo es educar y mostrar la vasta oferta de destilados locales. Además, trabaja en una serie de videos sobre el "Perfect Serve", donde el garnish (acompañamiento) se elige para complementar o realzar los botánicos específicos de cada gin. Su proyecto personal incluye la creación de un extenso Excel con todas las botellas que posee, registrando su origen, tipo y características. Aunque ama el gin, Sarmiento aclara que no es un consumidor constante, sino que sus catas son un ejercicio profesional para "conocer, no tanto embriagarse". Su misión principal es "ver fuera de la caja", promoviendo marcas que no llegan a grandes supermercados y visibilizando a productores que enriquecen el diverso y dinámico universo del gin.

La propuesta, que se consolidó como un referente cultural y una de las apuestas digitales del multimedio, celebrará su trayectoria con una despedida llena de música, talento y el espíritu que la caracterizó desde sus inicios.

Cultura Zip, una iniciativa que floreció en el ámbito de El Eco Streaming, se ha establecido como un faro para la escena cultural de Tandil, proveyendo un espacio dinámico y vibrante donde artistas locales encontraron un escenario único para compartir su talento y conectar con una audiencia creciente. El ciclo, que ha sido liderado por Manu González Acosta y ha contado con la co-conducción de Nicolás Raciati, Marisol Córdoba, Amalia Goñi y Martín Rossito, llega al final de su segunda temporada este viernes, consolidando su reputación como una de las apuestas digitales más resonantes del multimedio.

Desde su lanzamiento, Cultura Zip trascendió el formato de entrevista tradicional, incorporando elementos lúdicos y espontáneos que rápidamente moldearon su identidad. Cada jornada de emisión se transformó en una experiencia cargada de artistas que llevaron su música en vivo al estudio, complementada por los ya clásicos juegos que desafiaban la creatividad de invitados y conductores. Estos momentos distendidos no solo generaron una interacción significativa en las redes sociales de El Eco y del propio programa, sino que también cimentaron una comunidad fiel de espectadores. 

Este enfoque fresco y cercano permitió que el ciclo se destacara en el panorama del streaming local, ofreciendo una ventana auténtica y accesible a la vasta diversidad artística de Tandil. La segunda temporada, en particular, reafirmó el compromiso del programa con la difusión cultural, amplificando voces y propuestas que, de otro modo, quizás no hubieran encontrado una plataforma tan masiva y efectiva. La energía, el profesionalismo y la pasión del equipo de producción y conducción fueron pilares fundamentales para mantener el pulso del programa y construir una narrativa coherente y atractiva en cada tarde de emisión.

La culminación de Cultura Zip prometió ser tan vibrante y memorable como ha sido su trayectoria. Para este cierre de ciclo, la última semana de emisiones diarias fue cuidadosamente diseñada para ofrecer a la audiencia un verdadero desfile de talento local, un broche de oro que antecede al programa final extendido. La recta final comenzó el pasado martes con la visita de integrantes de Fisión, la reconocida banda tandilense que, tras varios años de inactividad, se prepara para un regreso único a los escenarios en las próximas semanas. Su presencia en el estudio de El Eco Streaming anticipó la emoción de su retorno, conectando con los fans y celebrando la trayectoria de la banda. Al día siguiente, el estudio abrió sus puertas a Enzo Tassara, líder de la banda Plan Roma, y Leo López, integrante de V4. Continuando con la agenda de despedida, el jueves la audiencia fue testigo de la primera visita de Nahuel Gorosito al programa, cantando algunas de sus canciones. Conocido por su trabajo como actor y también por su rol como cantante de Fusca, Gorosito aportó una nueva perspectiva al ciclo, enriqueciendo el diálogo cultural con su multifacética experiencia. Su presencia se sumó a la ya extensa lista de talentos locales que han pasado por el estudio, consolidando la reputación del programa como un verdadero escaparate cultural. 

El broche de oro llegará este viernes, 12 de diciembre, con un programa especial de poco más de dos horas. Esta edición contará con la presencia de todos los integrantes del equipo que hizo posible Cultura Zip, reunidos para celebrar los logros y la huella que deja el ciclo. Para esta gran despedida, la música en vivo estará a cargo de Derivé y Lautaro Soto, dos nombres que prometen poner el punto final a una temporada llena de éxitos. Todo esto desde las 14 horas por todas las plataformas de El Eco.

El escritor Pablo Mariosa, autor de thrillers psicológicos y radicado en Tandil hace tres años, presenta su más reciente novela, "Póstumo". En una entrevista exclusiva con Cultura Zip, el autor reflexiona sobre su trayectoria literaria, el complejo mundo editorial y el impacto de la tecnología en la lectura, destacando la permanencia del libro en papel como un refugio ante la hiperconectividad.

Pablo Mariosa irrumpe en la escena literaria con "Póstumo", su flamante novela que promete mantener en vilo a los lectores. Apenas salido de imprenta, el libro llegó a sus manos pocas horas antes de la entrevista, aún con el "olor a nuevo" que tanto aprecian los amantes del papel. Mariosa, conocido por el éxito de "Efecto Regina", admite que, con múltiples publicaciones, a veces le cuesta recordar los detalles de sus obras anteriores, un desafío constante para cualquier escritor en activo. "A medida que vas acumulando historias, es difícil recordarlas todas. A veces me preguntan algo y pienso, '¿Yo escribí eso?'", confiesa entre risas. "Póstumo" narra la historia de Esteban Quinteros, un exitoso escritor porteño de novelas románticas que, a punto de lanzar su nuevo trabajo, es contactado por una lectora aparentemente común. Sin embargo, el vínculo rápidamente deriva en una obsesión que recuerda a clásicos del suspenso como "Misery" de Stephen King, al que Mariosa rinde homenaje en su obra. La novela explora la idea de la "gloria póstuma" y cómo el protagonista se ve envuelto en una espiral de acontecimientos que amenazan su vida. Es una lectura ágil y atrapante, ideal para desconectarse en cualquier momento del día, especialmente en los venideros meses de verano.

La vocación de Mariosa por la escritura surgió en la adolescencia, influenciado por la fantasía épica y juegos de rol con amigos que se transformaron en su primera novela. No obstante, no fue hasta los 30 años que asumió plenamente esta pasión como un camino profesional. "Para mí era tan obvio que me hacía ruido, cómo podía ser que la tuviera tan clara cuando muchos amigos daban vueltas con su futuro", explica. Ese primer libro, publicado en 2003 con la ayuda de su madre y sin la omnipresencia de las redes sociales, fue una aventura de difusión "a pulmón" que lo forjó como autor.

El camino editorial de Mariosa ha transitado por distintas etapas, desde la autopublicación hasta firmar contratos con sellos más grandes. Explica que, al autopublicarse, el autor asume todos los costos y tiene el control total del proceso (maquetación, corrección, diseño), mientras que una editorial tradicional invierte el capital y se encarga de la producción y distribución. "Cuando firmás contrato con una editorial, ellos ponen la inversión. El proceso es el mismo, pero el capital lo pone la empresa", detalla. A cambio, el autor recibe regalías, generalmente un porcentaje sobre el precio de venta al público. Los contratos con las editoriales suelen ser por obra, no por tiempo indefinido, y establecen condiciones como plazos de entrega que se ajustan al cronograma de publicaciones y eventos del sello, como la Feria del Libro de Buenos Aires. Mariosa también menciona la existencia de "códigos" no escritos, como ofrecer primero las nuevas obras a la editorial actual antes de explorar otras opciones. 

Aborda también el fenómeno del "ghostwriter" o escritor fantasma, una figura anónima que redacta libros para terceros a cambio de una remuneración, sin derechos intelectuales sobre la obra. Aunque se le ofreció esa posibilidad, Mariosa prefirió dedicarse a su propia propuesta literaria, manteniendo su trabajo principal en una empresa de tecnología. A lo largo de su carrera, Mariosa ha publicado con distintas editoriales. Su primer thriller psicológico, "Lucero", salió en 2021 bajo el sello Ediciones Fake, una editorial cordobesa que, aunque de estructura más pequeña, produce libros "preciosos". Sin embargo, su objetivo de ver sus obras en librerías de gran alcance, como el Ateneo Grand Splendid, lo llevó a buscar sellos con mayor distribución, como El Fondo, su editorial actual. "Quería ir a esa librería y que esté mi libro", expresa sobre su deseo de ampliar la visibilidad.

Frente a pronósticos apocalípticos sobre la desaparición del libro en papel por el avance tecnológico, Mariosa celebra su vigencia. Si bien reconoce el crecimiento del formato digital en otros países, en Argentina el libro impreso sigue siendo muy valorado. "El libro tiene una vigencia que sorprende. Me gusta el libro impreso y hay un montón de gente que sigue disfrutando de eso. Tiene otra cosa, otra experiencia", afirma, destacando el placer del olor a tinta y la desconexión que ofrece. "En una época donde hacemos todo por el celu, está bueno salir un poco de la pantalla", concluye, viendo el libro como un escape no solo de la realidad, sino también de la hiperconectividad.

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La tecnología, sin embargo, también es una aliada. Mariosa elogia los "book trailers", videos promocionales que generan expectativas y enganchan a los lectores en redes sociales, de manera similar a los avances cinematográficos. Respecto a los audiolibros, considera que son una excelente alternativa, especialmente para cuentos o fragmentos, aunque prefiere la lectura personal para obras completas. "Se pierde un poco la interpretación propia, pero si le ponen efectos o está bien locutado, puede ser muy bueno", opina, recordando un cuento suyo adaptado a ese formato.

Pablo Mariosa se radicó en Tandil hace tres años, buscando un cambio de vida que lo alejara del "caos de una ciudad multitudinaria" de Buenos Aires, su ciudad natal. La pandemia fue el punto de quiebre que lo impulsó, junto a su pareja, a buscar un entorno con más naturaleza. "Efecto Regina", su novela anterior, fue escrita íntegramente en Tandil, reflejando la influencia local en su proceso creativo. 

Actualmente, Mariosa escribe principalmente por las mañanas, aprovechando la tranquilidad de las primeras horas, un hábito que le permite conciliar su pasión con su trabajo en el sector tecnológico. Su llegada a Tandil no solo le ha brindado un nuevo hogar, sino también un espacio propicio para seguir desarrollando su prolífica carrera literaria.

Manuela Zubieta y Micaela Marcos, jóvenes directoras, junto al profesor Ignacio Díaz Delfino, revelan los desafíos y la esencia de un programa vital para la formación artística y la cultura de Tandil.

El ciclo Carne Fresca, evento cultural consolidado y reconocido como Patrimonio Cultural en Tandil, finaliza su decimonovena edición con dos esperados estrenos. Este programa es la culminación de la Práctica Integrada del Teatro 3 de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires (UNICEN), donde los estudiantes asumen la dirección integral de proyectos teatrales, desde la concepción hasta la puesta en escena. Ignacio Díaz Delfino, docente de la Facultad, destaca el "nivel muy importante" de las obras y la asistencia a sala llena, evidenciando la madurez del ciclo en la ciudad.

Las directoras, Manuela Zubieta y Micaela Marcos, llegaron al teatro por caminos diversos y personales. Micaela, oriunda de Cabildo, recuerda haber actuado desde niña en el campo, creando historias. Pese a dudar en la adolescencia, un test vocacional la situó "arriba de un escenario", confirmando su destino. Por su parte, Manuela, de Olavarría, tras explorar la gimnasia y el circo y considerar ingeniería, halló su vocación en Tandil mediante un taller municipal y la influencia familiar, inscribiéndose en la Facultad a último momento.

El proceso creativo en "Carne Fresca" implica gestionar la frustración, un desafío que ambas directoras transforman en motor. Manuela enfatiza la necesidad de un equilibrio, usando los contratiempos para identificar y mejorar aspectos de la obra. Micaela coincide, viendo cada desafío como una oportunidad de crecimiento. Díaz Delfino subraya el ambiente colectivo de la cursada, donde compañeros y docentes comparten "la frustración como las alegrías", fortaleciendo los proyectos.

Micaela Marcos dirige "Hipernatremia", de Sebastián Ricci, una obra que la cautivó por su conexión con la idiosincrasia de los pueblos. El texto, que Zubieta esperó dos años para dirigir, se inspira en la catástrofe de Epecuén y dialoga con eventos contemporáneos, como la inundación en Bahía Blanca. Con Tito Lanfranqui y Andrés Auroset en escena, la propuesta promete una conexión profunda con el público. "Hipernatremia" se presentará en La Fábrica el martes 9 y el viernes 12 de diciembre a las 21 horas.

Manuela Zubieta presenta "El Viaje de Clara", de Mauricio Martín Funes, una obra inicialmente de títeres que adaptó para actores. Marcos conectó profundamente con la pregunta central que plantea el texto: "¿cuánto tiempo estarías persiguiendo algo que te fue arrebatado?". Esta es principalmente una historia de amor, de resistencia y de acción.Clara emprende un viaje de injusticias y su ausencia deja en evidencia la fuerza de los vínculos más cercanos. Familia, amigos y un gran amor encuentran refugio en la ternura para sostener la lucha. Con un elenco numeroso, Alejandra Aragón, Juan Torrens, Cristian Cejas, Mia Scafoglio, Fernando Bruno, Marcos Casanova y Simón Herrera, la obra estrena el miércoles 10 de diciembre y repite el jueves 11, ambos días a las 21 horas en La Fábrica.

Los días previos al estreno combinan nervios, emoción y una intensa atención a cada detalle. Ambas directoras priorizan que el proyecto teatral salga bien, volcando su pasión más allá de lo académico. Díaz Delfino explica que la cátedra busca formar "artistas independientes" multifacéticos, capaces de gestionar la producción, la prensa y la dirección, para que puedan "vivir de lo que le gusta". La cultura de Tandil, un "crisol de actividades" en constante crecimiento, nutre y permite el cruce de disciplinas, según las directoras.

Las entradas generales para ambas obras tienen un valor de $10.000, con descuento para estudiantes y jubilados a $8.000. Se pueden adquirir contactando a las directoras, a través del Instagram del ciclo Carne Fresca o en la boletería de La Fábrica, desde dos horas antes de cada función. Las obras tienen la posibilidad de girar post-ciclo, gestionando sus derechos de autor por un año.

Rodrigo Rojo, profesional audiovisual y actor, compartió detalles de su experiencia de casi un año y medio viviendo en Mallorca. En diálogo con "Cultura Zip" de El Eco Streaming, Rojo repasó su trabajo en grandes producciones como la serie "Sena" de Netflix, su exploración de las raíces familiares en Galicia y la inminente vuelta a su ciudad natal con nuevos proyectos.

Rojo, quien arribó a la isla española hace casi un año y medio, explicó que su decisión de migrar estuvo motivada tanto por un plan de infancia que no se concretó en 2001, cuando su familia evaluó la posibilidad de mudarse, como por la presencia de un amigo y compañero de la Facultad de Arte, conocido como Grillo. "Me vine a encontrar con ese personaje", afirmó el tandilense, haciendo referencia a la versión de sí mismo que hubiera tenido una infancia mallorquina.

Actualmente, el ambiente en Mallorca ya es "muy navideño", según describió Rojo. La ciudad se prepara con antelación, y el alumbrado gigante se encendió el 22 de noviembre, un evento que cubrió con el canal local con el que colabora.

La trayectoria de Rojo en el ámbito audiovisual comenzó durante sus años de estudio en la Facultad de Arte, en los que se involucró en proyectos locales como Club TDL, Mole y el Festival Patio. Esta experiencia temprana le permitió trabajar con la cámara mientras cursaba su carrera.

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Previo a su viaje, Rojo tuvo la oportunidad de trabajar en la serie "Senna" de Netflix, una "súper producción" en la que participó durante cuatro meses como director de extras. Su rol implicaba coordinar grupos humanos, a veces de hasta 70 personas, y manejar los "timing emocionales" siguiendo un guion y un plan de rodaje.

Describió la experiencia como "alucinante" y "muy bonita desde lo humano", destacando el aprendizaje en un entorno con profesionales de alto nivel, algunos con experiencia en producciones de directores de renombre. Si bien esta oportunidad le "abrió puertas" en la industria, su deseo de viajar y explorar otros horizontes lo llevó a Mallorca.

En la isla, Rojo comenzó trabajando en diversas tareas antes de poder vincularse con proyectos audiovisuales, un camino que se abrió gracias a encuentros y colaboraciones con personas locales. También formó parte de "Moasís", un programa de argentinos en Mallorca, donde estuvo a cargo de la producción audiovisual, incluyendo la cámara, edición y contenido para redes. Esta participación le permitió conocer mejor la cultura local.

Una de las experiencias más significativas de Rojo en España fue su búsqueda de las raíces familiares en Galicia. Con un árbol genealógico anotado "en una servilleta de papel", emprendió un viaje a Camariñas, un pequeño pueblo en la Costa da Morte, para rastrear a los Rojo, la familia de su abuelo.

De manera fortuita, en una mueblería del pueblo, se encontró con un hombre que no solo era su familiar lejano, sino que también conocía las historias de sus antepasados,

incluyendo relatos de un tatarabuelo, Pedro Rojo, que él solo había escuchado de su abuelo. Este encuentro le permitió recorrer los lugares donde vivieron sus ancestros, confirmando anécdotas que parecían leyendas y fortaleciendo su conexión con su historia familiar.

Rodrigo Rojo anunció su regreso a Argentina, no solo por vacaciones, sino para "quedarse un tiempo" y realizar trámites en el consulado. Expresó su entusiasmo por reencontrarse con su "yo" que dejó hace casi un año y medio y procesar todas las experiencias vividas.

Entre los aprendizajes de su estancia en Mallorca, más allá de la particular cultura de las "cañas" (pequeñas cervezas) en el desayuno, el tandilense valoró el desarrollo de su carácter y la confirmación de que "tomando riesgos, la vida muchas veces te regala experiencias muy bonitas y que te permite descubrirte de otras maneras". Para su vuelta, Rojo ya tiene planes, como armar un "home studio" para trabajar el sonido y colaborar con aliados en la gestión de nuevos espacios culturales en Tandil.

Gastón Barbosa y Agustina Barreto, integrantes del equipo, fueron entrevistados en el programa Cultura Zip, emitido por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, donde destacaron la importancia del talento local y el potencial de la ciudad como epicentro creativo.

Gastón y Agustina, parte del equipo que también integran Nazareno Gutiérrez, Nahuel Rivero y la reciente incorporación de Marti, dialogaron sobre el notable crecimiento de Atlanta Audiovisual en los últimos años. Según sus propias palabras, ocho de cada diez videoclips de bandas locales son producciones suyas, un testimonio del impacto que han logrado en la escena cultural tandilense. "Se fue dando, la verdad. Hoy por hoy, por suerte, cada vez los artistas, y sobre todo los tandilenses, deciden hacer videoclips y nos llaman a nosotros", explicó Barbosa sobre el nicho que encontraron. Barreto añadió que celebran que existan cada vez más opciones audiovisuales en Tandil, lo que contribuye a formar una industria en la ciudad.

La productora, que inició sus actividades hace seis años en 2019, rememoró sus primeros pasos. Las "Sesiones Picantes" marcaron el origen del nombre Atlanta, si bien el primer videoclip oficial fue para la banda Hauseman a fines de ese mismo año. "Los pibes de Hauseman nos dieron las primeras oportunidades porque nos dejaban hacer lo que nosotros quisiéramos en los videoclips", comentó Barbosa, destacando la libertad creativa recibida. En sus inicios, Atlanta Audiovisual también realizaba trabajos para artistas que no podían financiar sus proyectos, buscando un equilibrio entre la financiación y el interés artístico mientras cursaban sus estudios universitarios.

Los jóvenes cineastas, uno oriundo de Bolívar (Barbosa) y la otra de Balcarce (Barreto), llegaron a Tandil atraídos por la Facultad de Arte, una decisión que, según ellos, fue la mejor que pudieron haber tomado. El nombre Atlanta surgió de la admiración por una serie estadounidense y la icónica ciudad, un semillero del trap, género que los influenciaba fuertemente en ese momento. Para Barreto, su vocación fue temprana: "Vengo de familia, mi papá hacía la comunicación audiovisual de Inta en Balcarce. Un día, a los 11 años, dije: 'Voy a estudiar cine'. No me imagino haciendo otra cosa que filmar". Ella se dedica principalmente a la dirección de fotografía en la productora.

El proceso de trabajo de Atlanta es flexible y se adapta a cada artista. Aunque algunos llegan con una idea preconcebida, la mayoría busca la estética narrativa que caracteriza a la productora. "Nos suelen dar mucha libertad y nos dejan proponer a nosotros, nos dan el tema y a partir de esto capaz algún que otro lineamiento", detalló Barbosa. Esta autonomía fue clave en su reciente y exitosa colaboración con Campo Loop, para quienes produjeron los videoclips "Grito Gaucha" y "El Triunfo de la Guerra del Barro", ambos parte de la serie "Gaucho Rap".

La propuesta de Campo Loop les permitió explorar un universo ya establecido, que los entusiasmó como si les hubieran ofrecido "hacer Batman", según Barbosa. La idea central fue llevar la narrativa a un corte más realista, inspirado en el género western, pero con gauchos. "Lo primero que sentamos fue: ‘Che, equipo de Campo Loop, ahora el caballo ya no es de plástico, sino que va a ser un caballo de verdad'", recordó Barbosa, haciendo referencia a los trabajos anteriores del grupo. La visión era fusionar el folklore y la electrónica del proyecto musical con imágenes realistas del campo, sumándole la ruptura de ver a gauchos y gauchas bailando electrónica.

Un recorte de 15 segundos del “Gaucho Rap”, se volvió viral, superando los tres millones de vistas en algunas plataformas. Este fenómeno sorprendió a la productora. "Estábamos tan metidos en el proyecto, tan empapados, que era como lo que en ese momento pensábamos era: 'Che, ¿cómo hacemos para que esto funcione, para que uno vea a los gauchos bailando y no le parezca ridículo?'", explicó Barbosa, refiriéndose a los desafíos técnicos y creativos detrás de la escena. La aceptación del público, sin embargo, superó sus expectativas.

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Atlanta Audiovisual aspira a más, con el objetivo de realizar un largometraje en Tandil. Los integrantes de la productora consideran que la ciudad se encuentra en un momento "por explotar" en lo audiovisual. Tandil ofrece factores inmejorables: una Facultad de Arte con carreras audiovisuales y un talento actoral teatral de alto nivel, locaciones naturales diversas y accesibles, y una comunidad dispuesta a colaborar. "No es casualidad que venga mucho porteño a filmar una publicidad de una camioneta", ejemplificó Barbosa, destacando el atractivo de los paisajes locales.

Barreto subrayó que la ciudad "tiene un montón para dar" y que está creciendo exponencialmente en producciones, publicidades e incluso series. La existencia de proyectos locales como la película "Luna de Coco", realizada por estudiantes y egresados de la Facultad de Arte, es una muestra del potencial. "No tenemos menos recursos, tenemos recursos distintos, pero recursos muy importantes que, si los explotamos, creo que podemos generar una industria local maravillosa", afirmó Barreto.

Finalmente, los cineastas destacaron el surgimiento de proveedores locales, que ofrecen equipamiento y soluciones que antes debían buscarse fuera de la ciudad. Sueñan con una industria completa en Tandil, con casting, efectos especiales y más productoras como Atlanta, que permitan a los talentos locales desarrollar sus carreras sin tener que emigrar a grandes centros urbanos. 

En una entrevista exclusiva con Cultura Zip, el programa de El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, uno de los integrantes del grupo oriundo de Necochea, repasó un año de intensa actividad, la conexión especial con la ciudad y adelantó detalles del esperado concierto.

El Plan de la Mariposa, que ha forjado una relación de cariño y cercanía con el público de Tandil a lo largo de los años, regresará a la ciudad que los vio crecer y con la que mantienen un vínculo que trasciende lo musical. Valentín, en diálogo con Cultura Zip, expresó su entusiasmo por la inminente visita: "Con ganas de ir para allá", comentó en la previa de la gira que también los llevará por Bahía Blanca.

El 2025 fue un período de gran efervescencia para El Plan de la Mariposa, marcado por extensas giras y presentaciones significativas. Recientemente, la banda concluyó un ambicioso recorrido por el sur del país, una travesía que incluyó diez fechas en catorce días y los llevó hasta Ushuaia, transitando por ciudades como Puerto Madryn, Comodoro, Río Gallegos y Río Grande, antes de regresar por Bariloche y Neuquén. Andersen destacó la experiencia de la ruta: "Me encanta salir a dar ruta y conocer nuevas personas, nuevos lugares que tal vez uno no iría de otra manera", afirmó. Subrayó la camaradería interna y el incondicional acompañamiento del público en cada parada.

Si bien el grupo ya había visitado localidades del "falso sur" como Bariloche o Puerto Madryn, esta gira marcó la primera vez que se adentraron hasta el extremo más austral de Argentina, concretando un viejo anhelo. A esta expedición se sumó una presentación destacada en el Teatro de Verano de Montevideo, Uruguay, y un concierto "soñado" en el estadio Argentinos Juniors de Buenos Aires en octubre, un hito que consolidó su trayectoria.

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Estas experiencias, sumadas a una gira previa por Europa y otras incursiones internacionales, reflejan la constante expansión y el crecimiento sostenido de El Plan de la Mariposa. Andersen reconoció que el grupo está "disfrutando un montón" de este momento, que incluso supera sus expectativas iniciales. "Desde empezar a tocar en Tandil, que iban doce, después veinticinco, y así como ir alimentando lo que queríamos hacer, ahora ha llegado a un nivel que supera lo que yo soñaba", puntualizó el músico.

El concierto en el estadio de Argentinos Juniors representó un desafío creativo y logístico de envergadura para la banda. Andersen explicó que debieron concebir el diseño del escenario, las pantallas y la lista de temas con el objetivo de "llegar a toda esa gente" y generar una sensación de unidad y cercanía con un público que se estimó entre veinticinco mil y treinta mil personas. "Ahí teníamos como un desafío", admitió.

A pesar de la magnitud del evento, el músico señaló que, una vez que el espectáculo se desarrolló de manera "hermosa", la sensación no difiere sustancialmente de la de un lugar más pequeño. "No llegás a dimensionar realmente toda la gente que hay", indicó, describiendo el sentimiento como similar en esencia: "es un show en vivo donde saltamos, transpiramos y cantamos".

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Esta versatilidad para adaptarse a diversos formatos es una característica distintiva de El Plan de la Mariposa. Valentín valoró la posibilidad de alternar entre grandes festivales y conciertos más íntimos. Recordó experiencias en México, donde tocaron tanto en el subte como en universidades, contrastando con la escala del estadio argentino. "Nos gusta ir a sembrar, a ver qué pasa, a conectar", dijo sobre estas exploraciones internacionales, buscando establecer nuevos vínculos con el público en cada lugar.

La relación de El Plan de la Mariposa con Tandil se describe como de "muchos años, de mucho amor". Andersen destacó el vínculo forjado con Vicky Etchevarreta y el apoyo de su "tribu" y amigos locales. "Me resulta un lugar como familiar para ir, que ya sé que me voy a encontrar con buena onda, que me van a recibir bien", afirmó, evidenciando el afecto mutuo que existe entre la banda y la ciudad serrana.

Para recargar energías después de un año tan demandante, Andersen disfruta de volver a casa y dedicarse a la composición, explorando nuevos sonidos y trabajando con su hermano en el próximo disco, aún sin presiones. "Yo disfruto mucho componer y estar en mi casa buscando sonidos estimulantes", explicó, agregando que, aunque las giras exigen mucho, también le devuelven una gran cantidad de energía y motivación. Esta alternancia entre la intensidad de los shows y la calma del proceso creativo es fundamental para mantener el ritmo y la inspiración del grupo.

Durante un segmento distendido de la entrevista, Andersen compartió algunas de sus preferencias personales. Se inclinó por componer de noche, aunque reconoció que las ideas suelen concretarse por la mañana. Eligió el Mar Mediterráneo sobre el Atlántico, los viajes por ruta en lugar del avión y los shows masivos por encima de los íntimos. Además, defendió a Correntada como su disco preferido y a las playas de Necochea por sobre las de Quequén.

El concierto en el Anfiteatro Martín Fierro de nuestra ciudad, ofrecerá una estética similar a la del show de Argentinos Juniors, aunque con una lista de temas "un poco más reducida". El repertorio se centrará en su último disco, Correntada, lanzado el año pasado, pero también incluirá canciones de álbumes anteriores y momentos acústicos que generan una atmósfera de mayor intimidad.

Andersen mencionó que el espectáculo contará con improvisaciones instrumentales, permitiendo que la música se extienda en "zapadas" de guitarra, teclado o violín. Estos momentos le otorgan un elemento "vivo" y espontáneo a cada interpretación, asegurando que cada presentación sea única y memorable para el público presente.

La fecha del 6 de diciembre en Tandil fue programada con anticipación, como parte de un proceso de planificación que la banda realiza junto a la productora 300, aunque siempre mantienen un margen para posibles ajustes. La presentación de El Plan de la Mariposa en el Anfiteatro coincidirá con el inicio de la Fiesta del Queso en una zona aledaña, lo que anticipa un gran movimiento y la oportunidad para los asistentes de disfrutar de ambos eventos.

Finalmente, Andersen extendió una cálida invitación a los tandilenses: "Muchas ganas de compartir un rato allá en Tandil, los esperamos en el Anfiteatro, con ganas de cantar y de saltar juntos". Con estas palabras, el músico expresó el deseo de El Plan de la Mariposa de reencontrarse con su público, reafirmando el lazo especial que los une a la ciudad.

Ale Cares pasó por el programa Cultura Zip. Desde Merlo se conectó para hablar sobre su música, la formación de la banda, su recorrido y anticipó el lanzamiento de un nuevo disco sobre el que están trabajando. La entrevista fue emitida por El Eco Streaming, El Eco Tv y Radio Tandil 104.1 FM.

“Cuando era chico, a la vuelta de casa vivía Jorge, un muchacho que hacía música. Y cuando yo tenía diez años más o menos, mi viejo me dijo ‘¿Querés tocar la guitarra?’ y yo le dije que sí”, compartió Cares al mencionar que en su casa siempre se había escuchado música, aunque no había un músico intérprete.

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Aprendió sus primeros acordes en una guitarra criolla, pero lo dejó hasta los 13 años cuando un grupo de jóvenes más grandes lo invitaron a participar de su banda: “ellos tenían 17 o 18 años y yo me acordaba que tenía algunos acordes encima y me sumé”. Para sus 18 años ya era parte de varias bandas musicales. Posteriormente pasó por las aulas del conservatorio algún tiempo, pero confesó haber sido siempre autodidacta en la música: “me quedan ganas de volver a estudiar”.

Comenzó en el año 2016 con la grabación y lanzamiento de un disco solista que produjo en su casa: “ni sabía grabar; tenía ahí un micrófono y un par de instrumentos; con lo que tenía hice ese disco”. Posteriormente grabó Ritmos Clásicos en 2019 junto al baterista y fueron editados en vinilo en Brasil. “Dijimos ‘qué loco’; hicimos un disco en una habitación”, compartió el artista al mencionar que las baterías y los instrumentos habían sido grabados desde su casa. Y sobre la formación de la banda, detalló: “Damián Quinteros, que es el bajista, venía siempre a casa a hacerme la segunda mientras grababa y me decía que había que armar una banda; y después Lisandro también, los chicos me decían ‘por qué no armamos una banda y tocamos los temas’”.

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Así surgió Ale Cares y los Magos Farciar, un proyecto musical en el que trabajan hace casi diez años y sobre él, contó: “nuestras canciones siempre estuvieron bastante asociadas a la magia, al mundo onírico, a lo que está más allá de lo que podemos ver” y agregó: “por eso magos y Farciar es una palabra que no figura en ningún lado. De esa manera sentimos que podíamos legitimar nuestro linaje de magos”.

Con la irrupción de la pandemia, Cares describió aquel período como un entrenamiento de grupo que les permitió ensayar para luego salir a tocar. “Yo empecé a tocar las canciones que hacía solo, después de la pandemia; si bien yo grababa desde antes, el proyecto empezó en pandemia”, confesó.

“El foco siempre está ahí, en ir modificando nuestro estilo y puliéndolo; mientras tanto vamos tocando y viviendo la vida junto a la música, que es un privilegio poder hacer esto. Es hermoso”, compartió Cares. En el disco Ritmos Clásicos transmitieron en su música la influencia recibida de artistas de los sesenta. En Rock and Roll 1, el disco que sacaron después de la pandemia, quisieron transmitir una impronta característica del rock nacional de los noventa.

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En 2024 lanzaron Pescado 3, “un disco que nos salió muy setentoso”, detalló el artista con la salvedad de que actualmente están trabajando en nuevas producciones diferentes. “Hace unos días sacamos Trígono del Río, que tiene un sonido muy diferente a Pescado 3; una canción que veníamos tocando hace bastante y no habíamos tenido la oportunidad de grabarla por estar en otros proyectos”, dijo, al tiempo que anticipó el lanzamiento del próximo disco en el verano.

De conseguir vinilos en Pompeya a venderlos en San Isidro, Juani Montenegro visitó el programa Cultura Zip y compartió su recorrido emprendedor, además de cómo su pasión por la música lo llevó a construir una destacada colección de discos en Tandil.

En un repaso por la historia reciente del formato, Montenegro recordó el período en el que los vinilos quedaron en desuso frente al auge de la música digital, alrededor de 2004 en Argentina. Aun así, decidió apostar por ellos y sumergirse en una escena musical muy particular, donde confluyen referentes, proveedores y coleccionistas. Aunque reconoció el costado romántico del vinilo, también señaló que su regreso se debe en gran parte a una tendencia marcada por el mercado: “Está buenísimo ser romántico con todo esto, pero también hay una imposición del mercado que marca”, sostuvo.

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En relación con la producción y la venta, remarcó la necesidad de mejorar los controles de calidad: “Hay muchas fallas. La gente se gasta cincuenta lucas en un disco, lo pone en su casa y salta o está curvado. Y te lo venden cerrado; es un garrón. Hay mucha falla en la producción”, advirtió.

Sobre la creciente tendencia entre jóvenes que coleccionan vinilos para “pertenecer” a la moda, Montenegro reflexionó: “Se ha perdido mucha sinceridad y honestidad ahora. Dicen ‘tengo discos, está de moda, soy cool’. Nos hemos olvidado un montón de disfrutar; a mí lo que me importa es la música”.

Durante la entrevista, también habló sobre su participación en Haciendo Discos, un programa ahora disponible en YouTube dedicada a difundir la escena musical local  grabado en 2015. Montenegro manifestó su deseo de volver a ser parte de una segunda temporada.