La música, el candombe y los recuerdos fueron protagonistas de una tarde especial en Cultura Zip, donde el programa de El Eco Streaming realizó un emotivo homenaje a Rubén “El Negro” Rada, una de las figuras fundamentales de la música rioplatense.

Lejos de la solemnidad, el tributo estuvo atravesado por la alegría y el encuentro artístico, en sintonía con uno de los deseos que el propio Rada había expresado para cuando llegara el momento de su despedida: “Cuando yo me muera, no quiero llantos ni penas”.

La propuesta rápidamente se convirtió en una suerte de guitarreada en vivo, con músicos locales que se sumaron a la convocatoria y compartieron algunas de las canciones más reconocidas del artista uruguayo.

Entre los primeros en tomar los instrumentos estuvieron Fran Margueritte, exintegrante de la banda Os Palmeiras, dedicada a realizar versiones de canciones de Rada, y Ro Sosa, acompañados por Gastón Valdez, de Gamma Mood, en guitarra.

Uno de los momentos más emotivos llegó con la interpretación de “Quién va a cantar”, una canción cuya letra cobró especial significado durante el homenaje y permitió repasar algunas de las preocupaciones y reflexiones que atravesaron la obra del músico.

La tarde continuó con la incorporación de Gamma Mood, quien hizo su debut en el programa homenaje. Con los músicos reunidos en el estudio, llegó el turno de “Cha Cha Muchacha”, uno de los clásicos del repertorio de Rada, que aportó una cuota de ritmo y candombe a la jornada.

El repertorio también incluyó “Terapia de Murga” y “Ayer te vi”, otras dos canciones que permitieron recorrer distintas etapas de la extensa trayectoria del artista.

A lo largo del homenaje, los músicos e integrantes de Cultura Zip también compartieron recuerdos y experiencias personales vinculadas con la obra de Rada.

Para algunos, sus canciones forman parte de los recuerdos de infancia y llegaron a través de sus familias. Para otros, el acercamiento se produjo posteriormente, a partir de la formación musical y de la admiración por otros grandes referentes de la música, como Javier Malosetti y la histórica banda de rock fusión Opa.

En el estudio se destacó la enorme capacidad de Rada para transitar diferentes géneros y fusionar estilos a lo largo de su carrera. Rock, funk, jazz, salsa, pop, murga y candombe fueron algunos de los universos musicales que el artista recorrió y enriqueció con una identidad propia.

También hubo espacio para recordar su vínculo con el público argentino a través de la televisión. Durante la década de 1990, su participación como actor y conductor le permitió llevar su particular carisma y humor a miles de hogares.

El homenaje a Rada fue también una muestra del espíritu que propone Cultura Zip, un espacio pensado para el encuentro entre artistas y expresiones culturales de Tandil. Así, entre música, conversaciones y encuentros espontáneos, el programa volvió a convertirse en un punto de reunión para artistas locales, incluso sin ensayos previos, generando momentos únicos al aire.

La jornada dejó como resultado un homenaje que buscó celebrar la vida y la obra de Rubén Rada desde el lugar que probablemente más lo represente: la música compartida, el ritmo y la alegría. Porque, como quedó reflejado durante la tarde en Cultura Zip, aunque el artista ya no esté físicamente, su música continúa atravesando generaciones y corazones.

La reciente noticia del fallecimiento de Rubén Rada, a los 83 años, ha dejado un vacío profundo en la escena musical rioplatense. Con una carrera que abarcó más de seis décadas, el artista uruguayo logró fusionar con maestría el candombe, el rock, el jazz y el funk, consolidándose como una figura irrepetible de la cultura popular. Para honrar su legado, el equipo de Cultura Zip ha preparado una edición especial que busca celebrar su obra a través de la música en vivo.

El evento, que se emitirá este jueves, contará con la participación de tres destacados artistas de Tandil: Ro Sosa, Gamma Mood y Fran Margueritte. Cada uno de ellos aportará su sensibilidad y estilo particular para versionar parte del vasto repertorio que el músico construyó a lo largo de su prolífica trayectoria. La propuesta no pretende ser una despedida melancólica, sino una celebración de su capacidad para atravesar generaciones y fronteras.

Nacido en Montevideo el 16 de julio de 1943, Rubén Rada creció inmerso en los sonidos del carnaval y el candombe, elementos que se convirtieron en el sello distintivo de su identidad artística. Durante los años 60, su participación en El Kinto fue fundamental para el nacimiento del candombe beat, una corriente que rompió moldes al integrar ritmos tradicionales con el rock y otras sonoridades contemporáneas. Su inquietud creativa lo llevó a formar parte de proyectos emblemáticos como Totem y Opa, junto a los hermanos Fattoruso, además de desarrollar una exitosa carrera solista.

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La influencia de Rubén Rada trascendió las fronteras de Uruguay, encontrando en Argentina un público fiel que lo acompañó durante décadas. Más allá de su faceta como cantante y compositor, se destacó como percusionista, actor y conductor, demostrando una versatilidad que lo hizo imposible de encasillar. Su capacidad para moverse entre géneros sin perder su esencia lo convirtió en un referente ineludible para músicos de toda la región.

En el marco de Cultura Zip, el objetivo es trasladar ese legado universal al territorio local. La participación de Ro Sosa, Gamma Mood y Fran Margueritte permitirá redescubrir las canciones de Rubén Rada bajo una nueva óptica, generando un encuentro entre diferentes géneros y sensibilidades. Este especial se erige como un tributo nacido en Tandil para despedir a un artista que hizo de la mezcla y la experimentación su forma de vida.

La cita es este jueves, desde las 14, a través de El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Será una oportunidad para recordar que, si bien el artista ha partido, su música permanece vigente como un testimonio de su genialidad. Como bien señala la consigna del programa, la mejor manera de decirle adiós a Rubén Rada es, precisamente, haciendo que sus canciones sigan sonando.

En el ecosistema cultural de la ciudad, existen figuras que actúan como verdaderos motores de la movida independiente. No solo ejecutan un instrumento, sino que viven y respiran la música de su entorno. Uno de ellos es Laucha Villalba, un guitarrista cuya pasión y compromiso lo han llevado a integrar múltiples agrupaciones en simultáneo, consolidándose como una de las caras más activas de la escena contemporánea.

En una entrevista exclusiva, el músico recorre su historia: desde sus primeros acordes influenciados por Gustavo Cerati y David Gilmour, pasando por la mística del colegio y su banda de la adolescencia, hasta llegar a su presente con siete proyectos musicales y una firme filosofía de resistencia colectiva frente al individualismo.

La relación de Laucha con la música nació mucho antes de que pudiera sostener una guitarra. De niño, sentarse frente a los parlantes cuando su familia ponía música ya representaba un acontecimiento trascendental. Aunque a los cinco años intentó estudiar piano, el interés se desvaneció pronto. Sin embargo, el verdadero "clic" ocurrió un año después, al quedar hipnotizado por una guitarra verde en una vidriera.

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A esta fascinación visual se sumó un impacto sonoro decisivo: ver a Gustavo Cerati tocando "En la ciudad de la furia" en televisión. Aquella descarga de energía, sumada a la influencia de próceres como David Gilmour y Pappo, lo llevó a insistir durante un año hasta obtener su instrumento. Su formación formal comenzó a los seis años con Carlos Rebello, un histórico docente local con quien estudió de manera ininterrumpida durante siete años.

Rebello no solo le enseñó técnica, sino también la importancia de la autonomía. Justo antes de la pandemia, el maestro notó que Laucha solía esperar que él le resolviera las canciones, a pesar de su capacidad para sacarlas por cuenta propia. Con sabiduría pedagógica, decidió espaciar las clases para forzarlo a ganar independencia. Este proceso coincidió con su ingreso en 2017 a Polivalente, un entorno que resultó ser un gran estímulo creativo.

Laucha se define, con humor y orgullo, como un defensor acérrimo de la música de su ciudad y de Argentina. Para él, la identidad artística local es una bandera irrenunciable. 

Al analizar la actualidad, el guitarrista se muestra optimista. Asegura que la escena local atraviesa su mejor momento desde 2017. Recuerda que entre 2022 y 2023 existía una queja generalizada sobre la falta de espacios, pero la situación experimentó un giro positivo y hoy existe una oferta diversa de salas. No obstante, advierte sobre los desafíos: la sostenibilidad de la oferta, la diversidad de géneros y la necesidad de cooperación.

"Juntos es mejor. Los placeres son con otros", afirma Laucha al reflexionar sobre la importancia de la sinergia entre bandas.

Laucha es la antítesis del músico estático. Actualmente participa en siete proyectos musicales: cinco de carácter eléctrico y fijo, y dos en formato acústico. Aunque todos se estructuran bajo el paraguas de la canción pop, cada uno explora una identidad distinta. En Plan Roma, por ejemplo, destaca el juego creativo con el vocalista, definiéndose humorísticamente como "el perro y el gato" por sus intensas discusiones que enriquecen el resultado final.

Por otro lado, Lautaro Soto se inclina hacia el post-punk, mientras que Babel se enfoca en un pop rock directo. Odisea representa el sonido indie y pop alternativo, y su nuevo proyecto fusiona neo-soul, funk y pinceladas de jazz. "Mutar es lo que más me interesa como músico, no quedarme toda la vida tocando el mismo género", confiesa.

A pesar de su solvencia, admite lidiar con timidez y perfeccionismo al momento de componer letras propias. Sin embargo, gracias a las clases de canto, ha logrado canalizar su voz y perder el miedo escénico. Al mirar hacia el futuro, su meta ya no es la masividad, sino la autogestión y el disfrute del presente. "Hace dos años muchas de esas estrellas estaban lejos y hoy las tenés al lado. Disfrutemos lo que está sucediendo ahora, porque es bellísimo y no sabemos cuánto va a durar", concluye.

El dúo folklórico Campedrinos atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Así lo contó Agustín, uno de los integrantes del conjunto, durante una entrevista en la que repasó un año marcado por la consagración en el Festival de Cosquín, su participación en el Festival de Viña del Mar y distintas colaboraciones con artistas de otros géneros.

“La cabeza un quilombo, pero mi corazón está feliz”, resumió Agustín al referirse al presente de la banda, que lleva más de 15 años de trayectoria.

Uno de los momentos más significativos del año fue la consagración en Cosquín, un escenario que tiene un valor especial para los integrantes de Campedrinos, ya que desde sus comienzos soñaban con llegar al tradicional festival cordobés.

Agustín recordó que, cuando eran más jóvenes, organizaban peñas, vendían bonos y buscaban distintas maneras de reunir dinero para poder viajar a Cosquín. “Nos íbamos a Cosquín y bueno, pasaron los años, gracias a Dios la carrera fue en crecimiento”, relató.

La consagración llegó después de años de esfuerzo. “Cuando escuchamos que somos consagración del festival, cuando subimos al escenario éramos dos criaturas llorando porque todos esos momentos, todos esos años de caminar Cosquín se habían reflejado en ese momento”, recordó.

Pocos días después llegó otro desafío: Viña del Mar, donde representaron a la Argentina en la competencia internacional con una canción propia. “Fuimos los primeros competidores, había que romper el hielo. Sabíamos la pica que tiene Argentina con Chile, pero empezamos a cantar y todos esos miedos que teníamos se evaporaron porque nunca apareció ningún silbido”, contó.

Por el contrario, la respuesta del público fue positiva y la experiencia terminó convirtiéndose en otro hito para la carrera del grupo.

Campedrinos también viene observando cómo sus canciones comenzaron a ganar presencia fuera del país. En ese sentido, Agustín explicó que las plataformas digitales les permiten conocer dónde son escuchados y qué canciones funcionan mejor en cada región.

“Te arrojan el resultado real: ‘Mirá, me están escuchando en Chile y te están escuchando esta canción. En Uruguay está pasando esto, en Bolivia está pasando esto’”, explicó.

Para el músico, ese fenómeno también permite adaptar algunos aspectos de los shows sin modificar la esencia del grupo. “Nuestra propuesta es la misma de siempre”, sostuvo.

A la hora de hablar sobre el crecimiento del folklore, Agustín destacó especialmente la presencia de jóvenes en festivales y teatros, algo que considera una señal del buen momento que atraviesa el género.

“Hoy se está sintiendo un poquito eso. Vamos a festivales, a los teatros mismos que hacíamos acá y vemos todo el piberío ahí apoyado en la valla, saltando las canciones como el público de rock”, señaló.

Otro de los factores que, según Agustín, contribuyó a ampliar el alcance del folklore fue la posibilidad de cruzarse con artistas de otros géneros.

Campedrinos compartió trabajos con artistas como Milo J, Nathy Peluso y Euge Quevedo, entre otros. “Por suerte se terminaron las etiquetas. El rock es rock, el pop es pop, el folklore folklore. Ahora nos mezclamos todos y creo que eso es hermoso”, afirmó.

En esa línea, destacó que las colaboraciones permiten que personas que habitualmente no escuchan folklore se acerquen al género. “Lo que nos permitieron todos estos crossover es justamente eso: encontrarnos con un público nuevo, no solamente nuevo para nosotros como artistas, sino nuevo para el folklore”, explicó.

Agustín también recordó su participación en Folklore, el proyecto impulsado por Mery Granados y Milo J que reunió a artistas de distintas escenas musicales. Allí Campedrinos interpretó “La taleñita” junto a Milo J.

Según relató, la grabación surgió de manera espontánea. “Estábamos en Salta comiendo una empanada y tomando un vinito, festejando lo que había pasado, y nos llega un mensajito de Milo diciendo: ‘Che, quiero grabar La taleñita con ustedes la semana que viene’”, recordó.

La canción, que se publicó el Día de la Bandera, tuvo una fuerte repercusión en redes y plataformas digitales. “Se generó una viralidad tremenda”, señaló, aunque aclaró: “La viralidad no te define la calidad de lo que vos hacés, pero sí ayuda a que mucha gente te conozca”.

Durante la entrevista, Agustín también habló sobre los elementos que no pueden faltar en una peña folklórica. Y eligió uno por encima del resto: el bailarín. “Lo que comparte tanto la peña, el festival o el teatro, lo que no puede faltar es el bailarín. Son los que engalanan cualquier canción que hagas”, afirmó.

Para el integrante de Campedrinos, ver a la gente bailar genera una conexión especial con la música y ayuda a que otros se animen a participar. “Siempre se tienen que animar dos nomás para que ya arranque”, graficó entre risas.

Uno de los lanzamientos más recientes de Campedrinos fue “El arte de querer”, junto a Euge Quevedo, una canción que también había sido interpretada años atrás por Nahuel Pennisi.

Agustín explicó que no hubo inconvenientes por tratarse de una versión previa. “Somos re amigos de Nahuel. La versión yo la había escuchado, pero hace muchos años”, contó. La intención fue llevar la canción al universo propio del dúo. “Tratamos de poner un poco nuestra forma de hacer la zamba”, explicó.

Sobre la participación de Euge Quevedo, destacó: “Es una cantante tremenda, que se nota cómo ama el folklore”. Según contó, la artista comenzó vinculada al género y además tiene experiencia en danza folklórica. “Fue una cruzada muy linda y la canción es una canción que prácticamente eligió ella. Si bien fuimos nosotros buscando canciones, esa es su canción favorita. A nosotros nos encantaba, la grabamos y quedó una locura”, sostuvo.

Aunque actualmente el dúo no tiene una fecha confirmada en Tandil, Agustín aseguró que la intención de regresar está presente. “Ya vamos a volver porque cuando largamos la gira nos cagaban a pedos en todos lados que no estaba Tandil”, bromeó.

Incluso dejó abierta la posibilidad de una visita al estudio para compartir algunos temas en vivo: “Armamos la guitarreada ahí nomás nomás”. Por último,  repasó algunas de las canciones que elegiría para distintas situaciones. Para una tarde de lluvia recomendó “Dueña de mi alma”; para alguien enamorado, “Eterno amor”; y para comenzar un asado, un clásico del Chaqueño Palavecino.

Y si tuviera que enviar una canción folklórica al Mundial de Canciones, eligió “Las simples cosas”, de César Isella y Armando Tejada Gómez.  Con una agenda que continúa creciendo y una propuesta que busca tender puentes entre el folklore y otros géneros, Campedrinos atraviesa una etapa de expansión que, según Agustín, los encuentra preparados para asumir nuevos desafíos sin perder la esencia que los acompañó desde sus comienzos.

En una entrevista exclusiva, Zulma Lobato se refirió a su reciente mudanza a Tandil, un destino que eligió buscando tranquilidad tras atravesar meses de alta complejidad personal. Acompañada por su amiga, conocida como Pepona, la artista repasó los hitos de su trayectoria y los desafíos que enfrenta en esta nueva etapa de su vida.

Al recordar su salto a la fama, Lobato admitió que nunca imaginó el impacto que tendría su participación en el programa Hechos y Protagonistas, emitido por Crónica TV. Según relató, aquel episodio alcanzó picos de 45 puntos de rating, marcando el inicio de una exposición mediática que, con el paso de los años, le trajo tanto reconocimiento como críticas en las redes sociales. Sobre el fenómeno del hate en internet, la entrevistada fue tajante:

“Uno nunca se acostumbra al hate”

A pesar de ello, aseguró que aprendió a convivir con los comentarios negativos de personas que, según sus palabras, opinan sobre su vida sin conocerla realmente.

La llegada a la ciudad serrana ha significado un cambio positivo en su rutina diaria. Zulma Lobato destacó la calidez de los vecinos y la paz que se respira en el entorno, contrastando esta experiencia con sus vivencias previas en Buenos Aires. “La gente es muy tranquila, muy buena, no es molesta”, afirmó durante la charla en Cultura Zip.

Por su parte, Pepona subrayó la mejoría física que ha notado en la artista desde que se instalaron en Tandil. Las caminatas diarias por el centro y otros puntos de la ciudad han ayudado a que Zulma recupere movilidad y se sienta más animada. “La estoy viendo muy bien”, sostuvo su acompañante, mientras que la propia Lobato reafirmó su bienestar al señalar: “Me siento divina porque veo que la gente es divina”.

Este presente contrasta con los momentos difíciles que relató haber vivido anteriormente, incluyendo una estadía en Entre Ríos donde, según denunció, sufrió el robo de sus pertenencias y dinero, quedando incluso en situación de calle durante tres días antes de ser asistida en un refugio durante 14 días. En aquel episodio, lamentó profundamente la pérdida de su mascota, una caniche toy que la acompañó durante 12 años.

En cuanto a su salud, la prioridad es una intervención quirúrgica en ambos ojos debido a sus severas dificultades visuales. Pepona aclaró que los fondos destinados a esta operación se encuentran resguardados en una cuenta bancaria y desmintió las versiones que circulaban sobre un supuesto mal manejo del dinero. Actualmente, se encuentran gestionando la posibilidad de realizar el procedimiento médico en Tandil, aunque no descartan viajar a Mendoza, donde ya había sido atendida con anterioridad.

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Finalmente, Pepona realizó una advertencia importante para los seguidores de la artista: Zulma Lobato no posee redes sociales propias. Cualquier perfil que utilice su nombre es apócrifo, y la única fuente oficial de información es la cuenta personal de su acompañante. Con la mirada puesta en el futuro, Lobato concluyó con una reflexión sobre sus prioridades: “Nunca hay que pensar en lo material. Porque lo material va y viene. Hoy tenés, mañana no tenés. Hay que pensar en la salud, en estar bien”.

La figura de la televisión argentina, Zulma Lobato, se prepara para un encuentro especial con la audiencia en el marco del programa Cultura Zip. La entrevista, que promete recorrer los momentos más significativos de su agitada actualidad, se llevará a cabo esta tarde, de 14 a 16, a través de El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. La cita se presenta como una oportunidad única para conocer de primera mano cómo transcurren sus primeros días en la ciudad y cuáles son sus expectativas para esta nueva etapa de vida.

La llegada de Lobato a Tandil marca el cierre de un periodo sumamente complejo que captó la atención de los medios nacionales. La historia comenzó a tomar notoriedad a fines de junio, cuando la artista denunció públicamente haber sido desalojada de su vivienda en Munro. En aquel entonces, su mayor preocupación era la imposibilidad de mantener un hogar estable junto a su perra Estrellita, su compañera desde hacía 13 años. Este pedido de ayuda derivó en una campaña solidaria que, según trascendió, logró recaudar 11 millones de pesos, cifra que generó diversas polémicas y debates en las redes sociales sobre su administración.

Sin embargo, la situación escaló a niveles de mayor vulnerabilidad a comienzos de agosto, cuando Lobato fue hallada en situación de calle en las inmediaciones del Hospital San Martín, en Paraná, Entre Ríos. La intervención de las autoridades municipales de dicha ciudad fue clave para su resguardo, brindándole asistencia médica, alimentación y contención psicológica tras ser encontrada en un estado de desorientación. Aquel episodio marcó un punto de inflexión que derivó en la búsqueda de una alternativa habitacional estable para la mediática.

Tras los días de incertidumbre en Entre Ríos, se gestó el traslado de Lobato hacia la provincia de Buenos Aires. Su arribo a Tandil fue confirmado recientemente y, en la actualidad, la artista se encuentra instalada en la ciudad bajo el acompañamiento de Jair Hourcade, conocida popularmente como La Pepona, con quien mantiene un vínculo de amistad. La relación de la mediática con Tandil no es nueva, ya que en marzo pasado había visitado la localidad invitada por Hourcade, ocasión en la que realizó una presentación en Pizza Pizzonda, marcando su regreso a los escenarios tras años de ausencia.

En esta oportunidad, el significado de su estadía es distinto, ya que Tandil ha sido elegido como el lugar para iniciar un proceso de recuperación y estabilidad. Durante las últimas horas, la propia Lobato brindó declaraciones públicas para despejar dudas sobre el manejo de los fondos recaudados en la campaña solidaria. En este sentido, aseguró que los 11 millones de pesos permanecen bajo su propiedad, depositados en un plazo fijo. Según explicó, el destino de dicho dinero es solventar una intervención quirúrgica necesaria para tratar un importante deterioro en su visión.

Asimismo, la artista salió al cruce de las versiones que ponían en duda la gestión de los recursos, desvinculando a La Pepona de cualquier irregularidad y ratificando que los fondos están resguardados para afrontar su tratamiento médico. Con este panorama, la entrevista de esta tarde en Cultura Zip se perfila como un espacio fundamental para que la protagonista pueda expresarse sin intermediarios, compartiendo sus vivencias, su estado de salud y los proyectos que la mantienen enfocada en este nuevo comienzo en la ciudad.

La entrevista realizada por Manu Gonzalez Acosta la podrán ver esta tarde por Eco TV Canal 7, 541 0 80.1 de Flow, El Eco Streaming en Youtube, Tandil FM 104.1 y eleco.com.ar

Campedrinos llega a Cultura Zip. Este viernes 21, el reconocido dúo de folklore será protagonista de una entrevista en el programa de El Eco Streaming, donde repasará su presente artístico, su recorrido y todo lo que viene para una de las propuestas que más está haciendo por acercar la música de raíz a las nuevas generaciones.

La visita se da en un momento especialmente importante para Campedrinos. El dúo viene de representar a la Argentina en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar 2026, después de haber alcanzado la Consagración en Cosquín, y además recibió nominaciones a los Premios Gardel, consolidando su crecimiento dentro de la escena musical.

A ese presente se suma una novedad que funciona como excusa perfecta para conocerlos un poco más de cerca: “El Arte de Querer”, la canción que Campedrinos acaba de lanzar junto a Eugenia Quevedo.

Se trata de una zamba romántica que forma parte del proyecto Zambas, en el que el dúo viene trabajando durante este año. La canción propone un encuentro entre tradición y modernidad y habla de ese amor que, más que decirse, se demuestra.

La colaboración también permite descubrir una faceta diferente de Eugenia Quevedo, una de las voces más importantes del cuarteto actual, que se suma a Campedrinos en una interpretación íntima y con una fuerte identidad folklórica.

Pero la historia de Campedrinos no se reduce a un lanzamiento. El dúo viene construyendo una propuesta que busca mantener viva la esencia del folklore argentino y, al mismo tiempo, llevarlo a nuevos públicos, especialmente entre las generaciones más jóvenes.

Y todo eso podrá conocerse en primera persona este viernes en Cultura Zip, en una charla que promete recorrer canciones, escenarios, experiencias y los desafíos que atraviesa el dúo en este gran momento de su carrera.

Cultura Zip atraviesa su tercera temporada y se consolidó como uno de los espacios de entretenimiento, cultura y entrevistas de El Eco. En junio pasado, el programa alcanzó además las 400 emisiones, un número que refleja el crecimiento de la propuesta desde su debut en 2024.

El ciclo se emite actualmente los lunes, martes, jueves y viernes, de 14 a 16, por el canal de YouTube de El Eco Streaming. También puede seguirse a través de las plataformas de El Eco y por Tandil FM 104.1.

Así que la invitación está hecha: este viernes 21, Campedrinos estarán en Cultura Zip. Una oportunidad para conocer más sobre el dúo, descubrir qué hay detrás de “El Arte de Querer” y compartir una charla distendida con dos de los artistas que vienen renovando el folklore argentino.

Cultura Zip, este viernes desde las 14 por El Eco Streaming.

En el mapa musical de la provincia de Buenos Aires, existen artistas que logran capturar la esencia de su territorio no solo a través de las letras, sino mediante el ritmo y la cadencia de su propia vida. Nahu Elichiri es uno de ellos. Oriundo de Benito Juárez pero con un pie firme en Tandil, el músico representa una nueva generación de artistas que fusionan la calma del interior con la formación académica y la urgencia de la ciudad. Su recorrido fue analizado en detalle durante su paso por Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

Benito Juárez es descrito por Nahu Elichiri como un pueblo pequeño, de unas 30 cuadras de extensión, donde la movida musical sobrevive gracias a la pasión de sus habitantes más que a la infraestructura disponible. A pesar de no contar con tantos espacios de formación o lugares para tocar, Juárez ha mantenido históricamente un movimiento constante de músicos. El artista inició su camino a los nueve años en la Dirección de Cultura local, donde hoy, irónicamente, se desempeña como trabajador.

La música en la vida de Nahu Elichiri no es una elección azarosa, sino un legado familiar. Su padre formó una de las primeras bandas de canciones originales en Benito Juárez junto a su tío. Tras el fallecimiento de su padre cuando Nahu Elichiri tenía solo nueve años, la música se convirtió en un refugio y una forma de reconexión con su memoria. Actualmente, ese círculo familiar se mantiene intacto: su hermano Mateo toca el bajo y Luis Alberto Iocca, a quien considera un segundo padre, es su baterista.

Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Nahu Elichiri es cómo el entorno físico moldea su sonido. Juárez, con su geografía de llanura extrema, influye directamente en su sensibilidad compositiva. El artista describe su proceso como una mezcla de la visión urbana que le otorga Tandil y el aire folk y rural del campo juarense. Sus canciones suelen nacer de la música primero, dejando que las letras maduren con el tiempo, a veces durante años. Temas como el cambio de paisaje y la vida en la ruta son recurrentes, reflejando su rutina semanal: de lunes a jueves en Tandil por estudio y trabajo, y los fines de semana de regreso en Juárez.

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Actualmente, Nahu Elichiri se encuentra finalizando un proceso de grabación extenso para su nuevo álbum, el cual consta de 12 canciones. Este proyecto solista representa un salto al vacío y una apuesta personal. La grabación se lleva a cabo en la casa del tecladista de la banda y amigo cercano, lo que permite un ritmo de trabajo libre de las presiones comerciales.

"Juárez tiene esa posibilidad de que tenemos otros tiempos", explica el músico, destacando que pueden dedicar días enteros a una sola canción para dejarla madurar.

Este enfoque "slow" busca un salto de calidad y profundidad en las composiciones, alejándose de la ansiedad por el estreno inmediato. Como artista independiente, asume todas las facetas de su carrera, desde la composición hasta la gestión de su imagen digital. A pesar de la importancia de las plataformas, admite que el mundo de las redes sociales le resulta difícil. "Es difícil poner la cara y hablar... intento obligarme un poco a romper ese pudor y ese autocringe", confiesa sobre la necesidad de mostrarse en Instagram y otras plataformas para difundir su arte.

Su música, que incluye temas como "Ciudad" —regrabado con banda completa tras su versión original en pandemia— y el estreno de "Todo lo que hay dentro", busca redescubrir la luz y la oscuridad interna a través de melodías que invitan a la reflexión. Nahu Elichiri no oculta sus influencias, que van desde el impacto adolescente de la fuerza de Nirvana y Metallica hasta la admiración por figuras como Paul McCartney. Sin embargo, mantiene un fuerte vínculo con la música local, citando a bandas juarenses como Chicote y artistas como el Bomba Soco.

La propuesta de Nahu Elichiri es, en última instancia, una invitación a bajar un cambio, a escuchar el murmullo de la provincia y a valorar los procesos artísticos que se cocinan a fuego lento entre amigos y familia. Su música se puede encontrar en plataformas digitales como Spotify bajo su nombre y en Instagram como @elichiri.wav

El cantante y compositor local Fran Genson repasó su formación, su método de producción de canciones y los matices de su carrera en una nueva edición de "Zip Unplugged", el ciclo acústico del programa "Cultura Zip". Acompañado por el músico Mateo Barleta, desandó el camino que lo llevó desde el freestyle en la escuela secundaria hasta la profesionalización de su sonido. La entrevista, emitida a través de El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, permitió conocer a un artista que mantiene intacta su identidad melómana y su necesidad de crear.

El cantante recordó que su inquietud por la música nació a mediados de 2018. Aunque siempre estuvo rodeado de diversas influencias, fue el rap lo que le dio el impulso inicial para comenzar a escribir sus primeras rimas. Según relató, sus primeros pasos fueron mediante la improvisación con amigos, hasta que se animó a componer "Brinda", su primera canción dedicada a la amistad. Desde aquel entonces, no detuvo su marcha y comenzó a trabajar con Barleta en producciones propias a partir de 2022, consolidando una dupla que ya lleva casi tres años de rodaje.

En cuanto a su evolución artística, Genson aseguró que atravesó un cambio profundo en su estilo y en su forma de encarar el proyecto. En sus inicios, sus referencias provenían mayormente del hip hop y el trap, lo que también moldeaba un estilo de vida particular. Sin embargo, con el paso del tiempo, el músico buscó limpiar su esencia y madurar artísticamente. "Me representó, lo agradezco, pero ya no me representa tanto", reflexiona sobre aquella etapa inicial, marcando una transición hacia un sonido más cuidado y personal.

Esta transformación también se reflejó en su método de trabajo y composición. Genson detalló que prefiere la improvisación sobre las pistas antes que la escritura estructurada, permitiendo que las frases fluyan de manera natural. Además, destacó el uso del inglés en sus letras como una herramienta fonética, argumentando que la naturaleza del género que interpreta nace en el exterior y que dicho idioma permite una métrica más ágil. Para el artista, el abanico de la composición es infinito y depende exclusivamente de la capacidad de conectar con lo que sucede o lo que se desea que suceda.

A pesar de su crecimiento en la escena, el entrevistado explicó que actualmente prioriza sus estudios de Programación, una disciplina que describió como distante de lo musical, pero estratégica para su futuro. Genson decidió darle una pausa a la producción intensiva para enfocarse en la facultad, con el objetivo de poder invertir con mayor solvencia en su carrera artística el día de mañana. "Es como si fuese una persona el proyecto y le hablás, le pedís, y ahora dejás que descanse", comparó el joven sobre su presente lejos de la urgencia de los lanzamientos.

La parte técnica también fue fundamental en su desarrollo como artista autogestivo. Genson recordó cómo armó su primer estudio en casa con un kit básico de placa de sonido, micrófono y auriculares. Bajo el asesoramiento de un ingeniero de sonido y apoyado en tutoriales de internet, aprendió a manejar las herramientas que hoy le permiten liderar su visión estética. Aunque delega tareas de edición y producción en colegas de confianza, subrayó que siempre intenta imprimir su propia impronta en cada video y cada sonido que genera.

Para su presentación en "Zip Unplugged", los músicos realizaron una preparación intensiva que incluyó ensayos frecuentes para lograr una versión acústica de sus temas. La selección del repertorio fue natural, ya que Barleta conocía las canciones desde el proceso de creación del disco. Entre las opciones que barajaron, eligieron seis temas que representaban fielmente el camino recorrido. Esta instancia de preparación no solo sirvió para el programa, sino que funcionó como un recordatorio del placer que le genera el trabajo compartido con amigos y colegas.

Finalmente, el paso por el ciclo de streaming de El Eco despertó nuevamente en el cantante el deseo de reencontrarse con las presentaciones en vivo. Aunque se encontraba concentrado en sus obligaciones académicas, admitió que la respuesta obtenida y la experiencia del formato acústico reavivaron su interés por el contacto directo con el público. "La adrenalina del vivo es hermosa, es otra cosa totalmente distinta", concluyó Genson, dejando abierta la posibilidad de nuevos encuentros sobre el escenario tras este breve hiato creativo.

El reconocido artista español Muerdo habló en exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre su esperada presentación en la ciudad. En una charla distendida, el músico reflexionó sobre su proceso creativo y la conexión especial que mantiene con el público argentino, al cual definió como "el mejor del mundo" por su calidez y afecto constante.

La gira, titulada "Gira por donde nacen las canciones", tiene un carácter acústico que le permite al artista llegar a localidades que habitualmente quedan fuera de los circuitos de los grandes espectáculos internacionales. Tras su paso por ciudades como Rosario, Córdoba y Mendoza, Muerdo continúa su recorrido por la provincia de Buenos Aires, incluyendo paradas en Junín, Olavarría, Lomas de Zamora, San Isidro y Mar del Plata, antes de su desembarco en Tandil.

Al ser consultado sobre el origen de su música, el cantautor explicó que sus composiciones nacen de las emociones y de una observación sensible de la realidad. "Las canciones surgen de lo que ocurre dentro y fuera de uno, de las historias de amigos y del mundo en general", señaló durante la entrevista. Este enfoque humano es el que ha logrado consolidar una carrera de 15 años, que ahora celebra con un repaso por sus seis discos de estudio.

Una de las particularidades más destacadas de esta gira es la metodología utilizada para definir el setlist. Muerdo decidió involucrar a sus seguidores a través de las redes sociales, permitiendo que sea el propio público quien elija las canciones que interpretará en cada show. Según el artista, este proceso ha sido "perfecto", ya que le brinda la oportunidad de revisitar temas antiguos y realizar un viaje emocional por todas sus etapas artísticas sin la presión de presentar material nuevo.

El formato del espectáculo en Tandil será sumamente íntimo. El músico se presentará solo en el escenario, acompañado únicamente por su guitarra, un teclado y su voz. A pesar de la sencillez del formato, el artista destacó que viaja respaldado por un equipo técnico y su Tour Manager, asegurando que la calidad sonora y la puesta en escena mantengan el "sello de calidad" que lo caracteriza en sus presentaciones internacionales.

Durante la charla, Muerdo recordó sus inicios en España, donde comenzó tocando en bares, centros cívicos y manifestaciones ligadas a movimientos sociales. También rememoró su primer viaje internacional a Cuba, donde fue invitado por el Instituto Cubano de la Música y tuvo la oportunidad de conocer a Silvio Rodríguez, un encuentro que marcó un antes y un después en su visión sobre la profesión.

Al reflexionar sobre el concepto de éxito en la industria musical actual, Muerdo fue contundente: "El verdadero éxito es poder vivir de la música y mantener una carrera larga y sostenible en el tiempo". Para el artista, los premios o los números en las plataformas de streaming son secundarios frente a la importancia de construir un público fiel en todo el mundo que acompañe al músico a lo largo de los años.

En su paso por Argentina, el cantautor valora especialmente el contacto con la naturaleza y los paisajes locales. Además, procura integrar a los músicos de cada región, a quienes suele invitar para abrir sus shows, fomentando un intercambio cultural enriquecedor. "Tandil y Olavarría son destinos nuevos para mí, y tengo muchas ganas de conocer su cultura y su gastronomía", comentó con entusiasmo.

Precisamente, el cierre de la entrevista tuvo un tono humorístico al abordar la gastronomía tandilense. Muerdo admitió tener excelentes referencias sobre los embutidos, el salamín y los quesos de la zona. Los conductores del programa bromearon sobre la competencia por el salame más largo del mundo, un récord que Tandil busca recuperar en noviembre, generando un momento distendido antes de recordar que las entradas para el show del 4 de septiembre ya se encuentran disponibles en su sitio web y redes sociales.

La banda Pezcuis atraviesa un momento de expansión creativa y profesional. Con el reciente lanzamiento de su sencillo Vencida, el grupo reafirma su identidad sonora y se prepara para presentar su nuevo material discográfico a fines de septiembre. Este proceso no solo marca una evolución en su propuesta musical, sino que también consolida su vínculo con la escena independiente a través del sello Casa del Puente, con sede en Mar del Plata.

Para Victoria Salas y Daniel Roca, integrantes del proyecto, este nuevo corte de difusión representa un regreso a las raíces más enérgicas del grupo. Si bien sus trabajos anteriores exploraron matices vinculados al jazz y la balada, Vencida recupera una esencia rockera, combinando un ritmo acelerado con una carga emocional distintiva en la voz de Victoria Salas. La pieza fue grabada en Mar del Plata y mezclada en Tandil, reflejando el trabajo colaborativo que define su presente.

A pesar de la búsqueda constante por trascender las fronteras locales y alcanzar una audiencia nacional, el orgullo por su origen en Tandil permanece intacto. La ciudad no solo es mencionada en cada una de sus presentaciones, sino que funciona como una referencia constante tanto en sus composiciones como en la narrativa visual de sus videoclips. Para los músicos, salir de la ciudad es una herramienta necesaria para ganar perspectiva y "abrir la cabeza", permitiéndoles fomentar un circuito cultural regional que conecte a Tandil con localidades como Azul, Benito Juárez y Mar del Plata, descentralizando la mirada puesta únicamente en Buenos Aires.

La integración al sello Casa del Puente ha sido un pilar fundamental en esta etapa. Según explican Victoria Salas y Daniel Roca, esta estructura les permite formar parte de una comunidad de bandas amigas, como Maniobras y Cartas a Mí. Este respaldo no solo facilita la distribución y edición de sus discos, sino que también abre puertas a la prensa nacional, permitiendo que la música producida en Tandil gane mayor visibilidad en el mapa cultural del país.

En cuanto a la escena local, la banda observa un ecosistema fragmentado entre diversos géneros, desde el jazz y el soul hasta el punk y el metal. Su propuesta busca "administrar" esos mundos, invitando a bandas de distintos estilos para generar una mixtura de públicos. Para Pezcuis, el éxito ya no se mide por la masividad de los estadios, sino por la capacidad de construir comunidades orgánicas y sinceras que presten atención a la propuesta artística.

El lanzamiento de Vencida viene acompañado de una propuesta estética que profundiza en la mitología propia de la banda. El videoclip relata la existencia de un dios llamado Pezcuis, quien otorga inspiración a los artistas, y su conflicto con un científico conocido como Lucas. Este último busca secuestrar a los integrantes de la banda para apropiarse de dicha fuente creativa.

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Esta narrativa explica la puesta en escena que el público puede observar en sus presentaciones en vivo, donde los integrantes aparecen con vendas o líneas en los ojos. Estos elementos simbólicos representan el estado de control bajo el cual se encuentran frente al personaje de Lucas, integrando la ficción con la experiencia musical en un concepto integral.

Tras el estreno de este sencillo, la banda mantiene la mirada puesta en el lanzamiento oficial de su nuevo álbum, programado para fines de septiembre. Este disco promete mantener la estética renovada que el grupo ha trabajado recientemente, sin perder la esencia que los caracteriza desde sus inicios.

Una vez publicado el material, Pezcuis tiene proyectada una gira que los llevará a recorrer diversos puntos del país. Entre los destinos pensados en esta etapa de expansión se encuentran La Plata, Buenos Aires, Rosario y Córdoba. Con este despliegue, el grupo busca consolidar su propuesta a nivel nacional, reafirmando que la autogestión y el trabajo colectivo son motores posibles para el crecimiento de la música independiente argentina.

Hay una pregunta que atraviesa casi toda la conversación con Próspero Raúl Cantoni y que, aunque nunca se formula de manera explícita, encuentra respuesta en cada una de sus historias: ¿de dónde salen las canciones?

No aparecen de una búsqueda estética ni de un método de composición demasiado elaborado. Tampoco nacen de la necesidad de cumplir con un calendario de lanzamientos. En su caso, las canciones parecen surgir cuando la vida empieza a empujar demasiado fuerte.

Así ocurrió con Hablemos de vuelta, el disco que acaba de publicar y que presentará el próximo 22 de agosto en Acero junto a Stoikov y la banda platense Mañana Mi Coche Explotará. Las ocho canciones que integran el álbum pertenecen a un mismo momento de su vida, una etapa atravesada por cambios personales, incertidumbres económicas y la necesidad de volver a empezar.

"Me habían subido el alquiler y me fui a vivir a La Elena", recuerda casi al pasar, como si aquella decisión no hubiera cambiado demasiado las cosas. Sin embargo, enseguida explica que fue justamente durante esos dos años cuando nacieron todas las composiciones que hoy forman parte del disco. Vivía muy cerca de la casa de Fran Marguerite, uno de sus colaboradores más cercanos, y las canciones empezaron a circular entre mates, ensayos y devoluciones permanentes.

Aunque las letras sean profundamente personales, nunca sintió que el proceso fuera individual. Al contrario. Habla de un trabajo colectivo, de un grupo de amigos que fue puliendo cada detalle hasta llegar a la versión definitiva. Nombra a Fran, a su hermano —baterista de todas las grabaciones—, a Gastón Gauna, responsable de la mezcla en Nido Record, y a todos los que fueron apareciendo en el camino. Cuando recuerda los días previos al lanzamiento, incluso se ríe al contar que, después de que el disco estuvo disponible en las plataformas, volvió a intercambiar mensajes con Fran recordando viejas versiones de las canciones y pequeños detalles del proceso de grabación.

Esa forma de construir también explica por qué le cuesta hablar del disco como una obra exclusivamente propia. Las canciones nacieron de experiencias personales, pero terminaron tomando forma entre muchas manos.

Cuando se le pregunta qué intentó transmitir con Hablemos de vuelta, la respuesta aparece casi sin pensarla.

"Nunca lo pensé conceptualmente, pero sí sé que mis temas me salen catarsis."

No hace falta demasiada explicación. Para Cantoni, escribir canciones siempre fue una manera de procesar lo que le pasa. Incluso bromea diciendo que el protagonista de sus letras es "un chabón sufrido", alguien que inevitablemente termina mirando "el vaso medio vacío". No parece decirlo desde el dramatismo, sino desde una honestidad poco frecuente. Es consciente de que gran parte de su repertorio nace de las crisis, las dudas y las contradicciones.

El propio nombre del disco dialoga con ese recorrido. Su trabajo anterior se llamó No hablemos más. Ahora llega Hablemos de vuelta. La relación entre ambos no es casual. Si el primero representaba un corte, una despedida o la decisión de dejar algo atrás, el nuevo trabajo propone exactamente lo contrario: volver sobre ciertos lugares, recuperar conversaciones y reencontrarse con aquello que parecía perdido. No le interesa desarrollar demasiado esa idea porque entiende que las canciones terminan diciendo más que cualquier explicación, pero reconoce que existe una continuidad entre ambos discos.

Esa búsqueda también aparece en la portada. La fotografía fue tomada en el entorno donde nacieron buena parte de las canciones y muestra al músico rodeado de naturaleza junto a una guitarra eléctrica. La idea inicial surgió después de ver la tapa del último disco de Bad Bunny, aunque rápidamente tomó otro camino. Entre las fotos realizadas por Fran Marguerite y Juan Manuel Tristán, y el trabajo posterior de Pache, terminaron encontrando una imagen que dialoga con el universo del álbum sin necesidad de grandes artificios.

Más allá del lanzamiento, hay otro tema que ocupa buena parte de su presente: volver a tocar.

Para Cantoni, publicar un disco implica, casi obligatoriamente, salir a buscar escenarios nuevos. No por una cuestión de crecimiento comercial, sino porque siente que permanecer siempre en el mismo circuito termina apagando el entusiasmo.

"No podés tocar siempre en Tandil porque te aburrís de vos", dice entre risas.

Por eso, después de la presentación oficial, ya tiene confirmadas fechas en La Plata y Buenos Aires, mientras proyecta sumar otras ciudades como Benito Juárez, Necochea, Azul u Olavarría. Más que una gira tradicional, lo entiende como una manera de conocer personas, fortalecer vínculos y compartir música con colegas de otros lugares.

En esa lógica también se inscribe Canción Pasión, el ciclo que organiza desde hace tiempo y que se convirtió en uno de los espacios más activos de intercambio entre músicos independientes. La propuesta consiste en invitar artistas de otras ciudades para compartir escenario con músicos locales, con la expectativa de que ese encuentro genere luego una devolución en forma de nuevas fechas.

"No podemos depender de otra cosa; dependemos de las canciones", resume.

La organización, admite, suele ser agotadora. Conseguir fechas en una ciudad donde permanentemente hay actividades culturales no resulta sencillo. Sin embargo, nunca dudó en sostener el proyecto. Los músicos que llegan desde otros lugares se alojan en su casa, comparten la mesa con su familia y terminan formando parte de una experiencia que excede ampliamente al recital.

"A veces digo '¿para qué mierda hago esto?', pero después pienso: ¿cómo no lo voy a hacer?"

Su manera de entender la música parece estar atravesada por esa idea de comunidad. No habla de competencia ni de posicionamiento. Habla de construir redes entre artistas que hacen canciones desde lugares parecidos y que necesitan ayudarse para seguir encontrando espacios donde tocar.

Durante la charla también aparece otro aspecto mucho más íntimo: la paternidad. Le preguntan cuánto modificó su manera de escribir desde que nació su hija. La respuesta vuelve a escapar de cualquier lugar común. Dice que nunca se sentó a escribirle una canción específicamente para ella, pero reconoce que sería imposible que no estuviera presente en todo lo que compone.

"Una hija te toca todos los aspectos de tu vida."

El trabajo, los tiempos, el dinero, las preocupaciones y hasta la manera de mirar las cosas cambian inevitablemente. No hace falta nombrarla en una letra para que esté ahí.

Quizás por eso sorprende cuando, después de tantos años arriba de distintos escenarios, reconoce que todavía siente nervios antes de cada recital.

"Me sigue pareciendo una locura decir 'vengan a verme'."

No distingue demasiado si se trata de ansiedad, miedo o entusiasmo. Dice que todo aparece mezclado. La presentación del 22 de agosto lo entusiasma tanto como lo inquieta, y la posibilidad de tocar por primera vez en ciudades como Buenos Aires o La Plata le genera exactamente la misma sensación.

En tiempos donde buena parte de la industria musical parece girar alrededor de algoritmos, métricas y estrategias para redes sociales, Cantoni sigue apostando por algo mucho más sencillo. Escribir canciones cuando siente que tiene algo para decir. Compartirlas con quienes estuvieron cerca durante el proceso. Salir a la ruta para encontrar nuevos públicos. Dormir en casas de amigos, alojar músicos en la propia y confiar en que las canciones seguirán haciendo el trabajo que vienen haciendo desde el principio: conectar personas.

Quizás por eso Hablemos de vuelta no funciona solamente como el título de un disco. También parece resumir una manera de entender la música. Después de un tiempo de silencios, mudanzas y búsquedas personales, Próspero Raúl Cantoni decidió volver a hablar. Y, una vez más, eligió hacerlo cantando.

Lautaro Zugbi fue el protagonista de una reciente entrega de Zip Unplugged, el segmento de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. En una charla distendida que recorrió sus inicios y su presente artístico, el músico desglosó el proceso detrás de su proyecto solista, una decisión que, según confesó, no fue estrictamente planificada, sino que decantó de forma natural. "En realidad no sé si estuvo muy pensado. Siempre toqué en bandas y de repente me encontré haciendo canciones mías en casa y dije: 'esto soy yo'", explicó.

Para quien durante mucho tiempo se posicionó como guitarrista, el salto hacia el frente del escenario implicó una transformación profunda. El artista reconoció que ocupar un rol secundario le brindaba una comodidad que debió abandonar para abrazar su nueva faceta. Admitió además que la timidez es algo que no se pierde nunca, pero que el proceso fue orgánico. Hace cinco años, según sus propias palabras, no se habría imaginado sosteniendo un espectáculo desde el canto y la composición principal, pero hoy lo vive como una actividad que le genera disfrute y expectativas renovadas.

En ese camino de búsqueda, el entrevistado señaló que la construcción de la identidad sonora es un proceso permanente y que, a menudo, los músicos atraviesan etapas de insatisfacción que los impulsan a cambiar. Sin embargo, se mostró particularmente conforme con su material discográfico actual, algo que calificó como poco habitual. En este sentido, remarcó que todavía siente un cariño especial por sus canciones y que su objetivo primordial es "hacer rodar" la música, un concepto que para él trasciende la mera acumulación de reproducciones en plataformas digitales.

El músico profundizó en lo que implica sostener un proyecto en la actualidad, diferenciando el éxito virtual de la conexión real con el público. Para Zugbi, hacer rodar las canciones significa tocar en vivo y recibir la respuesta de la gente. Aunque reconoció que el trabajo en plataformas como Spotify es complejo y a menudo requiere de una inversión económica que no siempre está al alcance del artista, aseguró que lo más interesante es que haya gente real diciendo si le gustó o no. En su visión, el éxito no reside en un número estadístico, sino en lograr que el público asista a las fechas.

Al comparar las escenas de La Plata y Tandil, el artista destacó la vitalidad de la movida local. Mencionó espacios y festivales que marcan el pulso cultural de la ciudad, como Macanudo, Lunático y Fresco. "Hay una red que hace mucho más accesible el venir", comentó, al tiempo que derribó el mito de que es necesario estar en Buenos Aires para trascender. Para el productor, el esfuerzo de "remar" en la autogestión es similar en cualquier punto del país y la verdadera cima es lograr que la mayor cantidad de gente posible concurra a las presentaciones.

La situación económica actual también fue un punto de análisis durante la entrevista. El músico advirtió sobre las dificultades para la venta de entradas, señalando que existe una "malaria" que afecta al sector. Observó un contraste marcado entre los grandes shows internacionales que agotan estadios con precios elevados y la realidad del músico local, que debe lidiar con la incertidumbre de la venta de último momento. A pesar de este panorama, reafirmó su compromiso con el formato de banda, valorando la presión sonora y el acto de compartir con otros músicos.

La formación académica ocupa un lugar central en la vida de Zugbi. Su paso por la carrera de música popular en La Plata no solo le brindó herramientas técnicas, sino que le permitió conectar con referentes y colegas de todo el país. Como docente, el entrevistado observó cambios en las nuevas camadas de estudiantes tras la pandemia. Notó una tendencia hacia un trabajo más solitario y virtual, lo que representa un desafío para la atención en las aulas. "Las cursadas de dos horas seguidas son cada vez más difíciles; ¿a quién le dura la atención?", se preguntó.

A pesar de estos cambios, destacó la capacidad de los jóvenes para resolver cuestiones técnicas con resultados profesionales gracias a la tecnología disponible. Su consejo para quienes se inician en la música fue contundente: “Hay que hacer". Zugbi instó a los nuevos artistas a no esperar las condiciones ideales para producir, sino a trabajar con los recursos que tengan a disposición. "Hacé, metele y después vamos viendo qué puede mejorar", sentenció.

Hacia el final de la charla, el músico se sometió a un cuestionario breve donde dejó entrever sus gustos personales. Eligió a Charly García como el músico con quien le gustaría grabar y destacó la letra de "Al lado del camino", de Fito Páez, como una obra admirable por su métrica y contenido. En cuanto al consumo de música, se definió como un defensor del orden original de los discos, evitando la reproducción aleatoria para respetar la unidad de la obra tal como fue concebida por el autor.

Cada regreso a Tandil, según relató, implica cumplir con un "fixture" afectivo que incluye mates con su madre y encuentros con su padre, su abuela y amigos. Para el joven que a los 18 años partió hacia La Plata con incertidumbres, el consejo actual sería el mismo que aplicó durante su carrera: hacer lo que se pueda con lo que se tiene. Hoy, con un disco consolidado y nuevos temas en proceso de grabación, Lautaro Zugbi sigue apostando a sus canciones y al encuentro genuino con su público en cada escenario que le toca habitar.

Matías Leanza Montes, referente de la agrupación, participó recientemente de una entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el encuentro, el artista analizó el presente de la banda y cómo lograron consolidarse como uno de los proyectos independientes con mayor proyección federal en la actualidad. Con seis años de trayectoria, la banda supo construir una estética propia que combina la fuerza del rock con la sensibilidad melódica del pop, un híbrido que ellos mismos denominaron como “pop pesado”.

La propuesta de la banda no se limitó únicamente a lo sonoro. Desde sus inicios, los integrantes comprendieron que la pata visual resultaba fundamental para transmitir su mensaje. En ese sentido, Leanza Montes explicó que trabajaron intensamente en su canal de YouTube con videoclips de alta factura técnica. Curiosamente, la dirección de casi todas sus piezas audiovisuales estuvo a cargo de su sobrino, Juan Thiago Leanza Montes. “Cuando formamos la banda, la idea era tener un frente lo más amplio posible, que no solamente sea la música sino también toda la pata visual y de imagen”, relató el bajista, quien recordó que su sobrino comenzó su carrera como *filmmaker* casi en simultáneo con el nacimiento del grupo.

Uno de los puntos más destacados de la charla fue la filosofía de grabación que adoptó la agrupación. En un contexto donde la industria musical abusa de herramientas de corrección como el Auto-Tune o el Melodyne, ellos decidieron transitar el camino inverso. Matías señaló que, si bien cuidan cada detalle del diseño sonoro —desde los teclados hasta las afinaciones graves de las guitarras—, las voces permanecen sin ediciones que alteren su esencia natural.

“Nosotros no usamos edición de afinación en las voces; hasta incluso se escuchan ciertas desafinaciones en el disco”, confesó el músico. Según su visión, el oído cultural actual se encuentra “formateado” para que todo suene perfecto y encuadrado en una grilla, algo que termina por agotar la experiencia auditiva. Para Leanza Montes, recuperar esa imperfección orgánica es un acto de honestidad artística: “Buscamos recuperar la naturalidad sin abandonar la prolijidad, pero alejándonos de ese formato donde todo tiene que salir perfectito”.

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Esta búsqueda de autenticidad se traduce en lo que denominan “exceso de información”. El concepto de “pop pesado” no refiere necesariamente a una distorsión constante, sino a la densidad de las capas sonoras y a una ejecución vibrante que remite a las bandas clásicas, donde la interpretación humana primaba sobre el procesamiento digital.

Komo Yamarte recorre el país como una de las bandas independientes del momento, un logro que no es casual sino fruto de una estructura de trabajo muy disciplinada. El músico explicó que cuentan con su propia consola y un *setup* técnico específico que les permite sonar de la misma forma en cualquier escenario, independientemente de la infraestructura del lugar. “Tenemos una cuestión de banda de cumbia, de las que están súper aggiornadas y tocan en vivo de verdad; no dependemos estrictamente de amplificadores externos”, comparó.

Al ser consultado sobre qué significa “llegar” en la música contemporánea, Leanza Montes ofreció una respuesta pragmática y alejada de los romanticismos habituales. Para el artista de 41 años, el éxito hoy se mide en la capacidad de cortar más de 200 tickets de forma sostenida. “Cuando tenés una estabilidad en todas las zonas donde tocás, ya sea el sur, el norte, Rosario o Tandil, y llevás entre 100 y 200 personas, ya llegaste, porque eso te permite cubrir los costos”, aseguró.

En este recorrido, la banda valoró especialmente sus visitas a ciudades como Rosario y el interior de la provincia de Buenos Aires. El vínculo con Tandil también estuvo presente en la conversación, mencionando la relación cercana con artistas locales como Campo Lup, con quien compartieron escenario recientemente. Para los integrantes del grupo, el esfuerzo de trasladarse kilómetros para tocar es parte esencial del oficio: “Si sos músico o artista, te tenés que desplazar; nosotros somos de Zona Oeste y nos movemos siempre a todos lados”.

La realidad de la escena argentina para las bandas independientes fue otro de los ejes de la entrevista. Matías analizó las diferencias con mercados como el de Brasil y lamentó que, durante décadas, la música en el país fuera un negocio reservado para pocos. “Durante los 80, 90 y principios de los 2000, había poca información y se decía muy poco de lo que había que hacer”, reflexionó el entrevistado.

A pesar de que las redes sociales democratizaron el acceso a la difusión, el músico fue crítico con el rol de los algoritmos y la inversión publicitaria. Según su análisis, hoy en día se mantiene una lógica similar a la de las épocas de la radio: el talento sobra, pero la visibilidad depende en gran medida de la pauta y la infraestructura que se pueda financiar. “La pauta sale dinero y nadie está ahí solo por talento. El talento sobra en Argentina, hay artistas que no los conoce nadie y tienen canciones que son hermosas”, subrayó con firmeza.

Pese a ser una banda que utiliza la tecnología a su favor, mantienen una postura crítica sobre la alienación digital. Cuentan con una canción titulada “Que se apague todo”, la cual funciona como una declaración de principios. Para ellos, el contacto directo con los medios tradicionales y el público es irremplazable. “Nos gusta ir a los programas y tener contacto con los medios, porque son los que generan una opinión verdadera, los que generan el mito”, explicó Matías.

Para el líder de la agrupación, por más exposición que se tenga en plataformas, lo que termina ganando peso es lo que se genera en el “tú a tú” con el otro. Esta filosofía es la que los impulsa a seguir recorriendo rutas y escenarios, apostando a que su mensaje perdure más allá de la reproducción efímera de un video en redes sociales.

Finalmente, el músico invitó a los seguidores a buscarlos en plataformas como Spotify y YouTube bajo el nombre de la banda, aunque aclaró con humor que en TikTok están “frizados” porque no se dedican a hacer comedia ni se adaptan fácilmente al formato de contenido ultra breve que exige esa red. “Es muy trabajoso y no se adecúa al mensaje que queremos dar nosotros, que es básicamente un sopapo a lo efímero”, concluyó Leanza Montes, reafirmando el compromiso de la banda con una propuesta artística de largo aliento.

Gamma Mood protagonizó la apertura de la tercera edición de Zip Unplugged, un espacio que busca desnudar la esencia de los artistas locales. El encuentro tuvo lugar en el marco del programa Cultura Zip, que se emite por “El Eco Streaming”, “Eco TV” y “Tandil FM 104.1”. En esa mesa, el artista se explayó sobre las fibras íntimas que mueven su obra y la metodología detrás de sus canciones. Durante la entrevista, confesó que los climas grises y lluviosos resultan un motor fundamental para su inventiva, funcionando como una banda sonora natural que invita a la pausa y a la introspección.

"Soy bastante melancólico en el proceso de la composición", admitió el músico. Sin embargo, aclaró que el clima no determina un resultado único, ya que en sus sesiones de trabajo "puede salir lo que sea". Para el artista, el acto de volcar emociones en palabras permite que estas se transmuten, buscando que el oyente vibre en esa misma frecuencia. En este sentido, evitó atarse a ideas preestablecidas y optó por una búsqueda orgánica que responda al momento presente.

La noche surgió en la charla como el escenario predilecto para la creación. El cantante explicó que la nocturnidad posee una energía particular que favorece la grabación, debido a que los sonidos cotidianos se calman y generan un "colchón de silencio". Recordó incluso la filosofía de un músico cubano que prefería las horas de madrugada para entrar al estudio, argumentando que, a pesar del cansancio acumulado, es el momento donde se logra un funcionamiento creativo más fluido.

Respecto a la inspiración, la describió como un "bien muy preciado" que no siempre aparece cuando se dispone del tiempo para trabajar. Ante esta dificultad, reveló que aplica un sistema de registro constante para no perder las ideas espontáneas. "Es muy importante todo el trabajo previo que vas haciendo. Ya sea en un viaje, camino al trabajo o duchándote, hay que dejar asentada la idea en una nota de celular o un audio", relató. Este método le permite retomar fragmentos en momentos de ocio creativo y transformarlos en piezas completas.

Para el compositor, retomar viejos apuntes puede derivar en descubrimientos inesperados. Mencionó que, al revisar anotaciones de distintos períodos, descubrió en ocasiones que tres ideas inconexas terminaban siendo parte de una misma unidad. "Encontrás la conexión entre esas cosas y de repente te cierra todo", explicó. Subrayó así que este reciclaje de disparadores es vital para alimentar su producción sin depender exclusivamente de la inspiración espontánea frente al instrumento.

Asimismo, destacó la importancia del intercambio con colegas y amigos antes de dar por finalizada una obra. El músico valoró el comentario sincero de su círculo íntimo, asegurando que compartir el material en proceso ayuda a no cerrarse en la mirada propia. No obstante, aclaró que la decisión final siempre responde a la intuición personal, manteniendo un equilibrio entre la apertura constructiva y la fidelidad a la visión artística original.

Sobre su presente, Gamma Mood confirmó que se encuentra en plena producción de un nuevo disco junto a Fran Margueritte. Según adelantó, este trabajo presentará un color distinto a su material previo, el cual se caracterizaba por ser más íntimo. Esta nueva etapa busca proyectarse "un poquito más hacia afuera", con una impronta bailable y una atención especial a las estéticas sonoras de la actualidad. El disco no nació de una planificación rígida, sino de una colaboración espontánea que comenzó con una sola canción y terminó agrupando diez piezas con una temática común.

Respecto a la dificultad de vivir del arte en la ciudad, el entrevistado fue optimista pero realista. "Casi todo lo que hago está relacionado a la música", comentó, mencionando sus labores en talleres, clases y composición para obras de teatro. Para él, dedicarse a esta disciplina es una necesidad vital que requiere buscar constantemente diferentes formas de inserción profesional. En ese camino, las plataformas digitales se volvieron una herramienta de autorreferencia necesaria para observar su propio crecimiento.

El aspecto visual también juega un rol preponderante en este nuevo proyecto. El músico reveló que ya diagramó esquemas y guiones audiovisuales para acompañar las canciones, entendiendo que la imagen termina de cerrar el mensaje. Aunque reconoció que la parte burocrática y el marketing pueden ser engorrosos, destacó que trabajar con expertos en el área visual le permite potenciar su obra. De este modo, delega tareas para concentrarse en la generación de capas sonoras en el estudio.

Hacia el cierre de la entrevista, reflexionó sobre el desafío de ocupar el rol de frontman. Tras una vida integrando diversos grupos desde un lugar secundario, estar al frente de Gamma Mood representa un aprendizaje constante. "Siempre genera algo estar ahí adelante, sigue siendo un desafío", confesó. A pesar de ello, ratificó su compromiso de seguir defendiendo las canciones que nacieron de su pluma y que hoy buscan resonar en el público tandilense.

La escena musical independiente de la Argentina cuenta desde ahora con un nuevo espacio de validación y reconocimiento. Con el propósito de fortalecer y proyectar el trabajo de quienes desarrollan sus carreras por fuera de los circuitos comerciales tradicionales, AqM Revista presentó oficialmente la primera edición de los Premios AqM a la Música Independiente. La convocatoria, que tiene un alcance federal, permanecerá abierta para inscripciones desde el 31 de julio hasta el 31 de agosto.

Esta iniciativa no se limita a una ceremonia de premiación, sino que se posiciona como una plataforma integral destinada a poner en valor el entramado creativo que sostiene la cultura musical del país. El proyecto busca reconocer no solo a los artistas, sino también a productores, gestores culturales, periodistas, realizadores audiovisuales, diseñadores y sellos independientes que resultan fundamentales para el desarrollo del sector.

Según explicó Mariana Binder, directora de la revista, este recorrido permitió identificar las necesidades del sector y la importancia de formalizar un espacio de articulación. "Desde hace años acompañamos las historias de cientos de artistas independientes y sentimos que había llegado el momento de crear un espacio que también los reconociera. Los Premios AqM nacen para visibilizar ese enorme trabajo que muchas veces sucede lejos de los grandes circuitos, pero que es fundamental para la cultura musical de nuestro país", afirmó Mariana Binder.

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La primera edición de estos galardones se destaca por su carácter federal, permitiendo la participación de proyectos provenientes de todas las provincias argentinas. Debido a que se trata de la edición fundacional, el reglamento contempla un periodo de elegibilidad amplio: podrán postularse obras publicadas entre el 1 de enero de 2023 y el 31 de diciembre de 2025. Esto incluye álbumes, EP, singles y videoclips oficiales.

La estructura de los premios contempla categorías generales como Álbum del Año, Canción del Año, Artista del Año y Artista Revelación. Asimismo, se integrarán reconocimientos específicos por géneros musicales, categorías audiovisuales y distinciones especiales destinadas a homenajear a referentes que han contribuido significativamente al crecimiento de la música independiente en el territorio nacional.

Para garantizar la transparencia y la calidad del proceso, la selección estará a cargo de un jurado multidisciplinario. Este cuerpo evaluador estará integrado por periodistas especializados, músicos, productores, docentes universitarios, gestores culturales y realizadores audiovisuales de diversas regiones del país e incluso del ámbito internacional. Los criterios de evaluación se centrarán en la calidad artística, la originalidad, la producción, el impacto cultural y el desarrollo profesional de cada propuesta.

El proceso de selección se extenderá durante los próximos meses y tendrá su punto culminante el 20 de noviembre de 2026. La ceremonia de premiación se llevará a cabo en el Centro Cultural Universitario de Tandil, donde se distinguirán las obras y proyectos seleccionados por el jurado. Este evento busca consolidarse como un hito en la agenda cultural local y nacional.

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La organización cuenta con el respaldo institucional del Área de Cultura de la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires (UNICEN), bajo la gestión de Anabela Tvihaug. Además, el proyecto es apoyado por una red de organizaciones y medios como Gestión Indie Prensa, Songdew Latam, Women in Music Argentina, Cultura Zip y Argie Pop Records, entre otros actores que colaboran en el fortalecimiento de la escena.

En una nueva edición del Zip Unplugged, Gastón, creador del proyecto Gamma Mood, ofreció una presentación acústica y habló sobre su proceso creativo, sus influencias y el presente de su carrera.

Durante la entrevista contó que la lluvia y la noche son grandes fuentes de inspiración para componer y explicó que suele registrar ideas en notas de voz o en el celular para luego desarrollarlas durante sus sesiones de trabajo.

Además de interpretar "Son", presentó un tema inédito que forma parte de un nuevo concepto basado en los cuatro elementos de la naturaleza, y cerró con otra canción inspirada en el agua.

El artista también adelantó que trabaja junto a Francisco Margueritte en un nuevo disco, que tendrá un perfil más bailable y una estética diferente a la de sus trabajos anteriores, dejando atrás el tono más introspectivo de sus primeras composiciones.

Durante la charla reflexionó sobre los desafíos de los músicos independientes, la importancia de los espacios para difundir canciones originales y la posibilidad de vivir de la música combinando distintas actividades artísticas.

Antes de despedirse, dejó una pregunta para el próximo invitado del ciclo, Lautaro Zugbi: "¿Qué banda te marcó en la adolescencia?", mientras reveló que, en su caso, fueron Los Beatles quienes despertaron su vocación musical.

Hardy Leiva visitó Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, para compartir su ascendente trayectoria en las danzas urbanas. El joven comenzó a dar sus primeros pasos de baile desde muy pequeño. Acompañado por una técnica rigurosa y una dedicación constante, se posicionó como una de las promesas locales en disciplinas que requieren un control corporal absoluto.

"Quiero hacer eso, tengo que hacer eso", recordó Leiva sobre el momento exacto en el que, durante unas vacaciones familiares, observó a un artista callejero y decidió su destino. Dicho artista ensayaba una coreografía similar a las representaciones de Michael Jackson, un emblema mundial del baile.

A pesar de que en Tandil la oferta de instructores específicos de popping era inexistente, sus padres se encargaron de buscar alternativas para fomentar su formación. Desde los ocho años, el niño comenzó a tomar clases formales, aunque en la actualidad perfecciona su estilo mediante clases virtuales con profesores internacionales, una herramienta que le permitió elevar su nivel técnico.

La repercusión mediática llegó de la mano de un video que nació de la casualidad en la diagonal del Parque Independencia. Solange Bravo, quien se desempeña como estatua viviente y es además docente de teatro, relató que aquel encuentro fue "como reencontrarse con su yo niña".

Según explicó la artista en Cultura Zip, la química con el joven fue inmediata y genuina. "Él tiene mucha técnica, se está formando. Yo me había achicado y decía 'no, qué me voy a meter yo', pero conectamos mucho y fue todo improvisado", señaló Bravo, destacando el apoyo incondicional de los padres del menor en su crecimiento artístico.

El video, que capturó una improvisación de ambos en la vía pública, acumuló miles de reproducciones y generó que los vecinos comenzaran a reconocer al pequeño bailarín en las calles. "Muchos amigos me decían que les saltó el video y a mí me sorprendió porque no imaginé que llegara tan lejos", confesó Leiva.

Este impulso de popularidad no modificó su rutina, sino que reafirmó su compromiso con el entrenamiento diario, que reparte entre espacios públicos y salones privados junto a sus compañeros. También la relación con Bravo se profundizó, al punto de realizar varias producciones que ya salieron a la luz y otras que se publicarán próximamente.

Para el joven, la diferencia de edad no representa un obstáculo dentro de la cultura del baile, ya que prevalece la pasión compartida. Actualmente forma parte de Contrabando, un grupo de bailarines de breaking que integra a exponentes de Tandil y Mar del Plata. El grupo suele autogestionar sus espacios de práctica y se reúne habitualmente en la glorieta de la Plaza Independencia para entrenar durante horas, compartir conocimientos y pulir movimientos.

"No es tan importante la edad porque compartimos la misma pasión", afirmó el bailarín, quien actualmente se encuentra enfocado en dominar el "molino", una de las maniobras más icónicas y difíciles del breaking, que consiste en girar sobre la espalda con gran velocidad. Su rutina semanal es intensa: entrena popping dos veces por semana y breaking cuatro días, incluyendo los sábados. Según manifestó, no descansa porque la danza es su pasión.

Esta disciplina lo llevó a inscribirse en Actitud Funky, un evento de carácter internacional que se desarrollará en la ciudad de Buenos Aires el 11, 12 y 13 de septiembre. En dicha instancia, llegarán al país los mejores exponentes del mundo para brindar clases y participar de competencias de alto nivel. Leiva ya aseguró su entrada para el evento, donde tendrá la oportunidad de conocer personalmente a los profesores que lo forman a través de la pantalla.

El joven tandilense será el único niño en participar de esta competencia y asumirá la responsabilidad de representar a su ciudad frente a un jurado internacional. "Estoy muy ansioso para que llegue ese día", expresó. Mientras se prepara para este desafío, continúa con sus rutinas de baile y perfecciona sus movimientos para convertirse en un referente local del popping.

Banda Especia regresa a las sierras para consolidar un vínculo que creció de forma sostenida con los espectadores de Tandil. El grupo, que nació en el ámbito universitario de La Plata y se nutre de músicos provenientes de diversas latitudes, pasó por los micrófonos de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, para reflexionar sobre su presente artístico y la logística detrás de una propuesta independiente que ya cumplió nueve años de trayectoria.

La formación actual de la banda es un reflejo de la diversidad geográfica que confluye en los centros de estudio platenses. El proyecto surgió tras encuentros fortuitos en la facultad, donde las obligaciones estudiantiles mutaron rápidamente en composiciones propias. Actualmente, el grupo está integrado por dos personas de La Plata, un tandilense y músicos oriundos de Pringles, Gutiérrez, Claypole y Rawson. Esta pluralidad de orígenes marcó la identidad de un equipo que, según explicaron, funciona con roles asignados y una estructura de trabajo para afrontar la burocracia digital.

Respecto a su relación con la escena local, los integrantes destacaron que Tandil se distingue por ser una ciudad "bastante rockera", un rasgo que los atrajo desde su primera visita. Durante la entrevista, resaltaron la calidez del público serrano y mencionaron su admiración por artistas de la zona, como Emilia Inclán. Para los músicos, el hecho de que sus canciones recorran la provincia es un paso fundamental, especialmente cuando logran percibir que se generó un público propio que escribe y acompaña cada nueva fecha en el calendario local.

El arribo a Tandil también tuvo su mística particular a través de una cuidada selección musical para el viaje. Debido a que el vehículo en el que se trasladaron solo contaba con reproductor de CD, el grupo optó por un formato clásico que incluyó discos de Gustavo Cerati, Luis Salinas, Los Piojos y Divididos. La entrada triunfal a la ciudad, según relataron, estuvo musicalizada por las estrofas de "El amor después del amor", de Fito Páez.

La realidad económica y el cambio de paradigma en el consumo cultural ocuparon un lugar central en la charla. Los músicos admitieron que la venta de entradas se volvió un proceso complejo, donde la planificación de las fechas resulta clave para no quedar relegados frente a las dificultades financieras de los espectadores hacia fin de mes. "Nos está costando a todos y todas las artistas convocar a la gente; si no planificas una fecha del uno al diez, es más difícil encontrar una propuesta que funcione", señalaron sobre la coyuntura actual en los centros urbanos.

En cuanto a la monetización a través de internet, los integrantes de Banda Especia fueron contundentes al describir la "burocracia digital" y los escasos márgenes de ganancia. Revelaron que actualmente las plataformas de streaming pagan aproximadamente 0,006 centavos por reproducción.

A pesar de la crisis del formato físico, el grupo descartó por el momento la firma con una discográfica tradicional por considerar inviables los costos de producción. En su lugar, barajaron alternativas innovadoras como la distribución de su música a través de dispositivos USB. "No agarramos la época de vender discos, crecimos con Ares", recordaron, citando una frase del músico Ale Sergi sobre la importancia de que la gente acceda a la música por cualquier vía, incluso si eso implica alejarse de los cánones industriales tradicionales.

Finalmente, recordaron las peripecias que debieron atravesar durante el último Mundial de Fútbol, cuando el calendario de la selección argentina se interpuso en su agenda de presentaciones en vivo. En aquella oportunidad, debieron proyectar un partido en una pantalla gigante antes de iniciar su show en el espacio Ciudad de Gatos, en La Plata. "Menos mal que ganó Argentina porque si no, no levantabas más el ánimo para tocar", recordaron entre risas, subrayando que la resiliencia es una parte fundamental de la identidad de Banda Especia.

El músico Fernando Hortal, popularmente conocido como el Bahiano, dialogó de forma exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. El artista, con más de cuatro décadas de trayectoria, se refirió a su visión sobre la música actual, la preparación de un show en formato acústico y su constante evolución como compositor.

La llegada del exlíder de Los Pericos a Tandil se dio en un contexto de búsqueda de cercanía con el público. El cantante reconoció que, si bien visitó la ciudad con frecuencia durante su etapa en la banda de reggae, su paso como solista por las sierras fue menos asiduo de lo esperado. En ese sentido, explicó que el formato acústico surgió como una herramienta estratégica y artística para alcanzar plazas que no siempre figuran en el circuito inmediato de los grandes festivales.

Sobre la logística que implica salir de gira, el Bahiano fue categórico al describir las complejidades de la industria actual. El intérprete señaló que la disponibilidad de fechas y la presencia de promotores locales en cada ciudad son determinantes para concretar las presentaciones. En un momento de sinceridad absoluta, el músico afirmó: “Me encantaría estar todos los días tocando, pero uno depende de muchos otros factores”.

El actual espectáculo del Bahiano se apoyó en una propuesta despojada, acompañado por el guitarrista y cantante Luciano Ciganda. Según el protagonista, esta configuración permitió que las canciones se eleven y se perciban de una manera diferente a la estridencia de un concierto con banda completa. Para el artista, el acústico es el estado natural en el que nacen las composiciones, priorizando la estructura, el verso y el estribillo por sobre la instrumentación compleja.

Sin embargo, esta simplificación no estuvo exenta de desafíos técnicos. El músico explicó que debió realizar una selección rigurosa de su repertorio, ya que no todas las piezas de su catálogo se adaptaron a seis cuerdas. Ejemplificó que clásicos como “Párate y mira” quedaron fuera del setlist debido a su fuerte dependencia de la percusión y los vientos, elementos que no podrían ser reemplazados sin perder la esencia musical del tema.

Esta apuesta por lo íntimo buscó generar un vínculo más potente con el espectador. El Bahiano destacó que, en los estadios, la sonoridad de la banda suele opacar la voz del público, mientras que en un recinto pequeño se genera un “fogonazo” donde el canto de la gente se escucha con mayor presencia. Además, destacó que esta modalidad permitió que las letras cobren un protagonismo inusitado, resaltando matices que a veces se pierden en las grandes producciones.

A sus 63 años, el cantante admitió que el proceso de selección de canciones también pasó por un filtro personal y emocional. Aseguró que dejó de interpretar aquellas piezas que ya no lo representan, evitando caer en un “piloto automático” que el público podría detectar fácilmente. Para el Bahiano, el respeto por la obra implica sentirla vibrar en el presente, sin importar si fue escrita hace 20 o 30 años.

Respecto al panorama tecnológico, el exconductor del ciclo de la TV Pública, MP3, reconoció ser parte de la “vieja escuela” que valoraba la inversión de comprar un disco físico. No obstante, se adaptó a las nuevas reglas del juego digital, trabajando con una agencia de comunicación y una CM (Community Manager) que gestionan su presencia en redes sociales. Aunque admitió que inicialmente le costaba comunicar cada paso de su vida, hoy comprendió que es una parte necesaria del negocio musical.

A pesar de la frialdad de las métricas de Spotify y otras aplicaciones, el Bahiano celebró contar con un público orgánico. Según las estadísticas que maneja su equipo, su audiencia principal se concentró entre los 25 y 55 años, con un notable 35 por ciento de seguidores jóvenes que descubrieron su música en los últimos tiempos. Este fenómeno le permitió mantenerse activo y con proyectos de grabación inmediatos.

Finalmente, el artista adelantó que se encuentra en una etapa de composición activa, con la intención de lanzar nuevas canciones antes de que termine el año bajo el formato de “simples”. Con la mirada puesta en el futuro pero respaldado por un refugio musical construido durante 40 años, el Bahiano reafirmó su compromiso con el oficio de cantar, siempre dispuesto a descubrir nuevos sonidos en su propio “disco rígido” mental.