La escena musical de Tandil cuenta con nuevos exponentes que, con una visión clara y una marcada impronta personal, buscan abrirse camino en la industria actual. José Pontaroli, un joven músico de 21 años, representa a esa generación que combina la formación académica con la necesidad expresiva de la composición. Aunque actualmente reside en Mar del Plata, donde cursa sus estudios en comunicación, su vínculo con Tandil permanece intacto y es el eje central sobre el cual proyecta sus próximos pasos artísticos.

Al ser consultado sobre sus inicios, Pontaroli reconoce que la música siempre estuvo presente en su vida, aunque durante mucho tiempo la mantuvo en un plano secundario por temor a las dificultades que implica dedicarse profesionalmente al arte. "Siempre toqué la guitarra, nunca lo tomé muy en serio, siempre escribí canciones así medio sencillas", comenta el músico. Sin embargo, la persistencia del impulso creativo terminó por imponerse. "Es eso que dicen siempre los artistas, que no le podés escapar. En algún punto fue decir: bueno, yo toda la vida, más allá de lo que haga o de lo que trabaje, voy a seguir haciendo música, así que más vale tomármelo en serio", explica.

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El entorno familiar de Pontaroli ha sido un pilar fundamental en su desarrollo, ya que proviene de un hogar donde el arte se respira en cada rincón. Con un padre dibujante y una madre vinculada a las artes plásticas, la sensibilidad estética fue un rasgo compartido entre los siete hermanos. "Toda mi familia es muy artística, aunque no siempre por el lado de la música. Mis tíos sí son músicos, pero mi viejo es dibujante y mi vieja estudió arte también. Yo aprendo a tocar la guitarra por mi viejo, pero muy sencillo. Mis hermanos también tocan instrumentos; uno el bajo y otro el piano, así que lo tenemos muy de familia", detalla el entrevistado.

En cuanto a su estilo, el músico se identifica con la tradición del folk, particularmente con la vertiente estadounidense, donde la narrativa y la estructura acústica son protagonistas. Esta elección estética conlleva desafíos técnicos, especialmente al presentarse en vivo. "Siento que tocar solo me limita un montón en las canciones. Todo el tiempo que las toco, estoy pensando en los arreglos y en los instrumentos que les agregaría. Suelo tocar en vivo solo porque es más fácil manejar un proyecto propio, pero siempre que las pienso para grabar o para algo a largo plazo, son canciones para tocar con banda", afirma Pontaroli.

Sobre la escena local, el joven músico observa un panorama alentador aunque con desafíos pendientes. "Para mí hay una linda movida. Me estoy adentrando más este último año, porque mi hermano también empezó a tocar en banda. Lo que siento que falta mucho es la banda joven en general, pero de a poco yo creo que se va dando y está relindo verlo", sostiene. Su plan para el año próximo es consolidar un ensamble musical con amigos de Tandil, aprovechando que finalizará su cursada presencial en Mar del Plata para instalarse nuevamente en la ciudad y trabajar con mayor regularidad en los arreglos de sus composiciones.

La autogestión es otro de los temas centrales en la carrera de Pontaroli. En un contexto donde el artista debe asumir roles de productor, distribuidor y estratega de marketing, el músico destaca la democratización de las herramientas digitales. "Ahora, en 2026, el laburo del artista es mucho más democrático. Tenés mucha más apertura a hacer un montón de cosas que antes no podías hacer. En tu cuarto podés grabar una canción con una calidad a la que antes la gente no podía llegar nunca", analiza. No obstante, reconoce que el éxito actual depende en gran medida de la construcción de una audiencia fiel.

Para el músico, la relación con el público es el motor que permite el crecimiento de un proyecto independiente. "Creo que es muy importante la audiencia. Se ha demostrado un millón de veces que artistas han crecido por Instagram o TikTok. Siento que no se le da tanta importancia al trabajo que hace la audiencia de compartir, de estar ahí todo el tiempo, de ir a los shows y de bancar. Muchos artistas se han dado cuenta de eso y le ponen más atención al trato con la comunidad", reflexiona sobre la dinámica actual entre creadores y seguidores.

En el plano de la composición, Pontaroli adopta una postura humilde y constante, entendiendo que la calidad es el resultado de un proceso de aprendizaje continuo. "Vas a escribir una buena canción cuando hayas escrito 500 malas. Te tenés que poner a escribir y a sacar todo lo malo. Personalmente, me pasa mucho de sobrepensar demasiado el arte, y siempre me doy cuenta de que, al revés, cuando menos lo pienso y cuanto más lo dejo fluir, mejores salen las cosas", confiesa sobre su método de trabajo.

Finalmente, el músico destaca cómo su formación en comunicación ha influido en su faceta artística, otorgándole herramientas para vincularse mejor con su entorno. "La carrera y los años de facultad me hicieron cambiar un montón como persona en el ámbito social, en aprender a comunicarme y a mostrarme. Me dio una apertura a la vida muy distinta a la que tenía en el colegio", concluye. Aquellos interesados en seguir su trayectoria pueden encontrar su material bajo el nombre de José Pontaroli en plataformas como Soundcloud, Instagram y TikTok.

El camino hacia la consolidación artística es, ante todo, un proceso de autodescubrimiento constante. Así lo definió el músico Montarosa durante su reciente participación en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV, El Eco Streaming y Tandil FM 104.1. 

En un diálogo profundo, el artista analizó cómo la construcción de su carrera no responde a una fórmula mágica, sino a una serie de etapas donde la conexión personal y el trabajo en equipo resultan fundamentales para sostener un proyecto creativo a largo plazo. "Si lo que hacés está bueno, es de corazón y potente, las oportunidades llegan", aseguró.

Al reflexionar sobre su crecimiento en los últimos años, Montarosa destacó que la música no se puede concebir como una tarea solitaria. "Me sirve mucho hacer equipo y tener muy presente que yo solo soy como una partícula ínfima en el universo", confesó. 

Para él, el intercambio de afecto y la sinergia con sus colaboradores son los pilares que permiten que las canciones cobren vida más allá de la individualidad. Esta visión, lejos de ser una estrategia comercial, se ha convertido en su filosofía de trabajo.

La conformación de su banda, que lo acompaña desde el año 2022 y participó en la grabación del disco La Reina del Páramo, lanzado en 2023, ha sido un proceso orgánico basado en la amistad. 

Según relató, las personas que se integraron a su proyecto llegaron a través de vínculos cercanos, priorizando siempre una mirada compartida sobre el mundo antes que la destreza técnica. "Para mí era muy importante que primero hubiese algo del orden del amor y la amistad", explicó el músico durante la entrevista.

Esta confianza mutua permite que, aunque él asuma el rol de líder y tome las decisiones finales, el grupo funcione con una dinámica aceitada. Montarosa admitió que, al ser la cara visible y el creador de las canciones, su voto suele definir el rumbo, pero siempre bajo el respaldo de un equipo que vibra en la misma sintonía. Esta estructura ha fortalecido la identidad del proyecto, permitiéndole confiar en el rol que cada integrante desempeña.

Salir a tocar con toda la banda representa uno de los retos más complejos para el artista en el contexto actual. Montarosa fue enfático al señalar la necesidad de contar con apoyos institucionales y espacios que apuesten por la cultura independiente. 

"Necesitamos gente que esté dispuesta a apostar por la música independiente, porque realmente hacerlo solos, autogestivamente, lo venimos haciendo hace años", sostuvo, subrayando la dificultad económica que implica viajar y producir espectáculos en la actualidad.

A pesar de las complicaciones, el músico reafirmó su compromiso con la red humana y con espacios como Cultura Zip, que facilitan la llegada de sus propuestas a nuevos públicos. Para él, la vigencia no se logra mediante una fórmula secreta, sino a través de la constancia: "Es tocar, tocar y tocar". 

En este sentido, ha descubierto que el éxito no reside necesariamente en los grandes escenarios, sino en la cercanía con el público, donde el intercambio humano tras el show resulta mucho más enriquecedor.

Esta perspectiva lo ha llevado a valorar los espacios pequeños, donde la audiencia está realmente atenta a la propuesta artística. Montarosa sostiene que, si la música es potente y nace del corazón, las oportunidades terminan llegando, independientemente de la geografía. 

Sin embargo, no oculta su deseo de regresar a Tandil, una ciudad que, según observa, está atravesando un momento cultural vibrante con propuestas locales que merecen ser apoyadas por la comunidad.

El vínculo con su ciudad natal es, para el cantante, una relación similar a un boomerang. Tras haberse ido a los 17 años en un proceso de transformación personal, donde sentía que su identidad estaba encapsulada por la mirada ajena, el regreso ha sido una experiencia sanadora. 

"Me fui un poco peleado, un poco también en transformación de mí mismo", recordó. Hoy, esa percepción ha cambiado radicalmente y se siente profundamente agradecido por el recibimiento que ha tenido en su vuelta a los escenarios locales.

El artista reconoce que, aunque la gran ciudad le brindó el anonimato necesario para construir su identidad lejos de las presiones del entorno conocido, el valor de Tandil es único. 

"Es un lujo vivir acá, poder hablar con la gente, el sol de las veredas, los árboles; las cosas más básicas terminan siendo lo único importante", reflexionó. Esta conexión con la naturaleza y la calidez humana son, a su juicio, parte de la magia que permite que en Tandil surjan tantos artistas con bases sólidas.

Finalmente, Montarosa destacó el resurgimiento de la movida cultural en la ciudad. Para el músico, existe actualmente una sed de poesía y música que está encontrando su cauce gracias a la apertura de estos espacios. Aunque todavía no tiene resuelto si se radicará definitivamente en un entorno más tranquilo, su intención de seguir vinculado a Tandil es clara, impulsado por el deseo de seguir construyendo desde la autenticidad y el afecto.

La relación de Imanol con el universo sonoro se gestó de manera orgánica y pausada en la tranquilidad cotidiana de Tandil. Fue entre los 13 y 14 años cuando tomó una guitarra por primera vez, abriendo una puerta que inicialmente parecía destinada a ser solo un pasatiempo de juventud. En su entorno familiar existía un antecedente sutil: su padre había tocado el instrumento durante un breve lapso, pero fue una práctica efímera que no perduró en el tiempo y se terminó abandonando.

Lejos de una tradición musical heredada, Imanol se convirtió formalmente en el primer artista de la familia junto a su hermana Maite, una talentosa pintora con quien comparte esa búsqueda expresiva indispensable. Sin embargo, aquel acercamiento inicial a las seis cuerdas sufrió una metamorfosis radical al momento en que la práctica individual dio paso a la interacción colectiva.

La verdadera transición de simple pasatiempo a canal de expresión profunda ocurrió cuando se presentaron los primeros proyectos grupales. Enfrentarse a la dinámica de tocar con otros exigió un compromiso distinto: el joven músico no solo tuvo que integrarse al pulso de una banda, sino también llevar al frente una postura e identidad artística bien definida ante el instrumento. Fue en esa instancia donde la guitarra dejó de ser un entretenimiento secundario para transformarse en la columna vertebral de su identidad y en el lenguaje primordial para volcar sus vivencias más íntimas.

El perfil artístico de Imanol no se explica únicamente desde la música; su paso por la carrera de cine introdujo una mirada narrativa y conceptual decisiva en su modo de habitar el arte. Para el músico, la creación artística constituye una herramienta fundamental para conectar con lo más genuino y transparente del ser humano. El escenario, en lugar de ser una vitrina de exhibición o un espacio cargado de presiones, se convierte bajo su óptica en un refugio donde es posible sentirse cómodo, reencontrarse con uno mismo y habitar el goce de la diversión más pura.

Esta visión se entrelaza de forma estrecha con su modo de concebir la propia subjetividad. Distante de las posturas estáticas o de una autoimagen rígida, Imanol entiende la identidad como una trama flexible, afirmando ser un conjunto de facetas donde habitan distintas partes de su ser. En esa pluralidad, la vivencia musical funciona como el catalizador que activa su dimensión más elevada.

“Conecto con ese Ima artístico, con ese Ima que nace de la música, porque yo también a la música la siento como algo espiritual y algo que me conecta con algo más.”

La maduración sonora de Imanol dentro del circuito independiente local se forjó en el calor de los ensayos y las presentaciones compartidas. Dos agrupaciones resultan fundamentales para comprender su recorrido: su paso por Ando Chillin y su experiencia más reciente en Manicomio del Amor. Ambas vivencias funcionaron como auténticas escuelas de formación técnica y humana, permitiéndole desarrollar la escucha atenta, la capacidad de acople y la construcción de un discurso sonoro común.

En la actualidad, la inquietud creadora de Imanol ha tomado un rumbo diferente, adentrándose de lleno en el universo de la música electrónica. Este giro conceptual tuvo un hito relevante durante su presentación en el evento local Lunatico, donde expuso ante el público su nuevo formato de exploración individual apoyado en sintetizadores y samplers. En este entramado, la improvisación emerge como el método central de composición e interpretación en directo.

Para el artista, la incorporación de tecnología representa la oportunidad de disponer de "juguetes para crear", reivindicando el concepto del juego infantil como un motor vital inalienable. En el territorio de la improvisación electrónica, el error deja de ser un fallo indeseado para transformarse en el insumo principal de la creación. La filosofía de Imanol sostiene que la equivocación debe utilizarse siempre a favor del proceso: se trata de hacer del error una obra en sí misma, aprender de la contingencia sonora y perfeccionar la expresión a través del descubrimiento imprevisto.

Al observar la escena independiente de Tandil, Imanol mantiene una mirada sumamente positiva y entusiasta. Define la movida local como un terreno dinámico, caracterizado por la floración constante de nuevos proyectos que renuevan el pulso cultural de la ciudad. Dentro de esta trama colectiva, el vínculo con sus pares ocupa un lugar de profunda gratitud, reconociendo a sus amigos y colegas locales como verdaderos maestros.

Jorge Araujo y Alex Leys llevan alrededor de dos años construyendo un proyecto que, por definición, parece resistirse a quedar quieto. Guitarras, voces, percusión, electrónica e incluso inteligencia artificial forman parte de una propuesta que este sábado llegará a Tandil, con una presentación desde las 22 en Estación Victoria, ubicada en Garibaldi 1099.

Antes del show, los músicos dialogaron con Cultura Zip, por El Eco Streaming, y contaron cómo surgió una sociedad artística que comenzó casi naturalmente, pero que implicó para ambos correrse de los lugares en los que el público estaba acostumbrado a encontrarlos.

“Está en continua evolución. Él cambia, yo cambio”, resumió Leys sobre el dúo. El baterista recordó que Araujo había sido uno de sus referentes desde muy joven y que, con los años, comenzaron a reencontrarse hasta que una charla de café terminó abriendo la posibilidad de hacer música juntos.

La primera gran prueba llegó con una gira de diez conciertos por España. Allí descubrieron que la combinación funcionaba y decidieron darle continuidad. Sin embargo, el desafío inicial no había sido menor: Leys venía de casi una década dedicado intensamente a su propuesta como baterista solista, mientras que Araujo había comenzado a mostrar una faceta completamente diferente a la que había construido durante buena parte de su carrera.

Dejar atrás al Araujo detrás de la batería

Para Araujo, ese cambio significó bastante más que simplemente cambiar de instrumento. Después de décadas reconocido principalmente como baterista —con diez años como integrante de Divididos y su posterior recorrido en diferentes proyectos—, decidió plantarse frente al público con guitarra, voz, canciones propias y electrónica.

El músico recordó incluso una sesión de fotos realizada hace unos siete u ocho años que funcionó como una declaración de principios. Pidió expresamente aparecer con la guitarra y no con los palillos ni detrás de una batería.

“Fue una manera de yo mismo desrotularme de golpe”, explicó.

La decisión tuvo un costo. Araujo contó que comenzó a publicar su nueva música y la respuesta inicial estuvo lejísimos de la repercusión que conseguía cuando mostraba material vinculado a la batería. “En las redes sociales viví una soledad terrible”, reconoció.

Incluso recordó situaciones en las que productores utilizaron fotografías suyas tocando la batería para promocionar conciertos en los que, en realidad, iba a cantar y tocar la guitarra. Eso llegó a obligarlo a explicar frente al público qué espectáculo estaban por ver.

“Si vienen 60 personas y 30 quieren escucharme tocar la batería y fueron engañados, es un 50 por ciento del público que no viene dispuesto a disfrutar el espectáculo que estoy convocando”, planteó.

Por eso, remarcó que actualmente busca dejar claro desde el comienzo qué propone sobre el escenario: “Yo toco la viola, canto canciones mías, uso electrónica; Alex toca con inteligencia artificial. Lo que van a ver en Tandil es algo que muy poca gente ha visto”.

Dos búsquedas que terminaron encontrándose

Leys también atravesaba su propio proceso cuando apareció la posibilidad del dúo. Después de casi diez años tocando solo, sintió la necesidad de volver a compartir la música con otros artistas, pero no quería hacerlo únicamente por integrar un proyecto conocido.

“Necesito para mi alma la artística, necesito alguien que entienda lo que hago y que lo quiera incorporar a su música”, recordó.

Cuando escuchó las canciones de Araujo, su primera reacción estuvo lejos de ser sencilla: “Jorge, yo no puedo tocar esta música”, le dijo. La producción electrónica de aquellas composiciones contrastaba con el enorme instrumento acústico que utilizaba Leys.

En vez de convertirse en un impedimento, esa distancia terminó funcionando como motor creativo.

“Se terminó juntando todo”, explicó el baterista, quien destacó la “elasticidad” de las composiciones de su compañero. El dúo puede llevarlas hacia la electrónica, transformarlas en versiones acústicas, tocarlas a volúmenes mínimos o adaptarlas a escenarios completamente diferentes.

Una producción que los sorprendió en Quequén

La llegada a Tandil tendrá además como antesala un nuevo paso para el proyecto. Durante su estadía en Quequén, Araujo y Leys realizaron una producción audiovisual de gran escala en el estudio La Casualidad, con un equipo de alrededor de once personas.

Según contaron, el rodaje incluyó cámaras de cine, drones dentro del estudio y diferentes dispositivos tecnológicos que los propios músicos no habían utilizado anteriormente.

“No pensábamos que iba a tener la magnitud que tuvo”, admitió Araujo, todavía sorprendido por el resultado.

La producción quedó concentrada en una canción que, según adelantaron, representa especialmente la identidad del dúo. Aunque ya pudieron observar parte del material, decidieron contener las ganas de publicarlo inmediatamente y esperar a que atraviese todo el proceso de edición.

Para ellos, además, permitirá resolver algo que todavía estaba pendiente: tener un registro audiovisual capaz de mostrar verdaderamente qué sucede cuando los dos se encuentran musicalmente.

Adaptarse sin quedar atrapados en el pasado

La conversación también pasó por las nuevas formas de comunicar la música. Con carreras que atravesaron diferentes épocas de la industria, ambos coincidieron en que las redes sociales modificaron por completo la relación entre artistas, medios y público.

“Parte de la propuesta juntos radica también en no quedarnos atrapados en un pasado, en un siglo XX que terminó hace un cuarto de siglo”, sostuvo Leys.

Para el baterista, mantenerse activo también significa comprender los nuevos códigos y aprender de generaciones más jóvenes. Araujo, por su parte, contó que muchas veces descubre el alcance de programas, streams o medios alternativos recién después de participar de ellos, cuando comienza a recibir mensajes de personas que vieron la entrevista.

Ese cambio, consideró, también modificó la manera de pensar qué espacios sirven para comunicar un proyecto artístico.

¿Qué significa “pegarla” después de tantos años de música?

Sobre el final de la entrevista apareció una pregunta inevitable para dos artistas con décadas de recorrido: qué significa tener éxito en 2026.

Araujo reconoció que su manera de medirlo cambió con los años. “Me planteo mucho, sinceramente, qué quiero de mi vida. Todos los días me lo digo”, expresó.

Y puso como ejemplo justamente la producción realizada en Quequén: independientemente de la cantidad de personas que puedan asistir a los próximos conciertos, aseguró que el resultado artístico de aquella jornada ya había sido suficiente para regresar satisfecho a su casa.

Leys fue todavía más gráfico.

“Cuando termino un concierto con Jorge me voy a dormir tranquilo”, señaló.

Para el músico, poder terminar una presentación sintiendo que disfrutó de la música y que actuó en sintonía con aquello que realmente quiere hacer se convirtió en su propia definición del éxito.

“Hay una pureza en la artística de lo que hacemos. Hay una pureza en los motivos por los cuales lo hacemos”, sostuvo. “Me llena el alma, me satisface. Para mí hoy en día el éxito radica en eso”.

Esa búsqueda llegará este sábado a las 22 a Estación Victoria, donde Araujo y Leys presentarán un repertorio basado principalmente en música de autor y un formato que combina canciones, percusión y tecnología.

Antes, a las 18.30, Leys brindará además una clínica de batería en Manhattan Instrumentos Musicales, donde mostrará parte de su proyecto solista y cómo ese lenguaje terminó incorporándose al dúo. La actividad requiere inscripción previa y contará con cupos limitados.

Para Araujo, que alguien decida acercarse a escuchar canciones que todavía no conoce tiene un valor especial en un momento dominado por grandes espectáculos y repertorios instalados: “Que haya un público que apoya la música de autoría es una bendición”.

Daniela de Lucía pasó por Cultura Zip, el programa de El Eco Streaming, y protagonizó una charla distendida en la que repasó diferentes etapas de su carrera, desde sus primeros pasos profesionales y su trabajo como coach hasta la enorme exposición que alcanzó luego de ingresar a Gran Hermano.

Aunque desde hace años vive en Buenos Aires, De Lucía nació y creció en Tandil y mantiene un fuerte vínculo con la ciudad. “Mi corazón siempre está y estará en Tandil, en donde nací y crecí, fui al colegio, a la secundaria”, contó durante la entrevista.

La ex Gran Hermano se fue de la ciudad a los 18 años para estudiar la Licenciatura en Relaciones Públicas y luego desarrolló su carrera profesional en Buenos Aires. Sin embargo, intenta regresar con frecuencia para encontrarse con su familia y sus amigas de toda la vida. “Busco ir una vez por mes, una vez máximo cada dos meses”, señaló, y reveló además que Navidad y Año Nuevo suelen tener a Tandil como destino obligado.

Uno de los momentos más divertidos de la charla llegó cuando Daniela recordó cómo cambió su relación con el público local después de participar del reality. Antes de ingresar a la casa ya había publicado tres libros, trabajado en televisión y construido una importante comunidad en redes sociales, pero aseguró que en Tandil podía caminar prácticamente sin ser reconocida.

“Tuve que entrar en Gran Hermano para que me reconozcan como tandilense”, bromeó. Incluso recordó que antes del programa iba al supermercado y se preguntaba si alguien sabría quién era, pero prácticamente nadie se acercaba.

Después de su participación en el reality, la situación cambió. En sus posteriores visitas comenzó a encontrarse con chicos y adolescentes que la reconocían en heladerías, supermercados y distintos puntos de la ciudad y le pedían fotografías.

Para De Lucía, esa experiencia también confirmó que, pese al crecimiento de las plataformas digitales y el streaming, la televisión abierta conserva una capacidad de llegada enorme.

“Es increíble el alcance que tiene la televisión abierta todavía”, sostuvo. Y sobre Gran Hermano agregó que se trata de un fenómeno que trasciende incluso a quienes no siguen el programa: “Lo ve la mitad del país y lo critica incluso la otra mitad del país”.

El paso por Gran Hermano también significó quedar mucho más expuesta a las opiniones del público. De Lucía contó que aprendió a convivir con los comentarios negativos y explicó que utiliza de manera diferente cada plataforma.

En X suele responder y entrar en el juego de las discusiones, mientras que en Instagram prefiere bloquear aquellas cuentas que generan situaciones agresivas dentro de su comunidad.

“Un comentario negativo no puede afectar mi buen humor o mal humor, así como un comentario positivo tampoco dejo que me afecte. Lo tomo como información”, explicó.

Daniela señaló que intenta no personalizar las críticas y que, especialmente, busca evitar que otras personas reciban agresiones dentro de sus publicaciones. “Uno tiene que estar centrado en lo que hace, en lo que construye y en dar lo mejor de uno. No le vamos a gustar a todo el mundo”, resumió.

Además, contó que continúa administrando personalmente sus redes. Por la mañana revisa comentarios y mensajes, selecciona contenidos, edita sus propios videos y organiza las publicaciones que realizará durante el día.

Su ingreso al reality, de hecho, le generó un desafío inesperado con la audiencia. Antes de entrar ya contaba con alrededor de 450 mil seguidores y durante su estadía sumó aproximadamente 60 mil más, muchos de ellos provenientes directamente del universo de Gran Hermano.

Antes de dedicarse de lleno a la comunicación y las redes, De Lucía trabajó durante una década en una siderúrgica. Con el tiempo comenzó a sentir que ese camino profesional no terminaba de representarla y decidió estudiar coaching.

A partir de allí empezó a publicar contenidos en Instagram relacionados con el desarrollo personal. La respuesta de sus seguidores la llevó a profundizar ese recorrido y posteriormente a abordar especialmente los vínculos y las relaciones.

“Entendí que mi camino era comunicar y ayudar a las personas”, explicó sobre aquella transformación profesional.

Con los años publicó libros y desarrolló contenidos vinculados con relaciones, autoestima y marca personal. Su ingreso a Gran Hermano significó, en ese sentido, una decisión particular: exponerse dentro de uno de los programas más masivos de la televisión mientras había construido previamente una imagen profesional relacionada con el coaching.

“Fue una decisión de comunicación muy desafiante haber entrado a Gran Hermano siendo coach”, reconoció.

Actualmente, De Lucía atraviesa una nueva etapa profesional en radio, donde comparte equipo con Santiago del Moro. La tandilense se mostró entusiasmada por la oportunidad y destacó que el conductor le abrió las puertas luego de conocerla durante su participación en Gran Hermano.

“Estoy muy agradecida con Santiago del Moro. Me dio la oportunidad de poder participar en la radio y estoy muy contenta”, expresó.

El programa comienza a las 6 de la mañana y se extiende hasta las 10, una rutina que definió como un nuevo desafío dentro de su recorrido en los medios. No es, sin embargo, su primera experiencia radial: anteriormente había trabajado junto a Luis Ventura en Radio del Plata.

Antes de despedirse, Daniela prometió enviar un saludo a Cultura Zip desde su nuevo espacio radial y celebró los 450 programas alcanzados por el ciclo de El Eco Streaming.

“Me encanta lo que hacen. A partir de ahora los voy a poner”, aseguró, y cerró dejando en claro que su vínculo con Tandil sigue intacto: “Feliz de estar entrevistada acá con ustedes, de mi querida Tandil. Ustedes siempre van a tener prioridad en todo”.

Manu Mujica, cantante de Crazy Macayas, recorrió parte de su historia con la música, el camino de la banda y el particular momento que atraviesa la escena local, con una gran cantidad de proyectos y fechas que logran convocar público incluso cuando coinciden durante una misma noche.

Mujica lleva alrededor de 15 años cantando, aunque su acercamiento a la música no surgió de una tradición familiar. “En mi familia no hay músicos, pero algo me interesó desde chiquito”, contó. Sus primeros pasos llegaron casi de manera intuitiva, siguiendo melodías acompañado por una guitarra criolla.

Con el tiempo, aquella inquietud se convirtió también en un espacio personal. Cuando le preguntaron qué había encontrado en la música que no había hallado en otros ámbitos, respondió entre risas que, de entrada, descubrió algo “en lo que soy mejor que para los deportes”, aunque inmediatamente agregó una definición mucho más profunda: “Es un lindo refugio”.

La historia de Mujica con Crazy Macayas lleva aproximadamente cinco años, aunque con distintas etapas. Según explicó, el proyecto comenzó a tomarse con mayor seriedad durante los últimos tres.

“Encontramos un grupo donde el conector siempre es la amistad, el compartir y después viene todo lo más profesional”, señaló sobre la dinámica interna de la banda. Los comienzos estuvieron lejos de una estructura demasiado planificada: se juntaban a tocar, incluso sin baterista, hasta que comenzaron a aparecer las primeras composiciones propias.

“Empezamos medio a los ponchazos, de juntarnos ni siquiera con baterista al principio, zapar temas y de pronto en algún momento empezamos a hacer temas propios”, recordó. Ese fue el punto en el que comenzaron a advertir que había algo para desarrollar: “Esto suena bien. Capaz que si le damos una vueltita de rosca vale la pena”.

Actualmente, la banda está integrada por Manuel Mujica en voz, Alejo Aldaz en bajo, Tomas Medina y Juan Delgado en guitarras y Octavio Picasso en batería.

Buena parte de la charla giró alrededor de la escena musical tandilense. Para Mujica, la ciudad atraviesa una etapa especialmente interesante por la cantidad y diversidad de proyectos que están funcionando en simultáneo.

“A mí me da la sensación de que hay un muy lindo momento”, sostuvo. Como ejemplo, recordó noches en las que Crazy Macayas tocó con una buena convocatoria mientras, al mismo tiempo, otras bandas también llenaban sus respectivos espacios.

“Hay muchas cosas a veces en simultáneo y todo funciona, que teóricamente no debería. Hay muchas bandas, muchos proyectos, muchos géneros distintos. Hay un poco para cada uno y eso está buenísimo”, destacó.

Ese movimiento también permite que los públicos se mezclen. Para Mujica, compartir escenario entre diferentes proyectos es una de las principales puertas de entrada para quienes todavía no conocen una banda.

“Cuando se cruzan los públicos pasa que por ahí uno fue a ver una banda y de pronto le prestaste atención a la otra”, explicó. A eso se suman quienes llegan después de encontrarlos a través de plataformas como Spotify.

Crazy Macayas también debe convivir con una realidad que atraviesa prácticamente a cualquier proyecto musical independiente: las redes sociales y las plataformas digitales.

Mujica reconoció que es un terreno que todavía les cuesta. “Yo nunca tuve TikTok, por ejemplo. Entonces, todo lo que es participar o ponerse una cámara enfrente es muy difícil para nosotros”, contó.

Sin embargo, entiende que son herramientas necesarias para comunicar lo que hace la banda y llegar a nuevas personas. El límite, para él, aparece cuando la lógica de las redes obliga a un artista a convertirse en algo que no representa.

“No funciona nada que no sea genuino. No funciona nada que te haga salir por fuera de lo que vos realmente sos porque se nota enseguida”, planteó.

Aun así, destacó que existen bandas que encontraron en las redes otro terreno artístico: “Hay bandas que ahí encuentran un espacio de creatividad que excede a la música y eso también está bueno”.

Otro de los temas abordados fue la dificultad que encuentran muchos proyectos tandilenses para tocar fuera de la ciudad.

Mujica señaló que existe una primera barrera económica y logística, pero remarcó que el problema principal suele ser otro: llegar a una ciudad en la que la banda todavía no tiene público propio.

Eso obliga a generar vínculos con grupos de otras localidades y construir cierta reciprocidad: invitarlos a tocar en Tandil para luego encontrar oportunidades de presentarse en sus ciudades.

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“Es un gasto, pero sobre todo por ahí lo que más cuesta es llegar a una ciudad sin un público propio. Entonces te obliga a hacer esos lazos de reciprocidad con otras bandas”, explicó.

En el caso de Crazy Macayas, reconoció que se sienten particularmente cómodos jugando de locales. “Nos gusta tocar acá. Las veces que hemos salido fueron lindas experiencias, estuvo bueno”, expresó.

La próxima presentación de Crazy Macayas permitirá justamente uno de esos cruces que Mujica considera importantes. La banda compartirá fecha con El Síndrome de la Desatención y Nano C, proyectos con integrantes de distintas generaciones.

Mujica contó que ya existía un vínculo con El Síndrome, mientras que a Nano C lo conocieron después de coincidir en una fecha. La propuesta les gustó y rápidamente surgió la idea de volver a compartir escenario.

“Siempre tenés un cruce con bandas de otras generaciones. Hoy nos toca hacer un poco los más grandes. En algún momento fuimos los más chicos”, reflexionó.

En ese sentido, destacó que los jóvenes siguen encontrando un espacio dentro del rock, pese a que durante años se instaló la idea de que las nuevas generaciones estaban volcándose exclusivamente hacia géneros como el trap o el reggaetón.

Para Mujica, además, el público rockero mantiene una característica fundamental para sostener una escena independiente: la costumbre de ir a ver bandas en vivo, incluso cuando se trata de grupos emergentes.

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Recordó como ejemplo lo que ocurría en fechas de punk y hardcore, donde podían verse adolescentes muy jóvenes participando activamente de los shows. “Veías chicos muy pibitos mandándose a palos ahí adelante. Eso está buenísimo”, expresó.

El crecimiento de la escena también expuso otra dificultad: la cantidad limitada de espacios para tocar.

Mujica mencionó sitios como 990, Arte y Parte, Macanudo y Edípico, y reconoció que buena parte de la actividad termina concentrándose en una zona relativamente pequeña de Tandil.

“Cuando vos empezás a tocar medio seguido, empezás a repetir los lugares muy seguido”, señaló. Sobre 990, por ejemplo, aseguró que es un espacio que les encanta, aunque Crazy Macayas ya se presentó allí varias veces y, cuando no están tocando, suelen concurrir para ver otras bandas.

La posibilidad de generar circuitos musicales en otros barrios aparece como algo atractivo, aunque Mujica reconoció que existe una dificultad inevitable: para que aparezcan nuevos espacios también tiene que acompañar el público.

Aunque Crazy Macayas disfruta especialmente del vivo, el cantante explicó que intentan administrar las presentaciones para evitar saturar las fechas y encontrar tiempo para trabajar en material nuevo.

“A veces no amontonarte las fechas te da tiempo para sacar temas nuevos, para pulir lo anterior, para pensar lo que viene después”, explicó.

Por eso atraviesan distintas etapas: momentos en los que encadenan varias presentaciones con una lista relativamente similar y otros en los que prefieren retraerse para trabajar puertas adentro.

El repertorio también cambia según el contexto. Crazy Macayas tiene canciones con sonidos muy diferentes, por lo que pueden preparar una lista más pesada o una propuesta más tranquila dependiendo del espacio y de las bandas con las que compartan escenario.

Para quien todavía no haya escuchado al grupo, Mujica evitó elegir una sola canción como carta de presentación. “Para mí es una banda que se fortalece cuando vas viendo los distintos sonidos más que un tema en particular”, explicó.

Y dejó una recomendación concreta: quien tenga unos 25 minutos puede escuchar “Faunas”, disponible en Spotify, para tener una aproximación más completa al universo de Crazy Macayas.

“Los invitamos a todos. Vamos a estar ahí con El Síndrome, con Nano C, son dos grandes bandas de Tandil y bueno, vamos a estar nosotros también, que nos defendemos”, cerró Mujica entre risas.

Las anticipadas pueden solicitarse a través de las redes sociales de la banda, en @crazymacayas.

Adrián Berra tiene una historia con Tandil que comenzó cuando su carrera todavía daba sus primeros pasos. Después de un tiempo sin presentarse en la ciudad, este sábado 26 volverá para reencontrarse con el público tandilense en el Salón Danés, esta vez con una propuesta íntima, alejada del despliegue de una banda completa y sostenida esencialmente por las canciones.

Antes de ese regreso, el músico pasó por Cultura Zip, el programa que se emite de lunes a viernes de 14 a 16 por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, y conversó sobre el espectáculo que traerá a la ciudad, su nuevo disco Antes de saltar, sus procesos creativos y las transformaciones que experimentó la música desde que comenzó su carrera.

También hubo tiempo para hablar de aquello que sucede por fuera de las canciones: la necesidad permanente de generar contenido, los algoritmos, la fugacidad con la que se consume música y la presión para adaptarse a determinados formatos en las redes sociales.

Berra recordó que Tandil fue una de las ciudades que aparecieron temprano en su recorrido como músico independiente y destacó especialmente el vínculo construido a través de Vicky de Buena Rola.

“Es una de esas ciudades donde, cuando empecé a tocar, fui a hacer algunos de mis primeros shows. Hubo algo que quedó conectado gracias a Vicky, a su gestión cultural. Ella empezó a llevar un montón de artistas emergentes e independientes, me hice amigo de ella y gracias a eso fue un lugar al que volví”, contó.

Aunque reconoció que muchas veces sus visitas estuvieron marcadas por la dinámica propia de las giras y no pudo quedarse demasiado tiempo para conocer Tandil, durante esos viajes también construyó relaciones con músicos de la ciudad.

Entre ellos aparece Jo Alcobruni, quien será el encargado de abrir el recital del sábado. El vínculo entre ambos comenzó de una manera muy ligada a estos tiempos: a través de Instagram.

“Una vez fui a tocar allá hace muchos años y él me mandó una versión de un tema mío que se llama Desaprender. Él toca el bandoneón y me mandó un tema por Instagram diciéndome: ‘Che, yo soy de acá, soy músico’. Me mandó una versión de Desaprender en bandoneón y me encantó. Entonces le dije: ‘Pará, estoy yendo para allá, juntémonos’. Ahí lo conocí. Hoy ya es amigo y él va a abrir el show”, relató Berra.

La última presentación de Berra en Tandil había sido con banda completa en el Teatro del Fuerte. Esta vez, la propuesta será completamente diferente: guitarra y voz.

No se trata simplemente de una versión reducida de su espectáculo habitual. El músico explicó que decidió reservar septiembre para realizar apenas cuatro conciertos de estas características en la provincia de Buenos Aires, con presentaciones en San Antonio de Areco, Pergamino, Olavarría y Tandil.

“Cuando estoy mucho tiempo tocando en banda extraño la posibilidad de tocar solo, en conciertos más íntimos y más chiquitos. Y cuando estoy mucho tiempo tocando solo extraño la grupalidad de la banda”, explicó.

Por eso definió esta pequeña gira como “un paréntesis, una burbujita de conciertos íntimos a guitarra y voz”, donde conviven las canciones de Antes de saltar con composiciones de sus trabajos anteriores.

Despojar una canción que originalmente fue pensada con batería, arreglos e instrumentos también supone un desafío.

“Me encuentro con las canciones desde un lugar más esencial. De alguna forma uno las comparte con una energía parecida a aquella con la que fueron compuestas, desde el despojo absoluto”, señaló.

Para Berra, prácticamente cualquier composición puede trasladarse a ese formato, aunque algunas requieren mayor trabajo que otras. Hay temas que nacieron imaginando el funcionamiento de una banda y que encuentran buena parte de su identidad en un ritmo, una batería o un pasaje instrumental.

Por eso, preparar estos recitales implica buscar qué queda cuando todo eso desaparece.

“Es tratar de irle al hueso a las canciones y exponerlas de esa forma”, resumió.

La diferencia entre tocar acompañado y hacerlo solo no pasa únicamente por la cantidad de músicos arriba del escenario. También modifica completamente la relación con quienes están del otro lado.

Con una banda existe una estructura mucho más marcada. Hay luces, sonido, movimientos preparados y una lista que avanza con cierta lógica. Berra lo definió como “un tractorcito” que comienza a caminar y atraviesa distintos momentos hasta el final.

El formato solista, en cambio, le permite desviarse.

“Cuando estoy solo con la guitarra empiezan a aparecer cosas del contexto, de la gente, y el show se termina de armar ahí, con la gente en la sala”, explicó.

Puede aparecer una canción que alguien pide desde el público, una composición vieja que originalmente no estaba en los planes o incluso una versión espontánea. En uno de los conciertos recientes, por ejemplo, terminó interpretando un tema de Kiko Veneno que había escuchado mientras viajaba hacia Areco.

Para esa libertad también se apoya en diferentes sonoridades. Viaja con tres guitarras: eléctrica, acústica y criolla, y va observando qué necesita cada momento del recital.

“Uno de los desafíos que tiene este formato solo es estar bien atento, bien presente y que el show se vaya desarrollando de la mejor manera posible. Por eso también son conciertos muy irrepetibles, porque no se repite tanto la lista entera; se va construyendo”, sostuvo.

La charla en Cultura Zip también permitió meterse en la cocina de sus composiciones. Berra contó que su forma de escribir fue cambiando con los años y que actualmente trabaja con un método al que bautizó “el aljibe”.

En sus primeros discos, música y palabras aparecían prácticamente al mismo tiempo. “La música, la guitarra, la letra y la melodía salían medio todas a la vez”, recordó.

Con el tiempo comenzó a darle mayor espacio a la escritura sin una finalidad inmediata. Textos, frases, imágenes e ideas que quizás todavía no pertenecen a ninguna canción.

Lo definió, recuperando una expresión de Miguel Abuelo, como una suerte de “verdulería poética”.

Todo ese material queda guardado. Cuando aparece una idea musical, Berra vuelve a ese reservorio para buscar palabras que puedan encontrarse con ella.

“Le llamo el aljibe a ese método. Es tirar todo a un lugar y después, cuando encontrás algo musical, ir a buscar esas palabras, esa poesía. La canción nace, pero nace sin darte cuenta en distintos momentos, a veces con meses de diferencia, a veces días o semanas”, explicó.

El método también apareció como respuesta a los cambios de la vida adulta. Las giras, el teléfono, los hijos y las obligaciones cotidianas hicieron que ya no siempre existiera la posibilidad de sentarse durante horas frente a una guitarra y un cuaderno.

Las ideas, sin embargo, continúan apareciendo.

“Uno va armando una especie de baúl de ideas y en un momento, cuando tiene el espacio y el tiempo para desarrollarlas, aparecen. El desarrollo de una canción necesita atención, energía y un tiempo sostenido que muchas veces tenemos que generar porque el transcurso del día te lleva puesto”, reflexionó.

Berra comenzó su carrera en una industria muy diferente a la actual. Hoy una canción puede encontrar buena parte de su público a partir de unos pocos segundos utilizados en las redes sociales. Y esa transformación también apareció durante la entrevista.

Cuando le preguntaron si se sentía cómodo con esa lógica, fue claro.

“Como gustarme, no me gusta. Me parece que justamente la música, o lo lindo del arte, es habitar el estado. Es como leer un libro de una página”, comparó.

De todas maneras, entiende que forma parte de la época y que los artistas deben encontrar alguna manera de convivir con esas herramientas.

“Uno va tratando de adaptarse de la mejor manera, sin perder la esencia. Hay cosas a las que uno se adapta y está todo bien, hay cosas que cuestan y hay cosas a las que uno no se va a poder adaptar nunca”, sostuvo.

Su principal cuestionamiento aparece en la velocidad y en el peso que adquirieron los algoritmos sobre el consumo.

“Esta lógica tan veloz del consumo de la música y tan algorítmica no es algo que me guste mucho. Yo trato de resistir, por lo menos en el sentido de cómo la consumo. Después, cómo consumen mi música, eso no lo voy a poder controlar”.

Para Berra, escuchar música todavía supone detenerse.

“La música, al margen de un trabajo, es algo que hace muy bien. Cuando estoy medio desconectado por esto de la velocidad o las redes, me doy cuenta. Es un espacio que viene a hacerme bien y a acomodarme un poco. Me gusta pensar que mi música puede hacer eso y aportar en eso para los demás también”.

El músico profundizó todavía más cuando la conversación pasó de la forma de consumir canciones a la manera en la que actualmente los artistas deben mostrarse.

En una época atravesada por fórmulas sobre cómo publicar, cómo hablar frente a una cámara o cómo conseguir atención durante los primeros segundos de un video, Berra planteó otra búsqueda.

“Muchas veces la gente piensa que garpan cosas que no garpan. Me parece que lo que más garpa es ser uno. Y si eso no garpa, bueno, no garpa uno en algún punto, pero no es la forma lo que no está funcionando”, expresó.

La preocupación, explicó, es terminar persiguiendo una fórmula hasta perder aquello que vuelve reconocible a cada artista.

“Lo lindo es encontrar tu camino, tu manera de comunicar, de compartirte, de compartir lo que hacés e ir por eso”, sostuvo.

Y marcó cuál es el límite que espera no cruzar: “A lo que no me voy a adaptar nunca, o quisiera no adaptarme y que no me lleve puesto, es a la estandarización de las posiciones, las músicas, los formatos y la forma de comunicar. Siento que se está estandarizando todo de una manera muy poco nutritiva y que, además, tampoco funciona”.

Hay otra parte del oficio que ni siquiera los años permiten controlar: saber qué canción va a conectar con la gente.

Berra reconoció que cada vez que publica un disco tiene sus favoritas y aquellas composiciones que imagina como posibles “punta de lanza”. Pero el público no necesariamente coincide.

“Hay canciones que se abren paso, no sabés por qué. Mágicamente, no siempre son las mejores canciones para uno, pero hay canciones que la gente las abraza y van”, explicó.

En algunos discos acertó. En otros, la canción que imaginaba destinada a sobresalir pasó inadvertida y otra terminó ocupando inesperadamente ese lugar.

“Uno hace lo que hace y tiene una idea, pero después la gente recibe a su manera y cada canción tiene como su poder personal. A veces eso se puede predecir, pero a veces no”.

En medio de una conversación atravesada justamente por la velocidad del consumo apareció una costumbre bastante menos inmediata: escuchar discos completos.

Entre la música que viene acompañándolo últimamente mencionó a Maro y Parcels, pero también contó que volvió a encontrarse con Enemigos íntimos, el disco que Fito Páez y Joaquín Sabina grabaron juntos.

El regreso a Fito tampoco es casual.

“Fito lo amo mucho. Es una persona que con toda su música, o los primeros diez discos, aparece cualquier canción y me lleva a una etapa a la que le tengo mucho cariño. No solamente me parece un temazo o un discazo, sino que además me atravesó emocionalmente en muchas etapas de mi vida”, expresó.

Incluso encontró una nueva forma de revisitar clásicos. Hace poco descubrió que existían auriculares preparados para utilizar mientras nada, una actividad que practica desde hace algunos años.

Lo primero que hizo fue cargarles música.

“Me descargué la discografía de Charly. Entonces voy a nadar y cada vez que voy escucho un disco”, contó.

Una pequeña escena que, de alguna manera, sintetiza buena parte de lo conversado durante su paso por Cultura Zip: en tiempos donde una canción tiene apenas segundos para llamar la atención antes de que un dedo deslice la pantalla, Adrián Berra todavía encuentra lugares para escuchar un disco de principio a fin.

Y también para hacer algo parecido con sus propias canciones: sacarles capas, volver a mirarlas y descubrir qué queda en el centro.

Este sábado, cuando vuelva a Tandil después de un tiempo, será justamente eso lo que propondrá sobre el escenario del Salón Danés: tres guitarras, una voz, canciones nuevas y viejas y un recital que terminará de construirse cuando tenga al público enfrente.

La historia de Runa es una crónica de adaptación y búsqueda constante. A sus 25 años, el músico recuerda cómo su familia dejó atrás el almacén barrial de su ciudad de origen para emprender un nuevo proyecto en Tandil. Aquella mudanza, que coincidió con el último año de su etapa escolar, marcó un punto de inflexión en su vida. "Fue un shock. Al principio fue medio chocante por el hecho de que mis amigos estaban allá, no conocía a nadie", confiesa sobre sus primeros tiempos, marcados por la incertidumbre y el aislamiento que luego se profundizaría con la llegada de la pandemia.

Sin embargo, fue en ese contexto de encierro donde comenzó a gestarse su identidad artística. Con una relación con la música que se remonta a su infancia —cuando ya posaba con una guitarra a los cinco años—, Runa encontró en el aislamiento el espacio necesario para profesionalizar su pasión. "Yo en mi casa en pandemia ya tenía mi home studio, me lo había comprado como para arrancar a meterle y me grababa solo", relata.

Aunque sus inicios estuvieron ligados al reggaetón, género que exploró con la intención de alcanzar un público masivo, el artista admite que nunca se sintió del todo cómodo con las limitaciones creativas del estilo. Su encuentro con el grupo Sharau y la influencia de figuras como Genson fueron determinantes para su giro hacia el trap. "El reggaetón por ahí es más bailable, se puede transmitir quizás más para algo más de movimiento; quizás las letras no son tan profundas. En el trap siento que te podés desenvolver más sobre sentimientos de otro lado", explica.

Esta evolución no solo fue lírica, sino también técnica. Tras trabajar con diversos productores, Runa notó que el resultado final de sus maquetas no siempre coincidía con su visión original. Fue entonces cuando decidió tomar las riendas de su sonido. "Dije: 'Bueno, tengo que empezar a hacer beats, hacer instrumentales propias y empezar a meterle'. Lo único que me faltaba era eso para complementar el hecho de no subir con beats de YouTube, que eso está mal si querés hacerlo más profesional", sostiene.

Hoy, el artista se ha consolidado como un productor integral. Desde hace un año, la totalidad de su música es producida por él mismo, alcanzando un ritmo de trabajo de 20 beats mensuales. Esta disciplina le permite mantener una biblioteca sonora diversa, clasificada por géneros y estados de ánimo, que utiliza tanto para sus proyectos personales como para colaboraciones con otros músicos de la escena local.

Para Runa, el desafío de hacer música desde Tandil implica una estrategia clara de difusión. Consciente de que Buenos Aires es el epicentro de la industria, utiliza herramientas digitales como Instagram Reels y TikTok para acortar distancias. "Siento que la manera que nos queda de hacernos ver es esa: subiendo contenido a todos lados", afirma, aunque aclara que ha dejado de obsesionarse con las métricas de reproducción. "El objetivo real es disfrutar lo que hacés y efectuar sin pensarlo tanto", añade.

Al observar el panorama actual, el músico se muestra optimista sobre el desarrollo de la cultura urbana en la ciudad. Según su perspectiva, la escena está atravesando un proceso de maduración donde los artistas locales están logrando una propuesta más "real y sostenible en el tiempo".

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A pesar de sus ambiciones, que incluyen colaboraciones soñadas con referentes como Duki o Don Toliver, Runa mantiene los pies sobre la tierra. Su enfoque actual está puesto en la constancia y en la calidad de su producción propia. "Siento que esa constancia es lo que me va a dar lo que quiero", concluye, reafirmando su compromiso con un camino artístico que, lejos de las fórmulas rápidas, se construye paso a paso desde la autogestión.

La expectativa crece entre los seguidores de la escena musical local ante la inminente confirmación de una nueva edición de Zip Unplugged. Este ciclo, que se ha consolidado como un pilar fundamental dentro de la propuesta de Cultura Zip, se prepara para abrir nuevamente sus puertas a los artistas de la región, ofreciendo un escenario donde la música se desnuda para mostrar su esencia más pura.

El formato acústico, característica distintiva de este bloque, permite que las bandas locales desplieguen su talento en un entorno íntimo y cercano. Esta propuesta busca resaltar la calidad compositiva y la destreza técnica de los músicos, alejándose de las grandes producciones eléctricas para centrarse en la calidez de los instrumentos y la voz.

La importancia de Zip Unplugged radica en su capacidad para generar un puente directo entre los artistas y su audiencia. Al prescindir de los artificios técnicos, el espectador tiene la oportunidad de apreciar matices que, en presentaciones convencionales, suelen quedar ocultos. Esta dinámica ha convertido al ciclo en un referente para quienes buscan descubrir nuevas propuestas o redescubrir a sus bandas favoritas desde una perspectiva diferente.

Desde la producción de Cultura Zip, se ha enfatizado que el objetivo principal sigue siendo la promoción de la cultura local y el fortalecimiento de los espacios de expresión para los músicos. Con el regreso del ciclo, se espera que la grilla de artistas vuelva a reflejar la diversidad y la riqueza creativa que caracteriza a la escena actual.

Para los fanáticos que han seguido el ciclo desde sus inicios, cada edición de Zip Unplugged representa una oportunidad única para conectar con el arte de una manera más profunda. La atmósfera que se logra en cada presentación es, sin dudas, uno de los sellos distintivos que ha permitido que este formato se mantenga vigente y esperado por la comunidad.

En los próximos días, se espera que se brinden más detalles sobre las bandas que formarán parte de esta nueva temporada. Mientras tanto, el repaso por las ediciones anteriores sirve como preámbulo ideal para lo que promete ser un ciclo cargado de talento y momentos memorables.

La invitación está hecha para todos aquellos que valoran la música en vivo y el esfuerzo de los artistas locales. Mantenerse atentos a las novedades de Cultura Zip será fundamental para no perderse ningún detalle de esta esperada vuelta a los escenarios acústicos. Volvé a ver los anteriores episodios acá.

Mun atraviesa una nueva etapa. Con una formación renovada, un sonido que se volcó hacia el rock y un nuevo EP bajo el brazo, Juan Segundo Maiaru conversó con Cultura Zip, el programa de El Eco Streaming, sobre el presente del proyecto que nació en Tandil y que actualmente desarrolla gran parte de su actividad en Buenos Aires.

“Hubo un cambio de sonido, cambio de integrantes, así que se podría decir que es un nuevo capítulo”, resumió Juanse al explicar la transformación que atravesó Mun durante el último tiempo.

El giro comenzó a gestarse mientras todavía trabajaba con las canciones de la etapa anterior, mucho más vinculadas al pop y al indie. Juanse ya tenía varias de las nuevas composiciones preparadas, pero sentía que necesitaban encontrar su propio espacio y diferenciarse del material que venía haciendo hasta entonces.

“Sentía como que no encajaban con las demás, como que necesitaban un trabajo aparte”, contó. A partir de su vida en Buenos Aires comenzó a conocer nuevos músicos, conformó otra formación y los ensayos terminaron de marcar el camino que buscaba para las canciones.

“Empezamos a ensayar mucho, dejamos de tocar los temas viejos, pasamos a pulir estos temas nuevos y agarramos viaje por este nuevo sonido más rock”, explicó.

Lejos de tratarse de una transformación forzada, Juanse aseguró que el género siempre había formado parte de sus consumos musicales. Entre las influencias que aparecen detrás de esta nueva etapa mencionó a Airbag, No Te Va Gustar y Los Ratones Paranoicos, referencias que se mezclaron hasta desembocar en “Malos Hábitos”, el nuevo EP de Mun.

El músico reconoció, de todos modos, que el cambio estuvo acompañado por dudas e incertidumbres. Especialmente al momento de definir cómo debían sonar las nuevas canciones sin caer en una copia de aquellas bandas que forman parte de sus influencias.

En ese proceso encontró además un contexto favorable, con una nueva generación de artistas que volvió a apostar por las guitarras.

“Hoy en día el rock volvió a renacer. Hay muchas bandas que están haciendo rock, muchos pibes de mi edad o más chicos. Volvió una nueva ola y siento que encajó perfecto con ese momento”, señaló.

La conformación de la nueva banda en Buenos Aires también modificó por completo la dinámica de Mun. Durante la etapa anterior, algunos integrantes estaban en Tandil mientras Juanse vivía en Capital, algo que hacía difícil sostener una rutina estable de ensayos y mantener activo el proyecto.

Ahora todos los músicos están radicados en la misma ciudad y esa cercanía permitió darle otra continuidad a la banda.

“Fue un cambio muy positivo porque antes ensayábamos de una manera muy esporádica. Era difícil mantener una banda así”, reconoció. Actualmente pueden encontrarse todos los fines de semana y, además, el movimiento musical de Buenos Aires los mantiene constantemente en búsqueda de nuevas fechas.

La formación actual surgió casi como un rompecabezas. Un amigo le pasó el contacto del baterista, mientras que al bajista lo encontró a través de un grupo de WhatsApp de músicos de Buenos Aires. Después de algunas búsquedas que no resultaron como esperaba, Juanse entendió que no alcanzaba solamente con encontrar buenos instrumentistas, sino que también necesitaba músicos que compartieran las expectativas del proyecto.

“Es importante que tengan los mismos intereses y que después empujemos todos para el mismo lado”, sostuvo.

Con “Malos Hábitos” publicado, Mun ya comenzó a trasladar las nuevas canciones al escenario. Durante el último tiempo realizó cuatro presentaciones en Buenos Aires y la intención es continuar sumando fechas entre finales de septiembre y octubre para mantener el EP en movimiento.

“Ni bien salió querés tocarlo por donde sea”, expresó Juanse. Y mientras las canciones empiezan a recorrer escenarios, la banda ya trabaja en lo que viene: continúan componiendo y grabando nuevo material.

“Entrás en una rueda que no querés que pare de girar”, graficó.

Dentro de esa agenda hay un destino que aparece como una cuenta pendiente: Tandil. Hubo conversaciones para concretar una presentación en la ciudad, aunque las obligaciones académicas de los integrantes y las dificultades logísticas impidieron hasta ahora cerrar una fecha.

La organización es diferente a la de los primeros años. Juanse es actualmente el único tandilense de la formación y para el resto del grupo tocar en la ciudad implica organizar el viaje, los horarios y la estadía.

Aun así, el deseo está intacto. “Tenemos muchas ganas de ir a tocar a Tandil y presentar el EP también allá”, aseguró.

Otro de los elementos importantes de esta nueva etapa es la apuesta por lo audiovisual. “Cara de Ángel”, una de las canciones del EP, cuenta con un videoclip que fue grabado en Tandil durante febrero, meses antes de su publicación.

La producción conservó el espíritu independiente que caracteriza al proyecto. El video fue realizado con la colaboración de amigos y hasta el Falcon que aparece en las imágenes fue prestado por un vecino de la casa donde Juanse vivió durante su infancia.

“Entre amigos nos fuimos ayudando. Grabamos todo en una tarde, cagándonos de calor, pero el resultado fue lo que esperaba”, recordó.

La cercanía entre la publicación del EP y el estreno del videoclip tuvo una explicación sencilla: las ganas de mostrar rápidamente el material terminado.

“Era más que nada un tema de ansiedad mío, de decir: ‘Che, dale, lo quiero sacar’. Podríamos haber esperado un poco más, pero era sacarlo cuanto antes”, reconoció.

La intención es profundizar ahora esa faceta audiovisual de Mun. Si bien producir un videoclip para cada canción representa un costo importante para una banda independiente, Juanse explicó que buscan darle mayor movimiento a YouTube con grabaciones de ensayos, procesos de producción y material detrás de escena.

La charla también permitió conocer cómo nacen las canciones. Para Juanse no existe un momento específico destinado a componer. Una melodía puede aparecer caminando por la calle, una frase puede surgir de una conversación entre amigos y una canción ajena puede funcionar como disparador para una idea propia.

Por eso suele grabarse tarareando melodías, guardar frases y hasta enviarse canciones por WhatsApp para volver sobre aquello que le despertó inspiración.

En cuanto a las letras, reconoció que buena parte del material surge de experiencias personales y, especialmente, de relaciones y desencuentros amorosos.

“A uno le es más fácil hablar sobre cosas que le pasan”, explicó. En ese sentido, escribir funciona como una forma de catarsis, aunque también tiene una contracara: “Es un arma de doble filo porque te sirve para descargarte, pero también estás todo el tiempo acordándote”.

El camino de Juanse hacia la música tampoco fue completamente lineal. En 2020 se instaló en Buenos Aires para estudiar Educación Física, pero la pandemia lo llevó nuevamente a Tandil. Ese período terminó siendo decisivo para descubrir qué quería hacer.

Con más tiempo disponible empezó a escuchar mucha más música, tocar la guitarra y escribir sus primeras canciones. Una vez superada aquella etapa tomó la decisión de apostar por lo que realmente le apasionaba.

A finales de 2022 comenzó a juntarse con Mateo, la primera persona a la que se animó a mostrarle aquellas canciones que hasta entonces consideraba algo muy íntimo. Entre ambos empezaron a trabajar las composiciones y rápidamente aparecieron nuevas preguntas: por qué no grabarlas, por qué no abrir redes sociales y por qué no empezar a mostrarlas.

“Una cosa se fue dando, se fue dando y ahora estamos acá hablando por videollamada”, sintetizó Juanse sobre aquel recorrido.

El crecimiento de un proyecto independiente también lo obligó a incorporar tareas que poco tienen que ver con sentarse con una guitarra a escribir una canción. Grabar contenido, editar videos, manejar las redes sociales y buscar nuevas maneras de llegar al público forman parte actualmente del trabajo cotidiano.

Juanse reconoció entre risas que no es precisamente el aspecto que más disfruta. “A uno le gusta hacer canciones y tocar”, planteó, aunque entiende que exponerse en las plataformas forma parte de las reglas del juego para un artista independiente que busca hacer crecer su música.

Los resultados, además, aparecen. TikTok se convirtió en la plataforma que mayor alcance le dio a Mun, especialmente mediante videos de ensayos, fragmentos de presentaciones y covers. A través de esos contenidos comenzó incluso a recibir mensajes de personas de otros países de Latinoamérica, entre ellos Perú y México.

“Es remarla y remarla y buscar que la gente empiece a escuchar tus canciones”, definió.

Hacia el final de la entrevista, Cultura Zip propuso una serie de preguntas rápidas que recorrieron gustos musicales, posibles colaboraciones y canciones especiales. Juanse sorprendió al elegir a Los Palmeras como los artistas con los que le gustaría grabar una canción, con la idea de hacer un verdadero “hit de bailanta” que pueda sonar tanto en boliches como en cumpleaños.

Para alguien que todavía no conoce Mun, en cambio, eligió “No puedo borrarte”, la primera canción que publicó el proyecto y una composición a la que todavía guarda un cariño especial.

“Esa sí que no me canso de escucharla. Es la primera canción que hicimos, entonces siento que es una buena introducción a todo lo que sigue”, aseguró.

La última pregunta volvió a conectar el presente del proyecto con el lugar donde comenzó todo: ¿qué lugar ocupa Tandil en la identidad de este nuevo Mun?

Juanse no dudó.

“Ocupa el 100%. Tandil está siempre presente”, afirmó. Y agregó que cada vez que surge la posibilidad de regresar para tocar intenta aprovecharla: “No podría hacerme el desentendido”.

Con nuevos integrantes, una base instalada en Buenos Aires y un sonido más rockero, Mun abrió un nuevo capítulo de su historia. Pero el cambio de ciudad, de formación y de estilo no modificó el vínculo con sus raíces: Tandil continúa ocupando un lugar central en la identidad del proyecto y aparece como el escenario al que Juanse quiere volver para presentar esta nueva etapa.

Nahuel Briones regresará a Tandil el próximo jueves 17 de septiembre para presentarse en Macanudo, en una noche que contará además con la participación de la artista local Valentina Palacio. Antes de su llegada a la ciudad, el músico conversó con Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

“Voy a estar haciendo un repaso por todos los discos de mi carrera. Seguramente toquemos algunas canciones nuevas también”, adelantó Briones durante la entrevista. Para esta presentación llegará con un formato en dúo que comenzó a desarrollar especialmente para una serie de conciertos.

Según explicó, la propuesta contará con diferentes instrumentos y dispositivos que les permitirán moverse durante las canciones y acercar el espectáculo a la intensidad que habitualmente consigue junto a una banda completa.

“Es un formato nuevo que estoy estrenando específicamente para estos conciertos”, señaló y agregó: “No se lo pierdan porque vamos a pasar una noche espectacular”.

La presentación tendrá además una particularidad: Tandil será la primera ciudad en la que Briones mostrará oficialmente este formato, antes de continuar con fechas en otros puntos de la región. “Es una forma de llevar, de una manera más resumida, lo que sucede en el concierto de una banda”, explicó.

No será su primera experiencia en la ciudad. El artista recordó especialmente su anterior presentación y reconoció que aquella respuesta del público fue uno de los motivos que lo impulsaron a regresar.

“La primera vez es como tirarse a una pileta sin saber qué hay”, describió. Sin embargo, aquella incertidumbre desapareció rápidamente: “Hubo en ese concierto un público que cantó todas las canciones, que estuvo muy conectado y dije: ‘Me parece que es tiempo de volver a ver si nos encontramos con el público de allí’”.

Durante la charla, Briones también se refirió a una de las características que atraviesan su carrera: la dificultad de encasillar su música dentro de un único género.

“Una característica de mi obra, y no sé si es algo positivo o negativo, es que es muy ecléctica”, sostuvo. De esa manera, explicó que dentro de un mismo disco pueden convivir una canción cercana al techno, un bolero o una composición con una impronta más punk.

Esa variedad surge, según contó, de su propia curiosidad musical. “En el mundo hay millones de músicas diferentes y yo tengo la curiosidad y ganas de hacerlas todas”, expresó.

La búsqueda implica también un proceso constante de composición. Briones aseguró que pasa muchas horas escribiendo y grabando canciones, aunque buena parte de ese material finalmente no vea la luz. “Cuando tengo muchas ganas de mostrar una canción nueva es más o menos porque hice diez o quince que quedaron ahí”, contó.

Con el paso de los años también modificó su forma de trabajar. Si durante buena parte de su carrera prefirió encargarse prácticamente solo de sus canciones, en los últimos tiempos comenzó a incorporar otras miradas al proceso creativo.

“Estoy siendo mucho más abierto a las opiniones y a trabajar con distintas personas”, afirmó. La experiencia y la cantidad de material publicado, explicó, también le permitieron perder cierto recelo sobre la necesidad de encontrar una versión “definitiva” de cada canción.

Al recordar sus comienzos, Briones ubicó un momento preciso como determinante para su relación con la música. Tenía ocho años cuando su padre lo llevó a ver a Los Redondos en Racing.

“Yo creo que eso me cambió la cabeza para siempre”, aseguró. Incluso contó que su padre recuerda que, en medio de aquel recital, le manifestó que quería dedicarse a eso.

El impacto fue inmediato. Apenas unos meses después comenzó a estudiar guitarra y empezó un camino que terminaría convirtiéndose en su profesión.

Entre sus principales referencias mencionó a Charly García, Los Redondos y María Elena Walsh, artistas que descubrió durante su infancia y que todavía considera fundamentales dentro de la cultura argentina.

La conversación también abrió paso a una reflexión sobre Spotify, las plataformas digitales y la inteligencia artificial. Briones destacó que internet permitió acceder inmediatamente a producciones musicales de prácticamente cualquier lugar del mundo, aunque advirtió que ese fenómeno también modificó profundamente la economía de los artis

La cantante y compositora Abril Olivera se prepara para desembarcar por primera vez en Tandil, donde el próximo 19 se presentará en Macanudo para compartir las canciones de “Río de la Plata”, su segundo disco. Antes de su llegada, dialogó con Cultura Zip, por El Eco Streaming, y repasó su recorrido musical, el desafío de sostener un proyecto independiente y su particular manera de entender el éxito dentro del arte.

Olivera llegará acompañada por Martín Allende, productor de sus dos discos, y Aarón Gordonas en piano, con una propuesta que definió como “potente, pero íntima”. La cercanía con el público es, precisamente, uno de los aspectos que más disfruta de este tipo de presentaciones.

“El escenario grande está bueno porque es adrenalínico, pero el escenario chiquito también es muy adrenalínico y tiene algo muy íntimo que a mí me gusta mucho, donde puedo interactuar más con el público, tenerlos más cerca, hasta inclusive conversar”, contó.

La artista reconoció además que está “muy entusiasmada” por conocer Tandil y, entre risas, confesó que ya le prometieron algunos de los clásicos productos regionales. “Me dijeron que me iban a separar unos quesitos, un salamín, algo para picar”, relató. Al ser consultada por sus preferencias, no dudó: “Más que nada quesitos, quesitos de todo tipo”.

Más allá del costado distendido de la charla, Olivera también se refirió a una realidad que atraviesa a buena parte de los músicos independientes. “Se hace difícil porque es todo muy autogestivo en mi caso. Tengo dos discos y soy una artista independiente”, explicó.

Aunque aclaró que no se queja de su situación personal, planteó que existe una dificultad general para sostenerse económicamente y que el mundo del arte no escapa a esa realidad. “El arte está bastante complicado”, resumió.

En ese contexto, dejó una reflexión para quienes comienzan a transitar su propio camino dentro de la música. Para Olivera, poner el reconocimiento masivo como principal objetivo puede terminar alejando a los artistas de aquello que originalmente los llevó a crear.

“No hay que pensar en términos de pegarla porque eso no te lleva a ningún lado. Siempre va a haber alguien más pegado que vos y alguien menos pegado que vos”, sostuvo.

En cambio, propuso regresar a preguntas mucho más sencillas: “¿Por qué hacés música? ¿Por qué le tenés cariño a esa canción? ¿Por qué la querés cantar? ¿Por qué la escribís?”.

También reivindicó las diferentes maneras de construir una vida vinculada con la música. “Se puede trabajar de la música y ser muy feliz siendo docente, siendo sesionista. Yo al día de hoy sigo siendo sesionista y también grabo mis canciones y, si puedo, las toco”, señaló.

Para la cantante, poder vivir exclusivamente de las propias canciones constituye una posibilidad reservada para pocos y no debería convertirse en una vara para determinar el valor de un músico. “Hay mucha gente que labura de otra cosa y también hace música y son músicos espectaculares. Eso no te hace mejor o peor músico”, expresó.

La llegada a Tandil tendrá como protagonista a “Río de la Plata”, un trabajo cuya producción demandó entre dos y tres años. Parte del material fue registrado durante dos jornadas en un estudio ubicado en el Delta, mientras que otras grabaciones se completaron posteriormente en el estudio de Mariano Otero.

La extensión del proceso tuvo mucho que ver con las agendas de quienes participaron del proyecto. Olivera se encontraba habitualmente de gira y lo mismo sucedía con sus compañeros, por lo que, según contó, buena parte del desafío fue “el arte de armar las agendas”.

La elección del Delta tampoco fue casual. “Quise mostrar un poco la música que estaba escuchando y las canciones que estaba craneando acá en mi casa, mis ideas melódicas más que nada, que es lo que más me gusta de la música, o algunas cosas de los textos que quería cantar y quería decir”, explicó sobre la búsqueda detrás del álbum.

Su carrera solista comenzó a tomar forma luego de recibirse en el conservatorio. En 2019 publicó su primer EP y desde entonces fue construyendo una audiencia propia, mientras paralelamente participaba de otros proyectos.

Entre ellos aparece Nafta, donde Olivera se desempeña como corista. La experiencia, explicó, es completamente diferente de encabezar su propio proyecto: “En Nafta hago coros y en mi grupo soy la compositora de las canciones y también la que toma las decisiones”.

“Formar parte de una banda tiene menos responsabilidades que ser tu propia jefa”, agregó.

Su crecimiento también estuvo acompañado por una práctica bastante particular a la hora de probar canciones nuevas. Olivera aseguró que muestra sus demos prácticamente a cualquiera que pase por su casa.

“Persona que entra a mi departamento: plomero, electricista, vecino... le digo: ‘¿Querés escuchar mi demo?’”, contó entre risas. “Voy midiendo un poco las reacciones. Yo le muestro mi música a todo el mundo. Vienen mis amigos, músicos o no músicos, y les muestro siempre todo”.

La conversación también atravesó un momento especialmente emotivo cuando apareció el nombre de Rubén Rada. Olivera mantiene una estrecha amistad con su hija, Julieta Rada, con quien compartió diferentes presentaciones y grabaciones en vivo.

Tras el fallecimiento del músico uruguayo, viajó a Montevideo para acompañar a su amiga y estuvo presente en su despedida.

“Pude ver el amor de un pueblo entero hacia un artista”, recordó. Olivera había tenido además la posibilidad de compartir momentos con Rada durante sus viajes a Uruguay.

“Más que nada pienso en mi amiga y en el dolor de perder un padre. Por más que no se pierde porque queda en el aire y en el pueblo, eso es en lo primero que pienso”, expresó.

Luego destacó la dimensión artística y humana del músico: “Qué artista divino y qué artista tan querido. Es como un ejemplo del bien, siempre”.

Para Olivera, la obra de Rada tiene una característica que explica por qué continúa llegando a públicos de distintas edades. “Es un repertorio que puede trascender generaciones y es atemporal”, definió.

Este viernes se vivió un programa especial de Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante una hora, el estudio se vistió de gala para dar a conocer 24 de las 32 ternas que integrarán la primera edición de los Premios AQM. 

Emanuel González Acosta estuvo acompañado por Georgina Bruno y Mariana Binder, integrantes de la organización, quienes compartieron los detalles de esta iniciativa que busca celebrar y visibilizar la escena musical independiente.

Con una convocatoria que superó ampliamante los 300 inscriptos, la premiación busca consolidar un espacio de comunidad para los artistas que producen por fuera del circuito comercial. La periodista y música Mariana Binder destacó que la respuesta de la comunidad artística superó las expectativas, reafirmando la necesidad de un reconocimiento en un sector que queda excluido de las premiaciones tradicionales.

La gala de premiación se llevará a cabo el 20 de noviembre en el auditorio del Centro Cultural Universitario, un espacio gestionado a través del Área de Cultura de la UNICEN. Binder señaló que el hecho de residir en Tandil facilitó la articulación con diferentes sectores de la ciudad, permitiendo el acceso a una infraestructura de primer nivel. 

Según explicó la organizadora, el objetivo central de la propuesta excede la entrega de una estatuilla, funcionando como una "excusa" para generar comunidad entre artistas, productores, medios de comunicación y estudios de grabación.

El proyecto surgió de la propia experiencia de Binder como música y comunicadora, al notar el vacío existente entre el "mainstream" y la producción emergente. "Entendemos que hay un montón de proyectos y no por eso hay que dejarlos afuera del circuito", señaló, enfatizando que la visibilización en medios locales y regionales es el primer paso para que un artista logre trascender hacia audiencias más amplias.

Durante la emisión, se dieron a conocer los nominados en diversas categorías que abarcan la amplitud de géneros de la escena actual. Entre las ternas presentadas se encuentran:

MEJOR PROYECTO POWER POPLa firma de Morales “Dicen”, Komo Yamarte “Es crudo”, Mila “Hércules”, Arkadia “Frío”, Sodio Distorsionado “Sodio”.

MEJOR PROYECTO ROCK INSTRUMENTALRamiro Caballero “Not now”, Los maniquíes y la inundación “Baila en biciclé”, Pasen y Vean “Croto del trabajo”.

MEJOR PROYECTO INDIEPlan Roma “Mi amor”, Las Nubes “Temporada de huracanes”, Peinadoeléctrico “Tardes iguales”.

MEJOR PROYECTO FOLK FUSIÓNTuti Ruggiero “Quien te dijo”, Pantaleone “Entre tanto (Aquellos días encerrado)”, Sol Gómez “Ratsss”, Ary Rodríguez y los ambulantes “Artificial”.

MEJOR PROYECTO FOLKTRÓNICACampoLoop “Grito Gaucha”, Oscar Irustia “Melancolía Andina”, Santiago Markin “En orden”.

La organización, que cuenta con el apoyo de Gestión Indie desde Buenos Aires, continúa trabajando en los preparativos finales para lo que promete ser un encuentro federal que potencie las escenas regionales de todo el país, reconociendo a los artistas independientes como los principales motores de los circuitos culturales actuales.

Pablo Mariosa, psicólogo y escritor radicado desde hace algunos años en Tandil, participó de una entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el encuentro, el profesional brindó su punto de vista sobre las dificultades de los vínculos en esta época y cómo impactó el aislamiento en la pandemia, señalando que la sociedad atraviesa un momento de hiperconectividad que, paradójicamente, dificulta la construcción de relaciones duraderas.

El especialista explicó que la cultura de la inmediatez acostumbró a los individuos a obtener respuestas instantáneas para cualquier consumo, una lógica que choca de frente con la naturaleza de los vínculos reales. Según Mariosa, las relaciones profundas requieren pausa, tiempo y procesamiento, elementos que hoy se perciben como una "montaña difícil de escalar". Para el psicólogo, la percepción de que todo debe estar al alcance de la mano generó una impaciencia estructural que atenta contra la solidez de los lazos afectivos.

En ese sentido, Mariosa sostuvo que hoy rige la lógica del algoritmo, donde el sujeto se acostumbra a filtrar contenidos según su placer inmediato, evitando cualquier contacto con la frustración. "Las personas buscamos cada vez menos pasarla mal. Estamos perdiendo la capacidad de la espontaneidad", describió.

Esta tendencia se trasladó a lo vincular, especialmente a través de las aplicaciones de citas, donde se busca un "match" perfecto basado en una imagen recortada. El escritor advirtió que, al reducir tanto el abanico de posibilidades a través de filtros previos, se pierde lo impredecible y fortuito del encuentro cara a cara, que es donde históricamente surgieron las grandes amistades y amores.

Al profundizar en la naturaleza de estas uniones, el profesional citó el concepto de "amor líquido" del sociólogo Zygmunt Bauman, una obra que, aunque tiene más de dos décadas, mantiene una vigencia absoluta. La metáfora describe vínculos que, por la forma en que vivimos, se escurren como el agua entre las manos. Mariosa indicó que existe una mercantilización de las personas, donde se aplica una lógica de mercado de "uso y desecho". Esta dinámica hace que se pierda de vista la empatía y el valor de dar por sobre el recibir, priorizando la satisfacción de una necesidad inmediata sobre el compromiso a largo plazo.

Respecto a la salud mental y el contacto social, el profesional destacó que la pandemia marcó un antes y un después en la comunidad. Mariosa afirmó que todavía existen secuelas sociales del daño que produjo aquel aislamiento, tales como el temor al contacto físico o la dificultad para mantener la distancia mínima permitida. Este fenómeno fue especialmente crítico para personas que ya lidiaban con cuadros de ansiedad o depresión, a quienes les costó meses, e incluso años, volver a reinsertarse plenamente en la vida social activa de Tandil.

Durante el periodo de restricciones, el psicólogo trabajó intensamente en la generación de rutinas para sus pacientes, fomentando objetivos pequeños para romper el encierro doméstico. "Había que empezar desde cositas chiquitas para lograr que las personas salieran de sus casas", recordó. Sin embargo, advirtió que la comodidad de la pantalla, profundizada en aquellos años, generó una resistencia al encuentro presencial que todavía se percibe en la baja convocatoria de eventos culturales o espacios de participación ciudadana que no son masivos.

Este desafío es todavía más acentuado en los adultos de la tercera edad. El psicólogo señaló que el vertiginoso avance de la digitalización, desde las billeteras electrónicas hasta las redes sociales, suele descolocar a quienes tienen más de 70 años. En este punto, remarcó que las empresas tecnológicas deben trabajar con mayor fuerza en la accesibilidad, pero también hizo un llamado a los adultos mayores a no abandonar los espacios físicos de pertenencia, como centros de jubilados o talleres culturales, para combatir la soledad.

Finalmente, Mariosa instó a la comunidad a recuperar la capacidad de habitar los espacios públicos y de participación, asumiendo el riesgo de que un encuentro pueda no ser perfecto. El escritor concluyó que la clave para mejorar la calidad de los vínculos actuales reside en la transparencia y la apertura, aceptando que la vida tiene momentos de dolor y crisis que no pueden ser resueltos con la inmediatez de un filtro digital, sino con la presencia real y sostenida.

La escena musical argentina recibe con expectativa la llegada de Abril Olivera a la ciudad. La cantante, música y compositora, reconocida como una de las voces más influyentes de la nueva generación del R&B en español, brindará un adelanto de su propuesta artística esta tarde en una charla exclusiva con los integrantes de Cultura Zip, desde las 14, por todas lasplataformas de El Eco. Este encuentro servirá como antesala de su esperado concierto, programado para el sábado 19 de septiembre, a partir de las 20:00, en Macanudo.

Las entradas para disfrutar de su presentación en vivo ya se encuentran disponibles para el público a través de la plataforma ticketmas.ar. Asimismo, quienes prefieran adquirir sus tickets de manera presencial pueden acercarse al punto de venta físico situado en Manhattan Instrumentos Musicales, en Chacabuco 873.

Abril Olivera ha logrado consolidar una identidad artística que trasciende las fronteras del género. Su formación y recorrido incluyen su participación como integrante de la banda NAFTA, además de colaboraciones destacadas junto a figuras de la talla de Lali, Trueno, Emmanuel Horvilleur, Julieta Rada y Ángela Torres. Esta trayectoria le ha permitido fusionar con maestría elementos del jazz, la bossa nova, la samba, el soul, el funk y el hip-hop, logrando una propuesta fresca que redefine la música rioplatense actual.

Su camino solista comenzó a tomar forma en 2019 con el lanzamiento del EP Espacios, que incluyó el sencillo "En algún lugar". Posteriormente, la artista profundizó su búsqueda sonora con los temas "Giro" y "Elemental", trabajos que sirvieron como preludio a su álbum debut titulado ABRIL, publicado en 2023. Esta obra conceptual contó con la participación de artistas como Fito Páez, Acus, An Espil y Magamo, consolidando un estilo caracterizado por la sutileza vocal y una narrativa íntima.

El año 2024 representó un periodo de intensa actividad para la compositora. Presentó el sencillo "Acuerdo", cuyo videoclip fue nominado a los Premios Prisma, y llevó adelante una gira acústica junto a An Espil. Más tarde, lanzó "A la salida", una pieza producida junto a Martín Allende y grabada entre Brooklyn y el Río de la Plata, donde explora temáticas vinculadas a la pérdida y la transformación emocional.

Su proyección ha traspasado las fronteras argentinas, siendo convocada para abrir los conciertos en Buenos Aires de artistas internacionales de renombre como Tom Misch, Raye, Masego, Kamasi Washington y Snarky Puppy. Estas experiencias han sido fundamentales para el crecimiento de una artista que hoy se posiciona como una referente ineludible de la escena contemporánea.

En 2025, la artista presentó su disco Río de la Plata, una obra que utiliza al río como una metáfora del movimiento interior y la identidad compartida. A través de una combinación de texturas orgánicas y pulsos electrónicos, Abril Olivera construye un universo sonoro donde la memoria y el deseo convergen. Cada canción del álbum funciona como una estación dentro de un recorrido emocional, reafirmando su compromiso con la exploración de las posibilidades sonoras de la región.

Vieja Minga se presentó en los estudios de El Eco Streaming para compartir detalles de su presente artístico y los desafíos que implica coordinar una de las agrupaciones más numerosas y convocantes de la ciudad. Con casi una década de trayectoria y una formación consolidada de 12 integrantes, los músicos destacaron la importancia del compromiso y la autogestión como pilares fundamentales para sostener un proyecto que nació como un pasatiempo entre amigos y hoy se posiciona como una referencia ineludible en la movida tropical de la región.

Durante el encuentro en el programa Cultura Zip, Natalia Otranto, Santiago Benítez y Valentín Cortez reflexionaron sobre la evolución del grupo, que tuvo su punto de inflexión en 2019. Aunque en sus inicios llegaron a ser 14 integrantes, la estructura actual de 12 músicos les ha permitido optimizar la dinámica de trabajo sin perder la potencia sonora que los caracteriza, la cual incluye una potente fila de vientos y percusión.

Para coordinar a tantas personas, el grupo estableció una metodología de trabajo rigurosa que incluye dos ensayos semanales. Los martes se realizan los ensayos generales, mientras que los jueves se divide el trabajo por secciones: por un lado la armonía, percusión y voces, y por otro los vientos. Esta organización es, según los protagonistas, la única manera de sostener un proyecto de esta magnitud y asegurar que el show mantenga un nivel profesional constante.

La banda opera bajo un modelo de autogestión que incluye la administración de un fondo en común. Este recurso económico es vital para costear viajes, renovar el vestuario y afrontar gastos técnicos o reparaciones de instrumentos. Al no limitarse a dividir el caché de cada presentación entre los integrantes, Vieja Minga logra reinvertir en su propio crecimiento, sumando además el apoyo de sponsors y publicidad para sus fechas propias.

Este enfoque se extiende a cada aspecto de sus presentaciones. Desde el diseño de luces y colores hasta el vestuario, los músicos buscan ofrecer un espectáculo integral. Según explicaron, la toma de decisiones se reparte en roles específicos; por ejemplo, la elección del repertorio y la dinámica del show suelen estar a cargo de los cantantes, quienes luego debaten las propuestas con el resto del grupo para lograr un consenso que represente a la banda.

Respecto al panorama musical en la ciudad, los músicos coincidieron en que Tandil atraviesa un gran momento cultural. Señalaron que existe una diferencia abismal con otras ciudades en cuanto a la cantidad y calidad de proyectos emergentes. Para los integrantes de Vieja Minga, el crecimiento de la movida local es "grandioso" y destacaron el apoyo de productores y el surgimiento de jóvenes que se animan a producir su propia música y salir de gira de forma autogestiva.

Por otra parte, la consolidación en la región los ha llevado a escenarios de gran masividad, como la Fiesta del Ternero en Ayacucho o la Fiesta del Automovilismo en Balcarce. Estas experiencias en festivales imponentes, donde han compartido escenario con artistas de renombre nacional, conviven con el disfrute de sus propias fechas en Tandil, donde el calor del público propio genera una mística diferente pero igualmente valorada.

La exigencia profesional de la banda se traduce también en el cuidado personal y la formación de sus miembros. Otranto, una de las voces principales, enfatizó su rigurosidad con el cuidado de la voz. Esta estructura técnica le brinda la seguridad necesaria para afrontar shows de alta intensidad, complementando su formación previa en géneros como el tango.

Por su parte, los instrumentistas también cuentan con una sólida base académica. Benítez comenzó su camino en la música desde niño, asistiendo al Conservatorio y a Polivalente, para luego volcarse a los timbales a los diez años. Su carrera siempre estuvo ligada a la cumbia, género que lo llevó finalmente a integrarse a Vieja Minga tras ser convocado por el grupo.

Cortez compartió una trayectoria similar, influenciado por su familia de músicos y formado en el trombón dentro de la Banda Juvenil Municipal. Esta preparación técnica de los integrantes es lo que permite a la banda adaptar temas, cambiar tonalidades y proponer arreglos complejos que elevan la calidad musical de su repertorio, el cual combina composiciones propias con clásicos de la música tropical latinoamericana.

Al ser consultados sobre sus metas, el grupo fue unánime: el gran objetivo es conquistar Buenos Aires. Aunque ya son una banda de referencia en la región, reconocen que el desembarco en la Capital Federal representa un desafío logístico y de contactos mayor. Consideran que están en un "camino de hormigas" que pronto los llevará a presentarse en la gran urbe, donde se encuentran los principales productores de la movida tropical.

El desafío de trasladar a 12 personas y asegurar la rentabilidad del viaje es uno de los obstáculos a superar, pero la ambición del grupo se mantiene intacta. Para los músicos, llegar a los grandes escenarios porteños sería la confirmación de todo el trabajo realizado. 

Mientras proyectan este crecimiento, la banda continúa trabajando en la renovación de su repertorio y en la mejora constante de su puesta en escena. La meta no es solo llegar, sino hacerlo con una propuesta que refleje la madurez alcanzada. La intención es que, cuando se presente la oportunidad en Buenos Aires, Vieja Minga pueda demostrar por qué es una de las formaciones más potentes de la provincia.

Por lo pronto, el grupo sigue disfrutando del presente. Cada presentación es vivida como una oportunidad para agradecer el apoyo de la gente y para reafirmar que, con compromiso profesional y trabajo colectivo, es posible sostener un proyecto cultural de gran escala desde el interior bonaerense, manteniendo siempre viva la esencia del encuentro y la alegría que dio origen a la banda.

La música, el candombe y los recuerdos fueron protagonistas de una tarde especial en Cultura Zip, donde el programa de El Eco Streaming realizó un emotivo homenaje a Rubén “El Negro” Rada, una de las figuras fundamentales de la música rioplatense.

Lejos de la solemnidad, el tributo estuvo atravesado por la alegría y el encuentro artístico, en sintonía con uno de los deseos que el propio Rada había expresado para cuando llegara el momento de su despedida: “Cuando yo me muera, no quiero llantos ni penas”.

La propuesta rápidamente se convirtió en una suerte de guitarreada en vivo, con músicos locales que se sumaron a la convocatoria y compartieron algunas de las canciones más reconocidas del artista uruguayo.

Entre los primeros en tomar los instrumentos estuvieron Fran Margueritte, exintegrante de la banda Os Palmeiras, dedicada a realizar versiones de canciones de Rada, y Ro Sosa, acompañados por Gastón Valdez, de Gamma Mood, en guitarra.

Uno de los momentos más emotivos llegó con la interpretación de “Quién va a cantar”, una canción cuya letra cobró especial significado durante el homenaje y permitió repasar algunas de las preocupaciones y reflexiones que atravesaron la obra del músico.

La tarde continuó con la incorporación de Gamma Mood, quien hizo su debut en el programa homenaje. Con los músicos reunidos en el estudio, llegó el turno de “Cha Cha Muchacha”, uno de los clásicos del repertorio de Rada, que aportó una cuota de ritmo y candombe a la jornada.

El repertorio también incluyó “Terapia de Murga” y “Ayer te vi”, otras dos canciones que permitieron recorrer distintas etapas de la extensa trayectoria del artista.

A lo largo del homenaje, los músicos e integrantes de Cultura Zip también compartieron recuerdos y experiencias personales vinculadas con la obra de Rada.

Para algunos, sus canciones forman parte de los recuerdos de infancia y llegaron a través de sus familias. Para otros, el acercamiento se produjo posteriormente, a partir de la formación musical y de la admiración por otros grandes referentes de la música, como Javier Malosetti y la histórica banda de rock fusión Opa.

En el estudio se destacó la enorme capacidad de Rada para transitar diferentes géneros y fusionar estilos a lo largo de su carrera. Rock, funk, jazz, salsa, pop, murga y candombe fueron algunos de los universos musicales que el artista recorrió y enriqueció con una identidad propia.

También hubo espacio para recordar su vínculo con el público argentino a través de la televisión. Durante la década de 1990, su participación como actor y conductor le permitió llevar su particular carisma y humor a miles de hogares.

El homenaje a Rada fue también una muestra del espíritu que propone Cultura Zip, un espacio pensado para el encuentro entre artistas y expresiones culturales de Tandil. Así, entre música, conversaciones y encuentros espontáneos, el programa volvió a convertirse en un punto de reunión para artistas locales, incluso sin ensayos previos, generando momentos únicos al aire.

La jornada dejó como resultado un homenaje que buscó celebrar la vida y la obra de Rubén Rada desde el lugar que probablemente más lo represente: la música compartida, el ritmo y la alegría. Porque, como quedó reflejado durante la tarde en Cultura Zip, aunque el artista ya no esté físicamente, su música continúa atravesando generaciones y corazones.

En el ecosistema cultural de la ciudad, existen figuras que actúan como verdaderos motores de la movida independiente. No solo ejecutan un instrumento, sino que viven y respiran la música de su entorno. Uno de ellos es Laucha Villalba, un guitarrista cuya pasión y compromiso lo han llevado a integrar múltiples agrupaciones en simultáneo, consolidándose como una de las caras más activas de la escena contemporánea.

En una entrevista exclusiva, el músico recorre su historia: desde sus primeros acordes influenciados por Gustavo Cerati y David Gilmour, pasando por la mística del colegio y su banda de la adolescencia, hasta llegar a su presente con siete proyectos musicales y una firme filosofía de resistencia colectiva frente al individualismo.

La relación de Laucha con la música nació mucho antes de que pudiera sostener una guitarra. De niño, sentarse frente a los parlantes cuando su familia ponía música ya representaba un acontecimiento trascendental. Aunque a los cinco años intentó estudiar piano, el interés se desvaneció pronto. Sin embargo, el verdadero "clic" ocurrió un año después, al quedar hipnotizado por una guitarra verde en una vidriera.

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A esta fascinación visual se sumó un impacto sonoro decisivo: ver a Gustavo Cerati tocando "En la ciudad de la furia" en televisión. Aquella descarga de energía, sumada a la influencia de próceres como David Gilmour y Pappo, lo llevó a insistir durante un año hasta obtener su instrumento. Su formación formal comenzó a los seis años con Carlos Rebello, un histórico docente local con quien estudió de manera ininterrumpida durante siete años.

Rebello no solo le enseñó técnica, sino también la importancia de la autonomía. Justo antes de la pandemia, el maestro notó que Laucha solía esperar que él le resolviera las canciones, a pesar de su capacidad para sacarlas por cuenta propia. Con sabiduría pedagógica, decidió espaciar las clases para forzarlo a ganar independencia. Este proceso coincidió con su ingreso en 2017 a Polivalente, un entorno que resultó ser un gran estímulo creativo.

Laucha se define, con humor y orgullo, como un defensor acérrimo de la música de su ciudad y de Argentina. Para él, la identidad artística local es una bandera irrenunciable. 

Al analizar la actualidad, el guitarrista se muestra optimista. Asegura que la escena local atraviesa su mejor momento desde 2017. Recuerda que entre 2022 y 2023 existía una queja generalizada sobre la falta de espacios, pero la situación experimentó un giro positivo y hoy existe una oferta diversa de salas. No obstante, advierte sobre los desafíos: la sostenibilidad de la oferta, la diversidad de géneros y la necesidad de cooperación.

"Juntos es mejor. Los placeres son con otros", afirma Laucha al reflexionar sobre la importancia de la sinergia entre bandas.

Laucha es la antítesis del músico estático. Actualmente participa en siete proyectos musicales: cinco de carácter eléctrico y fijo, y dos en formato acústico. Aunque todos se estructuran bajo el paraguas de la canción pop, cada uno explora una identidad distinta. En Plan Roma, por ejemplo, destaca el juego creativo con el vocalista, definiéndose humorísticamente como "el perro y el gato" por sus intensas discusiones que enriquecen el resultado final.

Por otro lado, Lautaro Soto se inclina hacia el post-punk, mientras que Babel se enfoca en un pop rock directo. Odisea representa el sonido indie y pop alternativo, y su nuevo proyecto fusiona neo-soul, funk y pinceladas de jazz. "Mutar es lo que más me interesa como músico, no quedarme toda la vida tocando el mismo género", confiesa.

A pesar de su solvencia, admite lidiar con timidez y perfeccionismo al momento de componer letras propias. Sin embargo, gracias a las clases de canto, ha logrado canalizar su voz y perder el miedo escénico. Al mirar hacia el futuro, su meta ya no es la masividad, sino la autogestión y el disfrute del presente. "Hace dos años muchas de esas estrellas estaban lejos y hoy las tenés al lado. Disfrutemos lo que está sucediendo ahora, porque es bellísimo y no sabemos cuánto va a durar", concluye.

El dúo folklórico Campedrinos atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Así lo contó Agustín, uno de los integrantes del conjunto, durante una entrevista en la que repasó un año marcado por la consagración en el Festival de Cosquín, su participación en el Festival de Viña del Mar y distintas colaboraciones con artistas de otros géneros.

“La cabeza un quilombo, pero mi corazón está feliz”, resumió Agustín al referirse al presente de la banda, que lleva más de 15 años de trayectoria.

Uno de los momentos más significativos del año fue la consagración en Cosquín, un escenario que tiene un valor especial para los integrantes de Campedrinos, ya que desde sus comienzos soñaban con llegar al tradicional festival cordobés.

Agustín recordó que, cuando eran más jóvenes, organizaban peñas, vendían bonos y buscaban distintas maneras de reunir dinero para poder viajar a Cosquín. “Nos íbamos a Cosquín y bueno, pasaron los años, gracias a Dios la carrera fue en crecimiento”, relató.

La consagración llegó después de años de esfuerzo. “Cuando escuchamos que somos consagración del festival, cuando subimos al escenario éramos dos criaturas llorando porque todos esos momentos, todos esos años de caminar Cosquín se habían reflejado en ese momento”, recordó.

Pocos días después llegó otro desafío: Viña del Mar, donde representaron a la Argentina en la competencia internacional con una canción propia. “Fuimos los primeros competidores, había que romper el hielo. Sabíamos la pica que tiene Argentina con Chile, pero empezamos a cantar y todos esos miedos que teníamos se evaporaron porque nunca apareció ningún silbido”, contó.

Por el contrario, la respuesta del público fue positiva y la experiencia terminó convirtiéndose en otro hito para la carrera del grupo.

Campedrinos también viene observando cómo sus canciones comenzaron a ganar presencia fuera del país. En ese sentido, Agustín explicó que las plataformas digitales les permiten conocer dónde son escuchados y qué canciones funcionan mejor en cada región.

“Te arrojan el resultado real: ‘Mirá, me están escuchando en Chile y te están escuchando esta canción. En Uruguay está pasando esto, en Bolivia está pasando esto’”, explicó.

Para el músico, ese fenómeno también permite adaptar algunos aspectos de los shows sin modificar la esencia del grupo. “Nuestra propuesta es la misma de siempre”, sostuvo.

A la hora de hablar sobre el crecimiento del folklore, Agustín destacó especialmente la presencia de jóvenes en festivales y teatros, algo que considera una señal del buen momento que atraviesa el género.

“Hoy se está sintiendo un poquito eso. Vamos a festivales, a los teatros mismos que hacíamos acá y vemos todo el piberío ahí apoyado en la valla, saltando las canciones como el público de rock”, señaló.

Otro de los factores que, según Agustín, contribuyó a ampliar el alcance del folklore fue la posibilidad de cruzarse con artistas de otros géneros.

Campedrinos compartió trabajos con artistas como Milo J, Nathy Peluso y Euge Quevedo, entre otros. “Por suerte se terminaron las etiquetas. El rock es rock, el pop es pop, el folklore folklore. Ahora nos mezclamos todos y creo que eso es hermoso”, afirmó.

En esa línea, destacó que las colaboraciones permiten que personas que habitualmente no escuchan folklore se acerquen al género. “Lo que nos permitieron todos estos crossover es justamente eso: encontrarnos con un público nuevo, no solamente nuevo para nosotros como artistas, sino nuevo para el folklore”, explicó.

Agustín también recordó su participación en Folklore, el proyecto impulsado por Mery Granados y Milo J que reunió a artistas de distintas escenas musicales. Allí Campedrinos interpretó “La taleñita” junto a Milo J.

Según relató, la grabación surgió de manera espontánea. “Estábamos en Salta comiendo una empanada y tomando un vinito, festejando lo que había pasado, y nos llega un mensajito de Milo diciendo: ‘Che, quiero grabar La taleñita con ustedes la semana que viene’”, recordó.

La canción, que se publicó el Día de la Bandera, tuvo una fuerte repercusión en redes y plataformas digitales. “Se generó una viralidad tremenda”, señaló, aunque aclaró: “La viralidad no te define la calidad de lo que vos hacés, pero sí ayuda a que mucha gente te conozca”.

Durante la entrevista, Agustín también habló sobre los elementos que no pueden faltar en una peña folklórica. Y eligió uno por encima del resto: el bailarín. “Lo que comparte tanto la peña, el festival o el teatro, lo que no puede faltar es el bailarín. Son los que engalanan cualquier canción que hagas”, afirmó.

Para el integrante de Campedrinos, ver a la gente bailar genera una conexión especial con la música y ayuda a que otros se animen a participar. “Siempre se tienen que animar dos nomás para que ya arranque”, graficó entre risas.

Uno de los lanzamientos más recientes de Campedrinos fue “El arte de querer”, junto a Euge Quevedo, una canción que también había sido interpretada años atrás por Nahuel Pennisi.

Agustín explicó que no hubo inconvenientes por tratarse de una versión previa. “Somos re amigos de Nahuel. La versión yo la había escuchado, pero hace muchos años”, contó. La intención fue llevar la canción al universo propio del dúo. “Tratamos de poner un poco nuestra forma de hacer la zamba”, explicó.

Sobre la participación de Euge Quevedo, destacó: “Es una cantante tremenda, que se nota cómo ama el folklore”. Según contó, la artista comenzó vinculada al género y además tiene experiencia en danza folklórica. “Fue una cruzada muy linda y la canción es una canción que prácticamente eligió ella. Si bien fuimos nosotros buscando canciones, esa es su canción favorita. A nosotros nos encantaba, la grabamos y quedó una locura”, sostuvo.

Aunque actualmente el dúo no tiene una fecha confirmada en Tandil, Agustín aseguró que la intención de regresar está presente. “Ya vamos a volver porque cuando largamos la gira nos cagaban a pedos en todos lados que no estaba Tandil”, bromeó.

Incluso dejó abierta la posibilidad de una visita al estudio para compartir algunos temas en vivo: “Armamos la guitarreada ahí nomás nomás”. Por último,  repasó algunas de las canciones que elegiría para distintas situaciones. Para una tarde de lluvia recomendó “Dueña de mi alma”; para alguien enamorado, “Eterno amor”; y para comenzar un asado, un clásico del Chaqueño Palavecino.

Y si tuviera que enviar una canción folklórica al Mundial de Canciones, eligió “Las simples cosas”, de César Isella y Armando Tejada Gómez.  Con una agenda que continúa creciendo y una propuesta que busca tender puentes entre el folklore y otros géneros, Campedrinos atraviesa una etapa de expansión que, según Agustín, los encuentra preparados para asumir nuevos desafíos sin perder la esencia que los acompañó desde sus comienzos.

En una entrevista exclusiva, Zulma Lobato se refirió a su reciente mudanza a Tandil, un destino que eligió buscando tranquilidad tras atravesar meses de alta complejidad personal. Acompañada por su amiga, conocida como Pepona, la artista repasó los hitos de su trayectoria y los desafíos que enfrenta en esta nueva etapa de su vida.

Al recordar su salto a la fama, Lobato admitió que nunca imaginó el impacto que tendría su participación en el programa Hechos y Protagonistas, emitido por Crónica TV. Según relató, aquel episodio alcanzó picos de 45 puntos de rating, marcando el inicio de una exposición mediática que, con el paso de los años, le trajo tanto reconocimiento como críticas en las redes sociales. Sobre el fenómeno del hate en internet, la entrevistada fue tajante:

“Uno nunca se acostumbra al hate”

A pesar de ello, aseguró que aprendió a convivir con los comentarios negativos de personas que, según sus palabras, opinan sobre su vida sin conocerla realmente.

La llegada a la ciudad serrana ha significado un cambio positivo en su rutina diaria. Zulma Lobato destacó la calidez de los vecinos y la paz que se respira en el entorno, contrastando esta experiencia con sus vivencias previas en Buenos Aires. “La gente es muy tranquila, muy buena, no es molesta”, afirmó durante la charla en Cultura Zip.

Por su parte, Pepona subrayó la mejoría física que ha notado en la artista desde que se instalaron en Tandil. Las caminatas diarias por el centro y otros puntos de la ciudad han ayudado a que Zulma recupere movilidad y se sienta más animada. “La estoy viendo muy bien”, sostuvo su acompañante, mientras que la propia Lobato reafirmó su bienestar al señalar: “Me siento divina porque veo que la gente es divina”.

Este presente contrasta con los momentos difíciles que relató haber vivido anteriormente, incluyendo una estadía en Entre Ríos donde, según denunció, sufrió el robo de sus pertenencias y dinero, quedando incluso en situación de calle durante tres días antes de ser asistida en un refugio durante 14 días. En aquel episodio, lamentó profundamente la pérdida de su mascota, una caniche toy que la acompañó durante 12 años.

En cuanto a su salud, la prioridad es una intervención quirúrgica en ambos ojos debido a sus severas dificultades visuales. Pepona aclaró que los fondos destinados a esta operación se encuentran resguardados en una cuenta bancaria y desmintió las versiones que circulaban sobre un supuesto mal manejo del dinero. Actualmente, se encuentran gestionando la posibilidad de realizar el procedimiento médico en Tandil, aunque no descartan viajar a Mendoza, donde ya había sido atendida con anterioridad.

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Finalmente, Pepona realizó una advertencia importante para los seguidores de la artista: Zulma Lobato no posee redes sociales propias. Cualquier perfil que utilice su nombre es apócrifo, y la única fuente oficial de información es la cuenta personal de su acompañante. Con la mirada puesta en el futuro, Lobato concluyó con una reflexión sobre sus prioridades: “Nunca hay que pensar en lo material. Porque lo material va y viene. Hoy tenés, mañana no tenés. Hay que pensar en la salud, en estar bien”.