El Anfiteatro Martín Fierro volvió a convertirse este viernes en el escenario de una de las noches más esperadas por los jóvenes tandilenses. Con las tribunas completamente colmadas, banderas flameando, bombos,  y miles de familiares, amigos y compañeros alentando sin descanso, se llevó a cabo la vigésimo sexta edición de Himnos, el clásico estudiantil que año tras año combina música, creatividad y emoción en una celebración única.

Desde horas antes del inicio oficial, a las 18 horas, el predio del Parque Independencia ya mostraba un movimiento incesante. Las distintas agrupaciones ultimaban detalles de vestuario y maquillaje, mientras las hinchadas comenzaban a ocupar cada rincón del anfiteatro. Cuando cayó la noche y se encendieron las luces del escenario, quedó en evidencia la enorme convocatoria de un evento que se ha consolidado como una verdadera marca registrada de Tandil.

Creado y organizado por Pablo Hernán “Perico” Pedretti, director de Los 40 Principales Tandil, Himnos volvió a reunir a estudiantes del último año de distintas instituciones secundarias que, durante meses, trabajaron para transformar canciones populares en producciones integrales cargadas de identidad y sentimiento.

“La verdad que sí, impresionante. Me llamó un poco la atención y creo que todos los años cada vez más gente”, expresó Pedretti, visiblemente emocionado al observar el anfiteatro repleto.

“Comenzó con algo tan chiquitito y ahora se ve la magnitud de gente que es increíble”, agregó, destacando el crecimiento de una propuesta que ya forma parte del patrimonio cultural juvenil de la ciudad.

En esta edición participaron siete agrupaciones, cada una con una identidad propia y una propuesta artística cuidadosamente construida durante meses de ensayos, reuniones y trabajo colectivo.

Henkofikaikos, integrada por estudiantes del Instituto, presentó una reinterpretación de canciones de Rosalía, con una puesta contemporánea, vestuario de fuerte impronta visual y coreografías que combinaron precisión y energía.

Rameteikos/Meriteykos, conformada por alumnos del Gary y Comercio, rindió homenaje a Chano, con un espectáculo cargado de emoción, luces y una escenografía que recreó la estética característica del artista.

Herateykos, del colegio San José, eligió el repertorio de Airbag y ofreció una performance de alto impacto, con un importante despliegue escénico y una marcada conexión con el público.

Hybris, del Polivalente, se inspiró en Las Pastillas del Abuelo, combinando rock, teatralidad y una propuesta visual sumamente elaborada.

Nyragrakos, de Técnica 2, apostó al universo de Babasónicos, con una puesta sofisticada, maquillaje detallado y coreografías de gran coordinación.

Énositeykos, integrada por estudiantes de Técnica 5, Técnica 3, Secundaria 19 y Secundaria 7, llevó al escenario canciones de Wos, en una presentación intensa y moderna que fusionó rap, danza y un fuerte mensaje generacional.

Por su parte, Ukiteikos, del Normal, emocionó con una propuesta basada en la obra de Gustavo Cerati, con una estética cuidada y un trabajo artístico que despertó una de las ovaciones más grandes de la noche.

Uno de los aspectos más destacados de la velada fue el impresionante nivel de detalle en cada presentación. Los vestuarios especialmente diseñados, las transiciones escénicas, el maquillaje, las escenografías y las coreografías perfectamente sincronizadas hicieron que cada actuación fuera impecable.

“Todos los años los chicos se van superando. Antes simplemente cantaban con la remera de la agrupación. Hoy la producción es increíble; es una comedia musical. Uno se pone a mirar la movida y dice: ‘Wow, esto es digno de estar en un teatro’”, señaló Pedretti.

Cada grupo logró construir una narrativa propia, generando momentos de gran impacto visual y emocional. Las presentaciones incluyeron cambios de vestuario en escena, actuaciones teatrales y secuencias coreográficas que evidenciaron el enorme compromiso de los estudiantes.

La tarea de evaluar cada actuación estuvo a cargo de un jurado integrado por destacadas figuras vinculadas a la música, la danza y las artes escénicas.

El panel estuvo conformado por Ezequiel Calvo, productor musical, guitarrista y compositor; Vanesa Lisi, cantante, compositora y vocal coach; Mariana Binder, licenciada en Artes y periodista; Esteban Román, músico, compositor y artista plástico; Guillermina Giménez, coreógrafa y directora de Xangó Estudio de Danza; y Celeste Spanibello, intérprete de comedia musical, coreógrafa y docente.

Los especialistas tuvieron la difícil tarea de analizar la interpretación musical, la originalidad, la puesta en escena, el desarrollo conceptual y el trabajo integral de cada agrupación.

La premiación se realizó esa misma noche durante la tradicional fiesta de cierre en Malva Eventos, donde se entregaron trofeos a los tres primeros puestos en las categorías Himnos y Carpeta/Maqueta, además de menciones especiales y el reconocimiento a la mejor hinchada.

Como incentivo adicional, la agrupación ganadora obtuvo una función privada en Cinemacenter Tandil para todos sus integrantes, con la posibilidad de elegir una película en cartelera.

Para Pedretti, Himnos trasciende la competencia y representa una oportunidad de expresión y descubrimiento para cientos de adolescentes. “Esto es arte. Hay una gran producción detrás de todo esto y los chicos lo saben. Por eso hacen estas cosas que son increíbles”, remarcó.

Respecto de la posibilidad de que una producción asi pueda desembocar en una carrera artística en algunos de los estudiantes, “Creo que es una forma de abrir una puerta que por ahí está escondida. Nunca se sabe qué puede surgir a partir de una experiencia como esta”, reflexionó.

Con un desbordado de público, actuaciones memorables y un despliegue artístico que no dejó detalles librados al azar, Himnos volvió a confirmar por qué sigue siendo uno de los eventos más queridos y representativos de Tandil: una noche en la que el talento joven se convirtió, una vez más, en el gran protagonista.

El ciclo Zip Unplugged tuvo su cierre el viernes 15 de mayo con la presentación de la cantante tandilense Lula Andersen, quien ofreció una sesión acústica en la que combinó composiciones propias, versiones de temas populares y un repaso por su recorrido artístico.

Acompañada por su guitarra y con la calidez que caracteriza al formato del programa, Lula compartió detalles de una historia profundamente atravesada por la música. La artista es hermana del reconocido músico Rama Robles y forma parte de una familia con una fuerte tradición artística: su abuelo fue cantante de tango en Tandil y su madre también cultiva el canto.

Su vínculo con la música comenzó a una edad muy temprana. Empezó a cantar a los seis años y poco después aprendió a tocar la guitarra, influenciada por referentes del punk y el pop como Avril Lavigne y Blink-182. Con el paso del tiempo fue ampliando su universo sonoro y desarrollando un estilo propio.

Antes de regresar a Tandil hace cuatro años, Lula vivió durante una década en la ciudad de La Plata, donde lideró bandas de cumbia y adquirió una importante experiencia sobre los escenarios. Entre sus recuerdos más impactantes destacó una presentación frente a 50 mil personas. También participó como corista de la banda local Mamelux y formó parte del festival por los 200 años de Tandil.

Aunque su pasado musical estuvo estrechamente ligado a la cumbia, actualmente se identifica con un sonido más melódico y pop. Según explicó, busca reflejar una versión más auténtica de sí misma a través de canciones que hablan sobre la superación personal, la importancia del acompañamiento y la fortaleza interior.

En cuanto a su proceso creativo, contó que muchas de sus composiciones nacen a partir de un estribillo. Cuando surge una idea, la graba en notas de voz en su celular y luego trabaja sobre ella hasta transformarla en una canción completa.

En los últimos meses, la artista también logró una importante repercusión en redes sociales. Su cuenta de TikTok superó los 70 mil seguidores luego de que un creador de contenido uruguayo radicado en España seleccionara uno de sus videos, lo que impulsó notablemente su visibilidad y la motivó a publicar material con mayor frecuencia.

Durante la sesión en vivo, Lula interpretó su canción original “Hey”, un tema con un mensaje esperanzador que escribió para recordarse a sí misma que siempre hay alguien dispuesto a tender una mano en los momentos difíciles. Sobre el cierre, sorprendió una excelente versión de “Perdóname”, de La Factoria con Eddy Lover.

Además de compartir su presente artístico, Lula adelantó que este sábado 16 de mayo abrirá los shows de La Barullera y El Sazón en el espacio Porsch. También confirmó que uno de sus principales objetivos para este año es terminar de grabar nuevas canciones y avanzar en el lanzamiento de un disco o EP.

Con una trayectoria diversa, una fuerte presencia en redes y un repertorio cada vez más personal, Lula Andersen cerró el ciclo Zip Unplugged con una presentación que dejó en evidencia su versatilidad y el sólido momento artístico que atraviesa.

La cantante María Becerra regresa a los escenarios de Buenos Aires con dos funciones confirmadas en el Movistar Arena. Las presentaciones se llevarán a cabo los días 13 y 14 de noviembre, en el marco de su gira denominada Quimera Tour. En este nuevo espectáculo, la artista presentará en vivo Quimera, su álbum de estudio más reciente, a través de una innovadora puesta diseñada en formato 360°.

El impacto del anuncio se reflejó de inmediato en la demanda del público, ya que la preventa exclusiva se agotó en tan solo una hora. Ante este escenario, se informó que la venta general de tickets se habilitará el viernes 15 de mayo, a las 13, a través del sitio oficial del estadio ubicado en el barrio de Villa Crespo. Para esta instancia, se aceptarán todos los medios de pago y los clientes de Banco Macro Visa contarán con el beneficio de cuotas sin interés.

Tras sus masivas presentaciones en el Estadio River Plate, la intérprete apuesta por una propuesta más cercana. El formato elegido coloca el escenario en una posición central, permitiendo que el show sea visto desde distintos ángulos y que los asistentes queden integrados a la narrativa visual. Según se detalló, las entradas para ver a María Becerra parten desde los $60.000 más el cargo por servicio, variando el costo de acuerdo a la ubicación seleccionada.

El concepto del espectáculo está atravesado por el universo de su último disco, un proyecto donde conviven distintos alter egos de la artista: Maite, Jojo, Shanina y Gladys. Esta estructura narrativa busca cruzar lo estético con lo performático, marcando una nueva etapa en su ascendente recorrido musical.

La llegada de estos shows coincide con uno de los momentos más sólidos en la carrera de la joven, quien cuenta con más de 18 millones de oyentes mensuales en Spotify y supera los 12 mil millones de reproducciones acumuladas en sus videoclips. Durante el último año, su presencia global se consolidó con hitos como su participación en el Año Nuevo de Times Square, su rol como jurado en el Festival de Viña del Mar y su debut en Coachella junto a J Balvin.

Además de sus recientes lanzamientos musicales como “Imán” y “Ramen Para Dos” junto a Paulo Londra, la artista incursionó en la actuación con su debut en En el barro, una serie original de la plataforma Netflix. Con el lanzamiento de Quimera, su tercer álbum de estudio, María Becerra reafirma su lugar como una de las figuras centrales de la escena urbana actual.

Tras dos años de ascenso meteórico marcados por su paso por el Tiny Desk y el éxito de su EP Papota, Catriel Guerreiro y Ulises Guerriero, conocidos artísticamente como Ca7riel y Paco Amoroso, regresaron a los escenarios para presentar su nueva etapa denominada Free Spirits. El punto de partida fue un Movistar Arena colmado, donde el dúo demostró su capacidad de reinvención y madurez creativa durante dos horas de espectáculo.

La previa del concierto sumergió a los asistentes en una atmósfera particular. Las pantallas gigantes proyectaban frases de figuras como Andrew Huberman, Alejandro Jodorowsky y Osho, centradas en el bienestar y la regulación del reloj biológico. La narrativa del show comenzó con la aparición de una doctora que presentó el programa intensivo del Free Spirits Wellness Center, una propuesta interactiva diseñada para liberar los espíritus de los pacientes.

El despliegue escénico inició cuando una cortina blanca descubrió a los músicos recostados en camillas con atuendos extravagantes. Al sonar el primer tema, "No me sirve más", la energía del público estalló, dando paso a una serie de cambios de vestuario que transitaron desde el negro sobrio hasta el look total white característico de esta nueva era. El repertorio incluyó canciones como "Nada nuevo", "Ay Ay Ay", "Muero", "Mi Diosa", "#TETAS", "Hasta Jesús tuvo un mal día" y "Soy increíble".

En un momento de cercanía con sus seguidores, Paco Amoroso tomó la palabra para reflexionar sobre el proceso creativo:

“Muchas gracias por venir esta noche, estamos muy felices de estar con ustedes en una nueva gira. Yo sé que a veces piensan que somos gente insensible que no siente nada por la música que hacemos, pero quiero que sepan que hace un tiempo yo estaba muy triste y nos juntamos a hacer esta canción”, expresó antes de interpretar "Vida Loca".

Uno de los pasajes más destacados ocurrió durante la canción "Impostor", cuando los artistas se dirigieron a una tribuna donde se encontraban diversas figuras del espectáculo como Juliana Gattas, Maia Reficco, Esmeralda Mitre, Walas, Santiago Korovsky, Coti Sorokin, Chita, Hernán Coronel de Mala Fama, Luz Gaggi y Anita B Queen, todos vestidos con batas de enfermeros. En ese trayecto, Ca7riel interactuó con los presentes, compartiendo un momento con su pareja y quitándole el sombrero al cantante de Massacre.

El cierre del evento transformó el estadio en una fiesta electrónica masiva. Con los invitados especiales sobre la pasarela y un despliegue de luces láser, el dúo selló el comienzo de su gira internacional en una noche que combinó performance, música y una estética libre de prejuicios. 

La historia de Sergio Denis comenzó mucho antes de los escenarios, de los aplausos y de las canciones que marcaron a generaciones enteras. El artista, cuyo nombre real era Héctor Omar Hoffmann, nació en una casa humilde de Coronel Suárez, entre el olor a aserrín y el recuerdo de las manos curtidas de un padre trabajador.

Hijo de Feliciano Hoffmann y María Esther Fenzel, y nieto de inmigrantes, el pequeño al que apodaban "El Negro" soñaba con escapar a la pobreza a través de la música. Sobre su llegada al mundo el 16 de marzo de 1949, el cantante recordaría tiempo después:

“Sé que nací a la mañana, a las 8.30, pero de eso nunca hablamos con mis viejos”

Sin embargo, un hecho que marcó profundamente el clima familiar fue la muerte de Alicia, una beba que su madre perdió con apenas tres meses de vida. Sergio Denis confesó en su momento que aquel dolor permaneció suspendido en el hogar, donde convivía con sus hermanos Carlos y Nora.

Durante sus primeros siete años, la familia habitó una vivienda mínima que compartían con los parientes de un camionero, apenas separados por un tabique. “Era un espacio muy humilde. Una cocina y una pieza grande donde dormíamos todos”, rememoraba el ídolo sobre aquellos tiempos de carencias.

Pese a las dificultades, el cantante siempre destacó la sensación de hogar y el aprendizaje del amor al trabajo que le transmitió su padre. Feliciano Hoffmann era un carpintero silencioso que le enseñó que, aunque se estuviera triste, había que salir adelante porque las cosas no podían esperar.

La educación de Sergio Denis transcurrió en el Colegio Sarmiento durante la primaria y en el Manuel Estrada para la secundaria. En marzo, el inicio de clases representaba una incomodidad para sus padres por la imposibilidad de comprar los útiles necesarios. “Nos arreglábamos como podíamos, quizás algún vecino nos prestaba algún manual de otro tiempo”, relató sobre su formación en una época donde la palabra depresión no existía en el lenguaje de los trabajadores.

La exitosa gira mundial de Dua Lipa, denominada Radical Optimism, llegó a su fin con un anuncio que sorprendió a sus seguidores. La estrella británica, ganadora de tres premios GRAMMY y siete BRIT Awards, confirmó el lanzamiento de Dua Lipa (Live From México), un proyecto integral que incluye un álbum en vivo y una película de concierto.

El material fue registrado durante sus presentaciones con entradas agotadas en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México. Según se informó, la película se estrenará el próximo 21 de mayo a las 14 horas de nuestro país a través de su canal oficial de YouTube. Por su parte, el disco estará disponible en todas las plataformas de streaming el 22 de mayo, bajo el sello Warner Records.

Uno de los puntos más destacados de esta producción es el dueto que la cantante realizó con Fher Olvera, el líder de la banda Maná. Juntos interpretaron el clásico de 1992, Oye Mi Amor, transformando el estadio en un karaoke gigante. Esta iniciativa de cantar en el idioma local fue una constante en su recorrido, donde realizó versiones en nueve idiomas distintos para homenajear a las ciudades visitadas.

La revista Rolling Stone describió esta etapa como una alegre retrospectiva de la historia de la música. Para la artista, este tour representó un hito en su carrera profesional. En el adelanto del film, se la puede escuchar emocionada al expresar sus sentimientos sobre el escenario:

“Esta gira ha sido la experiencia más hermosa y satisfactoria de mi carrera hasta ahora. Han construido algo más grande que un espectáculo. Han construido una familia y lo siento cada noche”.

Las cifras del Radical Optimism Tour reflejan el impacto global de la cantante. La gira concluyó con un total de 92 presentaciones en cinco continentes, incluyendo hitos como llenar dos noches consecutivas el mítico Wembley Stadium. Con más de 1,75 millones de tickets vendidos, este nuevo lanzamiento marca el cierre de una etapa consagratoria para la soberana del pop actual.

La tercera entrega de Zip Unplugged, el especial musical de Cultura Zip, tuvo como protagonista a la artista tandilense July James, quien compartió una sesión íntima junto al guitarrista Mauro García. Con interpretaciones en vivo, reflexiones sobre la escena local y adelantos de sus próximos proyectos, la cantante dejó en claro por qué se ha convertido en una de las voces más destacadas de la música de la ciudad.

Desde el inicio de la entrevista, July repasó su vínculo con la música, que comenzó a los seis años influenciada por las novelas y las canciones de Thalía. Con el tiempo, su camino artístico se orientó hacia el blues, género en el que encontró una forma de expresión propia y desde donde construyó una identidad potente y singular.

Pero su propuesta va mucho más allá de lo estrictamente musical. July explicó que concibe cada presentación como una experiencia integral, en la que lo visual y lo performático ocupan un lugar central. En ese sentido, destacó el rol de sus coristas, quienes participan activamente con coreografías y vestuarios especialmente diseñados para cada show. La artista señaló que busca ofrecer un espectáculo completo, inspirado en referentes internacionales como Rihanna y figuras del pop argentino como Lali.

Uno de los momentos más resonantes de la charla estuvo vinculado a la situación de las mujeres en la escena musical local. July se refirió al debate generado en redes sociales luego de que publicara una historia en la que enumeró a más de 40 bandas tandilenses con integrantes mujeres. La repercusión del posteo puso en evidencia, según sostuvo, el escaso cumplimiento de la ley de cupo femenino en los festivales de la ciudad.

La cantante remarcó que el objetivo no es reclamar privilegios, sino promover un cambio cultural que naturalice la presencia de mujeres sobre los escenarios y en todos los espacios de producción artística. En esa línea, anunció que trabaja en un nuevo ciclo inspirado en Bestias, una propuesta nacida en la ciudad de Buenos Aires que busca visibilizar a cantantes e instrumentistas mujeres. La iniciativa se desarrollaría en Tandil y contaría con una banda estable que acompañará a distintas artistas invitadas.

Además, July confirmó que atraviesa la etapa de preproducción de su primer disco de estudio, integrado por diez canciones y producido por Alex Tayolo. El trabajo tendrá como propósito profesionalizar el repertorio de la banda, que volverá a presentarse bajo su nombre completo: July James y los Pacientes del Doctor García.

Durante el programa también se escucharon mensajes de reconocimiento enviados por colegas de la escena local, entre ellas Rosa, Vicky de Pescuiz, Emilia Inclán y Mariana Dátola, quienes la definieron como una referente por su talento, convicción y compromiso con la igualdad en la música.

En el plano artístico, July interpretó temas como “Bancá” y cerró la sesión con “Pastel”, una de sus canciones más reconocidas. Con una voz intensa y una fuerte presencia escénica, la artista dejó en Zip Unplugged una muestra de su universo creativo y de la impronta con la que continúa abriendo camino dentro de la música tandilense.

El próximo 24 de mayo, en el centro cultural 990 tendrá lugar una fecha especial, ya que se presentará Rojo Venecia por primera vez en Tandil. La banda forma parte de Laptra -sello emblema del indie argentino, con El Mató a un Policía Motorizado a la cabeza-, y está integrada por músicas que tuvieron su paso por otros influyentes grupos de la escena: Las Ligas Menores, Mapa de Bits y otras.

Pero en Rojo Venecia, Nina Carrara, Angie Cases Bocci y Cata Croci encontraron una voz propia marcada por el contraste de un pulso kraut y melodías etéreas, que plasmaron en su EP homónimo.

El recital en la ciudad será junto Lobos Huérfanos y El Síndrome de la Desatención, y con motivo de la fecha, las integrantes de la banda visitante respondieron tres preguntas a El Eco.

-Primera vez en Tandil, ¿Qué pueden adelantar del recital junto a Lobos Huérfanos y El Síndrome?

-Rojo Venecia: Cata y Angie nos conocimos cuando Marki Abelleira -hoy viviendo en Tandil y parte de Lobos Huérfanos- nos convocó para tocar en Mapa de Bits, una banda muy amiguera, de ensayos largos, asados y birras. 

Poder compartir esta fecha en su ciudad con uno de sus actuales proyectos es una felicidad y quien te dice, lleguemos a reversionar algún clásico de los Mapa de Bits.

- Cada una tuvo paso por bandas anteriores, algunas con trayectoria y reconocimiento, pero ahora Rojo Venecia las encuentra en una nueva etapa. ¿Cómo surgió este proyecto y las primeras canciones que publicaron en el EP?-Juntarnos a hacer música es algo que nos sigue gustando mucho hacer, como juntarte con una amiga a tomar mates o para ir al cine. La primera juntada de las tres fue instantánea la conexión. 

Los temas nos llevaron su tiempo armarlos pero lo que sonaba y cómo sonaba nos parecía algo único, hubo de movida una complicidad y confianza en lo que aportaba cada una que nos motivó a darle forma a las canciones.

-Pasaron más de 20 años del primer disco de El Mató y Rojo Venecia se inscribe de alguna forma en ese movimiento y escena. Desde entonces surgieron otras expresiones, en particular vinculadas a la música urbana o al pop industrial. Pero las guitarras eléctricas siguen sonando. ¿Qué tiene para decir o para transmitir hoy el indie, la música alternativa, el rock de guitarras?

-Crecimos escuchando los sonidos de los 90 y la guitarra eléctrica podrá estar más o menos de moda pero no hay duda que tiene una fuerza que atrae y contagia. 

El indie es un nicho que te permite hacer las cosas como mejor puedas, con la libertad de sonar como más te guste y sin rendirle cuentas a nadie. 

Nos dió una red de amigas y proyectos que nos acompañan hasta el día de hoy. Y creemos que lo más valioso de la escena independiente es la autogestión, es lo que le da sentido a lo que construimos juntas.

La banda local Van & The Steps dio a conocer recientemente su tercer álbum de estudio titulado "La Otra Mitad". El trabajo, que llegó para completar la trilogía iniciada con los discos "Buendía" (2021) y "Unidad" (2024), representó un punto de inflexión para la formación integrada por ocho músicos. Según explicó Martín Castelli, líder del grupo, el lanzamiento fue el resultado de un proceso de crecimiento sostenido que permitió plasmar la identidad del conjunto.

Castelli señaló que la producción de este material tuvo la particularidad de reunir canciones que, en varios casos, fueron compuestas durante el mismo año en que se grabaron. Este dinamismo fue posible gracias a la madurez alcanzada en el trabajo grupal, un aspecto que el músico consideró fundamental para el resultado final de la obra.

El líder de la formación explicó que el álbum fue grabado de manera orgánica, con pocas tomas, bajo la premisa de priorizar la interpretación y la energía del momento por sobre la perfección técnica excesiva. Esta decisión estética permitió que el sonido de VTS se perciba más humano y cercano a la experiencia que el público encuentra en sus conciertos. 

En retrospectiva, el músico recordó las dificultades que atravesaron durante la gestación de sus trabajos previos. En el disco "Unidad", la formación sufrió cambios constantes en sus filas, lo que obligó a los integrantes originales a recurrir a músicos sesionistas para grabar la batería y el bajo. "La música estaba compuesta y no queríamos que la falta de músicos fuera un limitante artístico", afirmó Castelli.

Aquella persistencia y el deseo de seguir adelante fueron los factores que permitieron la consolidación de la alineación actual. Lo que comenzó como una búsqueda ante la adversidad terminó decantando en un grupo consolidado que hoy se mueve con soltura tanto en el estudio como en los escenarios. Esta estabilidad interna fue la que permitió que "La Otra Mitad" surgiera como un proyecto mucho más cohesionado y conceptual.

"La Otra Mitad" no se limitó únicamente a lo sonoro, sino que integró una fuerte pata conceptual y visual que rinde homenaje a la región. El álbum incluyó cuatro videoclips realizados íntegramente en entornos naturales de Tandil, piezas que buscaron poner en valor la belleza geográfica de la zona. Esta decisión reforzó el vínculo de la banda con su lugar de origen y aportó una identidad visual clara a las nuevas canciones.

Durante el transcurso de 2025, el grupo editó cuatro adelantos, cada uno de ellos acompañado por una gráfica distinta que fue anticipando el universo estético del disco. Estas piezas fueron construyendo un relato visual que terminó de cerrarse con el lanzamiento de la obra completa. Para los integrantes de VTS, la imagen fue tan importante como la música para transmitir el mensaje de este tercer trabajo de estudio.

Uno de los puntos más destacados de la placa fue la inclusión de una versión dub como bonus track, la cual contó con la producción de GasparOm. El productor es considerado un referente ineludible del género y cuenta en su trayectoria con colaboraciones para figuras internacionales como Fidel Nadal y Manu Chao. Su participación en el disco de los tandilenses aportó una capa de calidad profesional que fue celebrada por la banda.

La intervención de GasparOm no fue casual, sino que respondió a la búsqueda de un sonido de nivel internacional sin perder la esencia local. El trabajo conceptual detrás del proyecto demostró que Van & The Steps no solo se enfocó en la composición de canciones, sino en la creación de una experiencia integral para el oyente, donde lo visual y lo sonoro dialogan constantemente.

Respecto a lo que vendrá, Castelli confesó que, aunque se consideran "grandes soñadores", intentan no cargar el proceso con expectativas desmedidas que puedan opacar el disfrute del presente. El enfoque principal del grupo estuvo puesto en el trabajo constante y en la profesionalización de sus espectáculos. La idea fue siempre estar a la altura en cada presentación, cuidando cada detalle técnico y artístico.

El material se presentará de manera oficial el próximo viernes 22 de mayo a las 21 en el espacio Arte y Parte. Previamente, el grupo viajará a la vecina localidad de Azul para realizar una función el sábado 16 de mayo en La Sodería. Estas fechas marcaron el inicio de una nueva etapa para una banda que logró fusionar con solvencia el reggae, el rock y el ska, géneros que forman parte del ADN de cada uno de sus integrantes.

Para el concierto en Tandil, se planificó una puesta en escena que superó lo estrictamente musical, incluyendo un diseño de luces específico y una escenografía diseñada especialmente para la ocasión. "Tratamos de que no sean tantas presentaciones, pero sí que tengan cierto nivel escénico", remarcó el músico.

La cantante tandilense  Ángela Leiva, considerada una de las voces más destacadas de la escena musical actual en Argentina, dejó de lado por un momento la cumbia y los ritmos melódicos para incursionar en el rock pesado. Durante su reciente visita al programa Perros de la calle, emitido por Urbana Play, la artista sorprendió a los presentes y a la audiencia con una interpretación espontánea de un clásico internacional.

De manera imprevista, la intérprete se animó a cantar la primera estrofa y el estribillo de Highway to Hell, el emblemático éxito de los australianos AC/DC. Sin necesidad de ensayos previos, Ángela Leiva demostró su capacidad para adaptar su técnica vocal a la estética del rock and roll, incluyendo potentes matices y rugidos que resaltaron su versatilidad sobre una pista musical.

La reacción en el estudio fue de total asombro ante la potencia de su voz en vivo y la rapidez con la que supo explotar su potencial en un género ajeno al suyo. El video del momento no tardó en difundirse a través de diversas plataformas digitales, donde los usuarios celebraron el talento de la artista y reforzaron su estatus como una de las voces más dotadas del país.

Entre los comentarios destacados en las redes sociales, los internautas manifestaron su admiración por la performance:

“Solo activó el turbo en su garganta y segundos después hizo magia”. “Es supersónica esta mujer”. Otros seguidores resaltaron lo bien que le sienta el género a su registro vocal con frases como qué bien le queda el rock y se me voló la peluca, qué grande, convirtiendo la presentación en un fenómeno viral. 

Músicos y bailadores se reunieron en La Habana, capital de Cuba, para celebrar el Día del Son Cubano, un género musical autóctono de la nación caribeña cuya práctica fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Yarima Blanco, tresera y directora de la agrupación Son Latino, declaró a la agencia de noticias Xinhua que recibió con beneplácito el pasado 10 de diciembre la noticia de la inscripción de la Práctica del Son Cubano en la lista que coordina la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

“Defender el son es defender la cubanía y nuestras raíces”, comentó la cantante después del concierto “Mi son entero”, un homenaje a quienes defienden el legado musical cubano y trasmiten de generación a generación esta práctica, considerada por Blanco como “profundamente arraigada en la vida cultural de la isla”.

“El son es el padre de todos los géneros musicales. En Cuba y en el mundo tuvo un impacto enorme”, reconoció Anne Lemaistre, directora de la Oficina Regional de la Unesco en La Habana, quien recordó que esta práctica sonora nació del encuentro entre los sonidos de Europa y africanos en el proceso de conquista y colonización del continente americano.

Indira Fajardo, presidenta del Instituto Cubano de la Música, aseguró por su parte que la inscripción de la Práctica del Son Cubano en la lista que coordina la Unesco es un reconocimiento justo porque este género  influyó en muchas sonoridades del orbe.

“No solo se reconoce al género musical, sino también a las expresiones danzarias, a la manera de hablar, a construcción de los instrumentos, a la forma de vivir en una comunidad de soneros que ya se ha expandido a muchísimas partes del mundo y ha dejado un legado invaluable”, explicó la musicóloga.

Reconocido como un elemento esencial de la identidad cultural de la nación caribeña, el son en sus diferentes variantes goza de gran vitalidad en toda Cuba y ha extendido su influencia al mundo entero.

Desde su nacimiento en la región oriental de la isla, este género músico-danzario constituye una de las expresiones base de la música cubana, con un alto grado de hibridación de las músicas africanas e hispanas.

Alcanzó su mayor auge a partir de la década del 20 del siglo pasado, con el surgimiento y desarrollo de la radiodifusión comercial.

Fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación en 2012

Con esta declaratoria, la Práctica del Son se sumó a otras expresiones autóctonas cubanas que integran la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco, como la Rumba, el Punto Cubano, la Tumba Francesa, las Parrandas del Centro de Cuba y el Bolero. (Xinhua/NA).

Club Unión y Progreso fue escenario este viernes por la noche de uno de los recitales más esperados del año. Wos se presentó por primera vez en Tandil con un lleno total en una jornada que quedará marcada como un acontecimiento destacado para la escena musical de la ciudad.

El show formó parte de la Gira Bonaerense 2026, un recorrido por distintas localidades de la provincia de Buenos Aires que comenzó en Mar del Plata y continuará por Bahía Blanca, Junín, Ituzaingó, Villa Ballester y Lanús. Tandil fue una de las plazas elegidas para esta serie de conciertos con los que el artista decidió acercarse a su público del interior bonaerense.

Desde temprano, miles de jóvenes y familias se acercaron al club para vivir una noche cargada de expectativa. Con una puesta en escena potente y una banda en vivo que combinó rock, rap y sonidos urbanos, Wos desplegó un espectáculo intenso que hizo cantar y saltar a un estadio colmado.

A lo largo del recital, el músico repasó temas emblemáticos de su carrera como "Canguro", "Arrancármelo", "Mofeo" y canciones de sus trabajos más recientes, en un repertorio que mantuvo al público conectado de principio a fin. La respuesta de los tandilenses fue inmediata: pogos, coros multitudinarios y una energía constante acompañaron cada interpretación.

Uno de los pasajes más sorprendentes del recital se produjo cuando Wos realizó una gran demostración de beat box junto a su baterista, en un intercambio rítmico que despertó el asombro y los aplausos del público. La improvisación y la complicidad entre ambos músicos sumaron un momento especial a una noche cargada de energía.

Como ya es habitual en sus presentaciones, el artista mostró un poco de la habilidad que lo llevó a los grandes escenarios,  con una demostración de freestyle sobre una base bien rockera que tuvo explosividad y un mensaje claro en el que Oliva (su apellido real) expusó su visión sobre el mundo, y sobre todo, sobre la actualidad del país. 

La llegada de Wos a Tandil había sido anunciada semanas atrás y generó gran expectativa. Las entradas se vendieron rápidamente, confirmando el interés del público local por ver en vivo a uno de los artistas más convocantes del país.

La presentación en Unión y Progreso no solo significó el debut del artista en la ciudad, sino también una noche histórica para miles de fanáticos que pudieron disfrutar por primera vez de su música en vivo sin salir de Tandil.

Con el estadio repleto y una conexión permanente con el público, Wos dejó una actuación memorable y ratificó por qué es uno de los nombres más importantes de la escena musical argentina actual.

Artista plástico, payador, “y un poco actor”, Pablo Solo Díaz es un creador multifacético que –con base en Las Flores-, hizo de los viajes por la región pampeana a caballo, en trenes o en moto parte fundamental de su propuesta e identidad artística.

El próximo domingo 10 de mayo estará en Tandil para brindar un espectáculo especial: presentará su nuevo disco Aparceros, grabado junto a Jorge Barberini, y una producción audiovisual que retrató uno de sus viajes a caballo.

“De Boerr a Gorchs, dos apareceros se encuentran en la pampa bonaerense en una travesía de a caballo como lo han hecho toda su vida”, sintetiza la sinopsis.

La presentación de Aparceros será el domingo 10 en el centro cultural 990, ubicado en Yrigoyen 990, a partir de 18:30 y con entrada “a la gorra”. Con motivo de la fecha, Pablo Solo Díaz respondió tres preguntas a El Eco de Tandil.

1) El 10 de mayo presentan Aparceros. ¿Qué podés adelantar del disco, de las letras, de lo que propone la obra?

-Pablo Solo Díaz: La obra son 5 temas, son décimas. El primer tema se llama Troperos, y es una décima del poeta oriental Wenceslao Varela, que dice que “es lindo ser peón tropero porque cambia con frecuencia de patrón y de querencia, de pago y de compañero”. Esa décima fue glosada, y se refiere a lo que ha sido el trabajo de tropero, como le dicen en la Banda Oriental y en el litoral argentino. O resero en estas zonas nuestras. Aquel que llevaba hacienda de un campo a otro, o desde el interior hasta los mataderos de Buenos Aires.

Después, los otros, hablan de la historia de los trenes y por qué fueron cancelados los trenes de pasajeros, cuáles eran los intereses, más que intereses económicos, más que el hecho concreto de un supuesto progreso que no era tal. Porque todos los pueblos del interior del país quedaron desprotegidos cuando dejaron de pasar los trenes.

Los otros 2 temas hablan de los domadores y de la huella. Tienen que ver con la infancia, con la infancia de las personas, y cómo cerrando los ojos y simplemente recordando por algún olor o por alguna planta o por algún camino, recordamos los tiempos de la infancia.

2) Vivimos un presente digital, atravesados por las tecnología y por la inmediatez. En ese marco hicieron un viaje a caballo por parajes rurales, que parece también una forma de plantar bandera sobre otras maneras posibles de vivir y relacionarse con el entorno. ¿Qué encontraron en ese entorno, en ese viaje?

-En el viaje encontramos, y cuesta decirlo, la realidad: taperas, puestos abandonados, boliches que ya no funcionan, estaciones que ya no funcionan.

La nuestra es una zona ganadera, de campos muy bajos. Hubo una seca muy grande, y en esos campos se murió mucha hacienda. Después hubo una creciente muy grande, y se llenaron de agua. Y cada vez hay menos gente empleada. O gente que por ahí recorre 2 o 3 campos, o contratistas que llegan con un tractor y una casilla, hacen el trabajo que tienen que hacer y siguen viaje.

De todas maneras, hay buenos pobladores. Gente que quiere su lugar. Hay boliches que se renuevan, pero en otros lugares no.

3) ¿Cómo viviste la experiencia de registrar el viaje y que se plasme en una película?

-Fue muy gratificante. Primero, porque lo hice con un amigo. Segundo, porque me gusta mucho viajar de a caballo. Lo he hecho mucho desde muchacho. Diría que hace 50 años que viajo a caballo, y he hecho viajes muy largos.

A Tandil he ido muchas veces, recorrí otras provincias también, y me gratifica mucho. Además, que se hizo con un equipo de trabajo de Tandil, entre los cuales también estaban mis hijos, que son tremendamente talentosos. Así que creo que hicieron un producto muy bien logrado, y que tanto yo como Jorge Barberini, el otro protagonista, lo disfrutamos muchísimo.

El reconocido cantautor Ricardo Arjona brilló en la cuarta función de su espectáculo titulado "Lo que el SECO no dijo", llevada a cabo en el Movistar Arena el pasado jueves siete de mayo. La presentación, que contó con la producción de Fenix Entertainment, es apenas una parte de su extensa agenda en la ciudad, ya que aún le restan por realizar diez presentaciones más en el mismo recinto.

Durante el concierto, el artista guatemalteco reafirmó su conexión única con el público argentino, que lo acompañó con ovaciones y coros en cada una de sus interpretaciones. El repertorio incluyó tanto los clásicos de su carrera como sus composiciones más recientes, logrando una atmósfera de gran emotividad.

Para asegurar una mayor cercanía con sus seguidores, el músico recorrió dos escenarios dentro del establecimiento, permitiendo que incluso aquellos ubicados en los sectores más alejados pudieran disfrutar de su presencia. Uno de los momentos más destacados de la noche ocurrió cuando una fanática tuvo la oportunidad de subir al escenario. La mujer pudo abrazar al cantante y recibir una serenata en un encuentro que conmovió a los presentes.

La velada también atrajo a diversas figuras del ambiente artístico y digital. Entre las asistentes se encontró la influencer Stephanie Demner, quien utilizó sus redes sociales para compartir imágenes y videos disfrutando de las canciones junto a su grupo de amigas.

Se conoció el número oficial de asistentes al espectáculo que brindó Shakira en las playas de Copacabana, en Río de Janeiro, el pasado 2 de mayo. La estrella colombiana hizo historia al convocar a un total de dos millones de personas, superando de manera notoria la marca establecida por la reina del pop, Madonna.

De esta manera, la artista oriunda de Barranquilla se posicionó como la primera latina en protagonizar conciertos de esta magnitud. Miles de fanáticos se trasladaron desde diversos puntos del mundo exclusivamente para presenciar el evento, el cual fue adaptado a su exitosa gira titulada Las mujeres ya no lloran tour.

Con un repertorio que incluyó sus canciones más icónicas y las piezas que marcaron un quiebre en la industria musical, la cantante deslumbró a la multitud. Si bien este logro la ubica en un lugar de privilegio, la lista de récords en dicha playa la sitúa actualmente en el segundo puesto, detrás de la estadounidense Lady Gaga, quien logró reunir a 2.1 millones de espectadores, mientras que Madonna congregó a 1.6 millones en el mismo escenario brasileño.

Tras la histórica jornada, la intérprete compartió sus sensaciones a través de sus redes sociales para agradecer el acompañamiento del público:

“No he podido dormir. Lo de anoche en Río fue absolutamente inolvidable. Los dos millones y medio de almas que estuvimos ahí, juntos, pudimos reconocer el poder de la música. Aunque muchos hayamos tenido días difíciles, allí fuimos a celebrar la vida tal y como viene: con sus imperfecciones y sus aciertos”.

El rapero Mateo Palacios Corazzina, conocido artísticamente como Trueno, volvió a posicionar el nombre del país en lo más alto de la escena global. En la noche del miércoles seis de mayo, el artista nacido en La Boca debutó en el legendario The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, uno de los programas más prestigiosos e influyentes de la televisión estadounidense, para presentar en vivo su flamante álbum titulado TURR4ZO.

Con apenas 24 años, el joven músico se sumó al selecto grupo de compatriotas que han pisado el icónico escenario de la NBC, como Nicki Nicole, Bizarrap junto a Shakira, Nathy Peluso, Ca7riel y Paco Amoroso, y Nicolás Bereciartua. Durante la previa de la presentación, el presentador Jimmy Fallon anunció al invitado destacando el lanzamiento de su cuarto trabajo de estudio mientras sostenía el disco en su mano.

La performance comenzó en un ambiente oscuro bajo los acordes de un sample de "Tirate un paso", el éxito de Los Wachiturros, que sirvió de antesala para las primeras rimas del rapero. Trueno lució un estilo sobrio con chomba y pantalón negro, acompañado por su banda integrada por los músicos Leo Genovese, Pedro Pasquale, Nico Taranto y Nacho Mateu, quienes brindaron un sólido soporte musical en el prime time de Estados Unidos.

Uno de los momentos más destacados de la noche ocurrió al finalizar la canción, cuando el artista mostró deliberadamente en su espalda una versión libre de la mítica frase vinculada al robo del Banco Río de Acassuso: "En industria de ricachones sin armas ni rencores es solo plata y amores". El gesto fue seguido por un efusivo aplauso del público y el saludo final del conductor del ciclo, quien regresó al escenario para felicitar al invitado.

El álbum TURR4ZO representa una nueva etapa en la carrera de quien fuera consagrado en la Red Bull Batalla de los Gallos Argentina en 2019. Este nuevo trabajo profundiza en la fusión de hip hop, trap y sonidos latinos, manteniendo una fuerte impronta de reflexión social. Con colaboraciones previas con figuras internacionales como Gorillaz y J Balvin, esta actuación confirma el impacto global de la música urbana argentina en el mundo.

Luego de un extenso período de suspensión, la justicia decidió reanudar el proceso judicial contra Cristian “Pity” Álvarez. El Tribunal Oral en lo Criminal y Correccional Nº 29 fijó para el próximo 10 de agosto el inicio del juicio oral por el asesinato de Cristian Maximiliano Díaz, ocurrido en julio de 2018 en el barrio Samoré de Villa Lugano.

La resolución fue adoptada por tres jueces: Gustavo Goerner, Juan María Ramos Padilla y Hugo Navarro, quienes hicieron lugar al dictamen presentado por el fiscal general Sandro Abraldes. Según los magistrados, las facultades mentales del acusado se encuentran estabilizadas, lo que le permite comprender el alcance y las consecuencias del proceso penal en su contra.

El debate contará con un total de 11 audiencias que se desarrollarán entre los meses de agosto y septiembre. Asimismo, se ratificó que el músico tiene prohibido abandonar el país mientras dure el proceso. La situación judicial de Álvarez cobró relevancia pública recientemente cuando Marcelo Moura, integrante de la banda Virus, mencionó en el escenario del Gran Rex que el cantante no pudo participar de un show previsto debido a sus complicaciones legales.

Cabe recordar que el exlíder de Viejas Locas e Intoxicados está acusado de haber terminado con la vida de Díaz tras una discusión en la vía pública. Tras años de incertidumbre sobre su capacidad para enfrentar un juicio, los peritajes actuales determinaron que el trámite de las actuaciones puede continuar de manera efectiva, dado que el estado de salud actual del acusado permite reanudar el trámite.

La Justicia confirmó la fecha para el inicio del juicio oral contra el músico Cristian “Pity” Álvarez, acusado por el homicidio de un hombre ocurrido en 2018 en el barrio porteño de Villa Lugano. El proceso había permanecido suspendido durante varios años debido a cuestionamientos sobre su estado de salud mental, pero recientes peritajes permitieron destrabar la causa.

El cantante, exlíder de Viejas Locas e Intoxicados, está imputado por el asesinato de Cristian Maximiliano Díaz, ocurrido en julio de 2018. Tras el hecho, Álvarez se entregó y reconoció su participación, aunque desde entonces su situación judicial estuvo atravesada por evaluaciones psiquiátricas que demoraron el avance del expediente.

En ese contexto, el juicio había sido suspendido en 2021 luego de que la defensa argumentara que el músico no estaba en condiciones de afrontar un proceso penal. Sin embargo, nuevos informes elaborados por el Cuerpo Médico Forense determinaron que actualmente cuenta con capacidades cognitivas suficientes para comprender las instancias judiciales y participar de su defensa.

A partir de estas conclusiones, la fiscalía impulsó la reanudación del proceso y solicitó la fijación de una fecha concreta para el debate oral. El planteo también se apoyó en la actividad reciente del artista, quien volvió a presentarse en escenarios musicales, lo que para los investigadores evidencia un nivel de funcionamiento incompatible con una incapacidad para ser juzgado.

El juicio estará a cargo del Tribunal Oral en lo Criminal y Correccional N°29, que deberá evaluar las pruebas reunidas en la causa y determinar la responsabilidad penal del acusado. Además del cargo de homicidio agravado por el uso de arma de fuego, Álvarez enfrenta otras imputaciones vinculadas al mismo hecho.

Por su parte, la defensa sostiene que persisten dificultades en el estado de salud del músico y ha insistido en la necesidad de nuevas evaluaciones más profundas antes del inicio del juicio. No obstante, la fiscalía considera que no existen impedimentos para avanzar y que el caso debe resolverse tras años de dilaciones.

De este modo, la causa entra en una etapa clave, con la expectativa de que finalmente se realice el juicio oral por un crimen que generó fuerte repercusión pública y que, hasta ahora, no había llegado a instancia de debate.

Tras una espera de siete años, el cantante británico Ed Sheeran anunció su regreso al país. El artista se presentará el 29 de noviembre en el Estadio Huracán de la ciudad de Buenos Aires, en lo que promete ser uno de los eventos musicales más destacados del año.

El concierto se da en el marco del LOOP Tour, donde el músico presentará su nuevo álbum titulado Play, además de interpretar clásicos de su repertorio como “Shape of you”, “Thinking out loud” y “Team A”. Esta presentación forma parte del tramo final de su gira por América Latina, la cual incluye fechas en Chile, Paraguay y concluirá el cinco de diciembre en Brasil. El espectáculo contará con la participación de FINNEAS como telonero, reconocido por su trabajo junto a su hermana Billie Eilish.

A través de sus redes sociales, el compositor de 35 años manifestó su alegría por este reencuentro con el público local:

“Estoy muy emocionado de volver y tocar para ustedes allí, algunos de mis países y ciudades favoritas para dar conciertos, ha pasado demasiado tiempo”

La relación de Ed Sheeran con el público argentino cuenta con varios hitos. El artista se presentó unas tres veces en nuestro país. Su debut fue en el Luna Park en 2015, seguido por una presentación ante 50.000 personas en el Estadio Único de La Plata en 2017. Su última visita fue en febrero de 2019, cuando convocó a 45.000 seguidores en el Campo de Polo.

Respecto a la adquisición de tickets, se informó que la venta se realizará de manera online a través del sitio Livepass. La preventa exclusiva para clientes del BBVA Francés inicia este lunes cuatro de mayo a las 12. Por su parte, la venta general para todos los medios de pago quedará habilitada a partir del martes cinco de mayo al mediodía.