La escena musical de Tandil ha experimentado una transformación significativa en los últimos años, impulsada por una nueva generación de artistas que han encontrado en el género urbano una vía de expresión genuina. Entre ellos, Cami López, quien se presenta bajo el nombre artístico de Androm3da, ha logrado posicionarse como una figura destacada. Su camino, que comenzó de manera oficial en 2022, está profundamente ligado a la agrupación local Sharau, un colectivo de artistas que ha sido fundamental para el desarrollo de su identidad sonora y su integración en el circuito nocturno de la ciudad.

Aunque su incursión en el trap y el género urbano es reciente, la música ha sido una constante en su vida. Cami López recuerda con claridad sus primeros años, marcados por las reuniones familiares donde la guitarra y el piano eran protagonistas. "La música siempre estuvo en mí. De chiquita, las juntadas eran con mis abuelos cantando, mis tíos, y siempre cantaba con mi viejo", relata la artista, quien en su infancia se nutrió principalmente del folklore, interpretando temas de referentes como El Chaqueño Palavecino o Soledad Pastorutti. Esta base diversa le permitió, años más tarde, adaptarse con fluidez a los ritmos urbanos.

El salto hacia el género urbano ocurrió casi por casualidad, tras conocer a los integrantes de Sharau en la sala La Mayor. Lo que comenzó como una visita por hobby se transformó rápidamente en un compromiso artístico. "Me voló la cabeza ver a los pibes ahí y todo lo que hacían. Empecé a caer a las juntaditas y me adentré en la música", confiesa. Para ella, el cambio de género no representó un obstáculo, ya que siempre se consideró una oyente ecléctica, pasando por la cumbia y el rock nacional antes de encontrar en el trap, durante el auge de artistas como Duki, el lenguaje que mejor la representaba.

Al ser consultada sobre la escasa presencia femenina en el género, Androm3da no esquiva la realidad social. "Vivimos en una sociedad un poco machista", señala, aunque reconoce haber tenido la fortuna de ser integrada rápidamente por sus pares en Sharau. No obstante, advierte que muchas colegas enfrentan dificultades para ganar terreno. "Creo que tiene mucho que ver con que al hombre todo lo que hace le parece que está buenísimo y a la mujer como que no se le da la misma importancia", reflexiona. A pesar de esto, celebra que en los últimos tiempos más mujeres se han sumado a la movida local.

La evolución de la cultura urbana en Tandil ha sido notable desde 2022. Cami recuerda que, al regresar de La Plata, la oferta cultural en la ciudad era limitada, pero la situación cambió rápidamente con la aparición de espacios como Lunático y el crecimiento de la autogestión. "Hoy en día lo veo re bien, hay mucha movida en la noche, cositas por todos lados, arte y parte. Se ha abierto un montón la cabeza y hay mucha gente metiéndole a la música y a las bandas", afirma con entusiasmo sobre el presente artístico de la ciudad.

Una publicación compartida por 𝕬𝖓𝖉𝖗𝖔𝖒𝖊𝖉𝖆 🌓 (@cami.androm3da)

La aceptación del género urbano por parte del público general también ha sido un proceso gradual. Según la artista, el rechazo inicial que solía generar este estilo musical se ha disipado a medida que los exponentes del género demostraron que no se trataba de una moda pasajera. "Cuando ves que hoy en día muchos artistas llenan estadios como River o escenarios grandes y llegan muy lejos, te das cuenta de que no es algo así nomás", explica. En el ámbito local, asegura que el público tandilense, incluso el de mayor edad, ha comenzado a acompañar con mayor frecuencia las presentaciones en vivo.

Para Androm3da, el crecimiento profesional implica necesariamente mirar más allá de los límites geográficos de Tandil. "Moverte en tu ciudad te da un piso, pero toda ciudad tiene su techo; moverse a otras ciudades te abre oportunidades porque podés conocer artistas, gente y productores", sostiene. La experiencia de tocar en otras ciudades, como La Plata, ha sido clave para su desarrollo, brindándole una perspectiva más amplia sobre la industria y el intercambio cultural entre pares.

Un aspecto distintivo de su propuesta es la importancia que le otorga a la faceta audiovisual. Cami López no solo se encarga de la composición, sino que también gestiona la edición de sus videos y el diseño de sus portadas. "Siento que la música va más allá de escribir una canción; me gusta enfocarme en todos los detalles, porque todo suma para un resultado mucho mejor", comenta. Esta visión integral responde a su deseo de mostrar su identidad artística, priorizando la expresión personal por sobre la búsqueda obsesiva de métricas o visualizaciones en las plataformas digitales.

Recientemente, el colectivo Sharau presentó el tema "No fue fácil", una colaboración que incluye a 37LEONIDAS, BLOPA & L.C BABY. La canción aborda la incertidumbre y la ansiedad que atraviesan los jóvenes en la actualidad, proponiendo a la música como un refugio. "Es una forma de olvidarte de todo eso, disfrutar y sentirnos coronados haciendo lo que nos gusta", explica. Este lanzamiento es solo el inicio de una serie de proyectos que la artista tiene previstos para el resto del año, incluyendo el estreno de "Lo visualizamos" y otras colaboraciones con colegas como Plon.

Finalmente, al momento de recomendar talento local, Androm3da destaca la calidad de sus compañeros de Sharau y subraya el trabajo de Plown, a quien define como un productor y artista fundamental para la escena. Para quienes deseen seguir su trayectoria, la artista se encuentra disponible en Spotify, YouTube e Instagram bajo el nombre Androm3da, utilizando el número 3 en reemplazo de la letra E, una marca personal que ya identifica a esta referente que continúa construyendo su camino en la música urbana.

En un mano a mano bajo el formato de Zip Unplugged, el artista tandilense Kucka compartió detalles sobre su presente creativo, con un cambio de estilo cada vez más marcado, y el proceso de gestación de su próximo material discográfico. 

Durante su paso por Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV, El Eco Streaming y Tandil FM 104.1, el músico explicó cómo decidió recopilar sus composiciones desde el año 2023 para dar forma a un proyecto integral que, según sus palabras, finalmente ha encontrado una identidad sólida y coherente.

El artista destacó que su nuevo álbum no es solo una suma de canciones, sino una obra conceptual donde la estética visual y los detalles técnicos juegan un rol fundamental. Aunque admitió que el disco aún atraviesa la etapa de postproducción, Kucka se mostró entusiasmado con el resultado alcanzado. 

Este trabajo marca un punto de inflexión en su carrera, alejándose de las estructuras rígidas del género urbano, con las que empezó a irrumpir en el escenario local, para explorar sonoridades más cercanas al rock y al rock alternativo, géneros que siempre formaron parte de su ADN musical.

Uno de los aspectos más llamativos de esta transición es la incorporación de la guitarra como herramienta principal de composición. Kucka confesó que, si bien tuvo contacto con el bajo durante su adolescencia, fue hace dos años cuando decidió profundizar en el estudio de la guitarra. 

Kucka se presentó en los estudios de El Eco Streaming acompañado de una guitarra acústica, con la que interpretó tres temas de su autoría. El instrumento apareció en su vida a los 16 años, pero ganó fuerza en su rutina musical con esta nueva impronta, más rockera.

Pero este cambio no solo fue instrumental, sino también vocal. Al respecto, el músico fue contundente sobre su evolución técnica: “Antes era más rapeado porque no tenía tanta confianza”. Esta nueva seguridad le permitió explorar registros que antes evitaba, alejándose de la dependencia del autotune y buscando una expresión más orgánica.

El músico también reflexionó sobre el fenómeno de los artistas que migran desde la escena urbana hacia el rock. Según su visión, la democratización de la producción musical a través de herramientas digitales como FL Studio permitió que muchos jóvenes comenzaran su camino en el trap, pero las influencias personales suelen ser mucho más amplias. 

Kucka valoró el legado de figuras como Duki, entre otros artistas urbanos del mainstream, por haber demostrado que es posible construir una carrera desde la autogestión, aunque él prefiere hoy volcarse hacia una sonoridad que siente más propia y cercana a sus gustos personales.

La mudanza a Buenos Aires, un paso común para muchos artistas que buscan profesionalizarse, fue otro de los ejes de la charla en cuanto a su cambio de estilo. Kucka reconoció que la capital ofrece oportunidades, pero también presenta distracciones que pueden fragmentar el enfoque necesario para sostener una carrera musical.

“La música la sigo haciendo, pero falta ese condimento que no le puedo estar dando tanto tiempo últimamente”, admitió, haciendo referencia a las dificultades de equilibrar la creación artística con las exigencias de la promoción y la gestión diaria que demanda la industria actual.

El artista fue realista sobre las dificultades de vivir de la música en un mercado tan saturado. Para Kucka, el talento es solo una parte de la ecuación. En un entorno donde millones de jóvenes intentan destacar, la constancia se vuelve el factor determinante.

“Lo único que te va a diferenciar no es el talento ni la capacidad que tengas, sino las ganas que le metas”, sentenció el cantante. Esta filosofía lo lleva a entender que el éxito es un concepto abstracto, donde la viralidad en plataformas como TikTok puede ser una herramienta útil, pero no garantiza la estabilidad profesional a largo plazo.

Finalmente, Kucka adelantó que su próximo material, compuesto por siete canciones, busca ser una pieza de la que pueda sentirse orgulloso. Sobre la posibilidad de presentar estas canciones en vivo, el músico expresó su deseo de conformar una banda, aunque aclaró que aún está buscando el formato ideal. 

Con una postura humilde y consciente de las limitaciones de la producción independiente, el tandilense reafirma su compromiso con un arte honesto, donde la prioridad es la satisfacción personal y la construcción de un camino sólido, más allá de las métricas efímeras de las redes sociales.

La escena musical tandilense se prepara para recibir nuevamente a Koino Yokan, una de las bandas con mayor crecimiento en el último tiempo. El grupo, liderado por Toto Otero y Jeremías Oro, se presentará el 23 de octubre en el escenario de Glow, en un show que promete marcar una diferencia respecto a sus visitas anteriores. La noticia fue confirmada durante una entrevista exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde el cantante compartió detalles sobre la actualidad del proyecto y su conexión con la ciudad.

Durante la charla, Toto Otero recordó con entusiasmo sus pasos previos por Tandil, aunque admitió que la última experiencia estuvo marcada por condiciones climáticas adversas. En esta oportunidad, el músico subrayó una diferencia fundamental: mientras que en ocasiones anteriores se presentaron en formato dúo, esta vez el grupo llegará con la banda completa. "La última vez fuimos a dúo y la experiencia fue acústica, íntima y suave; ahora vamos con la banda, así que es muy distinto", explicó el artista, anticipando una propuesta más potente para sus seguidores locales.

Al ser consultado sobre el vertiginoso ascenso de Koino Yokan, Otero reflexionó sobre la dualidad de sentirse una banda nueva con una trayectoria que ya suma casi diez años. "Uno siente que tiene cierta experiencia en escenarios, giras y grabaciones, pero sigo sintiendo que somos una banda nueva", confesó. Según el cantante, el crecimiento no fue un fenómeno meteórico, sino el resultado de un trabajo constante donde ciertas canciones y videos funcionaron como puntos de inflexión que obligaron al grupo a estar a la altura de las circunstancias.

El enfoque humano y la camaradería dentro del grupo fueron ejes centrales de la conversación. Otero destacó que, más allá de la música, el paso de los años les ha enseñado a comunicarse mejor y a fortalecer su amistad con Jere, algo que considera vital para la salud del proyecto. "Nos empezamos a hacer muy amigos con el paso de los años, nos entendemos muy bien. Hacer música juntos nos encanta y podemos vivir de esto", señaló, reconociendo que, a pesar de las dificultades económicas actuales que afectan a la industria cultural, cada presentación es una "bendición".

En cuanto a la evolución de sus objetivos personales y profesionales, el músico fue contundente al señalar que las metas han mutado desde sus inicios. "Al terminar el secundario me moría porque me aplaudan y sentirme importante", admitió, diferenciando aquellos deseos iniciales de los actuales, que están mucho más ligados a la búsqueda de la excelencia artística y al aprendizaje constante. Hoy, el propósito principal es seguir creando música, colaborar con colegas que admiran desde la infancia y lograr que sus canciones tengan un impacto positivo en quienes las escuchan.

El vínculo con el público en ciudades como Tandil, con cerca de 180.000 habitantes, sigue siendo una fuente de asombro para el artista. Otero describió la experiencia de tocar en vivo como una "fiesta" donde la conexión con los espectadores es lo más valioso. "Miro las caras de la gente y los veo cantando, tomados por la emoción. Es una locura pensar que esa canción que hice en un micro, en un momento dado, hoy acompaña a otra persona", compartió conmovido, reafirmando que la magia de compartir ese momento es algo que nunca deja de sorprenderlo.

Finalmente, el cantante se refirió a la dinámica de trabajo en el estudio, donde actualmente se encuentran grabando nuevo material. Lejos de la competitividad que pudo existir en los primeros años, hoy prima un espíritu de colaboración donde las ideas fluyen de manera orgánica. "De repente uno tiene una melodía, el otro la completa y empezamos a hacer la letra juntos; nos hacemos uno", describió sobre el proceso creativo que los mantiene enfocados en la calidad de su próximo disco.

La cita para el reencuentro con el público tandilense será el 23 de octubre. Las entradas ya se encuentran disponibles para quienes deseen disfrutar de una noche que, según las palabras de los integrantes del programa, se perfila como uno de los eventos destacados de la agenda cultural de la ciudad. Con la promesa de un show enérgico y la calidez que caracteriza a la banda, Koino Yokan se prepara para dejar su huella una vez más en Tandil.

La escena musical de Tandil cuenta con nuevos exponentes que, con una visión clara y una marcada impronta personal, buscan abrirse camino en la industria actual. José Pontaroli, un joven músico de 21 años, representa a esa generación que combina la formación académica con la necesidad expresiva de la composición. Aunque actualmente reside en Mar del Plata, donde cursa sus estudios en comunicación, su vínculo con Tandil permanece intacto y es el eje central sobre el cual proyecta sus próximos pasos artísticos.

Al ser consultado sobre sus inicios, Pontaroli reconoce que la música siempre estuvo presente en su vida, aunque durante mucho tiempo la mantuvo en un plano secundario por temor a las dificultades que implica dedicarse profesionalmente al arte. "Siempre toqué la guitarra, nunca lo tomé muy en serio, siempre escribí canciones así medio sencillas", comenta el músico. Sin embargo, la persistencia del impulso creativo terminó por imponerse. "Es eso que dicen siempre los artistas, que no le podés escapar. En algún punto fue decir: bueno, yo toda la vida, más allá de lo que haga o de lo que trabaje, voy a seguir haciendo música, así que más vale tomármelo en serio", explica.

Una publicación compartida por jo 𓆟 (@josepontaroli)

El entorno familiar de Pontaroli ha sido un pilar fundamental en su desarrollo, ya que proviene de un hogar donde el arte se respira en cada rincón. Con un padre dibujante y una madre vinculada a las artes plásticas, la sensibilidad estética fue un rasgo compartido entre los siete hermanos. "Toda mi familia es muy artística, aunque no siempre por el lado de la música. Mis tíos sí son músicos, pero mi viejo es dibujante y mi vieja estudió arte también. Yo aprendo a tocar la guitarra por mi viejo, pero muy sencillo. Mis hermanos también tocan instrumentos; uno el bajo y otro el piano, así que lo tenemos muy de familia", detalla el entrevistado.

En cuanto a su estilo, el músico se identifica con la tradición del folk, particularmente con la vertiente estadounidense, donde la narrativa y la estructura acústica son protagonistas. Esta elección estética conlleva desafíos técnicos, especialmente al presentarse en vivo. "Siento que tocar solo me limita un montón en las canciones. Todo el tiempo que las toco, estoy pensando en los arreglos y en los instrumentos que les agregaría. Suelo tocar en vivo solo porque es más fácil manejar un proyecto propio, pero siempre que las pienso para grabar o para algo a largo plazo, son canciones para tocar con banda", afirma Pontaroli.

Sobre la escena local, el joven músico observa un panorama alentador aunque con desafíos pendientes. "Para mí hay una linda movida. Me estoy adentrando más este último año, porque mi hermano también empezó a tocar en banda. Lo que siento que falta mucho es la banda joven en general, pero de a poco yo creo que se va dando y está relindo verlo", sostiene. Su plan para el año próximo es consolidar un ensamble musical con amigos de Tandil, aprovechando que finalizará su cursada presencial en Mar del Plata para instalarse nuevamente en la ciudad y trabajar con mayor regularidad en los arreglos de sus composiciones.

La autogestión es otro de los temas centrales en la carrera de Pontaroli. En un contexto donde el artista debe asumir roles de productor, distribuidor y estratega de marketing, el músico destaca la democratización de las herramientas digitales. "Ahora, en 2026, el laburo del artista es mucho más democrático. Tenés mucha más apertura a hacer un montón de cosas que antes no podías hacer. En tu cuarto podés grabar una canción con una calidad a la que antes la gente no podía llegar nunca", analiza. No obstante, reconoce que el éxito actual depende en gran medida de la construcción de una audiencia fiel.

Para el músico, la relación con el público es el motor que permite el crecimiento de un proyecto independiente. "Creo que es muy importante la audiencia. Se ha demostrado un millón de veces que artistas han crecido por Instagram o TikTok. Siento que no se le da tanta importancia al trabajo que hace la audiencia de compartir, de estar ahí todo el tiempo, de ir a los shows y de bancar. Muchos artistas se han dado cuenta de eso y le ponen más atención al trato con la comunidad", reflexiona sobre la dinámica actual entre creadores y seguidores.

En el plano de la composición, Pontaroli adopta una postura humilde y constante, entendiendo que la calidad es el resultado de un proceso de aprendizaje continuo. "Vas a escribir una buena canción cuando hayas escrito 500 malas. Te tenés que poner a escribir y a sacar todo lo malo. Personalmente, me pasa mucho de sobrepensar demasiado el arte, y siempre me doy cuenta de que, al revés, cuando menos lo pienso y cuanto más lo dejo fluir, mejores salen las cosas", confiesa sobre su método de trabajo.

Finalmente, el músico destaca cómo su formación en comunicación ha influido en su faceta artística, otorgándole herramientas para vincularse mejor con su entorno. "La carrera y los años de facultad me hicieron cambiar un montón como persona en el ámbito social, en aprender a comunicarme y a mostrarme. Me dio una apertura a la vida muy distinta a la que tenía en el colegio", concluye. Aquellos interesados en seguir su trayectoria pueden encontrar su material bajo el nombre de José Pontaroli en plataformas como Soundcloud, Instagram y TikTok.

La relación de Imanol con el universo sonoro se gestó de manera orgánica y pausada en la tranquilidad cotidiana de Tandil. Fue entre los 13 y 14 años cuando tomó una guitarra por primera vez, abriendo una puerta que inicialmente parecía destinada a ser solo un pasatiempo de juventud. En su entorno familiar existía un antecedente sutil: su padre había tocado el instrumento durante un breve lapso, pero fue una práctica efímera que no perduró en el tiempo y se terminó abandonando.

Lejos de una tradición musical heredada, Imanol se convirtió formalmente en el primer artista de la familia junto a su hermana Maite, una talentosa pintora con quien comparte esa búsqueda expresiva indispensable. Sin embargo, aquel acercamiento inicial a las seis cuerdas sufrió una metamorfosis radical al momento en que la práctica individual dio paso a la interacción colectiva.

La verdadera transición de simple pasatiempo a canal de expresión profunda ocurrió cuando se presentaron los primeros proyectos grupales. Enfrentarse a la dinámica de tocar con otros exigió un compromiso distinto: el joven músico no solo tuvo que integrarse al pulso de una banda, sino también llevar al frente una postura e identidad artística bien definida ante el instrumento. Fue en esa instancia donde la guitarra dejó de ser un entretenimiento secundario para transformarse en la columna vertebral de su identidad y en el lenguaje primordial para volcar sus vivencias más íntimas.

El perfil artístico de Imanol no se explica únicamente desde la música; su paso por la carrera de cine introdujo una mirada narrativa y conceptual decisiva en su modo de habitar el arte. Para el músico, la creación artística constituye una herramienta fundamental para conectar con lo más genuino y transparente del ser humano. El escenario, en lugar de ser una vitrina de exhibición o un espacio cargado de presiones, se convierte bajo su óptica en un refugio donde es posible sentirse cómodo, reencontrarse con uno mismo y habitar el goce de la diversión más pura.

Esta visión se entrelaza de forma estrecha con su modo de concebir la propia subjetividad. Distante de las posturas estáticas o de una autoimagen rígida, Imanol entiende la identidad como una trama flexible, afirmando ser un conjunto de facetas donde habitan distintas partes de su ser. En esa pluralidad, la vivencia musical funciona como el catalizador que activa su dimensión más elevada.

“Conecto con ese Ima artístico, con ese Ima que nace de la música, porque yo también a la música la siento como algo espiritual y algo que me conecta con algo más.”

La maduración sonora de Imanol dentro del circuito independiente local se forjó en el calor de los ensayos y las presentaciones compartidas. Dos agrupaciones resultan fundamentales para comprender su recorrido: su paso por Ando Chillin y su experiencia más reciente en Manicomio del Amor. Ambas vivencias funcionaron como auténticas escuelas de formación técnica y humana, permitiéndole desarrollar la escucha atenta, la capacidad de acople y la construcción de un discurso sonoro común.

En la actualidad, la inquietud creadora de Imanol ha tomado un rumbo diferente, adentrándose de lleno en el universo de la música electrónica. Este giro conceptual tuvo un hito relevante durante su presentación en el evento local Lunatico, donde expuso ante el público su nuevo formato de exploración individual apoyado en sintetizadores y samplers. En este entramado, la improvisación emerge como el método central de composición e interpretación en directo.

Para el artista, la incorporación de tecnología representa la oportunidad de disponer de "juguetes para crear", reivindicando el concepto del juego infantil como un motor vital inalienable. En el territorio de la improvisación electrónica, el error deja de ser un fallo indeseado para transformarse en el insumo principal de la creación. La filosofía de Imanol sostiene que la equivocación debe utilizarse siempre a favor del proceso: se trata de hacer del error una obra en sí misma, aprender de la contingencia sonora y perfeccionar la expresión a través del descubrimiento imprevisto.

Al observar la escena independiente de Tandil, Imanol mantiene una mirada sumamente positiva y entusiasta. Define la movida local como un terreno dinámico, caracterizado por la floración constante de nuevos proyectos que renuevan el pulso cultural de la ciudad. Dentro de esta trama colectiva, el vínculo con sus pares ocupa un lugar de profunda gratitud, reconociendo a sus amigos y colegas locales como verdaderos maestros.

La música tiene esa capacidad única de conectar generaciones y despertar vocaciones desde temprana edad. 

En esta oportunidad, el estudio recibió la visita de Milagros Sottosanti, una joven artista de 11 años que, acompañada por su familia y su profesor de canto, Esteban Arévalo, compartió su talento en “A tu ritmo” en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

Durante la entrevista, Milagros relató cómo comenzó su camino en el canto, una disciplina que practica desde hace tres años. 

Con la frescura propia de su edad, la joven contó que su interés por la música “surgió cuando tenía entre siete y ocho años”, y desde entonces no ha dejado de formarse. 

Su participación en el programa representó su primera experiencia televisiva, un paso importante que vivió con la emoción lógica de quien se anima a mostrar su arte ante el público.

El profesor Esteban Arévalo destacó la importancia de estos espacios para los artistas en formación. "Nosotros estamos felices porque es algo que el artista necesita muchas veces, mostrarse más allá de la cocina que vamos preparando en las canciones", expresó. 

El docente subrayó que, para Milagros, “esta presentación significa un hito personal y familiar”, reforzando el compromiso que la joven mantiene con su aprendizaje constante.

La jornada estuvo marcada por la música, ya que Milagros interpretó "Sin principio ni final", de Abel Pintos, demostrando su capacidad vocal y su sensibilidad artística. 

Tras la interpretación, la joven admitió haber sentido algunos nervios, una sensación natural que los artistas aprenden a gestionar con el tiempo y la práctica. Su familia, presente en el estudio, acompañó con orgullo cada momento, reflejando el entorno de apoyo que rodea a la pequeña cantante.

Por su parte, Arévalo aprovechó la ocasión para reflexionar sobre el canto como una herramienta de bienestar. "Más allá de una pasión, es una necesidad. En los tiempos que corren, es un cable a tierra, una terapia", afirmó el profesor. 

Según el docente, la escuela de canto que dirige recibe alumnos de todas las edades, incluyendo personas de 90 años, lo que demuestra que nunca es tarde para comenzar a expresarse a través de la música.

El mensaje central que tanto el docente como la joven buscaron transmitir es el de la superación de los prejuicios. 

"A veces, esa mochila de prejuicios nos deja chiquitos", señaló Arévalo, incentivando a la audiencia a animarse a cantar sin importar el resultado técnico, sino enfocándose en el disfrute y la expresión personal. 

Milagros, quien planea seguir perfeccionándose en sus clases, cerró su participación con una segunda interpretación, reafirmando su deseo de continuar creciendo en este camino artístico que recién comienza.

El director tandilense Darío Domínguez Xodo volverá a asumir un importante desafío artístico este jueves, cuando se ponga al frente de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de San Juan (UNSJ) para un concierto dedicado a grandes obras de la música rusa.

La presentación se realizará este jueves 1 de octubre en el Edificio Central del Rectorado de la UNSJ y tendrá a Domínguez Xodo como director invitado. El programa estará compuesto por “Una noche en el Monte Calvo”, de Modest Músorgski, y la Sinfonía N° 6 en Si menor, conocida como “Patética”, de Piotr Ilich Tchaikovsky.

La preparación de la presentación tuvo una particularidad, ya que coincidió con el paro universitario de 72 horas. La Sinfónica de la UNSJ adhirió a la medida bajo la modalidad de “paro activo”, por lo que debieron reorganizarse los tiempos de ensayo.

“Los ensayos se acortaron un poco, debido a tener el concierto el jueves y no el viernes”, explicó Domínguez Xodo a Diario de Cuyo. Sin embargo, destacó que la evolución durante los encuentros de preparación fue “muy rápida”, favorecida también por su conocimiento previo de la formación, a la que ya dirigió anteriormente.

El tandilense se refirió además a la Sinfonía N° 6 de Tchaikovsky, una de las piezas centrales de la velada y una obra con la que aseguró sentirse especialmente identificado.

“Sin dudas es una de las obras con las que más me identifico y más encuentro esta posibilidad de transmitir mucho al público”, señaló. Como parte del concierto, el propio director realizará una breve introducción para poner al auditorio en contexto antes de la interpretación.

La presentación con la Sinfónica de la UNSJ se suma a otro desafío de gran relevancia que tendrá próximamente el músico nacido en Tandil.

Tal como informó El Eco días atrás, Domínguez Xodo fue convocado para dirigir a la Orquesta Sinfónica Municipal de Florencio Varela durante una misa papal que se celebrará en el Monumento de los Españoles.

La formación que conduce está integrada por 71 músicos y, para esa ceremonia, se sumará a una masa coral de más de 150 coreutas, por lo que la puesta artística reunirá a más de 200 intérpretes.

En diálogo con El Eco Streaming, el músico había definido aquella convocatoria como “un privilegio y una alegría muy grande” y reconocido que se trata de una experiencia diferente a los conciertos, óperas y ballets que habitualmente prepara.

Mientras avanza el trabajo para esa presentación de características excepcionales, Domínguez Xodo continúa desarrollando su actividad como director invitado en distintos puntos del país, y este jueves tendrá una nueva cita frente a la Sinfónica de la UNSJ.

Manu Mujica, cantante de Crazy Macayas, recorrió parte de su historia con la música, el camino de la banda y el particular momento que atraviesa la escena local, con una gran cantidad de proyectos y fechas que logran convocar público incluso cuando coinciden durante una misma noche.

Mujica lleva alrededor de 15 años cantando, aunque su acercamiento a la música no surgió de una tradición familiar. “En mi familia no hay músicos, pero algo me interesó desde chiquito”, contó. Sus primeros pasos llegaron casi de manera intuitiva, siguiendo melodías acompañado por una guitarra criolla.

Con el tiempo, aquella inquietud se convirtió también en un espacio personal. Cuando le preguntaron qué había encontrado en la música que no había hallado en otros ámbitos, respondió entre risas que, de entrada, descubrió algo “en lo que soy mejor que para los deportes”, aunque inmediatamente agregó una definición mucho más profunda: “Es un lindo refugio”.

La historia de Mujica con Crazy Macayas lleva aproximadamente cinco años, aunque con distintas etapas. Según explicó, el proyecto comenzó a tomarse con mayor seriedad durante los últimos tres.

“Encontramos un grupo donde el conector siempre es la amistad, el compartir y después viene todo lo más profesional”, señaló sobre la dinámica interna de la banda. Los comienzos estuvieron lejos de una estructura demasiado planificada: se juntaban a tocar, incluso sin baterista, hasta que comenzaron a aparecer las primeras composiciones propias.

“Empezamos medio a los ponchazos, de juntarnos ni siquiera con baterista al principio, zapar temas y de pronto en algún momento empezamos a hacer temas propios”, recordó. Ese fue el punto en el que comenzaron a advertir que había algo para desarrollar: “Esto suena bien. Capaz que si le damos una vueltita de rosca vale la pena”.

Actualmente, la banda está integrada por Manuel Mujica en voz, Alejo Aldaz en bajo, Tomas Medina y Juan Delgado en guitarras y Octavio Picasso en batería.

Buena parte de la charla giró alrededor de la escena musical tandilense. Para Mujica, la ciudad atraviesa una etapa especialmente interesante por la cantidad y diversidad de proyectos que están funcionando en simultáneo.

“A mí me da la sensación de que hay un muy lindo momento”, sostuvo. Como ejemplo, recordó noches en las que Crazy Macayas tocó con una buena convocatoria mientras, al mismo tiempo, otras bandas también llenaban sus respectivos espacios.

“Hay muchas cosas a veces en simultáneo y todo funciona, que teóricamente no debería. Hay muchas bandas, muchos proyectos, muchos géneros distintos. Hay un poco para cada uno y eso está buenísimo”, destacó.

Ese movimiento también permite que los públicos se mezclen. Para Mujica, compartir escenario entre diferentes proyectos es una de las principales puertas de entrada para quienes todavía no conocen una banda.

“Cuando se cruzan los públicos pasa que por ahí uno fue a ver una banda y de pronto le prestaste atención a la otra”, explicó. A eso se suman quienes llegan después de encontrarlos a través de plataformas como Spotify.

Crazy Macayas también debe convivir con una realidad que atraviesa prácticamente a cualquier proyecto musical independiente: las redes sociales y las plataformas digitales.

Mujica reconoció que es un terreno que todavía les cuesta. “Yo nunca tuve TikTok, por ejemplo. Entonces, todo lo que es participar o ponerse una cámara enfrente es muy difícil para nosotros”, contó.

Sin embargo, entiende que son herramientas necesarias para comunicar lo que hace la banda y llegar a nuevas personas. El límite, para él, aparece cuando la lógica de las redes obliga a un artista a convertirse en algo que no representa.

“No funciona nada que no sea genuino. No funciona nada que te haga salir por fuera de lo que vos realmente sos porque se nota enseguida”, planteó.

Aun así, destacó que existen bandas que encontraron en las redes otro terreno artístico: “Hay bandas que ahí encuentran un espacio de creatividad que excede a la música y eso también está bueno”.

Otro de los temas abordados fue la dificultad que encuentran muchos proyectos tandilenses para tocar fuera de la ciudad.

Mujica señaló que existe una primera barrera económica y logística, pero remarcó que el problema principal suele ser otro: llegar a una ciudad en la que la banda todavía no tiene público propio.

Eso obliga a generar vínculos con grupos de otras localidades y construir cierta reciprocidad: invitarlos a tocar en Tandil para luego encontrar oportunidades de presentarse en sus ciudades.

Una publicación compartida por Manuel Mujica (@manumujica_)

“Es un gasto, pero sobre todo por ahí lo que más cuesta es llegar a una ciudad sin un público propio. Entonces te obliga a hacer esos lazos de reciprocidad con otras bandas”, explicó.

En el caso de Crazy Macayas, reconoció que se sienten particularmente cómodos jugando de locales. “Nos gusta tocar acá. Las veces que hemos salido fueron lindas experiencias, estuvo bueno”, expresó.

La próxima presentación de Crazy Macayas permitirá justamente uno de esos cruces que Mujica considera importantes. La banda compartirá fecha con El Síndrome de la Desatención y Nano C, proyectos con integrantes de distintas generaciones.

Mujica contó que ya existía un vínculo con El Síndrome, mientras que a Nano C lo conocieron después de coincidir en una fecha. La propuesta les gustó y rápidamente surgió la idea de volver a compartir escenario.

“Siempre tenés un cruce con bandas de otras generaciones. Hoy nos toca hacer un poco los más grandes. En algún momento fuimos los más chicos”, reflexionó.

En ese sentido, destacó que los jóvenes siguen encontrando un espacio dentro del rock, pese a que durante años se instaló la idea de que las nuevas generaciones estaban volcándose exclusivamente hacia géneros como el trap o el reggaetón.

Para Mujica, además, el público rockero mantiene una característica fundamental para sostener una escena independiente: la costumbre de ir a ver bandas en vivo, incluso cuando se trata de grupos emergentes.

Una publicación compartida por Manuel Mujica (@manumujica_)

Recordó como ejemplo lo que ocurría en fechas de punk y hardcore, donde podían verse adolescentes muy jóvenes participando activamente de los shows. “Veías chicos muy pibitos mandándose a palos ahí adelante. Eso está buenísimo”, expresó.

El crecimiento de la escena también expuso otra dificultad: la cantidad limitada de espacios para tocar.

Mujica mencionó sitios como 990, Arte y Parte, Macanudo y Edípico, y reconoció que buena parte de la actividad termina concentrándose en una zona relativamente pequeña de Tandil.

“Cuando vos empezás a tocar medio seguido, empezás a repetir los lugares muy seguido”, señaló. Sobre 990, por ejemplo, aseguró que es un espacio que les encanta, aunque Crazy Macayas ya se presentó allí varias veces y, cuando no están tocando, suelen concurrir para ver otras bandas.

La posibilidad de generar circuitos musicales en otros barrios aparece como algo atractivo, aunque Mujica reconoció que existe una dificultad inevitable: para que aparezcan nuevos espacios también tiene que acompañar el público.

Aunque Crazy Macayas disfruta especialmente del vivo, el cantante explicó que intentan administrar las presentaciones para evitar saturar las fechas y encontrar tiempo para trabajar en material nuevo.

“A veces no amontonarte las fechas te da tiempo para sacar temas nuevos, para pulir lo anterior, para pensar lo que viene después”, explicó.

Por eso atraviesan distintas etapas: momentos en los que encadenan varias presentaciones con una lista relativamente similar y otros en los que prefieren retraerse para trabajar puertas adentro.

El repertorio también cambia según el contexto. Crazy Macayas tiene canciones con sonidos muy diferentes, por lo que pueden preparar una lista más pesada o una propuesta más tranquila dependiendo del espacio y de las bandas con las que compartan escenario.

Para quien todavía no haya escuchado al grupo, Mujica evitó elegir una sola canción como carta de presentación. “Para mí es una banda que se fortalece cuando vas viendo los distintos sonidos más que un tema en particular”, explicó.

Y dejó una recomendación concreta: quien tenga unos 25 minutos puede escuchar “Faunas”, disponible en Spotify, para tener una aproximación más completa al universo de Crazy Macayas.

“Los invitamos a todos. Vamos a estar ahí con El Síndrome, con Nano C, son dos grandes bandas de Tandil y bueno, vamos a estar nosotros también, que nos defendemos”, cerró Mujica entre risas.

Las anticipadas pueden solicitarse a través de las redes sociales de la banda, en @crazymacayas.

Con una trayectoria que ya superó los 14 años de historia, la banda Cuarto Despelote atraviesa un presente marcado por la consolidación y el crecimiento profesional. El grupo, compuesto por Marcos Rodríguez en guitarra y voz, Nicolás Gallo en bajo y voz, y David Gallo en batería, ha logrado transformar su dinámica de trabajo, pasando de la espontaneidad de sus inicios a una estructura más rigurosa y enfocada en la calidad de sus producciones propias.

La formación actual, que se mantiene estable desde hace años tras la partida del bajista Sergio Larrot, ha encontrado en la autogestión una herramienta clave para su desarrollo. Según relató Marcos Rodríguez en diálogo con El Eco, la evolución del grupo es un reflejo de lo que sucede en el ámbito musical local actual, donde la profesionalización se ha vuelto una constante necesaria para las bandas que buscan trascender las fronteras.

Al reflexionar sobre los cambios en la escena, Marcos Rodríguez señaló: "Veo mucho que hay una movida de grabación y profesionalismo que por ahí antes éramos más cachivache". Esta nueva impronta se traduce en ensayos constantes y una mayor dedicación a la composición de temas propios, dejando atrás la improvisación de los primeros años.

Tras la experiencia de su primer álbum, lanzado hace dos años, el trío decidió encarar este segundo trabajo con una metodología distinta. La grabación se llevó a cabo en dos fines de semana intensivos, donde la banda llegó con una preparación previa exhaustiva. "En el primero lo hicimos todo por parte, de a poquito, y nos llevó un montonazo de tiempo. De esta manera, en dos fines de semana, metimos un álbum", explicó el guitarrista.

Esta dinámica de trabajo permitió que muchas de las tomas de voz, guitarras y bajos fueran registradas en una primera instancia, manteniendo la frescura pero con la precisión que otorga el ensayo constante. 

La colaboración con el productor Juan Polito resultó fundamental para este proceso. Al respecto, Marcos Rodríguez destacó la importancia de este aprendizaje técnico: "Grabar es una experiencia tremenda".

El resultado es un material que, según sus integrantes, se percibe mucho más maduro. Mientras que el primer disco estuvo atravesado por los nervios propios de una primera experiencia, este nuevo álbum refleja una mayor confianza y seguridad, permitiendo que el proceso de creación sea disfrutado plenamente por los tres músicos.

La nueva apuesta de Cuarto Despelote no se limita únicamente a lo sonoro. El grupo ha tomado las riendas de su propia comunicación y difusión, encargándose de la producción de videoclips y la gestión en plataformas digitales. 

Un ejemplo de esta creatividad independiente fue la filmación de su reciente videoclip, donde utilizaron sus propios vehículos, modelos Renault 12, para lograr las tomas deseadas con recursos mínimos pero efectivos.

Nicolás Gallo ha asumido un rol central en la edición de video y la gestión de las plataformas de distribución, mientras que Marcos Rodríguez se ocupa de la difusión en redes sociales, un terreno que debió aprender a dominar a prueba y error. "Es ir aprendiendo sobre la marcha. Cada uno tiene su rol", comenta el vocalista sobre esta división de tareas que les permite mantener la independencia.

Para el trío, el éxito no se mide en grandes estadios, sino en la continuidad de su amistad y la posibilidad de seguir creando música. Con 15 años de vínculo personal y 14 de banda, el objetivo principal sigue siendo el mismo: disfrutar del proceso y conectar con el público.

"Que una banda dure 15 años es un bolazo. Es muy loco que, con todas las posibilidades que tenés vos de escuchar cualquier banda, que alguien en su casa se le dé por escuchar Cuarto Despelote, para mí es una locura", concluyó Marcos Rodríguez.

La música tiene el poder de transformar momentos y, en esta oportunidad, fue la joven Abril Sosa quien se encargó de llenar el estudio de Eco TV con su talento. 

Con apenas 11 años, la pequeña demostró una madurez artística sorprendente al interpretar piezas de gran exigencia vocal, dejando en claro que su dedicación a la música, que comenzó a los dos años y se formalizó con clases a los nueve, está dando sus frutos.

Acompañada por su profesor, Esteban Arévalo, Abril compartió su experiencia y los nervios propios de su primera presentación en televisión. 

Durante el segmento “A tu ritmo”, en el programa Plataforma Magazine de Eco TV y Tandil FM 104.1, la joven artista interpretó temas como "Floricienta" y "Tu falta de querer", de la reconocida cantante Mon Laferte. 

El profesor Esteban Arévalo, quien dirige la escuela de canto que lleva su nombre, resaltó la importancia de generar estos espacios para los niños y adolescentes. 

Según el docente, estas instancias “no solo permiten que la comunidad conozca a los nuevos artistas, sino que también fortalecen la seguridad de los chicos al momento de expresarse frente al público”. 

Y agregó: "siento que hay que aprovechar estos espacios, sobre todo para ellos que están empezando y teniendo esos sueños, esos anhelos con la música", afirmó el profesor.

Por su parte, Abril se mostró muy agradecida por la oportunidad y compartió con la audiencia que cuenta con un canal de YouTube, bajo el nombre Bebu canta, donde publica sus grabaciones y muestras de aprendizaje. 

La joven, que cursa sus estudios en la Escuela Martín Rodríguez, recibió el cariño de su familia, incluyendo a sus padres, Rocío y Emanuel, y a su hermano menor, Bautista, quienes siguieron de cerca su participación.

La presentación no estuvo exenta de momentos emotivos. A través de los mensajes recibidos durante el programa, se hizo presente el afecto de sus abuelas, quienes expresaron su orgullo al verla cantar. 

"La abuela Miriam te ama, Abril, un orgullo verte ahí", fue uno de los tantos mensajes que llegaron para alentar a la pequeña, quien confesó que cantar es algo que le resulta "muy lindo".

El ambiente en el estudio fue de total apoyo. Mientras Abril interpretaba sus canciones, el equipo técnico trabajó para asegurar que la calidad del sonido fuera óptima, un esfuerzo que fue reconocido por el profesor Esteban Arévalo. 

"Son las cosas que vamos a guardar en el corazón y que nos emocionan; necesitamos cosas así todos los días", concluyó el docente, destacando el valor terapéutico y sanador de la música en la vida cotidiana.

La historia de Runa es una crónica de adaptación y búsqueda constante. A sus 25 años, el músico recuerda cómo su familia dejó atrás el almacén barrial de su ciudad de origen para emprender un nuevo proyecto en Tandil. Aquella mudanza, que coincidió con el último año de su etapa escolar, marcó un punto de inflexión en su vida. "Fue un shock. Al principio fue medio chocante por el hecho de que mis amigos estaban allá, no conocía a nadie", confiesa sobre sus primeros tiempos, marcados por la incertidumbre y el aislamiento que luego se profundizaría con la llegada de la pandemia.

Sin embargo, fue en ese contexto de encierro donde comenzó a gestarse su identidad artística. Con una relación con la música que se remonta a su infancia —cuando ya posaba con una guitarra a los cinco años—, Runa encontró en el aislamiento el espacio necesario para profesionalizar su pasión. "Yo en mi casa en pandemia ya tenía mi home studio, me lo había comprado como para arrancar a meterle y me grababa solo", relata.

Aunque sus inicios estuvieron ligados al reggaetón, género que exploró con la intención de alcanzar un público masivo, el artista admite que nunca se sintió del todo cómodo con las limitaciones creativas del estilo. Su encuentro con el grupo Sharau y la influencia de figuras como Genson fueron determinantes para su giro hacia el trap. "El reggaetón por ahí es más bailable, se puede transmitir quizás más para algo más de movimiento; quizás las letras no son tan profundas. En el trap siento que te podés desenvolver más sobre sentimientos de otro lado", explica.

Esta evolución no solo fue lírica, sino también técnica. Tras trabajar con diversos productores, Runa notó que el resultado final de sus maquetas no siempre coincidía con su visión original. Fue entonces cuando decidió tomar las riendas de su sonido. "Dije: 'Bueno, tengo que empezar a hacer beats, hacer instrumentales propias y empezar a meterle'. Lo único que me faltaba era eso para complementar el hecho de no subir con beats de YouTube, que eso está mal si querés hacerlo más profesional", sostiene.

Hoy, el artista se ha consolidado como un productor integral. Desde hace un año, la totalidad de su música es producida por él mismo, alcanzando un ritmo de trabajo de 20 beats mensuales. Esta disciplina le permite mantener una biblioteca sonora diversa, clasificada por géneros y estados de ánimo, que utiliza tanto para sus proyectos personales como para colaboraciones con otros músicos de la escena local.

Para Runa, el desafío de hacer música desde Tandil implica una estrategia clara de difusión. Consciente de que Buenos Aires es el epicentro de la industria, utiliza herramientas digitales como Instagram Reels y TikTok para acortar distancias. "Siento que la manera que nos queda de hacernos ver es esa: subiendo contenido a todos lados", afirma, aunque aclara que ha dejado de obsesionarse con las métricas de reproducción. "El objetivo real es disfrutar lo que hacés y efectuar sin pensarlo tanto", añade.

Al observar el panorama actual, el músico se muestra optimista sobre el desarrollo de la cultura urbana en la ciudad. Según su perspectiva, la escena está atravesando un proceso de maduración donde los artistas locales están logrando una propuesta más "real y sostenible en el tiempo".

Una publicación compartida por Runa (@runa.bbi)

A pesar de sus ambiciones, que incluyen colaboraciones soñadas con referentes como Duki o Don Toliver, Runa mantiene los pies sobre la tierra. Su enfoque actual está puesto en la constancia y en la calidad de su producción propia. "Siento que esa constancia es lo que me va a dar lo que quiero", concluye, reafirmando su compromiso con un camino artístico que, lejos de las fórmulas rápidas, se construye paso a paso desde la autogestión.

La expectativa crece entre los seguidores de la escena musical local ante la inminente confirmación de una nueva edición de Zip Unplugged. Este ciclo, que se ha consolidado como un pilar fundamental dentro de la propuesta de Cultura Zip, se prepara para abrir nuevamente sus puertas a los artistas de la región, ofreciendo un escenario donde la música se desnuda para mostrar su esencia más pura.

El formato acústico, característica distintiva de este bloque, permite que las bandas locales desplieguen su talento en un entorno íntimo y cercano. Esta propuesta busca resaltar la calidad compositiva y la destreza técnica de los músicos, alejándose de las grandes producciones eléctricas para centrarse en la calidez de los instrumentos y la voz.

La importancia de Zip Unplugged radica en su capacidad para generar un puente directo entre los artistas y su audiencia. Al prescindir de los artificios técnicos, el espectador tiene la oportunidad de apreciar matices que, en presentaciones convencionales, suelen quedar ocultos. Esta dinámica ha convertido al ciclo en un referente para quienes buscan descubrir nuevas propuestas o redescubrir a sus bandas favoritas desde una perspectiva diferente.

Desde la producción de Cultura Zip, se ha enfatizado que el objetivo principal sigue siendo la promoción de la cultura local y el fortalecimiento de los espacios de expresión para los músicos. Con el regreso del ciclo, se espera que la grilla de artistas vuelva a reflejar la diversidad y la riqueza creativa que caracteriza a la escena actual.

Para los fanáticos que han seguido el ciclo desde sus inicios, cada edición de Zip Unplugged representa una oportunidad única para conectar con el arte de una manera más profunda. La atmósfera que se logra en cada presentación es, sin dudas, uno de los sellos distintivos que ha permitido que este formato se mantenga vigente y esperado por la comunidad.

En los próximos días, se espera que se brinden más detalles sobre las bandas que formarán parte de esta nueva temporada. Mientras tanto, el repaso por las ediciones anteriores sirve como preámbulo ideal para lo que promete ser un ciclo cargado de talento y momentos memorables.

La invitación está hecha para todos aquellos que valoran la música en vivo y el esfuerzo de los artistas locales. Mantenerse atentos a las novedades de Cultura Zip será fundamental para no perderse ningún detalle de esta esperada vuelta a los escenarios acústicos. Volvé a ver los anteriores episodios acá.

Nahuel Briones regresará a Tandil el próximo jueves 17 de septiembre para presentarse en Macanudo, en una noche que contará además con la participación de la artista local Valentina Palacio. Antes de su llegada a la ciudad, el músico conversó con Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

“Voy a estar haciendo un repaso por todos los discos de mi carrera. Seguramente toquemos algunas canciones nuevas también”, adelantó Briones durante la entrevista. Para esta presentación llegará con un formato en dúo que comenzó a desarrollar especialmente para una serie de conciertos.

Según explicó, la propuesta contará con diferentes instrumentos y dispositivos que les permitirán moverse durante las canciones y acercar el espectáculo a la intensidad que habitualmente consigue junto a una banda completa.

“Es un formato nuevo que estoy estrenando específicamente para estos conciertos”, señaló y agregó: “No se lo pierdan porque vamos a pasar una noche espectacular”.

La presentación tendrá además una particularidad: Tandil será la primera ciudad en la que Briones mostrará oficialmente este formato, antes de continuar con fechas en otros puntos de la región. “Es una forma de llevar, de una manera más resumida, lo que sucede en el concierto de una banda”, explicó.

No será su primera experiencia en la ciudad. El artista recordó especialmente su anterior presentación y reconoció que aquella respuesta del público fue uno de los motivos que lo impulsaron a regresar.

“La primera vez es como tirarse a una pileta sin saber qué hay”, describió. Sin embargo, aquella incertidumbre desapareció rápidamente: “Hubo en ese concierto un público que cantó todas las canciones, que estuvo muy conectado y dije: ‘Me parece que es tiempo de volver a ver si nos encontramos con el público de allí’”.

Durante la charla, Briones también se refirió a una de las características que atraviesan su carrera: la dificultad de encasillar su música dentro de un único género.

“Una característica de mi obra, y no sé si es algo positivo o negativo, es que es muy ecléctica”, sostuvo. De esa manera, explicó que dentro de un mismo disco pueden convivir una canción cercana al techno, un bolero o una composición con una impronta más punk.

Esa variedad surge, según contó, de su propia curiosidad musical. “En el mundo hay millones de músicas diferentes y yo tengo la curiosidad y ganas de hacerlas todas”, expresó.

La búsqueda implica también un proceso constante de composición. Briones aseguró que pasa muchas horas escribiendo y grabando canciones, aunque buena parte de ese material finalmente no vea la luz. “Cuando tengo muchas ganas de mostrar una canción nueva es más o menos porque hice diez o quince que quedaron ahí”, contó.

Con el paso de los años también modificó su forma de trabajar. Si durante buena parte de su carrera prefirió encargarse prácticamente solo de sus canciones, en los últimos tiempos comenzó a incorporar otras miradas al proceso creativo.

“Estoy siendo mucho más abierto a las opiniones y a trabajar con distintas personas”, afirmó. La experiencia y la cantidad de material publicado, explicó, también le permitieron perder cierto recelo sobre la necesidad de encontrar una versión “definitiva” de cada canción.

Al recordar sus comienzos, Briones ubicó un momento preciso como determinante para su relación con la música. Tenía ocho años cuando su padre lo llevó a ver a Los Redondos en Racing.

“Yo creo que eso me cambió la cabeza para siempre”, aseguró. Incluso contó que su padre recuerda que, en medio de aquel recital, le manifestó que quería dedicarse a eso.

El impacto fue inmediato. Apenas unos meses después comenzó a estudiar guitarra y empezó un camino que terminaría convirtiéndose en su profesión.

Entre sus principales referencias mencionó a Charly García, Los Redondos y María Elena Walsh, artistas que descubrió durante su infancia y que todavía considera fundamentales dentro de la cultura argentina.

La conversación también abrió paso a una reflexión sobre Spotify, las plataformas digitales y la inteligencia artificial. Briones destacó que internet permitió acceder inmediatamente a producciones musicales de prácticamente cualquier lugar del mundo, aunque advirtió que ese fenómeno también modificó profundamente la economía de los artis

La música tropical se prepara para una jornada especial este fin de semana. Lucas González, líder de la agrupación Luca's, compartió los detalles de su próximo espectáculo.

En una entrevista realizada en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista, quien además de su faceta musical se desempeña en el rubro de la iluminación, destacó el crecimiento que ha tenido su proyecto durante los últimos dos años.

La banda, que cuenta con cinco integrantes, “se ha consolidado en la escena local combinando un repertorio de canciones propias con los éxitos más escuchados del momento”, apuntó. 

Según explicó González, el objetivo principal de la agrupación “es generar una identidad propia a través de sus composiciones, manteniendo siempre la versatilidad necesaria para animar todo tipo de eventos y espectáculos”.

Al ser consultado sobre la organización de su próximo show, el cantante expresó su entusiasmo por la realización de la "Luca´s Fest". El evento, que promete ser una noche inolvidable, se llevará a cabo en Glow y contará con una propuesta artística integral. "Vamos a estar desde las 21:30 hasta las 12 de la noche", detalló el músico durante la entrevista.

La grilla de la jornada incluirá la participación de otros artistas invitados que se sumarán a la propuesta. "Nos estará haciendo soporte el Dúo Inefable, y después nos van a estar acompañando Cande Tapia y Néstor Segura. Vamos a estar haciendo tipo una zapada y, como siempre, será una noche espectacular", adelantó González sobre el despliegue que tienen preparado para el público.

Para quienes deseen asistir, las entradas anticipadas ya se encuentran a la venta con un valor de 10.000 pesos. Los interesados pueden adquirirlas en el local comercial del artista, ubicado en la calle Colón 1317. Asimismo, se informó que en la puerta del establecimiento el costo de los tickets será de 15.000 pesos.

Durante su paso por el programa, el cantante también aprovechó para brindar un adelanto de su repertorio, interpretando en vivo parte de sus canciones y demostrando la energía que la banda busca transmitir en cada una de sus presentaciones.

En la previa de la Octava Feria Chacinar 2026, que se desarrollará el sábado 8 y domingo 9 de noviembre en la Diagonal Arturo Illia, en el acceso al Parque Independencia, la Comisión Organizadora lanzó una novedosa propuesta destinada a músicos y artistas locales: el Concurso de Jingles “Chacinar 2026”.

La iniciativa invita a crear una pieza musical que, a través de sonidos, frases y melodías, refleje la importancia de la producción porcina y la elaboración de chacinados, además de poner en valor su impacto social, su historia y el lugar que ocupa esta actividad dentro de la identidad tandilense.

Bajo la temática “Chacinar 2026. Buscando la identidad de la cultura chacinera tandilense”, podrán participar personas mayores de 18 años que acrediten residencia permanente en el partido de Tandil durante más de dos años.

Los concursantes deberán presentar un jingle original de entre 30 y 60 segundos, en formato mp3. En caso de tratarse de una banda o conjunto musical, uno de sus integrantes deberá inscribirse como responsable del grupo.

La propuesta podrá abordar diferentes aspectos de la cultura chacinera local, desde la cadena de valor vinculada al maíz y la producción porcina hasta la elaboración de chacinados en ámbitos rurales y urbanos, su consumo, sus productos derivados y la historia que convirtió a esta actividad en parte de la tradición productiva y gastronómica de Tandil.

Desde la organización señalaron que se busca que las composiciones tengan letras breves y fáciles de recordar, con la posibilidad de incorporar rimas, frases o palabras clave que permitan identificar rápidamente el producto y su vínculo con los consumidores.

Los trabajos deberán ser originales de los músicos o conjuntos participantes y no podrán haber sido aceptados o premiados previamente en otros concursos.

El certamen entregará $350.000 al primer puesto, $100.000 al segundo y $50.000 al tercero. Además, los tres ganadores recibirán productos del sector chacinero.

Quien obtenga el primer premio también podrá contar con un espacio dentro de la programación del escenario de Chacinar 2026 para presentar el jingle en vivo, mientras que el jurado tendrá la posibilidad de entregar menciones especiales.

Además de la evaluación del jurado, habrá participación de la comunidad. Todos los jingles serán publicados en las historias de Instagram de El Eco Multimedios, donde el público podrá elegir su favorito. La propuesta más votada obtendrá el denominado “voto del público” y recibirá productos del sector.

El jurado estará integrado por un representante del Municipio de Tandil, uno de El Eco Multimedios y otro de la Comisión Organizadora de Chacinar.

La inscripción permanecerá abierta hasta el viernes 2 de octubre de 2026. Para concursar, los interesados deberán enviar su jingle en formato mp3 al correo electrónico chacinartandil@gmail.com.

Los ganadores serán anunciados a través de las redes sociales durante la semana del 19 de octubre y, posteriormente, en el marco de la Feria Chacinar se realizará un reconocimiento a quienes obtengan los tres primeros puestos.

Las bases y condiciones completas del concurso se encuentran disponibles en el sitio web de la Dirección de Cultura del Municipio de Tandil.

El periodista y escritor Néstor Dipaola brindó un emotivo homenaje a la figura de Norberto “Beto” Matti, el reconocido músico tandilense que falleció recientemente a los 88 años. 

Dipaola destacó no solo la calidad artística del bandoneonista, sino también su profunda conexión con la identidad local y su humildad a pesar de los éxitos alcanzados.

En una reciente participación en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1,  recordó que Matti había nacido en 1937, creció en el seno de una familia vinculada a la inmigración italiana en Cerro Leones, un entorno que, según describió el periodista, funcionaba como una verdadera cuna de músicos. 

"Los italianos mataban la soledad y la nostalgia de la inmigración con música", explicó Dipaola al trazar los orígenes del artista, quien estuvo rodeado de instrumentos desde su infancia, “influenciado por su padre y su abuela, vinculada al apellido Poli, un emblema del tango en la ciudad”.

Su formación técnica comenzó de la mano de maestros locales como José Ferrer y Héctor Montalto. Fue precisamente Ferrer quien, al notar el talento excepcional del joven Matti, lo alentó a perfeccionarse en la ciudad de Buenos Aires. 

Allí, el músico logró integrarse a la orquesta de Juan de Dios Filiberto, marcando el inicio de una carrera profesional que lo llevaría a debutar a los 13 años en el club Sarmiento de Ayacucho, un escenario que Dipaola recordó como “un punto de encuentro fundamental para la cultura tanguera de la región”.

A medida que avanzaba en su carrera, el músico buscó trascender el tango tradicional para explorar una veta más refinada, influenciado por las vanguardias de la época. 

“En 1958, junto a músicos de alta escuela, fundó el Cuarteto Típico París. El grupo, integrado por su hermano Aldo en contrabajo, Héctor Maisano en piano y Merey Brain en violín, y se convirtió en un referente de calidad artística en la ciudad”, reseñó.

El historiador relató una anécdota que ilustra el profesionalismo del conjunto: “durante la grabación de su primer disco en Buenos Aires, los integrantes se trasladaban en taxi a los escenarios para mantener una imagen de prestigio”. 

El éxito fue tal que, tras una presentación en el Parque Independencia, “fueron convocados por una discográfica para grabar un material que se agotó en apenas dos días, obligando a una reimpresión inmediata de los ejemplares”, relató Dipaola.

El reconocimiento internacional llegó en las décadas siguientes, con giras que lo llevaron a actuar en Japón y Alemania. A pesar de las tentadoras ofertas económicas para radicarse en el exterior, Matti mantuvo siempre su lealtad a Tandil. 

"Él decía que ni loco se iba de Tandil", recordó Dipaola, subrayando que el músico “priorizaba el afecto de su comunidad y su vida en el pago chico por sobre la fama global”.

Uno de los hitos más recordados de su trayectoria ocurrió en 1985, cuando, por iniciativa de Hugo Nario —entonces director de Cultura bajo la gestión del intendente Américo Reynoso—, Matti reunió a 22 bandoneonistas para un homenaje a Carlos Gardel. 

“Lo que debía ser una presentación única se transformó en un proyecto duradero que recorrió gran parte de la provincia de Buenos Aires, el teatro San Martín en Capital Federal y escenarios internacionales”, agregó el periodista.

La participación de Matti en la Cumbre Mundial del Tango en Montevideo, en 1996, fue otro de los momentos destacados por el escritor. 

Aquella experiencia, que incluyó la invitación de músicos alemanes para llevar su arte a Europa, “consolidó a Matti como un embajador cultural de la ciudad”, señaló el periodista, para quien, su partida física “deja un vacío en la escena musical, pero su legado permanece vivo en la memoria de quienes valoran su aporte al tango y su inquebrantable compromiso con Tandil”.

La música tiene la capacidad de conectar generaciones y, en esta oportunidad, fue el vehículo para una presentación que dejó a todos los presentes conmovidos. 

En una reciente emisión de Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, la pequeña Agustina Tringler se convirtió en la protagonista de la jornada. 

Con solo 10 años, impactó con su voz, demostrando una madurez interpretativa inusual para su edad y una capacidad innata para abordar repertorios complejos.

Agustina no estuvo sola en esta experiencia, ya que contó con el apoyo incondicional de su padre, Matías Tringler. En esta ocasión, el médico dejó de lado su rol profesional habitual para acompañar a su hija en su primera aparición ante las cámaras. 

Durante la entrevista, Matías recordó cómo descubrió el talento de la niña: "ella siempre me llamó la atención de chiquita. Mientras yo cantaba mis canciones, a la segunda o tercera vez ya la escuchaba cantar jugando, haciendo sus cosas. Me llamó siempre la atención la facilidad con la que aprendía la letra y la melodía".

El entorno familiar ha sido fundamental para el desarrollo de este interés. Mientras su madre, Cecilia, aporta su conocimiento como profesora de inglés, Agustina ha demostrado una autonomía sorprendente al momento de incorporar nuevos idiomas a su repertorio. 

Para su debut en la televisión, la joven artista eligió una versión de una canción de la artista Bárbara Pravi, popularizada por la cantante Emma Kok. Se trata de una pieza con una carga emocional profunda, que narra una historia de superación personal y aceptación frente a las adversidades de la salud.

La elección del tema no fue casual. La canción elegida por Agustina posee un mensaje de fuerza y resiliencia que resonó en ella. Según explicó su padre, la pieza musical representa un ejemplo de cómo salir al mundo y mostrarse tal cual uno es, a pesar de las dificultades. 

Esta conexión emocional con la letra fue evidente durante su interpretación en vivo, donde la pequeña logró transmitir una sensibilidad que emocionó tanto a los conductores del ciclo como a su familia presente en el estudio.

A pesar de los nervios propios de un debut televisivo, Agustina se mostró natural y segura al momento de tomar el micrófono. 

La joven cantante confesó que, si bien el francés puede presentar desafíos en la pronunciación, su dedicación y el gusto por la música la llevaron a perfeccionar cada detalle de la interpretación. 

"En realidad, la mayoría de las veces aprendo sola la letra, como escucho la canción y a veces veo la letra", relató con sencillez sobre su método de aprendizaje.

El momento del canto fue el punto culminante de la entrevista. Tras finalizar su presentación, el estudio se llenó de aplausos y muestras de cariño. 

La emoción de su madre y el orgullo evidente de su padre marcaron un cierre perfecto para una jornada que, sin dudas, quedará en el recuerdo de la familia. Agustina.

Para Matías Tringler, esta experiencia significó una faceta distinta a la que suele mostrar públicamente. "Es una experiencia diferente venir a la tele, no hablar de medicina, esta vez acompañar a mi bella hija", expresó con satisfacción. 

La participación de Agustina en Plataforma Magazine no solo permitió visibilizar su talento, sino que también destacó la importancia del acompañamiento familiar en el desarrollo de las vocaciones artísticas desde la infancia.

La directora del Coro Estable Municipal, Annelle Moroder, invitó a participar del concierto, titulado In Paradisum, que se llevará a cabo este sábado 5 de septiembre a las 20:30 en la Iglesia Santa Ana, ubicada en la intersección de las calles Paz y Uriburu.

En su visita a los estudios de Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, la directora manifestó que esta presentación adquiere un carácter profundamente personal para ella  y su familia, al tratarse del primer concierto de relevancia tras el fallecimiento de su padre, Bernardo Moroder, ocurrido el 8 de julio pasado. 

"Es un concierto un poco especial porque es en memoria de mi papá. Es como el primer concierto importante después de ese evento", expresó Annelle Moroder durante la entrevista.

El repertorio seleccionado para la ocasión se centra en obras de carácter espiritual, aunque no exclusivamente religioso. 

Según explicó la directora, el programa busca explorar temáticas universales como el amor, la amistad y las pérdidas, manteniendo un hilo conductor que da sentido a la propuesta artística. 

"Un repertorio se elige porque me gusta, porque nos desafía a nivel técnico o expresivo", señaló sobre su proceso de curaduría musical.

El Coro Estable Municipal, que cuenta con una trayectoria de 53 años, se presenta actualmente con un ensamble de 39 integrantes. 

Moroder destacó que el grupo funciona como un instrumento coral a capela, aunque en ocasiones especiales incorporan acompañamiento instrumental. 

Sobre la conformación del elenco, la directora subrayó la diversidad generacional, con integrantes que van desde los 17 hasta los 70 años, logrando un equilibrio vocal que requiere de un compromiso constante por parte de los cantantes, quienes ensayan dos veces por semana.

Respecto a la elección de las obras, Moroder desmitificó la idea de que el coro se limita estrictamente a lo académico. "Hoy los límites están muy desdibujados. Hay música compuesta específicamente para coro, pero también tomamos canciones populares que nos gustan y las adaptamos", explicó. 

Asimismo, enfatizó la importancia del cuidado técnico de la voz, especialmente ante las exigencias de los conciertos de invierno y primavera.

El legado de Bernardo Moroder, quien dirigió el coro desde 1972 hasta 2008, sigue presente en la identidad del grupo. "Lo que amamos todos en la familia, lo que fue la vida de mi papá, es la música coral", afirmó Annelle. 

La entrada para el concierto de este sábado será libre y gratuita, y el acceso al público estará habilitado al finalizar la misa en la parroquia.