Uno de los dúos que más creció dentro de la escena pop/rock argentina llegará a Tandil el viernes 23 de octubre a las 21:00 para presentarse en Glow. El proyecto musical Koino Yokan, conformado por el cantante Tomás Otero y el guitarrista y productor Jeremías Oro, continúa consolidándose como una de las propuestas más personales y convocantes de la escena argentina. Con una identidad marcada por la sensibilidad en sus composiciones y una impronta sonora que equilibra la emoción con la potencia, el dúo llega a Tandil en el marco de un recorrido que los ha llevado por los escenarios más importantes de Latinoamérica y Europa.

La trayectoria del grupo ha sido ascendente desde sus inicios. Tras el lanzamiento de su primer álbum, “Lo que Ayer Callé”, en 2021, la banda logró captar la atención del público masivo. Un año después, la publicación de ocho sencillos los posicionó en los rankings virales de Argentina y Uruguay, además de convertirlos en referentes dentro de la plataforma TikTok. Este crecimiento se tradujo en reconocimientos, como el Premio Martín Fierro al Artista Revelación, y en una serie de presentaciones que incluyeron el cierre de su gira ante 2.000 personas en el Complejo C de Buenos Aires.

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Durante 2023, la convocatoria del dúo se multiplicó, logrando tres fechas consecutivas con entradas agotadas en Vorterix y recorriendo plazas clave como Córdoba, Rosario, Santa Fe y Montevideo. Aquel año culminó con un Teatro Gran Rex colmado, donde contaron con la participación de artistas invitados como El Zar, Santi Muk, Alan Sutton y Juanchi Baleiron. En diciembre de ese mismo ciclo, presentaron su segundo álbum de estudio, “Desandando Mis Pasos”, compuesto por 16 canciones que definieron su madurez artística.

El 2024 fue un año de expansión internacional, llevando su música a México, Uruguay, Chile, España y Costa Rica, además de diversas ciudades argentinas. A este despliegue se sumaron los sencillos “Cambiando la Mirada”, “Ey” y “La Solución”, junto a la edición de su primer disco en vivo, registrado precisamente en el Teatro Gran Rex. La constante actividad continuó en 2025 con una gira europea que los llevó por Barcelona, Londres, Dublín, París, Madrid, Copenhague y Berlín, reafirmando su alcance global.

El 2026 encuentra a Koino Yokan en una etapa de especial crecimiento. Recientemente, Tomás Otero y Jeremías Oro protagonizaron un show a banda completa en el C Art Media de Buenos Aires, marcando un nuevo hito en su carrera con una puesta en escena ambiciosa. En paralelo a estas presentaciones, el dúo trabaja intensamente en la producción de su próximo álbum, del cual ya han compartido diversos adelantos que exploran nuevas texturas sonoras.

Uno de los lanzamientos más recientes es “La Despedida”, una colaboración junto a Gauchito Club. Esta canción aborda la temática del final de una historia y la transformación necesaria para iniciar un nuevo camino. El tema fusiona la sensibilidad característica del dúo con la frescura y el pulso rítmico de Gauchito Club, logrando un encuentro entre dos propuestas que comparten una manera honesta y cercana de construir sus canciones.

“La Despedida” se suma a una serie de adelantos que incluye “Morirme Con Vos”, junto a Cruzando el Charco, y “Toda la Vida”, en colaboración con Benjamín Amadeo. Estas piezas forman parte de una búsqueda creativa que busca ampliar el universo sonoro de Koino Yokan. El próximo disco se perfila como una obra que explora nuevos horizontes, manteniendo siempre la esencia que los convirtió en una de las propuestas más destacadas de la nueva música argentina.

La llegada a Tandil representa una oportunidad única para que los seguidores locales disfruten de este presente artístico. Con una trayectoria que combina el éxito en plataformas digitales con una sólida presencia en vivo, el dúo promete un espectáculo que recorre sus grandes éxitos y anticipa la dirección que tomará su próxima producción discográfica.

La escena musical de Tandil atraviesa un presente vibrante, con un crecimiento exponencial de propuestas en la región. En el centro de este ecosistema se encuentra Lucas Pizzati, apasionado de la música que transitó todas sus aristas: desde técnico de sonido a los 16 años y alumno del Conservatorio, hasta productor en su estudio y multiinstrumentista en Babel.

En una charla íntima y reveladora en Cultura Zip, Pizzati desentraña su historia, analiza los desafíos de la independencia y reflexiona sobre el arte en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.

Para Lucas, la música no fue una elección, sino un entorno natural. Hijo de un integrante de Ajenjo Show, banda mítica activa por más de 50 años, Lucas y su hermano Pablo naturalizaron de chicos los ensayos y giras.

"Mi viejo se iba a ensayar martes y jueves, religiosamente. Y el fin de semana tocaban dos o tres veces. Nos criamos en ese ámbito", recuerda Lucas. Esta disciplina, donde cada domingo se ordenaba la sala, fue el semillero formativo de su carrera. A los 13 años ya tocaba en bandas y a los 16 se convirtió en sonidista, sumando rodaje regional.

En 2003, junto a su hermano Pablo y otros hijos de integrantes de Ajenjo, fundaron Capitán Beto. Lo que comenzó como un pasatiempo de covers en cumpleaños de 15, fiestas de la Farándula y eventos, se convirtió en un oficio formal de seis años. "La música empezó como hobby, pero rápidamente se convirtió en un oficio", señala.

En 2012 nació Babel, enfocada en canciones de autor. Tras un parate, regresaron en 2024. Hoy, como quinteto, la integran los hermanos Pablo (composición, voz), Lucas Pizzati (producción), Mariu Padín (bajo, comunicación), Gero Castro (batería) y Laucha Villalba (guitarra).

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"Babel es una banda muy inquieta. Trabajamos de una manera muy cooperativa; solo no vas a ningún lado", explica Lucas, destacando el valor de la autogestión compartida. Mientras preparan su tercer disco, la banda se alista para un show integral en el espacio Arte y Parte, prometiendo una puesta en escena cuidada con artistas invitados que busca sobresalir en la abundante oferta local.

Pizzati atribuye el auge local a la democratización de la grabación, la educación gratuita del Conservatorio y el crecimiento de la ciudad. Sin embargo, advierte una barrera común: la dificultad para cruzar "las cuatro avenidas" y expandirse regionalmente.

"Para dar un escalón más, es inevitable salir de la ciudad", afirma Lucas. El camino implica recorrer localidades vecinas como Olavarría y Azul, para luego proyectar hacia Mar del Plata, La Plata o Buenos Aires. No obstante, advierte que este despegue requiere profesionalismo comercial.

"Instagram ayuda, pero el lobby hay que hacerlo físicamente. Viajar previamente, presentar una carpeta seria, acordar condiciones económicas y vender un espectáculo consolidado. No alcanza con caer con una guitarra", enfatiza. Para Pizzati, entender la música como una industria que corta tickets es el diferencial para dar el salto.

Como productor, Lucas lidia a diario con plataformas como Spotify, donde se suben unas 100.000 canciones por día y el 60% no supera las 1.000 reproducciones. Además, se requiere que el oyente permanezca más de 30 segundos para que cuente como reproducción, lo que empuja a acortar canciones o eliminar las introducciones.

"Desde el lado artístico, el algoritmo es un garrón", se lamenta Lucas. Sin embargo, su consejo es claro: "Hay que morir en la de uno. Si querés hacer introducciones, hacelas con desarrollo musical". En lugar de sacrificar la identidad, Pizzati sugiere planificar: "Si vas a sacar un disco, prepará el despegue con un mes de anticipación y continuá un mes después. Una salida planificada dura tres meses, no un día". Para la escucha de alta fidelidad, destaca plataformas como Tidal, que permiten subir másters en máxima resolución, a diferencia de Spotify.

El debate sobre la Inteligencia Artificial (IA) no le es ajeno. Aunque reconoce la precisión con la que emula estilos o clona voces de artistas populares —como ocurre con versiones no oficiales de Milo J—, Lucas defiende la interpretación humana.

"La IA siempre se parece a algo ya hecho. Si hoy componemos solo con ella, ¿qué escucharemos en 50 años?", cuestiona. Valora herramientas de separación de pistas (como Moises), pero defiende fervientemente la música tocada: "La música se destaca por sus detalles y errores humanos, que son tan musicales y nos hacen tan bien. En el estudio, si hay emoción en una toma, prefiero dejarla. No busquemos que la música hecha por humanos se parezca a la inteligencia artificial, donde todo es perfecto. Dejemos cosas humanas", concluye.

Consultado sobre sus favoritos de la escena tandilense, Lucas traza un mapa de indispensables:

Con la pasión intacta que heredó de su familia y la lucidez de quien comprende los engranajes de la industria contemporánea, Lucas Pisati continúa construyendo la banda sonora de una ciudad que no para de sonar.

En el ecosistema cultural de la ciudad, existen figuras que actúan como verdaderos motores de la movida independiente. No solo ejecutan un instrumento, sino que viven y respiran la música de su entorno. Uno de ellos es Laucha Villalba, un guitarrista cuya pasión y compromiso lo han llevado a integrar múltiples agrupaciones en simultáneo, consolidándose como una de las caras más activas de la escena contemporánea.

En una entrevista exclusiva, el músico recorre su historia: desde sus primeros acordes influenciados por Gustavo Cerati y David Gilmour, pasando por la mística del colegio y su banda de la adolescencia, hasta llegar a su presente con siete proyectos musicales y una firme filosofía de resistencia colectiva frente al individualismo.

La relación de Laucha con la música nació mucho antes de que pudiera sostener una guitarra. De niño, sentarse frente a los parlantes cuando su familia ponía música ya representaba un acontecimiento trascendental. Aunque a los cinco años intentó estudiar piano, el interés se desvaneció pronto. Sin embargo, el verdadero "clic" ocurrió un año después, al quedar hipnotizado por una guitarra verde en una vidriera.

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A esta fascinación visual se sumó un impacto sonoro decisivo: ver a Gustavo Cerati tocando "En la ciudad de la furia" en televisión. Aquella descarga de energía, sumada a la influencia de próceres como David Gilmour y Pappo, lo llevó a insistir durante un año hasta obtener su instrumento. Su formación formal comenzó a los seis años con Carlos Rebello, un histórico docente local con quien estudió de manera ininterrumpida durante siete años.

Rebello no solo le enseñó técnica, sino también la importancia de la autonomía. Justo antes de la pandemia, el maestro notó que Laucha solía esperar que él le resolviera las canciones, a pesar de su capacidad para sacarlas por cuenta propia. Con sabiduría pedagógica, decidió espaciar las clases para forzarlo a ganar independencia. Este proceso coincidió con su ingreso en 2017 a Polivalente, un entorno que resultó ser un gran estímulo creativo.

Laucha se define, con humor y orgullo, como un defensor acérrimo de la música de su ciudad y de Argentina. Para él, la identidad artística local es una bandera irrenunciable. 

Al analizar la actualidad, el guitarrista se muestra optimista. Asegura que la escena local atraviesa su mejor momento desde 2017. Recuerda que entre 2022 y 2023 existía una queja generalizada sobre la falta de espacios, pero la situación experimentó un giro positivo y hoy existe una oferta diversa de salas. No obstante, advierte sobre los desafíos: la sostenibilidad de la oferta, la diversidad de géneros y la necesidad de cooperación.

"Juntos es mejor. Los placeres son con otros", afirma Laucha al reflexionar sobre la importancia de la sinergia entre bandas.

Laucha es la antítesis del músico estático. Actualmente participa en siete proyectos musicales: cinco de carácter eléctrico y fijo, y dos en formato acústico. Aunque todos se estructuran bajo el paraguas de la canción pop, cada uno explora una identidad distinta. En Plan Roma, por ejemplo, destaca el juego creativo con el vocalista, definiéndose humorísticamente como "el perro y el gato" por sus intensas discusiones que enriquecen el resultado final.

Por otro lado, Lautaro Soto se inclina hacia el post-punk, mientras que Babel se enfoca en un pop rock directo. Odisea representa el sonido indie y pop alternativo, y su nuevo proyecto fusiona neo-soul, funk y pinceladas de jazz. "Mutar es lo que más me interesa como músico, no quedarme toda la vida tocando el mismo género", confiesa.

A pesar de su solvencia, admite lidiar con timidez y perfeccionismo al momento de componer letras propias. Sin embargo, gracias a las clases de canto, ha logrado canalizar su voz y perder el miedo escénico. Al mirar hacia el futuro, su meta ya no es la masividad, sino la autogestión y el disfrute del presente. "Hace dos años muchas de esas estrellas estaban lejos y hoy las tenés al lado. Disfrutemos lo que está sucediendo ahora, porque es bellísimo y no sabemos cuánto va a durar", concluye.

Tandil y Buenos Aires se conectan a través de una historia de perseverancia, aserrín y rimas. Thomas y LYRO, dos jóvenes carpinteros de 23 y 24 años respectivamente, criados en el mismo barrio y amigos de toda la vida, están listos para dar el paso más importante de su carrera artística. Con el lanzamiento de su nuevo single y videoclip "Baires", buscan romper el "techo" de su ciudad natal y consolidarse en la competitiva escena de la música urbana argentina.

La trayectoria de este dúo no es fruto de la casualidad, sino de años de amistad inquebrantable, trabajo duro y una profunda convicción de que la música es, ante todo, un refugio para la sanación personal.

La historia de los artistas comenzó en el barrio Jardín de Tandil, donde a los 7 años iniciaron una amistad que derivó en una profunda hermandad de vida. Compartieron la escuela primaria y prácticamente cada etapa de su crecimiento. Hoy en día, esa complicidad trasciende las aulas y se traslada a su oficio diario: ambos trabajan codo a codo como carpinteros para financiar sus producciones musicales.

"Nosotros somos carpinteros los dos", explican con orgullo, asumiendo que sus empleos cotidianos les permiten pagar instrumentales, plataformas digitales y producciones de calidad. Sin embargo, el norte está claro: "Yo no quiero trabajar con la madera toda mi vida, yo quiero... vivir de esto, vivir de la música", expresa Thomas, aspirando a obtener el sustento de un empleado de comercio pero a través de su arte. Para lograrlo, dedican todo su tiempo libre a la música; se levantan, trabajan y van directo al estudio a componer como cantautores de sus propios temas.

Aunque llevan años haciendo música y componiendo —llegando incluso a escribir temas para artistas nacionales —, el verdadero punto de inflexión ocurrió hace aproximadamente un año. En el estudio Apolo, mientras colaboraban con un productor de renombre nacional —reconocido por trabajar con figuras de la escena —, recibieron una validación crucial para su futuro. Al escuchar su material, este profesional les aseguró que artísticamente tenían el nivel de cualquier artista consagrado ("pegado") y que solo les faltaba reconocimiento.

Ese momento fue el disparador que los impulsó a profesionalizar su carrera. Decidieron pagar formalmente su distribución en plataformas digitales, invertir en campañas de publicidad y diseñar estrategias de marketing rigurosas. "La gente tiene que saber qué hacés, qué se viene, qué es lo próximo... tenés que estar en todo", sostienen, enfatizando la importancia de mostrar el "detrás de escena" y construir constancia para que el público se interese y los tome en serio.

Su nuevo single, titulado "Baires", representa su primer single oficial en conjunto, y se lanzará formalmente este viernes por la noche. La oportunidad del videoclip surgió cuando Thomas ganó un concurso de producción audiovisual en Capital Federal. Sin dudarlo, viajaron durante tres días (viernes, sábado y domingo) para rodar en locaciones urbanas de Buenos Aires que elevan significativamente el impacto de su propuesta visual.

Para el dúo, filmar en Buenos Aires es un paso estratégico indispensable. Citando la conocida frase "Dios atiende en Buenos Aires", explican que aunque se puede crecer en Tandil, la masividad y la sustentabilidad exigen expandirse a la capital. Allí, junto a amigos que viven de la música con disciplina profesional, asimilaron la importancia de mantener una postura impecable: “Te tenés que portar como un señor, porque en cualquier momento te puede ver alguien y no te toma en serio si no lo hacés”.

Detrás de su energía musical, la composición artística actúa como un canalizador de sus batallas personales. "Creo que la música es el lugar más cómodo, la sanación de uno también, porque salís del caos", afirman. Sus temas reflejan crisis sentimentales, ansiedades y dolores de la cotidianidad. Por ejemplo, la canción "Felicidad" de LYRO aborda procesos emocionales muy complejos donde el único motor motivacional es “la mirada de mi vieja”. 

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El cuidado mutuo ha sido indispensable para sostener el proyecto frente a las crisis de salud mental. El año pasado, LYRO lidió con ataques de pánico y ansiedad severa, recurriendo a terapia y a técnicas de anclaje como usar auriculares para trabajar y entrenar en calma. Sufrió una fuerte crisis de pánico hace dos meses, precisamente cuando planificaban el viaje a Buenos Aires. Paralizado por el miedo, se negó a viajar, pero el acompañamiento paciente de Thomas disipó sus tensiones y lo convenció de dar el salto. "Yo me caigo, él me levanta; él se cae, yo lo levanto", explican sobre su hermandad.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan es la falta de apoyo mutuo en la escena de Tandil, un ambiente donde a menudo impera el recelo por sobre la colaboración. Frente a esto, entienden que la única manera de derribar barreras y abrirse puertas es demostrar resultados: publicar videos profesionales, mantener la regularidad y generar "números" reales en las plataformas.

Con más de 10.000 visualizaciones en sus reels promocionales y la experiencia previa de haber abierto el show del trapero "El Doctor", el dúo mira al futuro con ambición medida. Mientras Thomas se enfoca en perfeccionar un sonido vocal único y reconocible, LYRO apunta a estructurar la monetización, la publicidad y el marketing digital para transformar su arte en su único empleo.

"Baires" se estrena esta noche a las 21:30 en el canal oficial de LYRO. No es solo un lanzamiento; es el manifiesto de dos amigos de la infancia que decidieron dejar las herramientas de carpintería en el taller para construir su propio destino sobre los escenarios.

La propuesta de Cultura Zip continúa consolidándose como un espacio de referencia para los artistas locales. En esta oportunidad, los integrantes de Vieja Minga se preparan para una jornada distinta, dejando de lado su habitual despliegue de gran formato para sumergirse en la intimidad de un set acústico. La cita será esta tarde, desde las 15,  en vivo a través de la plataforma de streaming de El Eco.

Para esta presentación, el grupo estará representado por Valen Cortez, Naty Otranto y Santi Benitez. Los músicos aceptaron el desafío de adaptar sus canciones más emblemáticas a un formato desenchufado, buscando sorprender a la audiencia con una faceta más cercana y descontracturada, característica distintiva del programa vespertino de la señal.

Vieja Minga es una formación que nació en Tandil en el año 2019 y que, desde sus inicios, ha logrado captar la atención del público local y regional. Su propuesta musical se destaca por combinar composiciones propias con una selección de clásicos de la cumbia latinoamericana, logrando un sonido festivo que los ha llevado a recorrer diversos escenarios con gran éxito.

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La banda se caracteriza por su imponente puesta en escena, contando con 12 músicos en total (Natalia Otranto, Ignacio Poli, Gonzalo Ibañez, Rodrigo Ibañez, Uriel Bonnardel, Abril Agüera, Santiago Benitez, Octavio Martinez, Emiliano Garcia, Valentin Cortez, Ezequiel Beltranella y Franco Poblete). La estructura del grupo incluye 4 vientos, 3 percusionistas, teclado, bajo, guitarra y 2 voces. Esta versatilidad les permite mantener una energía constante en sus presentaciones en vivo, las cuales son muy esperadas tanto en Tandil como en las localidades de la zona.

Este paso por los estudios de El Eco funciona como una antesala ideal para el espectáculo que el conjunto brindará este fin de semana en el Club Hípico. Los seguidores de la banda tendrán la oportunidad de disfrutar de un adelanto exclusivo y conocer detalles sobre su presente artístico y los proyectos que tienen por delante para el resto del año.

La invitación está hecha para todos aquellos que deseen disfrutar de una tarde diferente, donde la música y la charla se fusionan en el marco de Zip Unplugged. La transmisión en vivo permitirá que el público interactúe y sea testigo de esta versión inédita de una de las bandas más convocantes de la ciudad.

En el mapa musical de la provincia de Buenos Aires, existen artistas que logran capturar la esencia de su territorio no solo a través de las letras, sino mediante el ritmo y la cadencia de su propia vida. Nahu Elichiri es uno de ellos. Oriundo de Benito Juárez pero con un pie firme en Tandil, el músico representa una nueva generación de artistas que fusionan la calma del interior con la formación académica y la urgencia de la ciudad. Su recorrido fue analizado en detalle durante su paso por Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

Benito Juárez es descrito por Nahu Elichiri como un pueblo pequeño, de unas 30 cuadras de extensión, donde la movida musical sobrevive gracias a la pasión de sus habitantes más que a la infraestructura disponible. A pesar de no contar con tantos espacios de formación o lugares para tocar, Juárez ha mantenido históricamente un movimiento constante de músicos. El artista inició su camino a los nueve años en la Dirección de Cultura local, donde hoy, irónicamente, se desempeña como trabajador.

La música en la vida de Nahu Elichiri no es una elección azarosa, sino un legado familiar. Su padre formó una de las primeras bandas de canciones originales en Benito Juárez junto a su tío. Tras el fallecimiento de su padre cuando Nahu Elichiri tenía solo nueve años, la música se convirtió en un refugio y una forma de reconexión con su memoria. Actualmente, ese círculo familiar se mantiene intacto: su hermano Mateo toca el bajo y Luis Alberto Iocca, a quien considera un segundo padre, es su baterista.

Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Nahu Elichiri es cómo el entorno físico moldea su sonido. Juárez, con su geografía de llanura extrema, influye directamente en su sensibilidad compositiva. El artista describe su proceso como una mezcla de la visión urbana que le otorga Tandil y el aire folk y rural del campo juarense. Sus canciones suelen nacer de la música primero, dejando que las letras maduren con el tiempo, a veces durante años. Temas como el cambio de paisaje y la vida en la ruta son recurrentes, reflejando su rutina semanal: de lunes a jueves en Tandil por estudio y trabajo, y los fines de semana de regreso en Juárez.

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Actualmente, Nahu Elichiri se encuentra finalizando un proceso de grabación extenso para su nuevo álbum, el cual consta de 12 canciones. Este proyecto solista representa un salto al vacío y una apuesta personal. La grabación se lleva a cabo en la casa del tecladista de la banda y amigo cercano, lo que permite un ritmo de trabajo libre de las presiones comerciales.

"Juárez tiene esa posibilidad de que tenemos otros tiempos", explica el músico, destacando que pueden dedicar días enteros a una sola canción para dejarla madurar.

Este enfoque "slow" busca un salto de calidad y profundidad en las composiciones, alejándose de la ansiedad por el estreno inmediato. Como artista independiente, asume todas las facetas de su carrera, desde la composición hasta la gestión de su imagen digital. A pesar de la importancia de las plataformas, admite que el mundo de las redes sociales le resulta difícil. "Es difícil poner la cara y hablar... intento obligarme un poco a romper ese pudor y ese autocringe", confiesa sobre la necesidad de mostrarse en Instagram y otras plataformas para difundir su arte.

Su música, que incluye temas como "Ciudad" —regrabado con banda completa tras su versión original en pandemia— y el estreno de "Todo lo que hay dentro", busca redescubrir la luz y la oscuridad interna a través de melodías que invitan a la reflexión. Nahu Elichiri no oculta sus influencias, que van desde el impacto adolescente de la fuerza de Nirvana y Metallica hasta la admiración por figuras como Paul McCartney. Sin embargo, mantiene un fuerte vínculo con la música local, citando a bandas juarenses como Chicote y artistas como el Bomba Soco.

La propuesta de Nahu Elichiri es, en última instancia, una invitación a bajar un cambio, a escuchar el murmullo de la provincia y a valorar los procesos artísticos que se cocinan a fuego lento entre amigos y familia. Su música se puede encontrar en plataformas digitales como Spotify bajo su nombre y en Instagram como @elichiri.wav

La relación de Manuel, conocido artísticamente como Manu UNNAMED, con la música comenzó desde muy pequeño. Según relata el artista, los auriculares fueron su primer refugio frente a las dificultades cotidianas. "Siempre era de ponerme los auriculares e irme a un mundo aparte. Era una vida de escape que siempre me hizo muy bien y me permitió salir de la realidad", confiesa sobre sus años de infancia.

Su incursión formal en el mundo del hip hop se remonta a 2008 y 2009, cuando comenzó a practicar beatbox para sus amigos en la plaza. Aquella curiosidad inicial por el ritmo y la improvisación fue el motor que lo llevó a interesarse por las competencias de rap. Con 28 años en la actualidad, recuerda que su paso por la escuela secundaria fue fundamental para profundizar en el género, escuchando referentes que marcaron su estilo, como el grupo chileno Movimiento Original y artistas del rap estadounidense como Nate Dogg y Eminem.

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Para Manu, el lenguaje no fue una barrera para conectar con la música extranjera. "Es loco cómo hay algo que trasciende el lenguaje, es más el sentir", explica. Esta conexión emocional es la que hoy define su obra, la cual describe como un "canal de sanación" donde la búsqueda de autosuperación es el eje central de sus letras.

A diferencia de otros artistas que siguen métodos estrictos, el músico tandilense prefiere la fluidez. "No hay un método firme. Pongo un instrumental, tarareo, grabo y voy encontrando la vuelta dependiendo de lo que voy sintiendo", detalla sobre su forma de componer. Esta libertad creativa se complementa con un equipo de trabajo consolidado. 

Sobre el nombre artístico que lo identifica, el músico revela una anécdota curiosa vinculada a sus inicios en los videojuegos. "Estábamos con un compañero de laburo y buscaba un nombre. Me acordé que en el Counter, cuando no tenías nombre, aparecía 'unnamed'. Lo di vuelta y dice 'de Manu'. Es un juego de palabras: no tengo nombre, pero esto sale de Manuel", explica.

Al analizar el crecimiento del género urbano en los últimos años,  UNNAMED destaca la democratización de las herramientas de producción. "Antes se pensaba que para hacer música debías tener una formación estricta de conservatorio. Hoy, tener un micrófono en casa o más productores disponibles abrió una puerta gigante", sostiene. Asimismo, reconoce que el fenómeno del Quinto Escalón en 2015 fue un punto de inflexión que impulsó a toda una generación.

En cuanto a sus planes a corto plazo, el artista prefiere la agilidad de los lanzamientos individuales por sobre la estructura de un disco. "Tengo ganas de seguir sacando singles. La repercusión se la dejo a la vida", afirma. No obstante, el proyecto de llevar su música a los escenarios está latente. "Tengo pensado cocinarlo bien y presentarme con una banda, con batería y guitarra. Para fin de año es posible", concluye con entusiasmo, reafirmando que su norte es seguir creando con amor y honestidad.

El reconocido artista español Muerdo habló en exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre su esperada presentación en la ciudad. En una charla distendida, el músico reflexionó sobre su proceso creativo y la conexión especial que mantiene con el público argentino, al cual definió como "el mejor del mundo" por su calidez y afecto constante.

La gira, titulada "Gira por donde nacen las canciones", tiene un carácter acústico que le permite al artista llegar a localidades que habitualmente quedan fuera de los circuitos de los grandes espectáculos internacionales. Tras su paso por ciudades como Rosario, Córdoba y Mendoza, Muerdo continúa su recorrido por la provincia de Buenos Aires, incluyendo paradas en Junín, Olavarría, Lomas de Zamora, San Isidro y Mar del Plata, antes de su desembarco en Tandil.

Al ser consultado sobre el origen de su música, el cantautor explicó que sus composiciones nacen de las emociones y de una observación sensible de la realidad. "Las canciones surgen de lo que ocurre dentro y fuera de uno, de las historias de amigos y del mundo en general", señaló durante la entrevista. Este enfoque humano es el que ha logrado consolidar una carrera de 15 años, que ahora celebra con un repaso por sus seis discos de estudio.

Una de las particularidades más destacadas de esta gira es la metodología utilizada para definir el setlist. Muerdo decidió involucrar a sus seguidores a través de las redes sociales, permitiendo que sea el propio público quien elija las canciones que interpretará en cada show. Según el artista, este proceso ha sido "perfecto", ya que le brinda la oportunidad de revisitar temas antiguos y realizar un viaje emocional por todas sus etapas artísticas sin la presión de presentar material nuevo.

El formato del espectáculo en Tandil será sumamente íntimo. El músico se presentará solo en el escenario, acompañado únicamente por su guitarra, un teclado y su voz. A pesar de la sencillez del formato, el artista destacó que viaja respaldado por un equipo técnico y su Tour Manager, asegurando que la calidad sonora y la puesta en escena mantengan el "sello de calidad" que lo caracteriza en sus presentaciones internacionales.

Durante la charla, Muerdo recordó sus inicios en España, donde comenzó tocando en bares, centros cívicos y manifestaciones ligadas a movimientos sociales. También rememoró su primer viaje internacional a Cuba, donde fue invitado por el Instituto Cubano de la Música y tuvo la oportunidad de conocer a Silvio Rodríguez, un encuentro que marcó un antes y un después en su visión sobre la profesión.

Al reflexionar sobre el concepto de éxito en la industria musical actual, Muerdo fue contundente: "El verdadero éxito es poder vivir de la música y mantener una carrera larga y sostenible en el tiempo". Para el artista, los premios o los números en las plataformas de streaming son secundarios frente a la importancia de construir un público fiel en todo el mundo que acompañe al músico a lo largo de los años.

En su paso por Argentina, el cantautor valora especialmente el contacto con la naturaleza y los paisajes locales. Además, procura integrar a los músicos de cada región, a quienes suele invitar para abrir sus shows, fomentando un intercambio cultural enriquecedor. "Tandil y Olavarría son destinos nuevos para mí, y tengo muchas ganas de conocer su cultura y su gastronomía", comentó con entusiasmo.

Precisamente, el cierre de la entrevista tuvo un tono humorístico al abordar la gastronomía tandilense. Muerdo admitió tener excelentes referencias sobre los embutidos, el salamín y los quesos de la zona. Los conductores del programa bromearon sobre la competencia por el salame más largo del mundo, un récord que Tandil busca recuperar en noviembre, generando un momento distendido antes de recordar que las entradas para el show del 4 de septiembre ya se encuentran disponibles en su sitio web y redes sociales.

La escena musical de Tandil atraviesa un momento de vitalidad creativa sin precedentes. Así lo destacó Manu González Acosta durante su participación en La Mañana, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. La ciudad vive una semana histórica marcada por el lanzamiento de nuevas canciones de al menos cinco artistas locales, con una proyección que anticipa la llegada de cuatro álbumes más antes de finalizar el año.

Durante la entrevista, explicó que, si bien existe una gran diversidad de propuestas, los artistas locales deben adaptarse a las realidades económicas actuales. “Por razones de presupuesto, muchos optan por lanzar EPs de cuatro canciones, aunque otros han trabajado en producciones más extensas de hasta diez temas”, señaló el periodista, subrayando el esfuerzo de autogestión que caracteriza a la escena independiente.

Uno de los anuncios más destacados de la jornada fue la creación de los premios AQM, una iniciativa que busca galardonar por primera vez a los músicos de la ciudad. El proyecto es impulsado por Mariana Binder y Ezequiel Calvo, responsables de la web Aquí Música.

Estos premios tienen un alcance federal y buscan posicionarse como un referente similar a los premios Gardel o Mercedes Sosa, pero con un enfoque específico en brindar visibilidad a las bandas locales y emergentes. La comunidad podrá celebrar este hito el 20 de noviembre, fecha en la que se llevará a cabo la gala de entrega de los galardones.

El repaso por la actualidad musical incluyó a destacados exponentes locales. La banda Pezquis presentó “Vencida”, el primer adelanto de su tercer álbum de estudio. Este lanzamiento marca un hito para el grupo, ya que es el primero editado a través de la productora Casa Puente Discos, de Mar del Plata, lo que representa un paso firme en su expansión regional. La formación, integrada por Daniel Roca (voz y piano), Marcial Mose (bajo y voz) y Victoria Sala Pérez (batería y voz), explora ahora un sonido con bases progresivas, influencias de post-punk y rock alternativo.

Por su parte, Próspero Raúl Cantón lanzó su nuevo álbum titulado Hablemos de Vuelta, una obra compuesta por diez canciones. González Acosta destacó especialmente el tema “Vendiéndome”, que actualmente se posiciona como uno de los más escuchados. En el ámbito del género urbano y el trap, el artista Zest presentó su reciente sencillo “Yo ya te soy fiel a vos”. El joven músico, quien actualmente reside en Buenos Aires y se desempeña también como productor, se destaca por su enfoque integral que combina la composición con una fuerte impronta audiovisual y el uso de autotune.

A pesar del talento evidente, el análisis realizado en La Mañana puso el foco en una problemática persistente: la falta de escenarios adecuados. 

Aunque existen espacios como 990, Macanudo, Club Hípico y algunas cervecerías, se advierte una carencia de lugares con condiciones acústicas óptimas, especialmente fuera de las cuatro avenidas principales. Ante este panorama, se planteó la necesidad de contar con un espacio municipal equipado técnicamente, similar al histórico Cemento de Buenos Aires, que permita a las agrupaciones programar fechas sin enfrentar costos de producción que, en muchos casos, derivan en pérdidas económicas para los artistas.

Para cerrar su participación, Manu González Acosta invitó a los oyentes a contactarlo a través del Instagram de El Eco para continuar difundiendo el trabajo de nuevas bandas. 

La banda Pezcuis atraviesa un momento de expansión creativa y profesional. Con el reciente lanzamiento de su sencillo Vencida, el grupo reafirma su identidad sonora y se prepara para presentar su nuevo material discográfico a fines de septiembre. Este proceso no solo marca una evolución en su propuesta musical, sino que también consolida su vínculo con la escena independiente a través del sello Casa del Puente, con sede en Mar del Plata.

Para Victoria Salas y Daniel Roca, integrantes del proyecto, este nuevo corte de difusión representa un regreso a las raíces más enérgicas del grupo. Si bien sus trabajos anteriores exploraron matices vinculados al jazz y la balada, Vencida recupera una esencia rockera, combinando un ritmo acelerado con una carga emocional distintiva en la voz de Victoria Salas. La pieza fue grabada en Mar del Plata y mezclada en Tandil, reflejando el trabajo colaborativo que define su presente.

A pesar de la búsqueda constante por trascender las fronteras locales y alcanzar una audiencia nacional, el orgullo por su origen en Tandil permanece intacto. La ciudad no solo es mencionada en cada una de sus presentaciones, sino que funciona como una referencia constante tanto en sus composiciones como en la narrativa visual de sus videoclips. Para los músicos, salir de la ciudad es una herramienta necesaria para ganar perspectiva y "abrir la cabeza", permitiéndoles fomentar un circuito cultural regional que conecte a Tandil con localidades como Azul, Benito Juárez y Mar del Plata, descentralizando la mirada puesta únicamente en Buenos Aires.

La integración al sello Casa del Puente ha sido un pilar fundamental en esta etapa. Según explican Victoria Salas y Daniel Roca, esta estructura les permite formar parte de una comunidad de bandas amigas, como Maniobras y Cartas a Mí. Este respaldo no solo facilita la distribución y edición de sus discos, sino que también abre puertas a la prensa nacional, permitiendo que la música producida en Tandil gane mayor visibilidad en el mapa cultural del país.

En cuanto a la escena local, la banda observa un ecosistema fragmentado entre diversos géneros, desde el jazz y el soul hasta el punk y el metal. Su propuesta busca "administrar" esos mundos, invitando a bandas de distintos estilos para generar una mixtura de públicos. Para Pezcuis, el éxito ya no se mide por la masividad de los estadios, sino por la capacidad de construir comunidades orgánicas y sinceras que presten atención a la propuesta artística.

El lanzamiento de Vencida viene acompañado de una propuesta estética que profundiza en la mitología propia de la banda. El videoclip relata la existencia de un dios llamado Pezcuis, quien otorga inspiración a los artistas, y su conflicto con un científico conocido como Lucas. Este último busca secuestrar a los integrantes de la banda para apropiarse de dicha fuente creativa.

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Esta narrativa explica la puesta en escena que el público puede observar en sus presentaciones en vivo, donde los integrantes aparecen con vendas o líneas en los ojos. Estos elementos simbólicos representan el estado de control bajo el cual se encuentran frente al personaje de Lucas, integrando la ficción con la experiencia musical en un concepto integral.

Tras el estreno de este sencillo, la banda mantiene la mirada puesta en el lanzamiento oficial de su nuevo álbum, programado para fines de septiembre. Este disco promete mantener la estética renovada que el grupo ha trabajado recientemente, sin perder la esencia que los caracteriza desde sus inicios.

Una vez publicado el material, Pezcuis tiene proyectada una gira que los llevará a recorrer diversos puntos del país. Entre los destinos pensados en esta etapa de expansión se encuentran La Plata, Buenos Aires, Rosario y Córdoba. Con este despliegue, el grupo busca consolidar su propuesta a nivel nacional, reafirmando que la autogestión y el trabajo colectivo son motores posibles para el crecimiento de la música independiente argentina.

El frío de Tandil es particular; es, en palabras de quien ha recorrido los escenarios más importantes del rock nacional, "la Antártida dentro de la provincia de Buenos Aires". Sin embargo, ese clima gélido que se queda atrapado entre las sierras no ha logrado enfriar la pasión de una de las bandas más emblemáticas de la ciudad, y que este fin de semana volverá a presentarse en un escenario local. Tras 35 años de trayectoria, Katarro Vandáliko se prepara para un regreso triunfal a su tierra natal, cargado de nostalgia, nuevos proyectos y una mirada crítica sobre el presente cultural de su ciudad.

La historia de la agrupación es, ante todo, una crónica de persistencia. Con 52 años de edad y 28 de residencia en Buenos Aires, Matt Buzz recuerda cómo la música fue el motor que lo empujó a buscar nuevos horizontes a los 24 años. En aquel entonces, Tandil ofrecía un "techo" difícil de perforar: o se trabajaba en el campo, en la metalúrgica o se enfrentaba la desocupación. Buenos Aires fue la "vidriera" necesaria, aunque el comienzo fue duro, trabajando como mandadero en moto para poder financiar su sueño.

Hoy, la carpeta laboral de la banda es envidiable. Han pisado suelo mexicano en cuatro ocasiones, han realizado tres giras por Chile y han llevado su punk rock a Uruguay y Paraguay. Han tocado dos veces en el mítico Estadio Obras, cuentan con casi 23.000 seguidores en Spotify y poseen éxitos como "Si te encontrara", que supera el millón y medio de reproducciones. El reconocimiento ha llegado de lugares inesperados: desde el Papu Gómez celebrando goles en Arsenal con la remera de la banda, hasta figuras como Juan Manuel Moretti elogiando su nombre como el mejor de la escena.

A pesar de ser embajadores culturales que han hecho que en Acapulco o Montevideo se asocie a Tandil con su música, la banda vivió un trago amargo recientemente. El músico no oculta su tristeza y decepción por no haber sido convocados para los festejos de los 200 años de la ciudad.

"Para mí fue un error garrafal", afirma con pesar, atribuyendo la omisión a una falta de información o formación por parte de los organizadores. El sentimiento de ser ignorado en un evento de tal magnitud duele, especialmente cuando se han dedicado tres décadas y media a poner el pecho por la identidad tandilense en el exterior.

"Artísticamente y culturalmente fuimos lo más importante representando a la ciudad. Todavía Tandil no se dio cuenta de la banda que somos", reflexiona, aclarando que no lo dice desde el egocentrismo, sino desde la realidad de los hechos y el esfuerzo invertido.

Lejos de guardar su experiencia bajo llave, el líder de Katarro se ofrece como un consejero para las nuevas generaciones. Su visión es clara y pragmática, basada en los años de "meter huevo" y garra.

El primer pilar es salir de las "cuatro avenidas". Advierte que Tandil tiene un "cascarón" que, si no se rompe a tiempo, te atrapa de por vida. Insta a los artistas a no cansarse de tocar siempre para la misma gente y en los mismos lugares; recomienda salir a Rauch, Necochea o cualquier otro destino para mostrar el arte.

En segundo lugar, destaca la importancia de invertir en el arte antes que en la estética. Recuerda sus inicios, donde prefería usar la misma ropa o el mismo jean gastado pero comprarse un buen amplificador, un micrófono o un pedal. "Artísticamente estaba creciendo, aunque en ese momento no se viera el resultado", explica, subrayando la importancia de priorizar la calidad del sonido y el equipo.

Asimismo, reconoce la necesidad de Buenos Aires. Aunque valora las herramientas digitales actuales como Spotify y YouTube, sostiene que CABA sigue siendo el epicentro donde están las oficinas de publishing, las prensas más importantes y los contactos clave para derivar en proyectos mayores.

Finalmente, aboga por el profesionalismo y la intensidad. Se define como un "intenso" con el laburo, supervisando cada detalle desde el sonido y las imágenes en pantalla hasta el staff y el merchandising. "Si no sos intenso en esto, te pasan por arriba o te cajonean", asegura desde la experiencia de gestionar una estructura que, en producciones grandes, moviliza hasta 15 personas.

El retorno a Tandil para presentar su nuevo disco de 10 canciones —el primero tras 11 años sin editar material— es una mezcla de emociones. El álbum incluye ocho temas propios y dos covers ("Ella vendrá" de Los Visitantes y "Nunca voy a olvidarte"), un repertorio que busca reactivar la energía de la banda tras el éxito de su reciente edición en vinilo de "Buenos Muchachos".

Más allá del show, el viaje es un reencuentro con sus raíces: con sus amigos de toda la vida, con su abuela de 98 años y con su hija mayor, que es fotógrafa profesional. A pesar de los años y de haber cumplido el sueño de viajar en avión —algo que de chico, viendo las aeronaves de la Base Militar desde la escuela, le parecía imposible—, mantiene los pies en la tierra.

Con 52 años, empieza a contemplar el futuro y la "depresión post-música", deseando que, cuando llegue el momento de cerrar el telón, sea con la coherencia necesaria para despedirse bien de su público. Mientras tanto, sigue ensayando en su sala de Caballito, irónicamente llamada "Sala Tandil", demostrando que, aunque el artista salga de la ciudad, la ciudad —con sus sierras, su frío y su identidad— nunca sale del artista.

La emblemática banda de punk rock Katarro Vandaliko se encuentra actualmente presentando su nuevo material discográfico, titulado En el Lado B del Corazón. Este lanzamiento, que marca un hito en su extensa carrera, fue abordado recientemente en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde se destacó la vigencia de un grupo que ha sabido mantenerse como una referencia ineludible del género a nivel nacional.

Con más de tres décadas de trayectoria, la formación originaria de Tandil continúa recorriendo escenarios de Argentina y Latinoamérica, combinando sus composiciones más recientes con aquellos clásicos que marcaron a diversas generaciones de seguidores. La banda, formada en 1991, logró desde sus inicios fusionar la energía cruda del punk con melodías trabajadas, incorporando influencias clave del rock británico de los años 70 y 80 para construir una identidad sonora propia y reconocible.

La formación original, integrada por Matt Buzz y Juanse Papponetti en guitarras y voces, Hepi Rock en batería y Tin Estévez en bajo, logró cimentar un repertorio lírico profundo. Sus canciones, atravesadas por temáticas como el amor, el desamor, la injusticia social y la frustración generacional, permitieron que el grupo se convirtiera en una voz representativa para miles de jóvenes.

El año 2000 marcó un punto de inflexión con la edición de su primer álbum, Buenos Muchachos, el cual contó con la producción de Mariano Martínez, integrante de Attaque 77. Este trabajo es considerado hoy por la crítica y los fanáticos como un clásico moderno del punk argentino, estableciendo los cimientos de una discografía prolífica que incluye títulos como Llegando al Límite (2002), producido por Honest John Plain de The Boys, Simple Nostalgia (2003), Té de Estilo (2004), Contrarreloj (2008) y El Sonido de tu Tiempo (2011).

La influencia del punk rock de las islas británicas siempre ha sido una constante en la propuesta de Katarro Vandaliko. Esta conexión quedó plasmada de manera explícita en el EP Simple Nostalgia, donde la banda realizó versiones de clásicos de The Beatles y Buzzcocks. Esta faceta les permitió compartir escenarios con figuras de renombre internacional como GBH, Buzzcocks y Stiff Little Fingers, además de referentes locales como Dos Minutos y Flema.

La historia del grupo quedó documentada en hitos como el DVD en vivo 20 Años en Groove, registrado en 2012 en la Ciudad de Buenos Aires. Asimismo, en 2025, la banda celebró oficialmente sus 30 años de carrera con un show especial en Uniclub, donde se reunió la formación original, consolidando uno de los momentos más emotivos y significativos de su trayectoria.

Hoy, en 2026, el grupo sigue demostrando que su propuesta artística no solo se sostiene en la nostalgia, sino en la capacidad de renovarse. Con la presentación de En el Lado B del Corazón, Katarro Vandaliko reafirma su compromiso con el público y su lugar privilegiado en la historia del rock nacional, manteniendo intacta la energía que los vio nacer hace 35 años en las calles de Tandil.

Con apenas 20 años de edad, Pedro Moreno se posicionó como una de las voces emergentes con mayor proyección en la escena cultural de Tandil. Su reciente paso por Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, permitió al público conocer la profundidad conceptual que sostiene su propuesta artística. El músico, que se desempeña como pianista y compositor, explicó que su vínculo con el arte fue una constante desde su gestación, impulsado por una madre que aprendió a tocar la guitarra mientras estaba embarazada de él.

Esa conexión temprana se transformó en una formación que combinó la academia con la búsqueda personal. Moreno recordó su paso por el Conservatorio durante su infancia, aunque admitió que la rigidez de la música clásica no logró retenerlo. "No lo continué porque por ahí era música muy clásica o cosas que no me terminaban de cerrar", señaló, subrayando que su camino fue mayoritariamente autodidacta. Esta libertad creativa lo llevó a explorar diferentes géneros y a consolidarse como solista hace aproximadamente tres años, sumando luego experiencias colectivas en diversas bandas locales.

El eje central de la entrevista giró en torno a su primer trabajo discográfico, titulado "Neurosis saludable". El álbum, que se grabó en Cabrio Estudio bajo la producción de Lucas Pizzati, consta de ocho canciones que exploran la dualidad del sonido del artista: seis temas cuentan con banda completa y dos fueron registrados únicamente a piano y voz. Moreno destacó que el concepto del disco surgió de una charla con su psicólogo sobre la sublimación, un proceso mediante el cual se canalizan impulsos o dolores hacia fines creativos o productivos.

El joven autor definió su obra como la búsqueda de la "única neurosis que no es patológica", refiriéndose al arte como una herramienta de sanación. "Muchos artistas encuentran la inspiración en el dolor o en los momentos más difíciles u oscuros. Si uno lo toma como una oportunidad, es genial porque podés crear cosas hermosas", expresó. Esta filosofía se refleja en sus letras, que transitan por el autoconocimiento, la trascendencia de los miedos propios y el desamor, siempre desde una mirada reflexiva y madura.

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Durante su presentación en el programa, Moreno interpretó "Escaparate", el sencillo que funciona como punta de lanza de este proyecto. La canción, que según adelantó estará disponible en todas las plataformas digitales este fin de semana, muestra una lírica sensible apoyada en una ejecución técnica precisa. El artista remarcó que el proceso de producción del disco llevó casi dos años de trabajo, lo que evidencia una búsqueda de calidad sonora y una maduración artística que busca trascender las fronteras de la ciudad.

Además de su proyecto solista, el músico mantiene una intensa actividad en la escena tandilense como integrante de dos formaciones: Odisea y Derivé. En estas bandas, Moreno no solo aporta su talento en los teclados, sino que también participa en la composición de temas propios y la interpretación de versiones de otros artistas. Su versatilidad le permitió ganarse un lugar respetado entre sus pares, quienes valoran su capacidad para adaptarse a diferentes formatos y estilos musicales.

A pesar de su clara vocación artística, Pedro Moreno mantiene los pies sobre la tierra y reparte su tiempo con el trabajo diario. Con una naturalidad que sorprendió a los conductores, el joven relató que se dedica a la venta de quesos, una tradición familiar que lleva el apellido Moreno como marca de identidad. El negocio fue iniciado por su padre, Miguel Moreno, hace 38 años, y hoy es continuado por el músico y su hermano, quienes mantienen vivo el legado del comercio minorista y mayorista en la región.

"Confío plenamente en que en algún momento voy a dedicarme completamente a la música, que es lo que más me apasiona, pero hay que vivir", comentó con sinceridad. Esta dualidad entre el mostrador y el escenario no parece incomodarlo; por el contrario, Moreno integró ambas facetas de su vida. Incluso relató experiencias previas donde combinó sus pasiones, como en eventos donde el público podía pintar mientras él tocaba el piano y se degustaban productos de su familia, uniendo arte y gastronomía en una misma propuesta sensorial.

La disciplina que requiere el comercio parece haberle otorgado una estructura que aplica a su carrera profesional. El músico se mostró consciente de los desafíos que implica la industria actual, pero manifestó un deseo firme de llevar sus canciones mucho más allá de las sierras. Su gran sueño, según confesó, es poder recorrer el mundo mostrando su música, un objetivo que persigue con la misma tenacidad con la que encara su rutina laboral diaria.

El presente lo encuentra con una agenda cargada de compromisos. Este viernes se presentará en formato solista en el espacio Los Rojos, mientras que el sábado hará lo propio junto a su banda Odisea en Lunático. Estas fechas representan una oportunidad para que el público local tome contacto con el material de "Neurosis saludable" antes de su lanzamiento oficial. Con el respaldo de su familia y una identidad artística clara, Pedro Moreno se consolida como un ejemplo de la nueva generación de músicos tandilenses que apuestan a la producción propia y al trabajo constante.