El panorama de la música independiente se nutre constantemente de creadores que entienden la producción musical no solo como una inquietud estética, sino como un canal fundamental de procesamiento emocional. En este escenario destaca Pedro Moreno, quien se encuentra en las vísperas del lanzamiento de su esperado trabajo discográfico solista titulado Neurosis Saludable. Tras un meticuloso proceso de gestación de más de dos años y medio, el artista tandilense abre las puertas de su universo sonoro para reflexionar sobre la creación, la tecnología en el arte, la tensión entre el trabajo individual y colectivo, y el desafío emocional de exponer la propia sensibilidad al público. Esta información fue compartida durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

El título del álbum, Neurosis Saludable, no constituye un simple juego de palabras, sino que abreva en el concepto psicológico de la sublimación. Según explica Pedro, el proyecto busca encauzar los momentos oscuros, los dolores y las inseguridades para transformarlos en una creación artística concreta: la música. La obra se presenta como un disco de seis canciones, un formato breve y conceptual que bien puede considerarse un EP por su extensión, pero que adquiere la dimensión de álbum por la densidad de su desarrollo y el tiempo dedicado a su producción. Este lanzamiento marca el cierre de un ciclo de introspección e inicia una nueva etapa en la trayectoria del músico. La búsqueda de transparencia lírica e instrumental ya había mostrado sus primeros destellos con la publicación del sencillo Escaparate, lanzado el 8 de agosto en Spotify. Sin embargo, en Neurosis Saludable, la propuesta se expande hacia un paisaje más complejo, donde cada pieza funciona como un eslabón dentro de un relato sonoro coherente.

El proceso de realización de Neurosis Saludable representó un aprendizaje profundo. Llevado a cabo en Cabrio Estudio junto al productor Lucas Pizzati, el trabajo se extendió por más de dos años y medio dedicados a la producción, mezcla y masterización. Para Moreno, quien encaró el proyecto sin preconcebir rígidamente los tiempos de la industria, el estudio fue un espacio de intensa experimentación. Uno de los aspectos más singulares del disco reside en su confección instrumental. Si bien las canciones nacieron de la intimidad del piano y la voz, Moreno y Pizzati optaron por vestir cada pieza con arreglos complejos utilizando herramientas digitales y tecnología MIDI en Ableton. Salvo la batería y las guitarras, el resto de la instrumentación fue programado y manipulado nota por nota mediante teclados controladores. Esta metodología le otorgó al compositor un control preciso sobre el color y la estructura de cada sonido.

Durante las sesiones de grabación se contempló la posibilidad de incluir alguna versión despojada a piano y voz. No obstante, para mantener una identidad de banda completa a lo largo de los seis tracks, las tomas acústicas se reservaron para futuros proyectos, consolidando en el disco una sonoridad potente y matizada. La labor de Pedro Moreno se despliega en dos frentes simultáneos que obedecen a dinámicas creativas distintas: su faceta solista y su rol como voz líder en la agrupación Derivé. En su trabajo solista, Moreno goza de una libertad absoluta y sin ataduras estéticas. No existen fronteras de género ni acuerdos previos: la composición fluye hacia donde la inspiración lo demande, permitiéndose transitar desde sonoridades electrónicas hasta ritmos rioplatenses. Toda la responsabilidad compositiva recae sobre su propia visión, permitiéndole explorar texturas que en un formato grupal requerirían de un consenso previo.

En contraposición, Derivé funciona como un grupo colectivo de cinco miembros. En este espacio, la construcción musical se rige por la democracia, el debate fluido y la votación de ideas. El trabajo de Derivé ha tenido un carácter artesanal, grabando la mayoría de sus temas en la habitación-estudio de la casa de Agustín Dicembrile, salvo las baterías.. Actualmente, la banda atraviesa una etapa fructífera que incluye la regrabación de canciones como Jardín del Ser con la voz de Moreno, preparándose para lanzar nuevo material antes del estreno solista de Pedro. Esta dualidad permite al artista equilibrar la introspección solitaria con la energía que surge del intercambio constante con sus compañeros de banda, enriqueciendo así su lenguaje musical.

El abanico sonoro de Neurosis Saludable destaca por su variedad de dinámicas. El álbum se abre con La esencia, la primera canción compuesta para el proyecto y elegida como carta de presentación debido a su calidez y su ritmo impregnado de matices candomberos y de murga. Por su parte, la canción homónima Neurosis saludable explora terrenos vinculados a la música electrónica, mientras que el resto del repertorio transita por el rock y el pop alternativo. Durante su participación en Zip Unplugged, Moreno demuestra la plasticidad de su repertorio al interpretar canciones en formato desnudo. Piezas como Bien en una aceleración revelan su faceta más reflexiva sobre la ansiedad, la autoexigencia y la búsqueda de expansión interior. Asimismo, su versatilidad se evidencia en la interpretación de homenajes al cancionero popular argentino, como su versión de Perro amor explota de Bersuit Vergarabat, o en composiciones íntimas como Salí.

La salida de Neurosis Saludable está acompañada por una intensa agenda de compromisos artísticos que conectan la escena local con proyecciones regionales. El sábado por la noche, el músico participó en una colaboración con Mamelooks en el Festival Chacinar. Posteriormente, el viernes 13 de noviembre, Derivé se presentará en vivo en Harriz, en una fecha compartida con bandas invitadas. El estreno digital oficial del álbum solista de seis canciones tendrá lugar el viernes 20 de noviembre en plataformas como Spotify, YouTube y Apple Music. Finalmente, el jueves 10 de diciembre, Derivé realizará el debut oficial de la agrupación en el Gran Buenos Aires, presentándose en La Pulpería, ubicada en Monte Grande, marcando un hito importante en la expansión de su propuesta artística hacia nuevos públicos y geografías.

El lanzamiento de un trabajo de larga duración implica un desafío emocional considerable. Pedro Moreno ha reflexionado sobre las inseguridades ligadas a la exposición pública y la tentación de caer en el perfeccionismo. La decisión de demorar la salida del álbum unos días tras su finalización no obedeció a contratiempos técnicos, sino a la necesidad de alcanzar una solidez interna que le permitiera entregar la obra con convicción. En un contexto industrial dominado por la inmediatez y las métricas digitales, Moreno apuesta por una filosofía de desapego: crear y lanzar sin expectativas de validación externa ni obsesión por reproducciones. Las grabaciones son entendidas como fotografías inalterables de un momento específico en la evolución de un artista. Aceptar las imperfecciones y soltar el control sobre la recepción del público constituyen el verdadero cierre de la Neurosis Saludable, transformando el acto de hacer música en un ejercicio de libertad e historia compartida.

La maduración de este proyecto también refleja una evolución en la forma en que el músico se relaciona con su propio proceso creativo. Al trabajar durante más de dos años y medio, Moreno ha logrado destilar sus ideas hasta llegar a la esencia de lo que quería comunicar. La tecnología, lejos de ser un obstáculo, se convirtió en una herramienta de precisión que le permitió plasmar su visión sin las limitaciones físicas de un estudio tradicional. Esta capacidad de adaptación es, quizás, uno de los rasgos más distintivos de su carrera actual. La música, para Pedro Moreno, no es un producto estático, sino un organismo vivo que crece y se transforma con cada nueva experiencia. Al compartir este proceso en Cultura Zip, el artista dejó claro que la música es, ante todo, un acto de honestidad.

Mirando hacia el futuro, el músico se muestra entusiasmado por las posibilidades que se abren tras este lanzamiento. La combinación de presentaciones en vivo y el estreno de nuevo material con Derivé sugiere que el ritmo de trabajo no disminuirá en el corto plazo. Por el contrario, la sinergia entre su carrera solista y su participación en la banda parece potenciar ambos aspectos de su identidad artística. La comunidad musical de Tandil, que ha seguido de cerca su trayectoria, espera con expectativa el resultado final de este esfuerzo. La capacidad de Moreno para integrar influencias tan diversas, promete un disco que no dejará indiferente a nadie. La apuesta por la autenticidad, incluso a costa de la vulnerabilidad, es lo que hace que su propuesta resuene con tanta fuerza en quienes buscan algo más que simple entretenimiento en la música.

En definitiva, Neurosis Saludable es el testimonio de un artista que ha decidido abrazar sus contradicciones, pero también sus solores, y convertirlas en arte. La sublimación, como motor creativo, ha permitido que el dolor y la ansiedad se transformen en melodías que invitan a la reflexión y al disfrute. La dedicación puesta en cada detalle, desde la programación de los sintetizadores hasta la elección de los músicos invitados, demuestra un compromiso inquebrantable con la calidad y la coherencia estética. Pedro Moreno ha logrado construir un puente entre su mundo interior y el público, ofreciendo una obra que, más allá de las etiquetas, se sostiene por su propia honestidad y profundidad. El camino recorrido hasta aquí es solo el comienzo de una etapa que promete seguir sorprendiendo por su audacia y su sensibilidad.

La importancia de este lanzamiento trasciende lo estrictamente musical. Al poner el foco en la salud mental y la introspección, Moreno abre un diálogo necesario sobre las presiones que enfrentan los artistas en la actualidad. La decisión de no ceder ante las exigencias de inmediatez del mercado es un acto de resistencia que merece ser destacado. Al final del día, lo que queda es la música, una serie de canciones que capturan un momento, una emoción y una forma de entender el mundo. Para Pe, Neurosis Saludable es mucho más que un disco; es una declaración de principios, una forma de estar en el mundo y, sobre todo, una invitación a compartir un viaje emocional que, aunque personal, termina siendo profundamente universal para todos aquellos que se acerquen a escuchar su propuesta.

La trayectoria musical de Kevin Matos, vocalista y compositor de la banda de rock alternativo Valle de Asmat, constituye un testimonio transparente sobre la evolución, la búsqueda de identidad y la perseverancia en el circuito independiente. A sus 27 años, Matos encarna a una generación de músicos que comenzó explorando las métricas del género urbano para luego sumergirse en la complejidad instrumental del rock, construyendo un proyecto colectivo que, tras un parate prolongado, vuelve a entrar en el ruedo de la escena local con una energía renovada.

El vínculo de Kevin Matos con la creación musical despertó tempranamente, entre los 11 y 12 años, impulsado por una necesidad intuitiva de volcar ideas en el papel y compartirlas con su círculo cercano. En aquellos primeros pasos, sus composiciones iniciales se encontraban profundamente influenciadas por la música urbana que dominaba su entorno, con referencias de artistas como Eminem en géneros como el rap. Sin embargo, a diferencia de quienes heredan una cultura melómana familiar desde la infancia, la formación rockera de Matos fue un proceso de descubrimiento personal e independiente.

Hacia los 13 años, su panorama sonoro dio un giro al conectarse de forma autónoma con el rock nacional argentino. Agrupaciones como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Callejeros y La Renga ingresaron en su universo cotidiano, transformando su perspectiva y desplazando el foco urbano inicial hacia la fuerza del rock en vivo. A los 15 años, la curiosidad de Kevin se profundizó al explorar el punk nacional y manifestar el deseo concreto de formar una banda. En ese punto, el intercambio con compañeros y amigos actuó como catalizador al acercarle referentes del indie rock y del post-punk internacional como The Strokes, The Cure y Joy Division. Este hallazgo redefinió de manera definitiva el molde estético sobre el cual edificaría sus proyectos futuros.

Tras la experiencia de diversas bandas adolescentes de existencia efímera, la fundación formal de Valle de Asmat entre 2021 y 2022 representó la primera experiencia seria en la carrera de Matos. Surgida tras la cuarentena y la pandemia junto a un grupo de amigos inexpertos, la banda se asumió desde el comienzo como un proceso de aprendizaje compartido. El año 2023 marcó la consolidación del grupo. Con mayor disciplina, Valle de Asmat incrementó la frecuencia de sus presentaciones y registró su primer EP en Sendero Studio. Este trabajo formalizó la propuesta y les permitió girar de manera sostenida durante 2024 y comienzos de 2025.

No obstante, la dinámica independiente exigió un descanso. Durante 2025, el proyecto atravesó un parate de aproximadamente un año de inactividad. Lejos de significar el final, este periodo sirvió como un espacio de reflexión individual y colectiva que prepararía el terreno para una renovación integral. El sonido de Valle de Asmat ha transitado una evolución constante. Inicialmente asentada en una estética de garage rock primitivo, la banda fue agregando teclados y propuestas musicales variadas que ampliaron su paleta sonora. Al definir la propuesta del grupo, Matos utiliza el término rock alternativo debido a que la banda no se encasilla en un solo estilo. Aunque mantiene matices del punk, el post-punk y el garage rock, la propuesta integra exploraciones en el reggae, el folk y la música urbana.

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Esta apertura responde a una filosofía centrada en la búsqueda: asumir la incertidumbre inicial y descubrir la identidad en el propio proceso. Esta dinámica se sostuvo en la llamada "manija mutua" —el entusiasmo compartido—, la humildad ante fechas complejas y la certidumbre de que los ensayos difíciles son los verdaderos cimientos del aprendizaje. La trayectoria de Matos refleja una transición común entre los músicos jóvenes. Desde su análisis, mientras la música urbana prioriza lo rítmico y un contenido de consumo rápido, el rock abre un panorama más amplio en cadencia, melodía y riqueza armónica.

Esta visión integral se manifiesta también en su faceta solista, la cual desarrolla bajo el canal denominado Sexto Sello. En su trabajo individual, Matos produce piezas instrumentales a cuentagotas donde combina baterías de estilo boom bap con instrumentación en vivo. Sin embargo, la labor solista frente a la computadora le hizo extrañar la compañía de los músicos en el escenario, reorientando su prioridad hacia la banda. El retorno de Valle de Asmat cobró fuerza ante la consulta de organizadores por fechas disponibles. En un lapso de cinco a seis días, Matos reorganizó la formación junto a músicos experimentados: Lautaro Villafaña en bateria,  Lucas Almaraz en bajo y Faus Machado en Guitarra.

Con este equipo renovado, la banda proyecta cerrar el año con una presentación en diciembre o bien iniciar la temporada en enero o febrero. Este regreso coincide con una mirada optimista sobre la movida local, la cual ha experimentado un crecimiento notable desde 2022, visible en la multiplicación de bandas en festivales, la actividad en bares y el movimiento de DJs. La propuesta de Valle de Asmat, disponible en Spotify, YouTube e Instagram (@valledeasmat) junto al canal de Kevin (@kmatos99 y Sexto Sello), se reincorpora así como una pieza activa del circuito cultural, reafirmando que la música es un camino de constante mutación y búsqueda.

La capacidad de Matos para integrar sus influencias pasadas con las nuevas exigencias del rock alternativo demuestra una madurez artística que trasciende los géneros. Al observar el panorama actual, el músico destaca que la escena local posee una vitalidad única, donde la colaboración entre pares y la autogestión son los pilares que permiten que proyectos como Valle de Asmat sigan vigentes. Con la mirada puesta en los próximos ensayos y en la preparación de su repertorio para las presentaciones venideras, el líder de la banda se muestra entusiasmado por compartir esta nueva etapa con su público, consolidando un sonido que, aunque muta, mantiene intacta la esencia de su búsqueda original.

La escena musical independiente argentina cuenta con voces que buscan trascender lo efímero a través de una propuesta integral. Sabrina Ferder, artista multifacética, se ha posicionado como una figura que no solo compone, sino que dirige y produce cada aspecto de su obra. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, la cantante compartió detalles sobre su camino artístico y la reciente nominación a los premios AQM, un reconocimiento que llegó de manera inesperada para ella.

Al ser consultada sobre el origen de su canción Dominó, tema que ha ganado gran rotación en los medios, Ferder describió un proceso casi onírico. "La verdad que Dominó nació de una forma muy mística. Literalmente surgió de un sueño", relató la artista. A pesar de no considerarse pianista en aquel momento, la necesidad de materializar esa idea la llevó a experimentar con el teclado. "Apoyé las manos, sin saber qué estaba tocando, armé una progresión armónica y a eso le bajé la letra; fue todo como una gran canalización", explicó.

La estética visual de su obra es un pilar fundamental, algo que se refleja en el videoclip de Dominó. Ferder destacó el trabajo colaborativo detrás de la producción: "Yo soy productora de todas mis obras y también soy la que las cranea y dirige, pero fui sumando gente al equipo para poder realizarlo". En este sentido, resaltó la labor del director Roger Beckstein y del artista visual Diego Andrea Secoli, quien estuvo a cargo del montaje de la escenografía. "Se filmó en un quincho, pero todo eso que se compuso fue un cuadro específico para eso", aclaró sobre la locación.

La formación de Sabrina Ferder no se limita únicamente a la música. Con una trayectoria que incluye la actuación, el canto y el trapecio, su enfoque es profundamente performático. "Mi carrera musical nació de la teatralidad y desde la actuación", señaló. Aunque su lanzamiento como solista se formalizó en 2021 con el single Gamer Boedo, su experiencia previa en musicales y disciplinas audiovisuales le otorgó las herramientas necesarias para gestionar su propio proyecto de manera independiente.

Al reflexionar sobre el panorama para los artistas emergentes, Ferder reconoció que el camino es desafiante. "El espacio para el under es inmenso, como el under mismo", afirmó. Para la artista, la autogestión es una herramienta vital: "Todo artista que tiene deseo de crear y de hacer siempre se las rebusca, ya sea tocando en un barcito o armando la fecha en un espacio un poco más grande". A pesar de las dificultades, mantiene una visión clara sobre su carrera, buscando constantemente espacios de mayor visibilidad sin perder la esencia de su propuesta artística.

La determinación ha sido su motor principal. "Yo creo que es un proceso muy ninja, no paro de pegar patada y piña", confesó al hablar sobre cómo logra insertarse en los medios. Recordó una anécdota particular en un canal de televisión, donde su capacidad para conectar con otros a través de la música le abrió puertas inesperadas. "Personas que van pasando por mi vida abrazan eso que tengo para dar y es hermoso", añadió, subrayando la importancia de la perseverancia y la apertura a nuevas oportunidades.

En un contexto donde la industria musical parece exigir una producción constante de contenido para redes sociales, Ferder elige un camino distinto. "Para mí la obra es la canción y es el video", enfatizó. Su negativa a seguir la lógica de la "máquina de chorizos" responde a una necesidad de crear piezas con sentido. "No me interesa tanto esta producción artística tipo máquina de chorizos: saco un tema, hago 400 reels en el baño y otro con un gancho", sostuvo, reafirmando su compromiso con un arte que sea, ante todo, una obra completa.

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Esta visión se ve reflejada en su reciente nominación a los premios AQM en la categoría de mejor proyecto Pop Fusión. "Fue un mimo muy grande, no me lo esperaba para nada porque yo no me postulé", confesó. El hecho de que la distinción llegue por una canción lanzada hace dos años le otorga, según sus palabras, un valor doble. "Es una obra vieja, o sea, tiene ya dos años y no me postulé, así que fue una gran sorpresa", concluyó la artista, quien se prepara para participar de la ceremonia en Tandil el próximo 20 de noviembre.

La espera terminó para los seguidores de la escena musical local. Durante la emisión de esta tarde en Cultura Zip, se dieron a conocer los nombres de los cuatro artistas que formarán parte de la anteúltima edición del año de Zip Unplugged. Este ciclo, que se ha consolidado como un espacio fundamental para la difusión de talentos regionales, ha logrado reunir a más de 15 músicos en el estudio de El Eco Streaming a lo largo del 2026, ofreciendo presentaciones íntimas en formato acústico y charlas profundas con los conductores del programa.

El encargado de realizar el anuncio oficial fue Manu González Acosta, quien detalló el cronograma de presentaciones que comenzará la próxima semana. La agenda se pondrá en marcha el lunes 2 de noviembre con la participación de Francisco Margueritte. El cantautor tandilense, quien ya había dejado una marca positiva en su paso por el especial homenaje a Rubén Rada, regresa al estudio para inaugurar esta serie de conciertos con su propuesta personal, consolidando su vínculo con la audiencia del programa.

La programación continuará el martes 3 de noviembre con la presencia de Lucia Rojas. Será su primera vez en Cultura Zip, una oportunidad ideal para que el público pueda descubrir su repertorio y conocer de cerca su proceso creativo. La expectativa es alta, ya que el ciclo se caracteriza por generar un ambiente de cercanía que permite a los espectadores conectar de una manera distinta con las composiciones de los artistas invitados, transformando cada emisión en una experiencia única.

La segunda mitad de la semana contará con dos figuras muy queridas por el equipo de producción. El jueves 5 de noviembre, Emilia Inclan tomará el protagonismo para presentar su nuevo material discográfico. La artista tendrá un mano a mano exclusivo ante las cámaras de El Eco, donde compartirá los detalles de sus recientes creaciones. Este tipo de encuentros refuerza el compromiso del programa con el desarrollo de la carrera de los músicos locales, brindándoles una plataforma de difusión masiva y profesional.

Finalmente, el cierre de esta edición de Zip Unplugged estará a cargo de Pedro Moreno. Considerado una de las promesas más sólidas de la música local, Moreno cuenta con una trayectoria destacada en el programa, habiendo participado anteriormente en hitos como los festejos por los 300 programas. Su regreso se da en un contexto especial, ya que se encuentra a pocas semanas de lanzar su primer álbum de estudio, lo que convierte a su presentación en una cita imperdible para sus seguidores y para quienes siguen de cerca la evolución de la escena regional.

La historia de Franco Molina, conocido en el ambiente artístico como "Gaye", es la de una vocación que no registra un principio diferenciado de su propia existencia. A sus 27 años, este baterista profesional, docente, sesionista, modelo y creador de contenido recuerda con absoluta nitidez cómo la música ingresó a su cotidianeidad. Sus padres le inculcaron el amor por el arte desde muy pequeño, generando un entorno de contención que él mismo define como la columna vertebral de toda su carrera. Aquel apoyo inicial fue fundamental para que pudiera transformar sus inquietudes en una disciplina constante.

A los tres años, la imaginación infantil transformó la casa familiar en un escenario improvisado: daba vuelta un triciclo para simular los toms de una batería y utilizaba la silla de su madre para acompañar el ritmo de las canciones que escuchaba. La respuesta de su entorno no tardó en llegar: a los seis años, mediante una "vaquita" organizada entre familiares y amigos, recibió su primera batería real. Aquel esfuerzo conjunto marcó el inicio de un camino ininterrumpido que hoy, más de dos décadas después, lo encuentra consolidado como un referente local con proyección internacional.

Al reflexionar sobre por qué eligió la batería sobre cualquier otro instrumento, Molina señala que no conserva recuerdos sin ella. Atribuye esa inclinación a un don que trasciende lo terrenal, entendiendo la música como una búsqueda continua para descubrir qué propósito debe cumplir en el mundo a través de los parches. Para él, la batería no es solo un conjunto de tambores y platillos, sino un lenguaje propio que le permite comunicarse con los demás y canalizar sus emociones más profundas en cada golpe.

El paso de ver la música como un pasatiempo a asumirla como una profesión de tiempo completo requirió una toma de postura drástica. Durante un período de su juventud, Franco cursó la carrera de Turismo en la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires (UNICEN) en Tandil. Tras obtener su primer título intermedio, comenzó a experimentar una profunda insatisfacción interna. Aunque agradecía la posibilidad de estudiar y los trabajos temporales que le brindaban amigos, sentía que su energía estaba desviada de su verdadero destino.

La inquietud derivó en una consulta decisiva con su profesor de batería, Daniel Salicce. Franco le manifestó su deseo de empezar a dar clases. La oportunidad se presentó de inmediato cuando un amigo le pidió enseñanza. Molina comenzó dictando clases gratuitas y, al comprobar los avances reales en su alumno, tomó la determinación de "quemar los barcos" y abocarse por completo a la música. Aunque reconoce que la coyuntura económica argentina a veces exige realizar otras tareas, la claridad de su propósito le permitió consolidar un camino profesional sostenido.

Esta transición no fue sencilla, pero le permitió entender que la música requería una dedicación total. Al dejar de lado otras alternativas académicas, Molina pudo enfocar toda su capacidad intelectual y física en el perfeccionamiento de su técnica. Esta decisión, lejos de ser un salto al vacío, fue el cimiento sobre el cual construyó su actual realidad. Entendió que, para vivir del arte, debía tratar su práctica con la misma seriedad que cualquier otra profesión, manteniendo una rutina estricta y una visión clara de sus objetivos a largo plazo.

Hoy, al mirar hacia atrás, Franco valora cada etapa de su formación, incluso aquellos momentos de incertidumbre. La experiencia en la universidad, aunque no fue el camino que eligió para su vida, le otorgó herramientas de gestión y una perspectiva sobre el mundo laboral que aplica diariamente en su faceta como docente y emprendedor. La capacidad de adaptarse a los cambios y de persistir ante la adversidad se convirtió en su sello distintivo, permitiéndole navegar las aguas de la industria musical con una madurez poco común para su edad.

Franco Molina mantiene un compromiso constante con la formación técnica. Actualmente está a punto de graduarse como músico intérprete de batería en la Escuela de Música Popular de Tandil, donde ha estudiado con docentes como Daniel Salicce y Gero Castro. En el ámbito privado, su máximo referente ha sido Gustavo Meli, primer baterista argentino en conquistar la competencia mundial Modern Drummer. A través de clases particulares, seminarios y práctica autodidacta diaria, Molina perfecciona continuamente su ejecución.

Esta exigencia técnica se traslada a su programa de mentoría denominado Drums, donde entrena a bateristas de El Salvador, Chile, España, la Argentina y Tandil. Guiar a estudiantes con niveles avanzados lo motiva a estudiar sin pausa para mantenerse en constante evolución. En su faceta como sesionista, ha aportado su ritmo a proyectos de artistas como Lyro, Fran CB, Juliana Enechini, Valentina Palacio, Lula Andersen, Toti Cáceres (de Azul) y Niño Neo, eligiendo siempre propuestas enfocadas en la entrega y el talento.

El impacto de su labor pedagógica se mide en el crecimiento de sus alumnos, quienes encuentran en sus lecciones no solo técnica, sino también una filosofía de vida. Molina insiste en que el baterista debe ser un músico completo, capaz de entender la estructura de una canción y aportar el color necesario para que el mensaje llegue al oyente. Esta visión integral es lo que ha permitido que su programa de mentoría trascienda fronteras, conectando a músicos de diversas culturas bajo un mismo lenguaje: el ritmo.

La disciplina que exige a sus alumnos es la misma que se aplica a sí mismo cada día. Para Franco, el aprendizaje nunca termina. Cada nuevo proyecto, cada sesión de grabación y cada clase dictada es una oportunidad para aprender algo nuevo. Esta mentalidad de estudiante eterno es la que le permite mantenerse vigente en un mercado tan competitivo y cambiante, donde la capacidad de reinventarse es tan importante como la habilidad técnica sobre el instrumento.

Actualmente, el núcleo creativo de Molina se concentra en Metanoia en el desierto. La banda se encuentra finalizando su primer álbum de estudio con el trabajo del productor Víctor y el realizador audiovisual Iván. Franco describe el proyecto como un espacio que lo ha sacado de su zona de confort, rompiendo barreras de ego para construir una dinámica colectiva similar a la de un equipo de fútbol o una familia.

En paralelo, integra la banda Incesticide —tributo a Nirvana—. Esta búsqueda de superación se extiende al modelaje, disciplina que desarrolla bajo la guía de Claudia Lumovic, y al entrenamiento físico en el gimnasio. Para Molina, si bien la batería es su ámbito natural de comodidad, salir deliberadamente de ella en todas las áreas resulta indispensable para su crecimiento personal.

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Como conocedor activo de la escena artística de Tandil, Franco destaca el crecimiento de la cultura local. Pese a las dificultades económicas, observa un incremento constante de salas de ensayo, bandas y fechas en espacios. Para él, el motor principal es el "hambre de creación" de los jóvenes. A su vez, valora a las bandas de covers como espacios de entrenamiento técnico y fuente de trabajo que sustentan el desarrollo de proyectos propios. La respuesta del público tandilense, asegura, es siempre receptiva y acompañante.

El futuro para Franco Molina se presenta como un lienzo en blanco, lleno de posibilidades y desafíos. Con la mirada puesta en la internacionalización de su música y la expansión de sus programas educativos, el baterista tandilense sigue adelante con la misma pasión que lo llevó a golpear aquel triciclo hace más de dos décadas. Su historia es un testimonio de que, con esfuerzo, formación y una visión clara, es posible convertir los sueños en una realidad tangible, dejando una huella imborrable en la cultura de su comunidad.

La escena musical de Tandil ha experimentado una transformación significativa en los últimos años, impulsada por una nueva generación de artistas que han encontrado en el género urbano una vía de expresión genuina. Entre ellos, Cami López, quien se presenta bajo el nombre artístico de Androm3da, ha logrado posicionarse como una figura destacada. Su camino, que comenzó de manera oficial en 2022, está profundamente ligado a la agrupación local Sharau, un colectivo de artistas que ha sido fundamental para el desarrollo de su identidad sonora y su integración en el circuito nocturno de la ciudad.

Aunque su incursión en el trap y el género urbano es reciente, la música ha sido una constante en su vida. Cami López recuerda con claridad sus primeros años, marcados por las reuniones familiares donde la guitarra y el piano eran protagonistas. "La música siempre estuvo en mí. De chiquita, las juntadas eran con mis abuelos cantando, mis tíos, y siempre cantaba con mi viejo", relata la artista, quien en su infancia se nutrió principalmente del folklore, interpretando temas de referentes como El Chaqueño Palavecino o Soledad Pastorutti. Esta base diversa le permitió, años más tarde, adaptarse con fluidez a los ritmos urbanos.

El salto hacia el género urbano ocurrió casi por casualidad, tras conocer a los integrantes de Sharau en la sala La Mayor. Lo que comenzó como una visita por hobby se transformó rápidamente en un compromiso artístico. "Me voló la cabeza ver a los pibes ahí y todo lo que hacían. Empecé a caer a las juntaditas y me adentré en la música", confiesa. Para ella, el cambio de género no representó un obstáculo, ya que siempre se consideró una oyente ecléctica, pasando por la cumbia y el rock nacional antes de encontrar en el trap, durante el auge de artistas como Duki, el lenguaje que mejor la representaba.

Al ser consultada sobre la escasa presencia femenina en el género, Androm3da no esquiva la realidad social. "Vivimos en una sociedad un poco machista", señala, aunque reconoce haber tenido la fortuna de ser integrada rápidamente por sus pares en Sharau. No obstante, advierte que muchas colegas enfrentan dificultades para ganar terreno. "Creo que tiene mucho que ver con que al hombre todo lo que hace le parece que está buenísimo y a la mujer como que no se le da la misma importancia", reflexiona. A pesar de esto, celebra que en los últimos tiempos más mujeres se han sumado a la movida local.

La evolución de la cultura urbana en Tandil ha sido notable desde 2022. Cami recuerda que, al regresar de La Plata, la oferta cultural en la ciudad era limitada, pero la situación cambió rápidamente con la aparición de espacios como Lunático y el crecimiento de la autogestión. "Hoy en día lo veo re bien, hay mucha movida en la noche, cositas por todos lados, arte y parte. Se ha abierto un montón la cabeza y hay mucha gente metiéndole a la música y a las bandas", afirma con entusiasmo sobre el presente artístico de la ciudad.

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La aceptación del género urbano por parte del público general también ha sido un proceso gradual. Según la artista, el rechazo inicial que solía generar este estilo musical se ha disipado a medida que los exponentes del género demostraron que no se trataba de una moda pasajera. "Cuando ves que hoy en día muchos artistas llenan estadios como River o escenarios grandes y llegan muy lejos, te das cuenta de que no es algo así nomás", explica. En el ámbito local, asegura que el público tandilense, incluso el de mayor edad, ha comenzado a acompañar con mayor frecuencia las presentaciones en vivo.

Para Androm3da, el crecimiento profesional implica necesariamente mirar más allá de los límites geográficos de Tandil. "Moverte en tu ciudad te da un piso, pero toda ciudad tiene su techo; moverse a otras ciudades te abre oportunidades porque podés conocer artistas, gente y productores", sostiene. La experiencia de tocar en otras ciudades, como La Plata, ha sido clave para su desarrollo, brindándole una perspectiva más amplia sobre la industria y el intercambio cultural entre pares.

Un aspecto distintivo de su propuesta es la importancia que le otorga a la faceta audiovisual. Cami López no solo se encarga de la composición, sino que también gestiona la edición de sus videos y el diseño de sus portadas. "Siento que la música va más allá de escribir una canción; me gusta enfocarme en todos los detalles, porque todo suma para un resultado mucho mejor", comenta. Esta visión integral responde a su deseo de mostrar su identidad artística, priorizando la expresión personal por sobre la búsqueda obsesiva de métricas o visualizaciones en las plataformas digitales.

Recientemente, el colectivo Sharau presentó el tema "No fue fácil", una colaboración que incluye a 37LEONIDAS, BLOPA & L.C BABY. La canción aborda la incertidumbre y la ansiedad que atraviesan los jóvenes en la actualidad, proponiendo a la música como un refugio. "Es una forma de olvidarte de todo eso, disfrutar y sentirnos coronados haciendo lo que nos gusta", explica. Este lanzamiento es solo el inicio de una serie de proyectos que la artista tiene previstos para el resto del año, incluyendo el estreno de "Lo visualizamos" y otras colaboraciones con colegas como Plon.

Finalmente, al momento de recomendar talento local, Androm3da destaca la calidad de sus compañeros de Sharau y subraya el trabajo de Plown, a quien define como un productor y artista fundamental para la escena. Para quienes deseen seguir su trayectoria, la artista se encuentra disponible en Spotify, YouTube e Instagram bajo el nombre Androm3da, utilizando el número 3 en reemplazo de la letra E, una marca personal que ya identifica a esta referente que continúa construyendo su camino en la música urbana.

En un entorno natural, rodeados por la geografía de las sierras en Villa Laza, los integrantes de la banda Derivé compartieron los detalles de lo que será su próximo material discográfico. Tras una sesión de fotos que marca el inicio de la etapa de promoción, el grupo se mostró expectante y entusiasmado ante el inminente lanzamiento de su primer EP, un trabajo que definieron como corto, conciso y muy cuidado en cada uno de sus detalles técnicos y artísticos.

El proyecto, que ha demandado cerca de dos años de trabajo constante, se encuentra en su fase final de postproducción. Según explicaron los músicos, la instrumentación ya está completamente lista y solo restan definir algunos detalles menores en las voces para dar por concluido el proceso. Este EP de cinco canciones representa un paso fundamental en la trayectoria de la banda, que durante este año ha logrado consolidarse mediante diversas presentaciones en vivo, marcando un salto cualitativo en su carrera profesional.

Uno de los puntos más destacados del nuevo material es la revisión de temas conocidos por sus seguidores, como es el caso de Jardín del Ser. Esta pieza, que ya formaba parte del repertorio habitual del grupo, ha sido sometida a nuevos retoques y ajustes vocales, incluyendo la participación de Pedro Moreno en la voz principal. El objetivo, según señalaron, es ofrecer una versión con mayor profundidad, más voces y una estructura sonora más grande, buscando impactar positivamente en quienes ya conocen la propuesta original de la banda.

Para los integrantes de Derivé, la experiencia de grabar en un estudio ha sido un desafío que los obligó a elevar su nivel de exigencia. Jere Santillan, uno de los miembros del grupo, destacó la importancia de este proceso al señalar que el trabajo de estudio requiere una precisión y una prolijidad que difieren de la dinámica habitual de los ensayos en un garaje. La búsqueda de un sonido más simple pero efectivo fue una de las claves durante las sesiones de grabación, donde el perfeccionismo se convirtió en una herramienta fundamental para lograr el resultado deseado.

Para los músicos, la posibilidad de contar con material propio disponible en plataformas digitales como Spotify representa un hito emocionante. Existe una expectativa genuina sobre cómo reaccionará el público ante este nuevo repertorio y cómo se sentirá la banda al ver su obra consolidada en el ámbito digital en el futuro cercano.

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Al ser consultados sobre la identidad del grupo, Pedro definió a Derivé como una propuesta amplia, caracterizada por una gran potencia rockera y letras cuidadas. Esta versatilidad es la que han intentado volcar en el nuevo EP, buscando que cada canción aporte una textura diferente sin perder la esencia que los caracteriza. La banda enfatizó que, más allá de la técnica, el motor principal de este proyecto es la emoción y el deseo de sorprender a su audiencia con una evolución constante en su sonido.

Con el lanzamiento del EP programado para dentro de un mes, la banda ya se encuentra organizando los detalles de su presentación oficial. La intención es realizar un evento antes de que finalice el año, buscando un espacio adecuado y, posiblemente, acompañados por otras bandas de la escena local para enriquecer la experiencia del público. La logística de este evento es actualmente una de las prioridades del grupo, que busca armar una puesta en escena a la altura de la calidad del material grabado.

Más allá del lanzamiento, Derivé tiene planes ambiciosos para concluir el año. Entre sus objetivos se encuentra la posibilidad de realizar presentaciones en otras ciudades, con el fin de innovar y llegar a un público nuevo. Asimismo, el grupo ya comienza a proyectar el trabajo para el año próximo, donde planean enfocarse en la elección de nuevos covers, la definición de una estética propia y el desarrollo de aspectos más puntuales de su identidad artística. Este cierre de ciclo es vivido por los integrantes con gran satisfacción, celebrando el camino recorrido.

Para todos aquellos interesados en seguir de cerca las novedades, la banda invita a mantenerse atentos a sus canales oficiales. Los anuncios sobre la fecha exacta de lanzamiento y los detalles de los próximos shows serán comunicados a través de su cuenta de Instagram, derive.smp. De igual manera, el material estará disponible próximamente en Spotify bajo el nombre de la banda. Los integrantes concluyeron la entrevista reafirmando su compromiso con la música y su entusiasmo por compartir este nuevo capítulo con sus seguidores.

La banda la integran: Santino Ferrari, Agustín Dicembrile, Pedro Moreno, Abigail Rodríguez y Jeremías Santillan.

La escena musical tandilense se prepara para recibir nuevamente a Koino Yokan, una de las bandas con mayor crecimiento en el último tiempo. El grupo, liderado por Toto Otero y Jeremías Oro, se presentará el 23 de octubre en el escenario de Glow, en un show que promete marcar una diferencia respecto a sus visitas anteriores. La noticia fue confirmada durante una entrevista exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde el cantante compartió detalles sobre la actualidad del proyecto y su conexión con la ciudad.

Durante la charla, Toto Otero recordó con entusiasmo sus pasos previos por Tandil, aunque admitió que la última experiencia estuvo marcada por condiciones climáticas adversas. En esta oportunidad, el músico subrayó una diferencia fundamental: mientras que en ocasiones anteriores se presentaron en formato dúo, esta vez el grupo llegará con la banda completa. "La última vez fuimos a dúo y la experiencia fue acústica, íntima y suave; ahora vamos con la banda, así que es muy distinto", explicó el artista, anticipando una propuesta más potente para sus seguidores locales.

Al ser consultado sobre el vertiginoso ascenso de Koino Yokan, Otero reflexionó sobre la dualidad de sentirse una banda nueva con una trayectoria que ya suma casi diez años. "Uno siente que tiene cierta experiencia en escenarios, giras y grabaciones, pero sigo sintiendo que somos una banda nueva", confesó. Según el cantante, el crecimiento no fue un fenómeno meteórico, sino el resultado de un trabajo constante donde ciertas canciones y videos funcionaron como puntos de inflexión que obligaron al grupo a estar a la altura de las circunstancias.

El enfoque humano y la camaradería dentro del grupo fueron ejes centrales de la conversación. Otero destacó que, más allá de la música, el paso de los años les ha enseñado a comunicarse mejor y a fortalecer su amistad con Jere, algo que considera vital para la salud del proyecto. "Nos empezamos a hacer muy amigos con el paso de los años, nos entendemos muy bien. Hacer música juntos nos encanta y podemos vivir de esto", señaló, reconociendo que, a pesar de las dificultades económicas actuales que afectan a la industria cultural, cada presentación es una "bendición".

En cuanto a la evolución de sus objetivos personales y profesionales, el músico fue contundente al señalar que las metas han mutado desde sus inicios. "Al terminar el secundario me moría porque me aplaudan y sentirme importante", admitió, diferenciando aquellos deseos iniciales de los actuales, que están mucho más ligados a la búsqueda de la excelencia artística y al aprendizaje constante. Hoy, el propósito principal es seguir creando música, colaborar con colegas que admiran desde la infancia y lograr que sus canciones tengan un impacto positivo en quienes las escuchan.

El vínculo con el público en ciudades como Tandil, con cerca de 180.000 habitantes, sigue siendo una fuente de asombro para el artista. Otero describió la experiencia de tocar en vivo como una "fiesta" donde la conexión con los espectadores es lo más valioso. "Miro las caras de la gente y los veo cantando, tomados por la emoción. Es una locura pensar que esa canción que hice en un micro, en un momento dado, hoy acompaña a otra persona", compartió conmovido, reafirmando que la magia de compartir ese momento es algo que nunca deja de sorprenderlo.

Finalmente, el cantante se refirió a la dinámica de trabajo en el estudio, donde actualmente se encuentran grabando nuevo material. Lejos de la competitividad que pudo existir en los primeros años, hoy prima un espíritu de colaboración donde las ideas fluyen de manera orgánica. "De repente uno tiene una melodía, el otro la completa y empezamos a hacer la letra juntos; nos hacemos uno", describió sobre el proceso creativo que los mantiene enfocados en la calidad de su próximo disco.

La cita para el reencuentro con el público tandilense será el 23 de octubre. Las entradas ya se encuentran disponibles para quienes deseen disfrutar de una noche que, según las palabras de los integrantes del programa, se perfila como uno de los eventos destacados de la agenda cultural de la ciudad. Con la promesa de un show enérgico y la calidez que caracteriza a la banda, Koino Yokan se prepara para dejar su huella una vez más en Tandil.

La escena musical de Tandil cuenta con nuevos exponentes que, con una visión clara y una marcada impronta personal, buscan abrirse camino en la industria actual. José Pontaroli, un joven músico de 21 años, representa a esa generación que combina la formación académica con la necesidad expresiva de la composición. Aunque actualmente reside en Mar del Plata, donde cursa sus estudios en comunicación, su vínculo con Tandil permanece intacto y es el eje central sobre el cual proyecta sus próximos pasos artísticos.

Al ser consultado sobre sus inicios, Pontaroli reconoce que la música siempre estuvo presente en su vida, aunque durante mucho tiempo la mantuvo en un plano secundario por temor a las dificultades que implica dedicarse profesionalmente al arte. "Siempre toqué la guitarra, nunca lo tomé muy en serio, siempre escribí canciones así medio sencillas", comenta el músico. Sin embargo, la persistencia del impulso creativo terminó por imponerse. "Es eso que dicen siempre los artistas, que no le podés escapar. En algún punto fue decir: bueno, yo toda la vida, más allá de lo que haga o de lo que trabaje, voy a seguir haciendo música, así que más vale tomármelo en serio", explica.

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El entorno familiar de Pontaroli ha sido un pilar fundamental en su desarrollo, ya que proviene de un hogar donde el arte se respira en cada rincón. Con un padre dibujante y una madre vinculada a las artes plásticas, la sensibilidad estética fue un rasgo compartido entre los siete hermanos. "Toda mi familia es muy artística, aunque no siempre por el lado de la música. Mis tíos sí son músicos, pero mi viejo es dibujante y mi vieja estudió arte también. Yo aprendo a tocar la guitarra por mi viejo, pero muy sencillo. Mis hermanos también tocan instrumentos; uno el bajo y otro el piano, así que lo tenemos muy de familia", detalla el entrevistado.

En cuanto a su estilo, el músico se identifica con la tradición del folk, particularmente con la vertiente estadounidense, donde la narrativa y la estructura acústica son protagonistas. Esta elección estética conlleva desafíos técnicos, especialmente al presentarse en vivo. "Siento que tocar solo me limita un montón en las canciones. Todo el tiempo que las toco, estoy pensando en los arreglos y en los instrumentos que les agregaría. Suelo tocar en vivo solo porque es más fácil manejar un proyecto propio, pero siempre que las pienso para grabar o para algo a largo plazo, son canciones para tocar con banda", afirma Pontaroli.

Sobre la escena local, el joven músico observa un panorama alentador aunque con desafíos pendientes. "Para mí hay una linda movida. Me estoy adentrando más este último año, porque mi hermano también empezó a tocar en banda. Lo que siento que falta mucho es la banda joven en general, pero de a poco yo creo que se va dando y está relindo verlo", sostiene. Su plan para el año próximo es consolidar un ensamble musical con amigos de Tandil, aprovechando que finalizará su cursada presencial en Mar del Plata para instalarse nuevamente en la ciudad y trabajar con mayor regularidad en los arreglos de sus composiciones.

La autogestión es otro de los temas centrales en la carrera de Pontaroli. En un contexto donde el artista debe asumir roles de productor, distribuidor y estratega de marketing, el músico destaca la democratización de las herramientas digitales. "Ahora, en 2026, el laburo del artista es mucho más democrático. Tenés mucha más apertura a hacer un montón de cosas que antes no podías hacer. En tu cuarto podés grabar una canción con una calidad a la que antes la gente no podía llegar nunca", analiza. No obstante, reconoce que el éxito actual depende en gran medida de la construcción de una audiencia fiel.

Para el músico, la relación con el público es el motor que permite el crecimiento de un proyecto independiente. "Creo que es muy importante la audiencia. Se ha demostrado un millón de veces que artistas han crecido por Instagram o TikTok. Siento que no se le da tanta importancia al trabajo que hace la audiencia de compartir, de estar ahí todo el tiempo, de ir a los shows y de bancar. Muchos artistas se han dado cuenta de eso y le ponen más atención al trato con la comunidad", reflexiona sobre la dinámica actual entre creadores y seguidores.

En el plano de la composición, Pontaroli adopta una postura humilde y constante, entendiendo que la calidad es el resultado de un proceso de aprendizaje continuo. "Vas a escribir una buena canción cuando hayas escrito 500 malas. Te tenés que poner a escribir y a sacar todo lo malo. Personalmente, me pasa mucho de sobrepensar demasiado el arte, y siempre me doy cuenta de que, al revés, cuando menos lo pienso y cuanto más lo dejo fluir, mejores salen las cosas", confiesa sobre su método de trabajo.

Finalmente, el músico destaca cómo su formación en comunicación ha influido en su faceta artística, otorgándole herramientas para vincularse mejor con su entorno. "La carrera y los años de facultad me hicieron cambiar un montón como persona en el ámbito social, en aprender a comunicarme y a mostrarme. Me dio una apertura a la vida muy distinta a la que tenía en el colegio", concluye. Aquellos interesados en seguir su trayectoria pueden encontrar su material bajo el nombre de José Pontaroli en plataformas como Soundcloud, Instagram y TikTok.

La relación de Imanol con el universo sonoro se gestó de manera orgánica y pausada en la tranquilidad cotidiana de Tandil. Fue entre los 13 y 14 años cuando tomó una guitarra por primera vez, abriendo una puerta que inicialmente parecía destinada a ser solo un pasatiempo de juventud. En su entorno familiar existía un antecedente sutil: su padre había tocado el instrumento durante un breve lapso, pero fue una práctica efímera que no perduró en el tiempo y se terminó abandonando.

Lejos de una tradición musical heredada, Imanol se convirtió formalmente en el primer artista de la familia junto a su hermana Maite, una talentosa pintora con quien comparte esa búsqueda expresiva indispensable. Sin embargo, aquel acercamiento inicial a las seis cuerdas sufrió una metamorfosis radical al momento en que la práctica individual dio paso a la interacción colectiva.

La verdadera transición de simple pasatiempo a canal de expresión profunda ocurrió cuando se presentaron los primeros proyectos grupales. Enfrentarse a la dinámica de tocar con otros exigió un compromiso distinto: el joven músico no solo tuvo que integrarse al pulso de una banda, sino también llevar al frente una postura e identidad artística bien definida ante el instrumento. Fue en esa instancia donde la guitarra dejó de ser un entretenimiento secundario para transformarse en la columna vertebral de su identidad y en el lenguaje primordial para volcar sus vivencias más íntimas.

El perfil artístico de Imanol no se explica únicamente desde la música; su paso por la carrera de cine introdujo una mirada narrativa y conceptual decisiva en su modo de habitar el arte. Para el músico, la creación artística constituye una herramienta fundamental para conectar con lo más genuino y transparente del ser humano. El escenario, en lugar de ser una vitrina de exhibición o un espacio cargado de presiones, se convierte bajo su óptica en un refugio donde es posible sentirse cómodo, reencontrarse con uno mismo y habitar el goce de la diversión más pura.

Esta visión se entrelaza de forma estrecha con su modo de concebir la propia subjetividad. Distante de las posturas estáticas o de una autoimagen rígida, Imanol entiende la identidad como una trama flexible, afirmando ser un conjunto de facetas donde habitan distintas partes de su ser. En esa pluralidad, la vivencia musical funciona como el catalizador que activa su dimensión más elevada.

“Conecto con ese Ima artístico, con ese Ima que nace de la música, porque yo también a la música la siento como algo espiritual y algo que me conecta con algo más.”

La maduración sonora de Imanol dentro del circuito independiente local se forjó en el calor de los ensayos y las presentaciones compartidas. Dos agrupaciones resultan fundamentales para comprender su recorrido: su paso por Ando Chillin y su experiencia más reciente en Manicomio del Amor. Ambas vivencias funcionaron como auténticas escuelas de formación técnica y humana, permitiéndole desarrollar la escucha atenta, la capacidad de acople y la construcción de un discurso sonoro común.

En la actualidad, la inquietud creadora de Imanol ha tomado un rumbo diferente, adentrándose de lleno en el universo de la música electrónica. Este giro conceptual tuvo un hito relevante durante su presentación en el evento local Lunatico, donde expuso ante el público su nuevo formato de exploración individual apoyado en sintetizadores y samplers. En este entramado, la improvisación emerge como el método central de composición e interpretación en directo.

Para el artista, la incorporación de tecnología representa la oportunidad de disponer de "juguetes para crear", reivindicando el concepto del juego infantil como un motor vital inalienable. En el territorio de la improvisación electrónica, el error deja de ser un fallo indeseado para transformarse en el insumo principal de la creación. La filosofía de Imanol sostiene que la equivocación debe utilizarse siempre a favor del proceso: se trata de hacer del error una obra en sí misma, aprender de la contingencia sonora y perfeccionar la expresión a través del descubrimiento imprevisto.

Al observar la escena independiente de Tandil, Imanol mantiene una mirada sumamente positiva y entusiasta. Define la movida local como un terreno dinámico, caracterizado por la floración constante de nuevos proyectos que renuevan el pulso cultural de la ciudad. Dentro de esta trama colectiva, el vínculo con sus pares ocupa un lugar de profunda gratitud, reconociendo a sus amigos y colegas locales como verdaderos maestros.

Manu Mujica, cantante de Crazy Macayas, recorrió parte de su historia con la música, el camino de la banda y el particular momento que atraviesa la escena local, con una gran cantidad de proyectos y fechas que logran convocar público incluso cuando coinciden durante una misma noche.

Mujica lleva alrededor de 15 años cantando, aunque su acercamiento a la música no surgió de una tradición familiar. “En mi familia no hay músicos, pero algo me interesó desde chiquito”, contó. Sus primeros pasos llegaron casi de manera intuitiva, siguiendo melodías acompañado por una guitarra criolla.

Con el tiempo, aquella inquietud se convirtió también en un espacio personal. Cuando le preguntaron qué había encontrado en la música que no había hallado en otros ámbitos, respondió entre risas que, de entrada, descubrió algo “en lo que soy mejor que para los deportes”, aunque inmediatamente agregó una definición mucho más profunda: “Es un lindo refugio”.

La historia de Mujica con Crazy Macayas lleva aproximadamente cinco años, aunque con distintas etapas. Según explicó, el proyecto comenzó a tomarse con mayor seriedad durante los últimos tres.

“Encontramos un grupo donde el conector siempre es la amistad, el compartir y después viene todo lo más profesional”, señaló sobre la dinámica interna de la banda. Los comienzos estuvieron lejos de una estructura demasiado planificada: se juntaban a tocar, incluso sin baterista, hasta que comenzaron a aparecer las primeras composiciones propias.

“Empezamos medio a los ponchazos, de juntarnos ni siquiera con baterista al principio, zapar temas y de pronto en algún momento empezamos a hacer temas propios”, recordó. Ese fue el punto en el que comenzaron a advertir que había algo para desarrollar: “Esto suena bien. Capaz que si le damos una vueltita de rosca vale la pena”.

Actualmente, la banda está integrada por Manuel Mujica en voz, Alejo Aldaz en bajo, Tomas Medina y Juan Delgado en guitarras y Octavio Picasso en batería.

Buena parte de la charla giró alrededor de la escena musical tandilense. Para Mujica, la ciudad atraviesa una etapa especialmente interesante por la cantidad y diversidad de proyectos que están funcionando en simultáneo.

“A mí me da la sensación de que hay un muy lindo momento”, sostuvo. Como ejemplo, recordó noches en las que Crazy Macayas tocó con una buena convocatoria mientras, al mismo tiempo, otras bandas también llenaban sus respectivos espacios.

“Hay muchas cosas a veces en simultáneo y todo funciona, que teóricamente no debería. Hay muchas bandas, muchos proyectos, muchos géneros distintos. Hay un poco para cada uno y eso está buenísimo”, destacó.

Ese movimiento también permite que los públicos se mezclen. Para Mujica, compartir escenario entre diferentes proyectos es una de las principales puertas de entrada para quienes todavía no conocen una banda.

“Cuando se cruzan los públicos pasa que por ahí uno fue a ver una banda y de pronto le prestaste atención a la otra”, explicó. A eso se suman quienes llegan después de encontrarlos a través de plataformas como Spotify.

Crazy Macayas también debe convivir con una realidad que atraviesa prácticamente a cualquier proyecto musical independiente: las redes sociales y las plataformas digitales.

Mujica reconoció que es un terreno que todavía les cuesta. “Yo nunca tuve TikTok, por ejemplo. Entonces, todo lo que es participar o ponerse una cámara enfrente es muy difícil para nosotros”, contó.

Sin embargo, entiende que son herramientas necesarias para comunicar lo que hace la banda y llegar a nuevas personas. El límite, para él, aparece cuando la lógica de las redes obliga a un artista a convertirse en algo que no representa.

“No funciona nada que no sea genuino. No funciona nada que te haga salir por fuera de lo que vos realmente sos porque se nota enseguida”, planteó.

Aun así, destacó que existen bandas que encontraron en las redes otro terreno artístico: “Hay bandas que ahí encuentran un espacio de creatividad que excede a la música y eso también está bueno”.

Otro de los temas abordados fue la dificultad que encuentran muchos proyectos tandilenses para tocar fuera de la ciudad.

Mujica señaló que existe una primera barrera económica y logística, pero remarcó que el problema principal suele ser otro: llegar a una ciudad en la que la banda todavía no tiene público propio.

Eso obliga a generar vínculos con grupos de otras localidades y construir cierta reciprocidad: invitarlos a tocar en Tandil para luego encontrar oportunidades de presentarse en sus ciudades.

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“Es un gasto, pero sobre todo por ahí lo que más cuesta es llegar a una ciudad sin un público propio. Entonces te obliga a hacer esos lazos de reciprocidad con otras bandas”, explicó.

En el caso de Crazy Macayas, reconoció que se sienten particularmente cómodos jugando de locales. “Nos gusta tocar acá. Las veces que hemos salido fueron lindas experiencias, estuvo bueno”, expresó.

La próxima presentación de Crazy Macayas permitirá justamente uno de esos cruces que Mujica considera importantes. La banda compartirá fecha con El Síndrome de la Desatención y Nano C, proyectos con integrantes de distintas generaciones.

Mujica contó que ya existía un vínculo con El Síndrome, mientras que a Nano C lo conocieron después de coincidir en una fecha. La propuesta les gustó y rápidamente surgió la idea de volver a compartir escenario.

“Siempre tenés un cruce con bandas de otras generaciones. Hoy nos toca hacer un poco los más grandes. En algún momento fuimos los más chicos”, reflexionó.

En ese sentido, destacó que los jóvenes siguen encontrando un espacio dentro del rock, pese a que durante años se instaló la idea de que las nuevas generaciones estaban volcándose exclusivamente hacia géneros como el trap o el reggaetón.

Para Mujica, además, el público rockero mantiene una característica fundamental para sostener una escena independiente: la costumbre de ir a ver bandas en vivo, incluso cuando se trata de grupos emergentes.

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Recordó como ejemplo lo que ocurría en fechas de punk y hardcore, donde podían verse adolescentes muy jóvenes participando activamente de los shows. “Veías chicos muy pibitos mandándose a palos ahí adelante. Eso está buenísimo”, expresó.

El crecimiento de la escena también expuso otra dificultad: la cantidad limitada de espacios para tocar.

Mujica mencionó sitios como 990, Arte y Parte, Macanudo y Edípico, y reconoció que buena parte de la actividad termina concentrándose en una zona relativamente pequeña de Tandil.

“Cuando vos empezás a tocar medio seguido, empezás a repetir los lugares muy seguido”, señaló. Sobre 990, por ejemplo, aseguró que es un espacio que les encanta, aunque Crazy Macayas ya se presentó allí varias veces y, cuando no están tocando, suelen concurrir para ver otras bandas.

La posibilidad de generar circuitos musicales en otros barrios aparece como algo atractivo, aunque Mujica reconoció que existe una dificultad inevitable: para que aparezcan nuevos espacios también tiene que acompañar el público.

Aunque Crazy Macayas disfruta especialmente del vivo, el cantante explicó que intentan administrar las presentaciones para evitar saturar las fechas y encontrar tiempo para trabajar en material nuevo.

“A veces no amontonarte las fechas te da tiempo para sacar temas nuevos, para pulir lo anterior, para pensar lo que viene después”, explicó.

Por eso atraviesan distintas etapas: momentos en los que encadenan varias presentaciones con una lista relativamente similar y otros en los que prefieren retraerse para trabajar puertas adentro.

El repertorio también cambia según el contexto. Crazy Macayas tiene canciones con sonidos muy diferentes, por lo que pueden preparar una lista más pesada o una propuesta más tranquila dependiendo del espacio y de las bandas con las que compartan escenario.

Para quien todavía no haya escuchado al grupo, Mujica evitó elegir una sola canción como carta de presentación. “Para mí es una banda que se fortalece cuando vas viendo los distintos sonidos más que un tema en particular”, explicó.

Y dejó una recomendación concreta: quien tenga unos 25 minutos puede escuchar “Faunas”, disponible en Spotify, para tener una aproximación más completa al universo de Crazy Macayas.

“Los invitamos a todos. Vamos a estar ahí con El Síndrome, con Nano C, son dos grandes bandas de Tandil y bueno, vamos a estar nosotros también, que nos defendemos”, cerró Mujica entre risas.

Las anticipadas pueden solicitarse a través de las redes sociales de la banda, en @crazymacayas.

Uno de los dúos que más creció dentro de la escena pop/rock argentina llegará a Tandil el viernes 23 de octubre a las 21:00 para presentarse en Glow. El proyecto musical Koino Yokan, conformado por el cantante Tomás Otero y el guitarrista y productor Jeremías Oro, continúa consolidándose como una de las propuestas más personales y convocantes de la escena argentina. Con una identidad marcada por la sensibilidad en sus composiciones y una impronta sonora que equilibra la emoción con la potencia, el dúo llega a Tandil en el marco de un recorrido que los ha llevado por los escenarios más importantes de Latinoamérica y Europa.

La trayectoria del grupo ha sido ascendente desde sus inicios. Tras el lanzamiento de su primer álbum, “Lo que Ayer Callé”, en 2021, la banda logró captar la atención del público masivo. Un año después, la publicación de ocho sencillos los posicionó en los rankings virales de Argentina y Uruguay, además de convertirlos en referentes dentro de la plataforma TikTok. Este crecimiento se tradujo en reconocimientos, como el Premio Martín Fierro al Artista Revelación, y en una serie de presentaciones que incluyeron el cierre de su gira ante 2.000 personas en el Complejo C de Buenos Aires.

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Durante 2023, la convocatoria del dúo se multiplicó, logrando tres fechas consecutivas con entradas agotadas en Vorterix y recorriendo plazas clave como Córdoba, Rosario, Santa Fe y Montevideo. Aquel año culminó con un Teatro Gran Rex colmado, donde contaron con la participación de artistas invitados como El Zar, Santi Muk, Alan Sutton y Juanchi Baleiron. En diciembre de ese mismo ciclo, presentaron su segundo álbum de estudio, “Desandando Mis Pasos”, compuesto por 16 canciones que definieron su madurez artística.

El 2024 fue un año de expansión internacional, llevando su música a México, Uruguay, Chile, España y Costa Rica, además de diversas ciudades argentinas. A este despliegue se sumaron los sencillos “Cambiando la Mirada”, “Ey” y “La Solución”, junto a la edición de su primer disco en vivo, registrado precisamente en el Teatro Gran Rex. La constante actividad continuó en 2025 con una gira europea que los llevó por Barcelona, Londres, Dublín, París, Madrid, Copenhague y Berlín, reafirmando su alcance global.

El 2026 encuentra a Koino Yokan en una etapa de especial crecimiento. Recientemente, Tomás Otero y Jeremías Oro protagonizaron un show a banda completa en el C Art Media de Buenos Aires, marcando un nuevo hito en su carrera con una puesta en escena ambiciosa. En paralelo a estas presentaciones, el dúo trabaja intensamente en la producción de su próximo álbum, del cual ya han compartido diversos adelantos que exploran nuevas texturas sonoras.

Uno de los lanzamientos más recientes es “La Despedida”, una colaboración junto a Gauchito Club. Esta canción aborda la temática del final de una historia y la transformación necesaria para iniciar un nuevo camino. El tema fusiona la sensibilidad característica del dúo con la frescura y el pulso rítmico de Gauchito Club, logrando un encuentro entre dos propuestas que comparten una manera honesta y cercana de construir sus canciones.

“La Despedida” se suma a una serie de adelantos que incluye “Morirme Con Vos”, junto a Cruzando el Charco, y “Toda la Vida”, en colaboración con Benjamín Amadeo. Estas piezas forman parte de una búsqueda creativa que busca ampliar el universo sonoro de Koino Yokan. El próximo disco se perfila como una obra que explora nuevos horizontes, manteniendo siempre la esencia que los convirtió en una de las propuestas más destacadas de la nueva música argentina.

La llegada a Tandil representa una oportunidad única para que los seguidores locales disfruten de este presente artístico. Con una trayectoria que combina el éxito en plataformas digitales con una sólida presencia en vivo, el dúo promete un espectáculo que recorre sus grandes éxitos y anticipa la dirección que tomará su próxima producción discográfica.

La escena musical de Tandil atraviesa un presente vibrante, con un crecimiento exponencial de propuestas en la región. En el centro de este ecosistema se encuentra Lucas Pizzati, apasionado de la música que transitó todas sus aristas: desde técnico de sonido a los 16 años y alumno del Conservatorio, hasta productor en su estudio y multiinstrumentista en Babel.

En una charla íntima y reveladora en Cultura Zip, Pizzati desentraña su historia, analiza los desafíos de la independencia y reflexiona sobre el arte en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.

Para Lucas, la música no fue una elección, sino un entorno natural. Hijo de un integrante de Ajenjo Show, banda mítica activa por más de 50 años, Lucas y su hermano Pablo naturalizaron de chicos los ensayos y giras.

"Mi viejo se iba a ensayar martes y jueves, religiosamente. Y el fin de semana tocaban dos o tres veces. Nos criamos en ese ámbito", recuerda Lucas. Esta disciplina, donde cada domingo se ordenaba la sala, fue el semillero formativo de su carrera. A los 13 años ya tocaba en bandas y a los 16 se convirtió en sonidista, sumando rodaje regional.

En 2003, junto a su hermano Pablo y otros hijos de integrantes de Ajenjo, fundaron Capitán Beto. Lo que comenzó como un pasatiempo de covers en cumpleaños de 15, fiestas de la Farándula y eventos, se convirtió en un oficio formal de seis años. "La música empezó como hobby, pero rápidamente se convirtió en un oficio", señala.

En 2012 nació Babel, enfocada en canciones de autor. Tras un parate, regresaron en 2024. Hoy, como quinteto, la integran los hermanos Pablo (composición, voz), Lucas Pizzati (producción), Mariu Padín (bajo, comunicación), Gero Castro (batería) y Laucha Villalba (guitarra).

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"Babel es una banda muy inquieta. Trabajamos de una manera muy cooperativa; solo no vas a ningún lado", explica Lucas, destacando el valor de la autogestión compartida. Mientras preparan su tercer disco, la banda se alista para un show integral en el espacio Arte y Parte, prometiendo una puesta en escena cuidada con artistas invitados que busca sobresalir en la abundante oferta local.

Pizzati atribuye el auge local a la democratización de la grabación, la educación gratuita del Conservatorio y el crecimiento de la ciudad. Sin embargo, advierte una barrera común: la dificultad para cruzar "las cuatro avenidas" y expandirse regionalmente.

"Para dar un escalón más, es inevitable salir de la ciudad", afirma Lucas. El camino implica recorrer localidades vecinas como Olavarría y Azul, para luego proyectar hacia Mar del Plata, La Plata o Buenos Aires. No obstante, advierte que este despegue requiere profesionalismo comercial.

"Instagram ayuda, pero el lobby hay que hacerlo físicamente. Viajar previamente, presentar una carpeta seria, acordar condiciones económicas y vender un espectáculo consolidado. No alcanza con caer con una guitarra", enfatiza. Para Pizzati, entender la música como una industria que corta tickets es el diferencial para dar el salto.

Como productor, Lucas lidia a diario con plataformas como Spotify, donde se suben unas 100.000 canciones por día y el 60% no supera las 1.000 reproducciones. Además, se requiere que el oyente permanezca más de 30 segundos para que cuente como reproducción, lo que empuja a acortar canciones o eliminar las introducciones.

"Desde el lado artístico, el algoritmo es un garrón", se lamenta Lucas. Sin embargo, su consejo es claro: "Hay que morir en la de uno. Si querés hacer introducciones, hacelas con desarrollo musical". En lugar de sacrificar la identidad, Pizzati sugiere planificar: "Si vas a sacar un disco, prepará el despegue con un mes de anticipación y continuá un mes después. Una salida planificada dura tres meses, no un día". Para la escucha de alta fidelidad, destaca plataformas como Tidal, que permiten subir másters en máxima resolución, a diferencia de Spotify.

El debate sobre la Inteligencia Artificial (IA) no le es ajeno. Aunque reconoce la precisión con la que emula estilos o clona voces de artistas populares —como ocurre con versiones no oficiales de Milo J—, Lucas defiende la interpretación humana.

"La IA siempre se parece a algo ya hecho. Si hoy componemos solo con ella, ¿qué escucharemos en 50 años?", cuestiona. Valora herramientas de separación de pistas (como Moises), pero defiende fervientemente la música tocada: "La música se destaca por sus detalles y errores humanos, que son tan musicales y nos hacen tan bien. En el estudio, si hay emoción en una toma, prefiero dejarla. No busquemos que la música hecha por humanos se parezca a la inteligencia artificial, donde todo es perfecto. Dejemos cosas humanas", concluye.

Consultado sobre sus favoritos de la escena tandilense, Lucas traza un mapa de indispensables:

Con la pasión intacta que heredó de su familia y la lucidez de quien comprende los engranajes de la industria contemporánea, Lucas Pisati continúa construyendo la banda sonora de una ciudad que no para de sonar.

En el ecosistema cultural de la ciudad, existen figuras que actúan como verdaderos motores de la movida independiente. No solo ejecutan un instrumento, sino que viven y respiran la música de su entorno. Uno de ellos es Laucha Villalba, un guitarrista cuya pasión y compromiso lo han llevado a integrar múltiples agrupaciones en simultáneo, consolidándose como una de las caras más activas de la escena contemporánea.

En una entrevista exclusiva, el músico recorre su historia: desde sus primeros acordes influenciados por Gustavo Cerati y David Gilmour, pasando por la mística del colegio y su banda de la adolescencia, hasta llegar a su presente con siete proyectos musicales y una firme filosofía de resistencia colectiva frente al individualismo.

La relación de Laucha con la música nació mucho antes de que pudiera sostener una guitarra. De niño, sentarse frente a los parlantes cuando su familia ponía música ya representaba un acontecimiento trascendental. Aunque a los cinco años intentó estudiar piano, el interés se desvaneció pronto. Sin embargo, el verdadero "clic" ocurrió un año después, al quedar hipnotizado por una guitarra verde en una vidriera.

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A esta fascinación visual se sumó un impacto sonoro decisivo: ver a Gustavo Cerati tocando "En la ciudad de la furia" en televisión. Aquella descarga de energía, sumada a la influencia de próceres como David Gilmour y Pappo, lo llevó a insistir durante un año hasta obtener su instrumento. Su formación formal comenzó a los seis años con Carlos Rebello, un histórico docente local con quien estudió de manera ininterrumpida durante siete años.

Rebello no solo le enseñó técnica, sino también la importancia de la autonomía. Justo antes de la pandemia, el maestro notó que Laucha solía esperar que él le resolviera las canciones, a pesar de su capacidad para sacarlas por cuenta propia. Con sabiduría pedagógica, decidió espaciar las clases para forzarlo a ganar independencia. Este proceso coincidió con su ingreso en 2017 a Polivalente, un entorno que resultó ser un gran estímulo creativo.

Laucha se define, con humor y orgullo, como un defensor acérrimo de la música de su ciudad y de Argentina. Para él, la identidad artística local es una bandera irrenunciable. 

Al analizar la actualidad, el guitarrista se muestra optimista. Asegura que la escena local atraviesa su mejor momento desde 2017. Recuerda que entre 2022 y 2023 existía una queja generalizada sobre la falta de espacios, pero la situación experimentó un giro positivo y hoy existe una oferta diversa de salas. No obstante, advierte sobre los desafíos: la sostenibilidad de la oferta, la diversidad de géneros y la necesidad de cooperación.

"Juntos es mejor. Los placeres son con otros", afirma Laucha al reflexionar sobre la importancia de la sinergia entre bandas.

Laucha es la antítesis del músico estático. Actualmente participa en siete proyectos musicales: cinco de carácter eléctrico y fijo, y dos en formato acústico. Aunque todos se estructuran bajo el paraguas de la canción pop, cada uno explora una identidad distinta. En Plan Roma, por ejemplo, destaca el juego creativo con el vocalista, definiéndose humorísticamente como "el perro y el gato" por sus intensas discusiones que enriquecen el resultado final.

Por otro lado, Lautaro Soto se inclina hacia el post-punk, mientras que Babel se enfoca en un pop rock directo. Odisea representa el sonido indie y pop alternativo, y su nuevo proyecto fusiona neo-soul, funk y pinceladas de jazz. "Mutar es lo que más me interesa como músico, no quedarme toda la vida tocando el mismo género", confiesa.

A pesar de su solvencia, admite lidiar con timidez y perfeccionismo al momento de componer letras propias. Sin embargo, gracias a las clases de canto, ha logrado canalizar su voz y perder el miedo escénico. Al mirar hacia el futuro, su meta ya no es la masividad, sino la autogestión y el disfrute del presente. "Hace dos años muchas de esas estrellas estaban lejos y hoy las tenés al lado. Disfrutemos lo que está sucediendo ahora, porque es bellísimo y no sabemos cuánto va a durar", concluye.

Tandil y Buenos Aires se conectan a través de una historia de perseverancia, aserrín y rimas. Thomas y LYRO, dos jóvenes carpinteros de 23 y 24 años respectivamente, criados en el mismo barrio y amigos de toda la vida, están listos para dar el paso más importante de su carrera artística. Con el lanzamiento de su nuevo single y videoclip "Baires", buscan romper el "techo" de su ciudad natal y consolidarse en la competitiva escena de la música urbana argentina.

La trayectoria de este dúo no es fruto de la casualidad, sino de años de amistad inquebrantable, trabajo duro y una profunda convicción de que la música es, ante todo, un refugio para la sanación personal.

La historia de los artistas comenzó en el barrio Jardín de Tandil, donde a los 7 años iniciaron una amistad que derivó en una profunda hermandad de vida. Compartieron la escuela primaria y prácticamente cada etapa de su crecimiento. Hoy en día, esa complicidad trasciende las aulas y se traslada a su oficio diario: ambos trabajan codo a codo como carpinteros para financiar sus producciones musicales.

"Nosotros somos carpinteros los dos", explican con orgullo, asumiendo que sus empleos cotidianos les permiten pagar instrumentales, plataformas digitales y producciones de calidad. Sin embargo, el norte está claro: "Yo no quiero trabajar con la madera toda mi vida, yo quiero... vivir de esto, vivir de la música", expresa Thomas, aspirando a obtener el sustento de un empleado de comercio pero a través de su arte. Para lograrlo, dedican todo su tiempo libre a la música; se levantan, trabajan y van directo al estudio a componer como cantautores de sus propios temas.

Aunque llevan años haciendo música y componiendo —llegando incluso a escribir temas para artistas nacionales —, el verdadero punto de inflexión ocurrió hace aproximadamente un año. En el estudio Apolo, mientras colaboraban con un productor de renombre nacional —reconocido por trabajar con figuras de la escena —, recibieron una validación crucial para su futuro. Al escuchar su material, este profesional les aseguró que artísticamente tenían el nivel de cualquier artista consagrado ("pegado") y que solo les faltaba reconocimiento.

Ese momento fue el disparador que los impulsó a profesionalizar su carrera. Decidieron pagar formalmente su distribución en plataformas digitales, invertir en campañas de publicidad y diseñar estrategias de marketing rigurosas. "La gente tiene que saber qué hacés, qué se viene, qué es lo próximo... tenés que estar en todo", sostienen, enfatizando la importancia de mostrar el "detrás de escena" y construir constancia para que el público se interese y los tome en serio.

Su nuevo single, titulado "Baires", representa su primer single oficial en conjunto, y se lanzará formalmente este viernes por la noche. La oportunidad del videoclip surgió cuando Thomas ganó un concurso de producción audiovisual en Capital Federal. Sin dudarlo, viajaron durante tres días (viernes, sábado y domingo) para rodar en locaciones urbanas de Buenos Aires que elevan significativamente el impacto de su propuesta visual.

Para el dúo, filmar en Buenos Aires es un paso estratégico indispensable. Citando la conocida frase "Dios atiende en Buenos Aires", explican que aunque se puede crecer en Tandil, la masividad y la sustentabilidad exigen expandirse a la capital. Allí, junto a amigos que viven de la música con disciplina profesional, asimilaron la importancia de mantener una postura impecable: “Te tenés que portar como un señor, porque en cualquier momento te puede ver alguien y no te toma en serio si no lo hacés”.

Detrás de su energía musical, la composición artística actúa como un canalizador de sus batallas personales. "Creo que la música es el lugar más cómodo, la sanación de uno también, porque salís del caos", afirman. Sus temas reflejan crisis sentimentales, ansiedades y dolores de la cotidianidad. Por ejemplo, la canción "Felicidad" de LYRO aborda procesos emocionales muy complejos donde el único motor motivacional es “la mirada de mi vieja”. 

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El cuidado mutuo ha sido indispensable para sostener el proyecto frente a las crisis de salud mental. El año pasado, LYRO lidió con ataques de pánico y ansiedad severa, recurriendo a terapia y a técnicas de anclaje como usar auriculares para trabajar y entrenar en calma. Sufrió una fuerte crisis de pánico hace dos meses, precisamente cuando planificaban el viaje a Buenos Aires. Paralizado por el miedo, se negó a viajar, pero el acompañamiento paciente de Thomas disipó sus tensiones y lo convenció de dar el salto. "Yo me caigo, él me levanta; él se cae, yo lo levanto", explican sobre su hermandad.

Uno de los mayores desafíos que enfrentan es la falta de apoyo mutuo en la escena de Tandil, un ambiente donde a menudo impera el recelo por sobre la colaboración. Frente a esto, entienden que la única manera de derribar barreras y abrirse puertas es demostrar resultados: publicar videos profesionales, mantener la regularidad y generar "números" reales en las plataformas.

Con más de 10.000 visualizaciones en sus reels promocionales y la experiencia previa de haber abierto el show del trapero "El Doctor", el dúo mira al futuro con ambición medida. Mientras Thomas se enfoca en perfeccionar un sonido vocal único y reconocible, LYRO apunta a estructurar la monetización, la publicidad y el marketing digital para transformar su arte en su único empleo.

"Baires" se estrena esta noche a las 21:30 en el canal oficial de LYRO. No es solo un lanzamiento; es el manifiesto de dos amigos de la infancia que decidieron dejar las herramientas de carpintería en el taller para construir su propio destino sobre los escenarios.

La propuesta de Cultura Zip continúa consolidándose como un espacio de referencia para los artistas locales. En esta oportunidad, los integrantes de Vieja Minga se preparan para una jornada distinta, dejando de lado su habitual despliegue de gran formato para sumergirse en la intimidad de un set acústico. La cita será esta tarde, desde las 15,  en vivo a través de la plataforma de streaming de El Eco.

Para esta presentación, el grupo estará representado por Valen Cortez, Naty Otranto y Santi Benitez. Los músicos aceptaron el desafío de adaptar sus canciones más emblemáticas a un formato desenchufado, buscando sorprender a la audiencia con una faceta más cercana y descontracturada, característica distintiva del programa vespertino de la señal.

Vieja Minga es una formación que nació en Tandil en el año 2019 y que, desde sus inicios, ha logrado captar la atención del público local y regional. Su propuesta musical se destaca por combinar composiciones propias con una selección de clásicos de la cumbia latinoamericana, logrando un sonido festivo que los ha llevado a recorrer diversos escenarios con gran éxito.

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La banda se caracteriza por su imponente puesta en escena, contando con 12 músicos en total (Natalia Otranto, Ignacio Poli, Gonzalo Ibañez, Rodrigo Ibañez, Uriel Bonnardel, Abril Agüera, Santiago Benitez, Octavio Martinez, Emiliano Garcia, Valentin Cortez, Ezequiel Beltranella y Franco Poblete). La estructura del grupo incluye 4 vientos, 3 percusionistas, teclado, bajo, guitarra y 2 voces. Esta versatilidad les permite mantener una energía constante en sus presentaciones en vivo, las cuales son muy esperadas tanto en Tandil como en las localidades de la zona.

Este paso por los estudios de El Eco funciona como una antesala ideal para el espectáculo que el conjunto brindará este fin de semana en el Club Hípico. Los seguidores de la banda tendrán la oportunidad de disfrutar de un adelanto exclusivo y conocer detalles sobre su presente artístico y los proyectos que tienen por delante para el resto del año.

La invitación está hecha para todos aquellos que deseen disfrutar de una tarde diferente, donde la música y la charla se fusionan en el marco de Zip Unplugged. La transmisión en vivo permitirá que el público interactúe y sea testigo de esta versión inédita de una de las bandas más convocantes de la ciudad.

En el mapa musical de la provincia de Buenos Aires, existen artistas que logran capturar la esencia de su territorio no solo a través de las letras, sino mediante el ritmo y la cadencia de su propia vida. Nahu Elichiri es uno de ellos. Oriundo de Benito Juárez pero con un pie firme en Tandil, el músico representa una nueva generación de artistas que fusionan la calma del interior con la formación académica y la urgencia de la ciudad. Su recorrido fue analizado en detalle durante su paso por Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

Benito Juárez es descrito por Nahu Elichiri como un pueblo pequeño, de unas 30 cuadras de extensión, donde la movida musical sobrevive gracias a la pasión de sus habitantes más que a la infraestructura disponible. A pesar de no contar con tantos espacios de formación o lugares para tocar, Juárez ha mantenido históricamente un movimiento constante de músicos. El artista inició su camino a los nueve años en la Dirección de Cultura local, donde hoy, irónicamente, se desempeña como trabajador.

La música en la vida de Nahu Elichiri no es una elección azarosa, sino un legado familiar. Su padre formó una de las primeras bandas de canciones originales en Benito Juárez junto a su tío. Tras el fallecimiento de su padre cuando Nahu Elichiri tenía solo nueve años, la música se convirtió en un refugio y una forma de reconexión con su memoria. Actualmente, ese círculo familiar se mantiene intacto: su hermano Mateo toca el bajo y Luis Alberto Iocca, a quien considera un segundo padre, es su baterista.

Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Nahu Elichiri es cómo el entorno físico moldea su sonido. Juárez, con su geografía de llanura extrema, influye directamente en su sensibilidad compositiva. El artista describe su proceso como una mezcla de la visión urbana que le otorga Tandil y el aire folk y rural del campo juarense. Sus canciones suelen nacer de la música primero, dejando que las letras maduren con el tiempo, a veces durante años. Temas como el cambio de paisaje y la vida en la ruta son recurrentes, reflejando su rutina semanal: de lunes a jueves en Tandil por estudio y trabajo, y los fines de semana de regreso en Juárez.

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Actualmente, Nahu Elichiri se encuentra finalizando un proceso de grabación extenso para su nuevo álbum, el cual consta de 12 canciones. Este proyecto solista representa un salto al vacío y una apuesta personal. La grabación se lleva a cabo en la casa del tecladista de la banda y amigo cercano, lo que permite un ritmo de trabajo libre de las presiones comerciales.

"Juárez tiene esa posibilidad de que tenemos otros tiempos", explica el músico, destacando que pueden dedicar días enteros a una sola canción para dejarla madurar.

Este enfoque "slow" busca un salto de calidad y profundidad en las composiciones, alejándose de la ansiedad por el estreno inmediato. Como artista independiente, asume todas las facetas de su carrera, desde la composición hasta la gestión de su imagen digital. A pesar de la importancia de las plataformas, admite que el mundo de las redes sociales le resulta difícil. "Es difícil poner la cara y hablar... intento obligarme un poco a romper ese pudor y ese autocringe", confiesa sobre la necesidad de mostrarse en Instagram y otras plataformas para difundir su arte.

Su música, que incluye temas como "Ciudad" —regrabado con banda completa tras su versión original en pandemia— y el estreno de "Todo lo que hay dentro", busca redescubrir la luz y la oscuridad interna a través de melodías que invitan a la reflexión. Nahu Elichiri no oculta sus influencias, que van desde el impacto adolescente de la fuerza de Nirvana y Metallica hasta la admiración por figuras como Paul McCartney. Sin embargo, mantiene un fuerte vínculo con la música local, citando a bandas juarenses como Chicote y artistas como el Bomba Soco.

La propuesta de Nahu Elichiri es, en última instancia, una invitación a bajar un cambio, a escuchar el murmullo de la provincia y a valorar los procesos artísticos que se cocinan a fuego lento entre amigos y familia. Su música se puede encontrar en plataformas digitales como Spotify bajo su nombre y en Instagram como @elichiri.wav

La relación de Manuel, conocido artísticamente como Manu UNNAMED, con la música comenzó desde muy pequeño. Según relata el artista, los auriculares fueron su primer refugio frente a las dificultades cotidianas. "Siempre era de ponerme los auriculares e irme a un mundo aparte. Era una vida de escape que siempre me hizo muy bien y me permitió salir de la realidad", confiesa sobre sus años de infancia.

Su incursión formal en el mundo del hip hop se remonta a 2008 y 2009, cuando comenzó a practicar beatbox para sus amigos en la plaza. Aquella curiosidad inicial por el ritmo y la improvisación fue el motor que lo llevó a interesarse por las competencias de rap. Con 28 años en la actualidad, recuerda que su paso por la escuela secundaria fue fundamental para profundizar en el género, escuchando referentes que marcaron su estilo, como el grupo chileno Movimiento Original y artistas del rap estadounidense como Nate Dogg y Eminem.

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Para Manu, el lenguaje no fue una barrera para conectar con la música extranjera. "Es loco cómo hay algo que trasciende el lenguaje, es más el sentir", explica. Esta conexión emocional es la que hoy define su obra, la cual describe como un "canal de sanación" donde la búsqueda de autosuperación es el eje central de sus letras.

A diferencia de otros artistas que siguen métodos estrictos, el músico tandilense prefiere la fluidez. "No hay un método firme. Pongo un instrumental, tarareo, grabo y voy encontrando la vuelta dependiendo de lo que voy sintiendo", detalla sobre su forma de componer. Esta libertad creativa se complementa con un equipo de trabajo consolidado. 

Sobre el nombre artístico que lo identifica, el músico revela una anécdota curiosa vinculada a sus inicios en los videojuegos. "Estábamos con un compañero de laburo y buscaba un nombre. Me acordé que en el Counter, cuando no tenías nombre, aparecía 'unnamed'. Lo di vuelta y dice 'de Manu'. Es un juego de palabras: no tengo nombre, pero esto sale de Manuel", explica.

Al analizar el crecimiento del género urbano en los últimos años,  UNNAMED destaca la democratización de las herramientas de producción. "Antes se pensaba que para hacer música debías tener una formación estricta de conservatorio. Hoy, tener un micrófono en casa o más productores disponibles abrió una puerta gigante", sostiene. Asimismo, reconoce que el fenómeno del Quinto Escalón en 2015 fue un punto de inflexión que impulsó a toda una generación.

En cuanto a sus planes a corto plazo, el artista prefiere la agilidad de los lanzamientos individuales por sobre la estructura de un disco. "Tengo ganas de seguir sacando singles. La repercusión se la dejo a la vida", afirma. No obstante, el proyecto de llevar su música a los escenarios está latente. "Tengo pensado cocinarlo bien y presentarme con una banda, con batería y guitarra. Para fin de año es posible", concluye con entusiasmo, reafirmando que su norte es seguir creando con amor y honestidad.

El reconocido artista español Muerdo habló en exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre su esperada presentación en la ciudad. En una charla distendida, el músico reflexionó sobre su proceso creativo y la conexión especial que mantiene con el público argentino, al cual definió como "el mejor del mundo" por su calidez y afecto constante.

La gira, titulada "Gira por donde nacen las canciones", tiene un carácter acústico que le permite al artista llegar a localidades que habitualmente quedan fuera de los circuitos de los grandes espectáculos internacionales. Tras su paso por ciudades como Rosario, Córdoba y Mendoza, Muerdo continúa su recorrido por la provincia de Buenos Aires, incluyendo paradas en Junín, Olavarría, Lomas de Zamora, San Isidro y Mar del Plata, antes de su desembarco en Tandil.

Al ser consultado sobre el origen de su música, el cantautor explicó que sus composiciones nacen de las emociones y de una observación sensible de la realidad. "Las canciones surgen de lo que ocurre dentro y fuera de uno, de las historias de amigos y del mundo en general", señaló durante la entrevista. Este enfoque humano es el que ha logrado consolidar una carrera de 15 años, que ahora celebra con un repaso por sus seis discos de estudio.

Una de las particularidades más destacadas de esta gira es la metodología utilizada para definir el setlist. Muerdo decidió involucrar a sus seguidores a través de las redes sociales, permitiendo que sea el propio público quien elija las canciones que interpretará en cada show. Según el artista, este proceso ha sido "perfecto", ya que le brinda la oportunidad de revisitar temas antiguos y realizar un viaje emocional por todas sus etapas artísticas sin la presión de presentar material nuevo.

El formato del espectáculo en Tandil será sumamente íntimo. El músico se presentará solo en el escenario, acompañado únicamente por su guitarra, un teclado y su voz. A pesar de la sencillez del formato, el artista destacó que viaja respaldado por un equipo técnico y su Tour Manager, asegurando que la calidad sonora y la puesta en escena mantengan el "sello de calidad" que lo caracteriza en sus presentaciones internacionales.

Durante la charla, Muerdo recordó sus inicios en España, donde comenzó tocando en bares, centros cívicos y manifestaciones ligadas a movimientos sociales. También rememoró su primer viaje internacional a Cuba, donde fue invitado por el Instituto Cubano de la Música y tuvo la oportunidad de conocer a Silvio Rodríguez, un encuentro que marcó un antes y un después en su visión sobre la profesión.

Al reflexionar sobre el concepto de éxito en la industria musical actual, Muerdo fue contundente: "El verdadero éxito es poder vivir de la música y mantener una carrera larga y sostenible en el tiempo". Para el artista, los premios o los números en las plataformas de streaming son secundarios frente a la importancia de construir un público fiel en todo el mundo que acompañe al músico a lo largo de los años.

En su paso por Argentina, el cantautor valora especialmente el contacto con la naturaleza y los paisajes locales. Además, procura integrar a los músicos de cada región, a quienes suele invitar para abrir sus shows, fomentando un intercambio cultural enriquecedor. "Tandil y Olavarría son destinos nuevos para mí, y tengo muchas ganas de conocer su cultura y su gastronomía", comentó con entusiasmo.

Precisamente, el cierre de la entrevista tuvo un tono humorístico al abordar la gastronomía tandilense. Muerdo admitió tener excelentes referencias sobre los embutidos, el salamín y los quesos de la zona. Los conductores del programa bromearon sobre la competencia por el salame más largo del mundo, un récord que Tandil busca recuperar en noviembre, generando un momento distendido antes de recordar que las entradas para el show del 4 de septiembre ya se encuentran disponibles en su sitio web y redes sociales.

La escena musical de Tandil atraviesa un momento de vitalidad creativa sin precedentes. Así lo destacó Manu González Acosta durante su participación en La Mañana, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. La ciudad vive una semana histórica marcada por el lanzamiento de nuevas canciones de al menos cinco artistas locales, con una proyección que anticipa la llegada de cuatro álbumes más antes de finalizar el año.

Durante la entrevista, explicó que, si bien existe una gran diversidad de propuestas, los artistas locales deben adaptarse a las realidades económicas actuales. “Por razones de presupuesto, muchos optan por lanzar EPs de cuatro canciones, aunque otros han trabajado en producciones más extensas de hasta diez temas”, señaló el periodista, subrayando el esfuerzo de autogestión que caracteriza a la escena independiente.

Uno de los anuncios más destacados de la jornada fue la creación de los premios AQM, una iniciativa que busca galardonar por primera vez a los músicos de la ciudad. El proyecto es impulsado por Mariana Binder y Ezequiel Calvo, responsables de la web Aquí Música.

Estos premios tienen un alcance federal y buscan posicionarse como un referente similar a los premios Gardel o Mercedes Sosa, pero con un enfoque específico en brindar visibilidad a las bandas locales y emergentes. La comunidad podrá celebrar este hito el 20 de noviembre, fecha en la que se llevará a cabo la gala de entrega de los galardones.

El repaso por la actualidad musical incluyó a destacados exponentes locales. La banda Pezquis presentó “Vencida”, el primer adelanto de su tercer álbum de estudio. Este lanzamiento marca un hito para el grupo, ya que es el primero editado a través de la productora Casa Puente Discos, de Mar del Plata, lo que representa un paso firme en su expansión regional. La formación, integrada por Daniel Roca (voz y piano), Marcial Mose (bajo y voz) y Victoria Sala Pérez (batería y voz), explora ahora un sonido con bases progresivas, influencias de post-punk y rock alternativo.

Por su parte, Próspero Raúl Cantón lanzó su nuevo álbum titulado Hablemos de Vuelta, una obra compuesta por diez canciones. González Acosta destacó especialmente el tema “Vendiéndome”, que actualmente se posiciona como uno de los más escuchados. En el ámbito del género urbano y el trap, el artista Zest presentó su reciente sencillo “Yo ya te soy fiel a vos”. El joven músico, quien actualmente reside en Buenos Aires y se desempeña también como productor, se destaca por su enfoque integral que combina la composición con una fuerte impronta audiovisual y el uso de autotune.

A pesar del talento evidente, el análisis realizado en La Mañana puso el foco en una problemática persistente: la falta de escenarios adecuados. 

Aunque existen espacios como 990, Macanudo, Club Hípico y algunas cervecerías, se advierte una carencia de lugares con condiciones acústicas óptimas, especialmente fuera de las cuatro avenidas principales. Ante este panorama, se planteó la necesidad de contar con un espacio municipal equipado técnicamente, similar al histórico Cemento de Buenos Aires, que permita a las agrupaciones programar fechas sin enfrentar costos de producción que, en muchos casos, derivan en pérdidas económicas para los artistas.

Para cerrar su participación, Manu González Acosta invitó a los oyentes a contactarlo a través del Instagram de El Eco para continuar difundiendo el trabajo de nuevas bandas.