La confirmación de la nueva propuesta musical se realizó durante la última emisión de Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1. En el espacio, se dieron a conocer los nombres de los cuatro artistas que formarán parte de esta edición especial, la cual promete transformar el estudio de El Eco Streaming en un escenario íntimo para el disfrute de la audiencia.

El ciclo comenzará el próximo lunes con la presencia de Gastón Valdez, reconocido en la escena musical como Gamma Mood. El artista llegará al programa para conversar sobre su presente profesional y ofrecer un repertorio de sus canciones adaptadas al formato acústico, marcando el inicio de esta serie de presentaciones.

La programación continuará el martes 28 de mayo con la visita de Lautaro Zugbi. El músico tandilense, quien actualmente se encuentra radicado en la ciudad de La Plata, realizará un viaje exclusivo a Tandil para formar parte de la segunda jornada del ciclo, brindando su propuesta artística a todos los seguidores del programa.

Para la tercera jornada, el jueves 30 de mayo, el enfoque se trasladará hacia los nuevos sonidos. La música urbana será la protagonista de la mano de Fran Genson, uno de los exponentes jóvenes más destacados del género en la actualidad, quien tendrá su espacio para mostrar su trabajo y conversar sobre su trayectoria en ascenso.

El cierre de esta tercera edición de Zip Unplugged contará con la participación de Nahu Gorosito. El reconocido actor y cantante, quien además de desarrollar una sólida carrera como solista es la voz líder de la banda Fusca, será el encargado de ponerle el broche de oro a este ciclo de música y entrevistas.

La propuesta invita a la audiencia a disfrutar de un ambiente distendido y cercano. A partir del lunes, las luces del estudio de El Eco Streaming bajarán para dar paso a un clima de mayor tranquilidad, ideal para la charla profunda y la escucha atenta de música en vivo. Las transmisiones se realizarán desde las 14 horas a través de todas las plataformas digitales de El Eco, permitiendo que los seguidores puedan interactuar y seguir de cerca cada una de las presentaciones programadas para esta semana especial.

La banda tandilense Derivé se prepara para celebrar su segundo aniversario con un evento que promete marcar un hito en su trayectoria. Los integrantes Santino Ferrari y Agustín Dicembrile visitaron Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre el festejo que tendrá lugar el próximo 25 de este mes en el Hípico.

A dos años de su formación, el grupo atraviesa una etapa de consolidación y crecimiento. Según explicaron sus integrantes, el proyecto ha evolucionado significativamente desde sus inicios, adaptándose a cambios en su alineación. "Han habido cambios importantes, sobre todo en el cantante, que es lo que más se nota [NdR: actualmente el cantante es Pedro Moreno]. Cambiamos casi todo, básicamente. Jere Santillan, Santi y yo somos los que estamos desde que arrancamos", comentó Agustín sobre la dinámica interna de la banda.

El evento del 25 de este mes contará con una grilla extensa que incluye a bandas como Banda Especia, Plan Roma, Proyecto Varsovia y Mudras, además de un escenario alternativo con la participación de diversos artistas locales. Para los miembros de Derivé, esta fecha tiene un significado especial, ya que remite a sus orígenes: "Nuestra primera fecha, justamente cuando cumplimos los dos años, fue ahí mismo con Lunático. Se dan muchas similitudes", recordaron los músicos.

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Más allá de los festejos, la banda se encuentra enfocada en la producción de su primer disco. El objetivo es lanzar el material durante este año, un proceso que definen como democrático y minucioso. "Normalmente, el que tiene la idea la proyecta, se graba una demo y se manda al grupo. Si gusta se hace, y si no, vemos qué se le cambia", detalló Agustín Dicembrile sobre la metodología de trabajo que comparten con el resto de los integrantes.

El álbum contará con siete canciones, algunas de las cuales serán presentadas en vivo durante la celebración del aniversario. Entre los planes de estudio, la banda evalúa la regrabación de su sencillo Jardín del Ser, la única pieza disponible actualmente en plataformas digitales. La intención es mantener la esencia original pero adaptarla a la formación actual, reemplazando la batería programada por una ejecución real grabada en el estudio de Fran Margueritte.

La labor de mezcla y postproducción recae en gran medida sobre los mismos integrantes, quienes admiten que el proceso es exigente pero gratificante. "Es difícil decir 'bueno, hasta acá', porque siempre agarro y toco algo nuevo", confesó Agustín. A pesar de los desafíos técnicos, el grupo mantiene el entusiasmo por profesionalizar su sonido, incorporando más capas de voces, coros y guitarras en las nuevas composiciones.

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Con la mirada puesta en el show del 25, los músicos invitaron a la comunidad a sumarse a la fiesta. Las entradas se encuentran disponibles a través de las redes sociales de la banda, específicamente en su perfil de Instagram @derive.smp, y en los canales de difusión de Lunático Producciones. Con este evento, Derivé reafirma su lugar en la escena local, celebrando dos años de música, cambios y una identidad que sigue en constante desarrollo.

Jo Alcobruni fue el encargado de cerrar la segunda edición de Zip Unplugged, segmento de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. El artista repasó los hitos que marcaron su trayectoria y profundizó en el presente de su carrera solista. En una charla íntima, recordó el momento exacto en el que decidió dejar el rol de acompañante para tomar el centro del escenario, un quiebre que ocurrió durante una gira con el cantante Raúl Lavié.

Alcobruni relató que, tras un concierto en el Festival de la Canción en Mar del Plata, sintió la necesidad de liderar su propia propuesta. "Quiero estar ahí cantando, quiero yo estar haciendo el show adelante", le confesó en aquel entonces a su amigo Diego Romero. Aunque desarrollaba su música desde muy pequeño, el proceso de soltar el espacio de sesionista fue gradual y estuvo apuntalado por encuentros fortuitos con grandes referentes de la escena nacional que validaron su talento.

Otro de esos momentos clave fue junto a Nacha Guevara. Debido a un imprevisto por el cual Cacho Castaña no pudo asistir a un compromiso, Alcobruni terminó cantando con ella sobre el escenario. Al escucharlo, la reconocida artista fue tajante: "Tenés que cantar", le dijo. Para el bandoneonista, trabajar con figuras de esa magnitud fue una escuela de profesionalismo donde comprendió que "la música tiene que estar primero" y que la cosmovisión artística no se negocia.

Su relación con el "fuelle" comenzó a los ocho años, influenciado por un tío de Azul a quien observaba tocar en las reuniones familiares. "Me llamaba la atención y mis viejos me dieron la oportunidad de empezar a estudiar", recordó con nostalgia. Sus primeros pasos los dio en Tandil bajo la tutela de grandes maestros, hasta que al finalizar la Secundaria se radicó en Buenos Aires para perfeccionarse con Rodolfo Mederos.

Alcobruni definió al bandoneón como un "instrumento raro" y complejo, que exige un esfuerzo inicial importante pero que ofrece posibilidades sonoras únicas. Pese a la dificultad técnica, el músico buscó siempre despojar al fuelle de cierta solemnidad tradicional para permitir el juego y la experimentación en diversos géneros musicales alejados del tango clásico.

En ese sentido, admitió que le resultó más sencillo alejarse del mote estrictamente tanguero que adaptarse a las dinámicas del ambiente. Aunque disfrutó y aprendió del género, confesó que no lograba "hallarse" plenamente en ese contexto. Paradójicamente, fueron referentes como Lavié y Guevara quienes celebraron su estilo: "Está buenísimo que no suenes a tanguero", le solían decir, impulsándolo a consolidar su propia identidad sonora.

Esta versatilidad lo llevó a grabar para su disco con figuras como Joaquín del Mundo, Nuria Saba y Cami Andersen. Su nuevo trabajo discográfico refleja esta apertura estética y consolida una búsqueda personal que trasciende las fronteras de los géneros tradicionales. Para Alcobruni, el disco representa un cambio de página y la confirmación de que su camino está ligado a la creación de contenido propio y original.

La presentación de su nuevo material en Tandil fue descrita por el artista como un evento "soñado". Con un teatro lleno, Alcobruni destacó la importancia de compartir su obra con el público local. "La idea era poder generar un regalo a la gente, poder compartirlo con ellos y mover desde acá", señaló, subrayando que la ciudad funciona para él como un centro de descanso y un espacio de contención afectiva indispensable.

Sobre la escena musical tandilense, el bandoneonista destacó la constante ebullición de talentos en la zona. Abogó por una mayor profesionalización de la actividad, aunque aclaró que se trata de una elección en la forma de vivir el arte. Para él, lo fundamental es el respeto por la obra y la integración generacional que percibe a nivel local, factores que considera esenciales para que la cultura de la región continúe en un proceso de crecimiento constante.

Uno de los momentos más significativos de la entrevista fue cuando recordó una frase que le transmitió Rodolfo Mederos, la cual originalmente perteneció a Astor Piazzolla: "El mundo es de los audaces". Alcobruni atesora ese concepto, que incluso lleva grabado en su instrumento, como una guía para su carrera profesional. "Me di cuenta con el tiempo de lo significativo que había sido", reflexionó sobre aquel encuentro con el maestro Mederos.

Con la mirada puesta en el futuro inmediato, el músico anticipó que se viene un período de intensa actividad y difusión de su nuevo disco. Aunque los últimos dos años estuvo más presente en Tandil abocado al proceso de grabación, el próximo movimiento incluirá una serie de conciertos que ya se encuentran en agenda. "Lo primero que tiene que haber es la música", concluyó Alcobruni.

Ro Sosa visitó los estudios de El Eco para participar de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el ciclo Unplugged, la cantante compartió las vivencias que marcaron su presente artístico. Habló del impacto que significó volver a la ciudad tras su paso por La Voz Argentina y la grabación de su nuevo material.

Su participación en el certamen televisivo en 2021 representó un punto de inflexión en su carrera profesional. Sin embargo, la artista confesó que el regreso a Tandil no fue sencillo. "Nadie te dice cómo hay que hacer para volver", reflexionó, aludiendo a la rapidez con la que debió retomar su vida laboral. Tuvo que afrontar la producción local sin tiempo para procesar la exposición mediática.

Pese a la tentación de instalarse en la Capital Federal, la cantante eligió volver a su casa. Aseguró que mantiene siempre los pies sobre la tierra. Aunque las puertas en la gran ciudad siguen abiertas, su prioridad hoy está en los proyectos que genera desde Tandil. Su experiencia en Buenos Aires le permitió fortalecer vínculos con bandas como Las Pastillas del Abuelo. Con ellos llegó a compartir grandes escenarios, integrando listas de temas junto a figuras consagradas como Abel Pintos.

Para la entrevistada, la experiencia en los grandes medios fue un aprendizaje sobre la constancia. Sostuvo que el trabajo artístico requiere seguir golpeando puertas de manera permanente. A sus 25 años, miró hacia atrás y consideró que la madurez actual le otorgaría otras herramientas para enfrentar la popularidad. Se mostró agradecida por el camino recorrido y por la decisión de haber regresado para continuar su formación.

La familia ocupa un lugar central en la cosmovisión de la cantante y es el motor de sus interpretaciones. Su abuela Adelina es una figura fundamental en este esquema. Sosa explicó que a través de su voz busca dar espacio a todo aquello que su abuela no pudo expresar artísticamente en su juventud. La describió como una crítica rigurosa que prefiere que las canciones se sientan antes que los alardes técnicos.

El lazo con sus hermanos, y especialmente con Ayelén, también fue protagonista del encuentro. Tras años de cantar juntas y registrar grabaciones caseras desde la infancia, Sosa destacó el presente de su hermana. Consideró que es el momento de que brille con luz propia en la escena local. Para la entrevistada, la música es una herencia genética que recorre a toda su familia, donde el arte fluye de manera natural.

Esa conexión familiar se extiende a la forma en que elige su repertorio y gestiona sus emociones sobre el escenario. Recordó con afecto cómo su abuela viajó de sorpresa a Mar del Plata para verla en un homenaje a Leonardo Favio. Este gesto reforzó su convicción de que la música es, ante todo, un vínculo. Para Sosa, cantar es una forma de decir "te quiero" sin necesidad de palabras.

Actualmente, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer material discográfico. Espera concretar este hito antes de fin de año. Este trabajo contará con seis canciones, cinco de su propia autoría, y está bajo la dirección del músico y productor local Fran Margueritte. Sosa valoró la posibilidad de delegar la dirección técnica en alguien con quien comparte un lenguaje similar.

El proceso de grabación se desarrolla de forma independiente y sin las presiones de los grandes sellos. La cantante planea una modalidad de colaboración abierta para que la comunidad y otros músicos puedan acompañar el financiamiento. De este modo, busca eliminar la barrera de una entrada fija para permitir que el arte circule libremente. "Es un momento de no seguir postergando cosas", afirmó sobre su decisión.

En su búsqueda artística actual, Sosa no descartó seguir explorando géneros diversos, desde el tango hasta versiones acústicas de cumbia. Su enfoque está puesto en la comunicación y en la capacidad de reversionar obras ajenas bajo su propia impronta. Con el apoyo de referentes de la movida cultural de Tandil, la cantante se consolida como una de las voces más auténticas de la ciudad.

Melomanía o muerte es un evento integral que combina cine, ferias y música en vivo. La propuesta fue diseñada por el músico Lautaro Soto, quien buscó generar un espacio de encuentro para los amantes del arte que escapan de las tendencias algorítmicas. El artista compartió los pormenores de esta iniciativa durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming.

Respecto al nombre del encuentro, Soto explicó que surgió como una reflexión sobre la polarización actual y la falta de curiosidad en el consumo artístico. El músico planteó que la propuesta representa dos extremos: el fanatismo apasionado por descubrir nuevos sonidos frente a la "muerte" que implica escuchar únicamente lo que el sistema impone.

"Si me hubiese quedado solamente con lo que el consumo masivo me ofrecía de chico, hoy estaría muerto artísticamente", sentenció.

Esta filosofía se trasladó también al mundo digital a través de un canal de YouTube homónimo que Soto inauguró recientemente. Allí, el productor comenzó a subir selecciones musicales y sets con el objetivo de recomendar artistas y generar un currículum visual de su faceta como DJ.

Según indicó, el proyecto le demandó una dedicación especial no solo en lo auditivo, sino también en lo estético, con una identidad visual que busca reflejar la esencia del concepto.

En cuanto a su visión sobre la industria masiva, el artista se mostró indiferente ante las fórmulas del éxito instantáneo o el contenido diseñado para redes sociales. Aseguró que su música nace de una necesidad de expresión humana y no de una estrategia comercial.

"Mucha gente hace música pensando en el recorte para TikTok y esa gente es la que está muerta; nosotros somos los melómanos", afirmó.

Para Soto, la clave de la vigencia cultural reside en la renovación constante y en el diálogo entre generaciones. En ese sentido, manifestó su deseo de que el evento logre convocar a un público joven que pueda mezclarse con quienes llevan más de 20 años en la escena.

El músico sostuvo que la efervescencia de la adolescencia es fundamental para mantener viva cualquier movida artística en la ciudad.

Durante la entrevista, el artista también brindó precisiones sobre su nuevo álbum de estudio, el cual se encuentra actualmente en la etapa de mezcla final. El trabajo, que consta de nueve temas y un interludio, fue grabado bajo la mirada minuciosa del productor Gastón Gauna en Nido Records.

Según relató, el proceso fue largo y atravesó diversas búsquedas sonoras hasta encontrar el camino definitivo que dejó conformes a todos los integrantes.

La formación que lo acompañará este sábado, y que participó activamente del disco, está integrada por Fede Islas en batería y coros, Martín Estévez en bajo, Lucía Rojas en coros y Lautaro Villalba en guitarra. Una de las novedades de los últimos ensayos fue la decisión de eliminar el uso de metrónomos y secuencias disparadas desde computadoras.

Soto explicó que buscaban una sonoridad "más humana". Al quitar la rigidez digital, la banda logró fluir de una manera mucho más orgánica.

La apuesta por lo humano también se verá reflejada en el arte de tapa del disco, que será un cuadro original del artista visual Cristian Amescua. Soto le encargó al pintor una obra inspirada exclusivamente en la música del álbum, priorizando la mano humana por sobre cualquier diseño digital.

"Es un cuadro buenísimo que todavía tenemos guardado", adelantó con entusiasmo, reafirmando su compromiso con el valor del objeto físico.

La actividad contará con la proyección de la película "24 Hour Party People", un largometraje que narra la historia del sello discográfico Factory Records en Manchester. Soto destacó que la cinta retrata una movida efervescente donde el rock y la electrónica comenzaron a fusionarse bajo la gestión de Tony Wilson.

"Fue una etapa muy loca que incluyó a bandas pioneras como Joy Division, New Order y los Happy Mondays", recordó el organizador.

Adrián Lopinto será el encargado de musicalizar bloques en vinilo, mientras que la banda local Contrastes ofrecerá su repertorio en vivo. Por su parte, Soto anunció que realizará un set de DJ utilizando exclusivamente discos compactos, una práctica que rescató recientemente tras adquirir un equipamiento de los años 90.

También tendrá la presentación de su propia banda, en una velada que se extenderá hasta las 2 de la mañana.

Además de lo musical, el encuentro contará con una feria de coleccionistas donde se podrán adquirir vinilos y CDs, sumado a la participación de emprendedores locales. Fede Islas presentará sus correas artesanales para instrumentos, mientras que Maxi González ofrecerá una selección de fanzines.

La música de Tandil volvió a posicionarse en lo más alto de la escena nacional el pasado domingo. En una ceremonia virtual que conectó a la cultura de todo el país, el proyecto Campo Loop se alzó con el premio al mejor álbum de folclore alternativo en los Premios Mercedes Sosa 2026. El reconocimiento llegó de la mano de su último lanzamiento, "Grito Gaucha", una propuesta que fusiona la identidad surera con los ritmos electrónicos.

El suceso representó un hito para la industria cultural tandilense, ya que la obra fue realizada íntegramente por profesionales y artistas locales. Las grabaciones se llevaron a cabo en locaciones de la zona serrana, tales como el Valle de los Ciervos, los campos de Iraola y Ramón Primero. El equipo de trabajo integró a actrices y actores estudiantes de la Facultad de Arte de la Unicen, además de vestuaristas y un equipo técnico que aportó una estética rústica pero moderna a la narrativa visual del video.

Desde la perspectiva artística, "Grito Gaucha" se presentó como un manifiesto musical de fuerza colectiva. La canción se inspiró en la historia de un grupo de mujeres de Amalaya que, en el marco de una pampa devastada por la denominada Guerra del Barro, forjaron una fortaleza basada en la unión y la confianza. 

Esta épica se tradujo en un sonido que combinó coros femeninos con la potencia de una base techno y la hondura de guitarras milongueras criollas, creando una atmósfera sonora profundamente enraizada en el territorio.

La labor técnica y de posproducción estuvo bajo la dirección de Matías Chávez Méndez, encargado de la mezcla y el mastering. 

La edición 2026 de los Premios Mercedes Sosa se consolidó como una de las más competitivas de los últimos años. Con casi 1.200 artistas y bandas inscriptas en las etapas de preselección, el certamen de origen tucumano reafirmó su importancia como plataforma de visibilidad para el arte independiente de las provincias. 

El jurado evaluó las propuestas basándose en un reglamento estricto, cuyas bases y condiciones garantizaron la transparencia y el nivel de los trabajos postulados por los músicos al momento de presentar sus obras.

El triunfo de Campo Loop no solo destacó por la calidad de su composición, sino también por la capacidad de articular diversas disciplinas artísticas bajo un concepto identitario fuerte. La gala, que se desarrolló de manera virtual, permitió que la comunidad cultural local siguiera de cerca los anuncios, celebrando la obtención de una estatuilla que reconoce la innovación dentro del género folclórico. La propuesta de "electrofolclore surero" logró convencer a un jurado de alcance federal.

Tras el anuncio del galardón, los integrantes de la banda expresaron su gratitud hacia todos los que formaron parte del proceso creativo. En un mensaje difundido a través de sus canales de comunicación, resaltaron la importancia de la construcción colectiva en el arte y agradecieron el apoyo de la comunidad tandilense. El premio significó, además, un impulso vital para la promoción de un género que busca rescatar las raíces de la región pampeana para proyectarlas hacia un contexto sonoro global.

Con este reconocimiento, Tandil reafirma su rol como semillero de talentos y usina de producciones audiovisuales de alta calidad. La ciudad celebra este nuevo logro que pone en valor el trabajo conjunto entre la academia, el sector técnico y los artistas locales.

El Coro Universitario de Tandil se prepara para una jornada especial este fin de semana. 

En el marco de una entrevista brindada a Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, el director del elenco, Martín Domínguez Dumón, director del coro, brindó detalles sobre el espectáculo denominado Cielo Raíz, una propuesta que busca conectar con los valores y símbolos que definen la identidad argentina.

El concierto, que tendrá lugar en el Aula Magna ubicada en Pinto y Chacabuco, representa un hito para la agrupación. Según explicó el director, se trata de la primera presentación integral donde el coro sostendrá la totalidad del repertorio de manera exclusiva, contando únicamente con el acompañamiento del pianista invitado Matías Málaga.

“Estamos muy contentos porque es nuestro primer concierto donde solo el coro va a sostener toda la presentación. Es un recorrido por diferentes músicas argentinas, desde el folklore hasta el rock, pasando por poesías de autores nacionales. Abordamos valores y símbolos que nos hacen como argentinos”, expresó Martín Domínguez Dumón durante su paso por el programa.

La formación actual del coro refleja una diversidad significativa, integrando a estudiantes, trabajadores universitarios y miembros de la comunidad en general. El director destacó que, tras las últimas audiciones realizadas, el grupo ha experimentado un crecimiento notable, consolidándose como un espacio abierto para quienes deseen iniciarse en la práctica coral.

“El coro está compuesto por una amplia gama de la sociedad. Es un elenco que tiene las puertas abiertas a la comunidad para las personas que les interese cantar. Estamos muy contentos porque el coro ha ido creciendo en este tiempo y, para muchos de los 35 integrantes que subirán al escenario, esta será su primera experiencia cantando en público”, señaló el director.

El repertorio estará compuesto por 12 canciones, las cuales estarán organizadas en bloques temáticos. Para dotar de mayor fluidez a la propuesta, se incluirán lecturas entre las piezas musicales que servirán como hilo conductor, profundizando en el concepto de Cielo Raíz, una metáfora que alude tanto a los colores de la bandera como a las raíces culturales que definen el sentir nacional.

La cita es este domingo a las 19 en el Aula Magna de la universidad. La entrada es libre y gratuita, aunque desde la organización recomendaron al público asistir con puntualidad para asegurar su lugar, dado el interés que ha despertado la convocatoria y la capacidad del recinto.

Respecto a la continuidad del proyecto, Martín Domínguez Dumón recordó que las audiciones para nuevos integrantes se realizan habitualmente al inicio de cada año, generalmente durante el mes de marzo. Aquellos interesados en formar parte de esta experiencia coral podrán acercarse directamente en las próximas convocatorias, las cuales son difundidas oportunamente por la institución.

Esta presentación no solo constituye un desafío artístico para los 35 coreutas, sino también una oportunidad para que la comunidad de Tandil se acerque a disfrutar de una propuesta cultural que pone en valor la música y la poesía argentina en un entorno académico emblemático.

La atmósfera de los estudios de El Eco se transformó con los primeros acordes de una milonga uruguaya de los años 40, interpretada por un artista que, a pesar de su juventud, carga con casi dos décadas de escenarios sobre sus espaldas. Manu María fue el protagonista del primer encuentro de Zip Unplugged 2, una propuesta que regresó esta semana a la grilla para permitir que los artistas locales desplieguen su obra en un marco de intimidad y diálogo pausado. La participación del músico tuvo lugar en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, donde repasó sus raíces, sus viajes por Latinoamérica y la madurez que alcanzó con su última producción.

Durante la charla, el compositor rememoró sus inicios en la ciudad, vinculados estrechamente a un entorno familiar donde la música era el lenguaje cotidiano. Recordó que su padre, un incansable fabricante de instrumentos, y su hermana mayor fueron las influencias determinantes que lo llevaron a subirse por primera vez a un escenario a los once años en la emblemática peña La Cautiva. Desde aquel niño que grababa canciones a capela en el teléfono de sus padres para luego pedirles que lo escucharan, hasta el hombre que hoy reflexiona sobre el peso de la industria, el camino estuvo marcado por una búsqueda constante de la originalidad y la identidad propia.

El núcleo de la presentación giró en torno a su nuevo EP, titulado “Piedra Libre”, una obra que el artista definió como un lanzamiento bisagra en su carrera. Según explicó, el proceso de grabación y producción se extendió durante un año entero, un tiempo inusual para sus dinámicas anteriores, lo que le permitió ejercitar la paciencia y analizar el concepto de cada pieza antes de materializarla. Este trabajo representó un desafío particular al ser realizado con un equipo de trabajo más numeroso, alejándose de la inmediatez que suele proponer la virtualidad y las redes sociales en la actualidad.

Manu María destacó que las cuatrocanciones que componen el EP intentan amalgamar todo lo transcurrido en su historia personal. En temas como “Esquina Libertador” o “Tres Caminos”, esta última con una fuerte impronta folclórica, el músico buscó plasmar las diferentes aristas que conforman su estilo, el cual oscila entre la canción de autor, el tango y los ritmos de raíz. “Prioricé la expectativa y el proceso por sobre el resultado inmediato”, aseguró, señalando que esta dirección le permitió sentirse más cómodo con el camino elegido, priorizando siempre lo que le hace bien artísticamente por sobre las exigencias externas del mercado.

La obra, que fue presentada como un manifiesto transparente de su identidad, también refleja una distancia crítica con la industria musical moderna. Para Manu, hoy existe una brecha significativa entre lo que se consume de forma virtual y lo que sucede en el vivo, donde la música se experimenta de manera orgánica. En ese sentido, “Piedra Libre” fue pensado para acortar esa distancia, ofreciendo una sonoridad que respeta los tiempos del artista y la tradición de los géneros que lo formaron desde su paso por la Escuela Polivalente de Tandil.

Uno de los momentos más intensos de la entrevista fue cuando el músico relató su estadía en México, una experiencia que calificó como un antes y un después en su vida. A los 17 años, impulsado por una serie de hechos fortuitos y el apoyo de personas que creyeron en su talento sin conocerlo, decidió cruzar la frontera para radicarse un tiempo en el país azteca. Allí, se integró como voluntario en la selva Lacandona, conviviendo con la comunidad zapatista en el sureste mexicano, cerca de la frontera con Guatemala.

Esta convivencia le otorgó una nueva escala de valores y respeto por el conocimiento ajeno. Manu María recordó con asombro la experiencia de cantarle a la comunidad y escuchar sus historias, incluso llegando a conocer al subcomandante Marcos. Sin embargo, lo que más lo marcó fue una lección sobre la comunicación y la humildad: la importancia de preguntar hasta entender. “Hoy soy la persona que no sabe, y eso me deja tranquilo”, confesó, refiriéndose a la garantía de aprendizaje que surge cuando alguien reconoce su ignorancia frente al otro, un concepto que aprendió observando la paciencia de los campesinos chiapanecos.

A raíz de sus vivencias en el exterior, el artista aprovechó para reflexionar sobre las narrativas de éxito que imperan en la sociedad actual. Se mostró crítico con el discurso de la meritocracia pura, argumentando que su propia trayectoria estuvo rodeada de una "suerte aleatoria" y de personas generosas que le facilitaron el camino. “Hay muchos artistas que se rompen el lomo y no tienen la misma suerte de encontrarse con alguien que les regale un pasaje”, analizó, subrayando que es necesario reconocer esos factores externos que desbordan el esfuerzo individual.

El camino de los artistas tandilenses suele encontrar en las grandes urbes un espacio de expansión y profesionalización. El músico Lautaro Zugbi es un fiel reflejo de este recorrido. En una charla en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista recordó sus inicios en las sierras, detalló su presente en la capital provincial y brindó precisiones sobre su faceta como productor.

Hace 18 años que decidió mudarse a La Plata para iniciar sus estudios en la Facultad de Artes. Lo que comenzó como un proyecto de formación académica terminó por convertirse en un plan de vida que hoy lo encuentra plenamente integrado al circuito cultural. “Una cosa fue llevando a la otra. Me quedé, hice el profesorado, la licenciatura, y hoy trabajo en la facultad, doy clases y toco por acá”, explicó.

La relación de Zugbi con la música se gestó en un entorno familiar donde los instrumentos eran parte del día a día. Según relató, su madre tocaba la guitarra y ese fue el disparador para que, siendo muy joven, intentara ingresar a la Escuela Municipal de Música Popular de Tandil. Sin embargo, un requisito de edad postergó su ingreso formal, momento en el cual apareció una figura clave en su formación inicial: su primo Javi Lester.

Durante esa etapa formó parte de proyectos significativos que marcaron su madurez en el escenario. Mencionó con especial afecto a Apolín, un reconocido músico local recientemente fallecido, quien lo “apadrinó” y lo invitó a tocar cuando aún era un adolescente. Aquella experiencia, sumada a su paso por La Skandalosa, banda tributo a Los Fabulosos Cadillac, le permitió foguearse en grandes escenarios.

Uno de los recuerdos más pintorescos de su adolescencia fue la presentación en la Fiesta Provincial de la Frambuesa, en la localidad de Barker. “Éramos un montón y yo era muy chico. Fue muy gracioso porque, como era menor de edad, los organizadores pidieron una autorización de mis padres para que pudiera viajar a tocar”, rememoró entre risas, destacando que siempre contó con el apoyo de su familia.

La mudanza a La Plata fue una inmersión total en un ecosistema artístico que Zugbi describió como “muy intenso y grupal”. Al ingresar a la carrera de Música Popular, se encontró con una comunidad de estudiantes provenientes de todo el país. Esta diversidad, sumada a la lejanía de los afectos primarios, fomentó la creación de vínculos sólidos que derivaron en proyectos musicales y amistades duraderas.

“La ciudad tiene mucha movida estudiantil y cultural, tiene mucha vida”, señaló el guitarrista. Para él, la dinámica de la facultad permitió que el proceso de adaptación fuera amable y divertido, ya que el cursado diario implicaba estar constantemente rodeado de personas con las mismas inquietudes creativas.

Hoy, Zugbi no solo se desempeña como intérprete, sino que también ha volcado su experiencia en la docencia dentro de la misma institución donde se formó. Su labor en la Universidad se complementa con su actividad como productor y sesionista, manteniendo una agenda cargada. “La formación de la facultad aporta mucho, sobre todo por cómo junta a gente de todos lados”, analizó sobre el rol de la educación pública.

A pesar de su consolidación fuera de su ciudad natal, el músico sigue de cerca la evolución de la escena local. Cada vez que regresa para presentarse en vivo, se sorprende por el crecimiento del movimiento cultural. Para él, volver representa la oportunidad de reencontrarse con sus raíces y con una comunidad que, según sus palabras, está cada vez más “interesante” para la propuesta musical independiente.

En el último año, el artista volcó su energía en la creación de su material solista. Así nació "Iba a llamarse enero", un EP de seis canciones que el propio músico define como un "disco", a pesar de las nomenclaturas técnicas de las plataformas digitales. Este trabajo representó un hito en su carrera, ya que se hizo cargo de gran parte de la ingeniería de sonido y la producción desde su hogar.

“Me metí en el mundo de la producción de mis propios temas, que era algo que siempre me gustó”, detalló. La tecnología actual le permitió montar un estudio funcional con herramientas básicas: una placa de sonido, una computadora, un micrófono y sus guitarras. Para él, lo importante no es contar con un equipamiento de lujo, sino lograr tomas de calidad y tener el criterio necesario para dar forma a la canción.

En este proceso de autonomía creativa, destacó la importancia de saber cuándo delegar para obtener una “oreja externa”. Aunque realizó las bases de guitarras, bajos y baterías programadas, contó con la colaboración de amigos para las voces y la etapa final del audio. Martín Ruiz se encargó de la mezcla, mientras que la masterización quedó en manos de un reconocido productor platense.

El presente de Lautaro Zugbi es de una actividad constante. Actualmente se encuentra en pleno proceso de grabación de un nuevo material discográfico, razón por la cual ha decidido pausar sus presentaciones en vivo durante el mes de julio. Con un ojo puesto en el nuevo disco y otro en el próximo viaje a las sierras, reafirmó su compromiso con una identidad artística que, aunque lejos geográficamente, nunca olvida su origen tandilense.

A sus 38 años, Joal Bruni repasa sus comienzos en la música con una mezcla de emoción y gratitud. Su formación se inició a temprana edad, impulsada por el entorno familiar y por la influencia de su maestro Beto Mati, a quien considera una figura clave en su desarrollo artístico.

"Él fue mi profe más importante de cuando era chico", recuerda el músico, quien durante sus primeros años practicaba la digitación sobre fotocopias de los teclados del bandoneón debido a que aún no contaba con un instrumento propio.

Luego de dos años de formación teórica y de utilizar el elemento de su profesor para ensayar, recibió el suyo gracias al recordado Juan Fornaro. Aquel momento marcó un punto de inflexión tanto en su aprendizaje como en el vínculo con su circulo más cercanos , que descubrió su talento al escucharlo interpretar sus primeras piezas en casa.

A lo largo de su carrera compartió proyectos con referentes de la música argentina como Raúl Lavié y Nacha Guevara. Sin embargo, sintió la necesidad de construir una identidad propia. Una experiencia junto a Guevara en el Café La Humedad terminó de impulsarlo hacia el canto.

"Vos tenés que cantar, nene", le dijo la reconocida artista tras una actuación. Aquella frase resultó decisiva para consolidar el camino solista que hoy transita.

"La Magia", el nuevo álbum de Bruni, reúne las distintas corrientes musicales que han acompañado su trayectoria: folklore, tango, rock, pop y jazz. El trabajo incluye siete canciones, cuatro de ellas realizadas junto a destacados invitados como Raúl Lavié, Cami Andersen, Joaquín del Mundo y la cantante peruana Nuria Saba.

La propuesta de mañana irá mucho más allá de un recital tradicional. El tandilense estará acompañado por una banda integrada por La Bayén en teclados, Gero Castro en batería, Sebar Conetti en guitarras y Salvador Barandiarán en bajo.

"Es un concierto de una envergadura muy grande y el objetivo es que sea un regalo para Tandil", expresó Bruni, quien además resaltó el trabajo de iluminación y producción artística que acompañará cada momento de la noche.

El espectáculo fue declarado de interés cultural, una distinción que el músico recibió con especial satisfacción por el vínculo que mantiene con la comunidad local. También agradeció el respaldo de instituciones y empresas que acompañan el proyecto, entre ellas el Colegio de Escribanos, la familia de Carnero Pepe y Estancias Integradas.

Debido a la importante demanda de localidades, se recomienda adquirir las entradas con anticipación. Los interesados pueden comunicarse al WhatsApp 2494 542562 o acceder al enlace disponible en el perfil de Instagram del artista, @jo.bruni.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

El equipo de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, confirmó el regreso de su formato más íntimo. Tras el éxito de la primera entrega, el ciclo #ZipUnplugged vuelve a la pantalla y a las ondas radiales para ofrecer una propuesta diseñada especialmente para los amantes de la escena musical, permitiendo un acercamiento profundo a las trayectorias y composiciones de diversos artistas bonaerenses.

La iniciativa busca transformar el estudio en un espacio de conexión directa, donde la crudeza poética y los arreglos minimalistas sean los protagonistas. A través de estos encuentros, los espectadores podrán disfrutar de versiones acústicas exclusivas, pensadas para ser apreciadas desde la comodidad del hogar, en un formato que prioriza la calidad sonora y la calidez del relato personal de cada invitado.

La programación de junio ha sido cuidadosamente seleccionada para ofrecer una variedad de estilos que van desde la canción de autor hasta la experimentación con sintetizadores. Según informaron desde la producción, el objetivo es consolidar este espacio como una plataforma de difusión para el talento regional, brindando un marco profesional para que los músicos puedan repasar sus historias y presentar sus obras en un contexto despojado de artificios.

La grilla de transmisiones comenzará este viernes 19 con la participación de Manu María, quien abrirá el ciclo con su propuesta artística. La agenda continuará el martes 23 con la visita de Ro Sosa, una de las voces destacadas que formará parte de esta serie de encuentros íntimos. Para cerrar el mes, el jueves 25 será el turno de Enzo Tassara, mientras que el viernes 26 el ciclo concluirá con la presentación de Jo Alcobruni.

Cada una de estas jornadas promete tardes cargadas de emoción, donde la música y la palabra se entrelazan para ofrecer una experiencia única. La propuesta de Cultura Zip reafirma su compromiso con la cultura local y regional, apostando por formatos que permiten una mayor cercanía entre el artista y su audiencia, un aspecto fundamental en la construcción de la identidad musical de la zona.

Los seguidores del programa podrán seguir cada una de las presentaciones a través de las plataformas habituales de El Eco Streaming en YouTube, Eco TV y Tandil FM 104.1. La invitación queda abierta para toda la comunidad, que podrá disfrutar de estas cuatro fechas especiales que prometen marcar el ritmo de la agenda cultural de finales de junio, desde las 14 horas.

Con esta segunda edición del Unplugged, el equipo de producción busca no solo entretener, sino también documentar el presente musical, creando un archivo de versiones acústicas que quedará disponible para el disfrute de los oyentes y televidentes. La expectativa es alta ante la diversidad de los artistas convocados, quienes ya se preparan para compartir sus canciones en este formato tan particular.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

Alexander Echandía, oriundo de Lobería pero afincado en Tandil, se definió en un momento de "desfachatez" creativa, en el que prioriza el contacto directo con el público por sobre las exigencias de la industria. Durante una entrevista emitida por El Eco Streaming en el programa Cultura Zip, desgranó cómo su vida oscila entre los escenarios, el aula y el taller de artesanía. Según explicó, estos tres mundos se retroalimentan para mantener a raya la ansiedad de los tiempos actuales.

Para el músico, la tecnología y la inteligencia artificial son herramientas que utiliza con frecuencia, aunque advirtió que para regular su avance se requeriría de un Estado fuerte que hoy no percibe. Ante esa hiperestimulación constante, Echandía encontró un refugio en el trabajo manual. El artista destacó su formación en la Universidad Barrial, donde aprendió el oficio de la platería y el cuero crudo, actividades que recomendó fervientemente a la comunidad.

"Me dedico a lo que es un bajativo a tierra, que es la música, y se convirtió en mi trabajo. Entonces, para bajar un poco, me dedico también a la artesanía. Una actividad monótona ayuda un montón a la cabeza en estos tiempos de hiperestímulo", relató. Además, adelantó que el año próximo iniciará la carrera de joyería en un espacio gratuito de Villa Italia, reforzando su visión de que siempre busca un uso económico para aquello que aprende.

En cuanto a su presente musical, Echandía reconoció que su proceso creativo hoy está pensado exclusivamente para el vivo. Lejos de las mortificaciones del pasado, cuando pasaba un año trabajando para sacar un disco, ahora graba en su casa y difunde de manera más relajada. "Estoy muy atento a ver qué pasa con el que tengo adelante, con el que está al medio y con el de atrás", aseguró, subrayando que su repertorio busca aportar picardía y valor agregado.

Su identidad musical es, según sus palabras, multifacética. Se siente un folclorista "a su estilo", capaz de transitar proyectos de rock, trap o folclore tradicional sin perder la raíz. En ese sentido, mencionó a Atahualpa Yupanqui y Mercedes Sosa como pilares fundamentales, pero también celebró fenómenos actuales como el de Milo J, de quien destacó su último disco por la profundidad y el vínculo con la historia social del país. "Tenemos una identidad poderosísima, desde Yupanqui al Indio", afirmó con orgullo, al tiempo que ponderó a Maggie Cullen como la referente actual más destacada del género.

Para Echandía, el folclore no es solo música, sino una forma de entender la soberanía y lo colectivo. Esa visión lo lleva a romper la "cuarta pared" en sus espectáculos, compartiendo con sus colegas o el público en lugar de esconderse en un camarín. "Necesitamos acercarnos y compartir más; así conozco un montón de historias de gente que la está remando", sostuvo, defendiendo la idea de generar un encuentro real.

Como docente con experiencia en el nivel primario y en los ámbitos público y privado, Echandía no esquivó el tema que conmovió a la ciudad la semana pasada: la agresión sufrida por un colega en el Colegio San José, quien terminó con una fractura de mandíbula tras ser golpeado por un estudiante. El músico analizó el hecho no como un caso aislado, sino como el síntoma de una sociedad que tiene "la mecha cortísima" y problemas de salud y economía que no son atendidos.

Echandía fue categórico al señalar la falta de acompañamiento institucional que sufren los docentes. "El profe venía pidiendo ayuda a los directivos porque no podía contener la situación", reveló, y lamentó que algunos colegas cuestionaran el manejo de la clase en lugar de solidarizarse. Para el músico, existe una negligencia por parte de las autoridades cuando no se trabaja la grupalidad desde los primeros años, dejando al docente solo frente a tres decenas de chicos en situaciones de extrema tensión.

"Tiene que haber una reparación justa tanto para la víctima como para el victimario", sentenció respecto a las consecuencias legales del hecho. El docente defendió la necesidad de establecer límites claros y consecuencias ante actos de violencia, criticando tanto las posturas que buscan bajar la edad de imputabilidad con oportunismo político como aquellas que se resisten a generar un "hasta acá" en el comportamiento adolescente.

"Si no, seríamos salvajes", concluyó, reafirmando que la educación y el arte deben ser espacios de contención, pero también de respeto mutuo.

Lula Andersen fue la encargada de poner el broche de oro a la primera edición de Zip Unplugged, un espacio dedicado a la música en vivo y la reflexión artística. Durante la entrevista, la cantante realizó un recorrido emocional por su historia, la cual comenzó de manera temprana en el seno de una familia donde el arte fue siempre el lenguaje común. La nota surgió de su participación en el programa Cultura Zip, ciclo que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

Andersen recordó que su vínculo con el canto se inició a los seis años, aunque fue a los ocho o nueve cuando dio sus primeros pasos con la guitarra. Con una fuerte influencia de la cultura pop de principios de los 2000, como High School Musical o School of Rock, la artista rememoró sus tardes de baile frente al espejo y sus primeras canciones bajo la ducha. Sin embargo, el rol de su hermano, el músico Ramiro Robles, resultó fundamental en aquel entonces. Fue él quien le enseñó los primeros acordes y se convirtió, con el paso del tiempo, en su principal referente y consejero técnico.

La vocación de Andersen no fue algo que surgió por azar. La cantante confesó que aún conserva un dibujo realizado a sus nueve años donde se representaba a sí misma frente a un estadio colmado de gente. Ese deseo infantil tuvo su primer contacto con la realidad en el escenario de la Escuela N° 34, durante un bingo familiar. Ante unas 300 personas, la pequeña intérprete se animó a cantar una canción de su autoría, marcando el inicio de una relación ininterrumpida con el público.

A los 16 años, la escena nocturna de La Plata se convirtió en su campo de entrenamiento. Durante esa etapa, formó parte de diversas bandas de cumbia y realizó innumerables presentaciones en bares y boliches. Fue en la capital provincial donde vivió una de sus experiencias más vertiginosas: cantar ante 50.000 personas como invitada de una banda amiga que abría el show de Los Totora. A pesar de la falta de ensayo previo, Andersen decidió enfrentar el desafío bajo una premisa clara: "Quiero vivir de esto, no me puede dar miedo".

Hace cuatro años, la artista decidió instalarse en Tandil, donde comenzó a tejer nuevos lazos con la comunidad artística local. Ya en la ciudad, se desempeñó como corista de la formación Mamelook's, participando en giras por la costa atlántica, y tuvo una actuación destacada durante los festejos por los 200 años de Tandil, un evento que recordó por la inmensa adrenalina que sintió al ver la cantidad de gente que colmaba la diagonal Illia.

Al analizar la escena cultural serrana, Andersen destacó que encontró un panorama con mucho talento, aunque con espacios de exhibición limitados en comparación con otras ciudades. No obstante, celebró el crecimiento de las bandas locales en el último tiempo. "Hay talento que estaba escondido y ahora se está viendo mucho más", señaló, al tiempo que valoró las invitaciones de otros artistas para compartir escenario, lo que le permitió integrarse rápidamente al circuito regional.

En la actualidad, la cantante atraviesa un proceso de transición hacia su faceta más auténtica. Tras años vinculada a la cumbia, hoy se identifica plenamente con el género melódico con matices de pop. Su proceso creativo es espontáneo; utiliza audios de celular para capturar melodías que surgen mientras camina por la calle y luego las desarrolla junto a su piano o guitarra. Sus letras, según explicó, suelen centrarse en la superación personal con el objetivo de inspirar a quienes la escuchan.

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De cara al futuro, Andersen se trazó metas estrictas para combatir la procrastinación. Su próximo objetivo es terminar la grabación de dos nuevas canciones, trabajando con productores que aplican herramientas electrónicas, aunque no descarta la incorporación de músicos sesionistas para sus próximos lanzamientos.

Respecto al uso de las redes sociales, las definió como una herramienta de visibilidad indispensable en la actualidad, que le permite organizar su contenido y llegar a otros países. Para la artista, el objetivo final no es una fama vacía, sino lograr que sus canciones alcancen a la mayor cantidad de gente posible que necesite de su mensaje.

La vida de Steven Orsini, un joven de 19 años que divide sus días entre las labores rurales y su inquebrantable vocación musical, cambió drásticamente tras una jornada que quedará grabada en su memoria. Invitado bajo la premisa de una entrevista convencional, el artista se encontró con una puesta en escena que jamás imaginó. Al llegar al estudio, las cámaras y el equipo de producción lo aguardaban para darle una sorpresa que lo dejó, según sus propias palabras, totalmente en blanco y emocionado.

La experiencia alcanzó su punto máximo cuando fue invitado a compartir el escenario con el cantante Ezequiel. A pesar de la sorpresa, Steven Orsini demostró su preparación y profesionalismo al interpretar un tema junto a la banda. "La verdad fue hermoso hacer ese FT con una canción muy linda. Salió del señor justamente la invitación para poder cantar con él, con ellos, con la banda", relató el joven durante su participación en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

El vínculo de Steven Orsini con el programa Pasión de Sábado es de larga data. Desde muy pequeño, cuando apenas tenía cuatro o cinco años, solía visitar el estudio junto a su familia, soñando con el momento de poder mostrar su talento ante las cámaras. Volver al mismo lugar, años después, resultó ser un proceso sumamente movilizador que le permitió conectar con sus recuerdos de infancia y el camino recorrido hasta la actualidad.

A pesar de la gran repercusión que tuvo su presentación y el crecimiento exponencial en sus redes sociales, Steven Orsini mantiene los pies sobre la tierra. El joven continúa trabajando en el campo junto a sus padres, una labor que combina con su incansable lucha por hacerse un lugar en la industria musical. "Sigo trabajando en el campo, pero bueno, también no dejo de lado nunca la música, es lo que me gusta. Quisiera que si se da la posibilidad pueda vivir de esto", afirmó con determinación.

La intensidad de la jornada, que incluyó el viaje, los nervios y la emoción de cantar en vivo, le pasó factura a su salud, obligándolo a asistir a la guardia médica tras el evento. Sin embargo, su entusiasmo permanece intacto. El artista aprovechó el espacio para dejar un mensaje de aliento a otros jóvenes que persiguen sus metas: "Si tuviera que dar un mensaje que no bajen los brazos nunca todos los chicos que tienen un sueño, que las cosas se dan".

Para Steven Orsini, el éxito no es algo que llega de manera fortuita, sino el resultado de un sacrificio constante. "Hay que sacrificarse, no hay que esperar nada de arriba, hay que laburar las cosas por uno mismo e ir de a poco", sostuvo. Con la mirada puesta en el futuro, el cantante ya se prepara para nuevas presentaciones, agradecido por el apoyo recibido y por la oportunidad de compartir su historia de vida, marcada por el esfuerzo familiar y la pasión por el canto.

Aquellos interesados en seguir su carrera y conocer más sobre su trabajo pueden encontrarlo en las redes sociales como Steven Orsini. Tras este paso fundamental en su trayectoria, el joven artista se prepara para recuperarse y continuar trabajando en sus proyectos musicales, siempre con el objetivo de convertir su pasión en su forma de vida.

La banda La Taza Calva fue protagonista de una extensa charla en Cultura Zip, donde Nahuel, uno de sus cantantes y fundadores, recorrió la historia del proyecto musical que nació cuando él y su hermano apenas tenían 9 y 11 años.

Uno de los primeros temas abordados fue el curioso nombre del grupo, que suele despertar preguntas entre quienes los descubren por primera vez. Lejos de esconder una historia profunda, Nahuel reconoció que surgió espontáneamente durante un viaje en taxi cuando eran niños.

“La realidad es que no significa nada. Nos gustó cómo sonaba y quedó. Después la gente inventó teorías mucho más interesantes que la verdad”, contó entre risas.

Durante la entrevista, el músico explicó que si bien La Taza Calva puede definirse como una banda pop, la búsqueda artística nunca estuvo limitada a un solo género.

“Somos una banda pop porque hacemos canciones con melodías que cualquiera puede tararear, pero siempre escuchamos de todo: rock, jazz, tango, cumbia, música clásica. Nunca nos sentimos obligados a responder a un género específico”, sostuvo.

Según explicó, la identidad del grupo se mantiene gracias a una fuerte búsqueda melódica que atraviesa todas sus composiciones, incluso cuando experimentan con diferentes sonidos y estilos.

Consultado sobre el contenido de sus canciones, Nahuel aseguró que las letras nacen de manera natural y reflejan preocupaciones, vínculos y emociones personales.

“Tratamos de abrirnos bastante sobre cómo nos sentimos y de ser vulnerables. Muchas veces la gente dice que nuestra música es alegre pero que las letras son tristes. En realidad creo que tiene que ver con romper el prejuicio de que el pop no habla de nada”, reflexionó.

Entre los ejemplos mencionó “Vida de adulto”, una de las canciones más conocidas de la banda, que plantea interrogantes sobre las exigencias de la vida moderna y las expectativas asociadas al crecimiento.

A diferencia de otros proyectos que comienzan como un pasatiempo, Nahuel explicó que La Taza Calva siempre fue concebida como algo mucho más importante.

“Nunca la vimos como un hobby. Siempre fue el proyecto de nuestra vida. La banda creció con nosotros y nosotros crecimos con la banda”, afirmó.

En ese sentido, remarcó que el paso del tiempo incorporó responsabilidades y desafíos económicos, pero sin afectar la pasión original que los impulsó desde niños.

“Sigue siendo esencialmente el mismo proyecto que cuando éramos chicos”, resumió.

Otro de los aspectos destacados de la conversación fue la dinámica de trabajar junto a su hermano desde hace más de dos décadas.

Aunque admitió que existieron discusiones puntuales, especialmente en estudios de grabación o durante la adolescencia, aseguró que nunca hubo conflictos capaces de poner en riesgo el proyecto.

“Antes de tener una banda ya hacíamos todo juntos: jugábamos, filmábamos películas, escribíamos historias. La música fue una derivación natural de esa relación”, señaló.

Fanático del cine, Nahuel también fue invitado a relacionar el espíritu de La Taza Calva con una película o un director. Su elección fue Steven Spielberg.

“Me gusta porque tiene una sensibilidad popular enorme. Hace obras que puede disfrutar cualquier persona, pero que al mismo tiempo tienen muchas capas y decisiones artísticas muy cuidadas. Creo que nuestra música busca algo parecido”, explicó.

En el tradicional ping pong de preguntas del programa, el músico dejó varias definiciones que rápidamente captaron la atención de los conductores.

Consultado sobre la mayor mentira que le habían contado acerca de la adultez, respondió entre risas que era la facilidad para acceder a una vivienda propia.

“Yo creía que cuando fuera grande me iba a comprar una casa. Después descubrí que no era tan sencillo como parecía”, comentó.

También sostuvo que crecer no debería implicar abandonar la capacidad de jugar y de conservar la curiosidad.

“Si crecés y abandonás el juego, perdés una parte esencial de vos mismo. Pero si sólo jugás y nunca crecés, también te perdés muchas cosas importantes”, reflexionó.

Antes de despedirse, Nahuel adelantó que La Taza Calva ya tiene confirmada una presentación para agosto en Congo Club, en la Ciudad de Buenos Aires, y no descartó sumar nuevas fechas durante los próximos meses.

Además, dejó abierta la posibilidad de visitar Tandil en el futuro, una propuesta que los conductores celebraron y que podría convertirse en realidad próximamente.

Con una combinación de melodías pegadizas, letras introspectivas y una identidad construida a lo largo de más de dos décadas, La Taza Calva continúa consolidando un camino propio dentro de la escena independiente argentina, sin perder el espíritu lúdico con el que comenzó cuando sus integrantes apenas eran unos chicos.

El músico tandilense Juan Ignacio “Chango” Enríquez dio un paso más en su extensa trayectoria, ya que postuló su tema “Esclavo en tu amor” nada menos que a los Latin Grammy, los prestigiosos premios que reconocen a lo mejor de la producción anual de la industria musical.

“Es una postulación, un escalón antes de la nominación, pero ya está bueno poder estar ahí y es un paso muy grande para mí”, compartió Chango Enríquez en diálogo con El Eco. “El tema se llama Esclavo en tu amor, está producido por Leandro Álvarez y el mastering lo hizo un groso de Los Ángeles que es Alex Psaroudakis, ambos ganadores de premios Grammy. Estoy muy contento, por cómo suena la canción y por poder trabajar con gente de ese nivel”, sumó.

La postulación de Enríquez a los Latin Grammy es un paso más en una trayectoria más que destacada: el músico se desempeñó por largo tiempo como guitarrista de León Gieco, grabó un disco en vivo con Los Nocheros, y hasta giró por Europa con el histórico Jaime Torres. Entre otros premios que le dio el camino de la música, llegó a compartir escenario con Charly García.

Tras años de giras y grabaciones, volvió a Tandil, donde había hecho sus primeras experiencias como integrante de La Forestal. Ya en la ciudad,  a mediados de 2024 editó su primer disco solista, titulado Modo Avión, y brindó un recital gratuito en apoyo a la universidad pública.

Hace más de 20 años, en algunos de sus viajes musicales, Chango Enríquez conoció a Leandro Álvarez, quien con el tiempo desarrolló una destacada carrera como productor musical. En Los Ángeles, contó Enríquez, Álvarez “trabajó con todos los músicos top de allá”, y fue reconocido nada menos que con dos Latin Grammy.

Fue a partir de la invitación y el aliento del productor que Enríquez comenzó a trabajar en un tema para presentar al certamen. “Estos últimos 2 o 3 años me estuvo alentando a que proponga, a que presente un tema, una canción mía, y este año al fin lo pude hacer”, contó el músico.

La experiencia de grabar Esclavo en tu amor incluyó el trabajo con Álvarez pero también la posibilidad de que el mastering lo llevara adelante otro destacado ingeniero, Alex Psaroudakis, y que el tema fuera editado por un sello de Los Ángeles, South Records.

Estoy muy contento, y es cosa de seguir intentando. Con los años, de seguir probando”, expresó Enríquez. “También estoy contento porque me di cuenta de que estaba necesitando dar un pasito más, hacer algo diferente. Me estaba pidiendo hacer algo distinto a lo que venía haciendo, y sin querer me encontré con esta posibilidad, y acá estoy. Está buenísimo poder estar ahí”, agregó.

Más allá de que Esclavo en tu amor tuvo su trabajo de pos producción en Los Ángeles, la grabación estuvo a cargo de Martín Castelli –del estudio Sonidos del Viento-, en Tandil. Además de Enríquez en guitarra y voz, participaron destacados músicos locales como Nicolás Borges Tigri en arreglos e interpretación de clarinete, clarinete bajo y saxo, Nicolás Schrott en bajo y “Colo” Maddio en batería.

El tema tiene por delante un largo camino hacia una posible nominación a los Latin Grammy, pero representa también una oportunidad para Enríquez de que su música siga alcanzando nuevos públicos y entornos de circulación.

Del certamen participan miles de artistas de diferentes géneros, pero Tandil tendrá su representación, por lo menos en la primera instancia, con la presencia de Chango Enríquez y su canción Esclavo en tu amor.