En una nueva entrega del ciclo Zip Unplugged, transmitido por El Eco Streaming, el multifacético artista Naju Gorosito realizó un balance de su trayectoria y analizó las tensiones entre sus diversas facetas creativas. El cantante, actor y director de teatro habló sobre su formación como músico, su vínculo con las tablas y sus inicios vinculados al rap.

Naju desandó el camino que lo trajo hasta su presente artístico, marcado por la dirección teatral y un reciente reencuentro con la composición musical. Durante la entrevista, explicó que su relación con las distintas disciplinas atraviesa por diversas etapas, según las necesidades de expresión de cada momento.

Tras un periodo de alejamiento de los instrumentos, el receso de invierno funcionó como un catalizador para volver a sentarse con la guitarra y dar vida a dos nuevas canciones. Según relató, este regreso a la creación melódica respondió a una necesidad de reencuentro personal, tras un tiempo dedicado casi exclusivamente a la dirección y la actuación.

El músico, reconocido por su labor en la banda Fusca, señaló que la agrupación se encuentra actualmente en un periodo de inactividad prolongada. "Estamos como en unas vacaciones largas", describió para graficar el presente del proyecto. A pesar de este paréntesis, la música persiste en su vida como un espacio de catarsis y descarga emocional.

Para Gorosito, la diferencia entre los lenguajes es clara: mientras que el teatro representa un ámbito de mayor profesionalismo y rigor laboral, la música funciona como un territorio donde puede volcar sus inquietudes más íntimas.

El artista admitió que se siente mucho más expuesto cuando debe cantar sus propias composiciones que cuando interpreta a un personaje en una obra. Esta diferencia radica en que la música de autor implica mostrarse tal cual uno es, sin los filtros que ofrece la ficción. "Desde tu propuesta musical te desnudás un poco. Hay algo de sentirse realmente expuesto cuando estoy cantando mis canciones; cuando estoy actuando me siento mucho más seguro porque hay una presencia construida ahí", reflexiona.

Esta construcción del "yo" frente al público es lo que marca su pulso creativo. Mientras que en el escenario la máscara del personaje brinda protección y seguridad interpretativa, en la música el cuaderno de composiciones se convierte en un espejo directo de su interioridad. El entrevistado recordó que sus inicios estuvieron marcados por el rap, género que le permitió dar sus primeros pasos en la lírica antes de formar bandas de covers y consolidar su camino con otros músicos.

La formación académica en la Facultad de Arte de la Unicen fue el punto de inflexión que transformó su mirada sobre el espectáculo. Gorosito llegó a Tandil sin haber tenido contacto previo con el teatro y fue en las aulas universitarias donde descubrió su vocación.

Este año, el joven creador estrenó una obra como director, experiencia que calificó como "terrible" en términos de tensión, debido a la impotencia que se siente desde la cabina técnica. "La función es estar ahí y no podés intervenir en el momento. Tenés que estar totalmente entregado", explicó sobre el proceso de delegar la obra en los cuerpos de los actores.

Actualmente, su labor como director se desdobla en dos proyectos de naturalezas muy distintas. Por un lado, se encuentra al frente de una propuesta de teatro infantil estrenada recientemente, impulsada por la necesidad de generar una salida laboral estable y profesional.

Por otro lado, dirige una producción que forma parte de la Práctica III de la carrera de Teatro, orientada a un público adulto. En ambos casos, Gorosito destacó que su criterio de selección de intérpretes se basa en la capacidad de estos para "bancar la escena", especialmente en géneros como el absurdo contemporáneo, donde el trasfondo y la presencia corporal son más determinantes que el texto mismo.

A pesar de las contradicciones internas que le genera su vida multifacética y la lucha por equilibrar las ganas de actuar con las de tocar, el artista se mostró pleno con su presente en la ciudad. Gorosito adoptó a Tandil como su lugar de residencia definitiva y proyecta su carrera a largo plazo en las sierras.

Para él, haber festejado su cumpleaños en la ciudad y poder mostrarle a su familia el camino construido es motivo de orgullo. "Es una ciudad que tiene potencial, la pienso como mi ciudad", sentenció.

El camino de Naju Gorosito continúa en constante movimiento, alternando entre la dirección de mundos ficcionales y la honestidad de una canción recién escrita. Con la mira puesta en finalizar sus estudios en la Unicen y seguir alimentando el circuito cultural local, el artista reafirmó que la búsqueda de la belleza y la expresión personal seguirán siendo el motor de su actividad diaria. La versatilidad, lejos de ser un obstáculo, parece ser la herramienta principal con la que este joven referente moldea su identidad en la escena tandilense.

El cantante y compositor local Fran Genson repasó su formación, su método de producción de canciones y los matices de su carrera en una nueva edición de "Zip Unplugged", el ciclo acústico del programa "Cultura Zip". Acompañado por el músico Mateo Barleta, desandó el camino que lo llevó desde el freestyle en la escuela secundaria hasta la profesionalización de su sonido. La entrevista, emitida a través de El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, permitió conocer a un artista que mantiene intacta su identidad melómana y su necesidad de crear.

El cantante recordó que su inquietud por la música nació a mediados de 2018. Aunque siempre estuvo rodeado de diversas influencias, fue el rap lo que le dio el impulso inicial para comenzar a escribir sus primeras rimas. Según relató, sus primeros pasos fueron mediante la improvisación con amigos, hasta que se animó a componer "Brinda", su primera canción dedicada a la amistad. Desde aquel entonces, no detuvo su marcha y comenzó a trabajar con Barleta en producciones propias a partir de 2022, consolidando una dupla que ya lleva casi tres años de rodaje.

En cuanto a su evolución artística, Genson aseguró que atravesó un cambio profundo en su estilo y en su forma de encarar el proyecto. En sus inicios, sus referencias provenían mayormente del hip hop y el trap, lo que también moldeaba un estilo de vida particular. Sin embargo, con el paso del tiempo, el músico buscó limpiar su esencia y madurar artísticamente. "Me representó, lo agradezco, pero ya no me representa tanto", reflexiona sobre aquella etapa inicial, marcando una transición hacia un sonido más cuidado y personal.

Esta transformación también se reflejó en su método de trabajo y composición. Genson detalló que prefiere la improvisación sobre las pistas antes que la escritura estructurada, permitiendo que las frases fluyan de manera natural. Además, destacó el uso del inglés en sus letras como una herramienta fonética, argumentando que la naturaleza del género que interpreta nace en el exterior y que dicho idioma permite una métrica más ágil. Para el artista, el abanico de la composición es infinito y depende exclusivamente de la capacidad de conectar con lo que sucede o lo que se desea que suceda.

A pesar de su crecimiento en la escena, el entrevistado explicó que actualmente prioriza sus estudios de Programación, una disciplina que describió como distante de lo musical, pero estratégica para su futuro. Genson decidió darle una pausa a la producción intensiva para enfocarse en la facultad, con el objetivo de poder invertir con mayor solvencia en su carrera artística el día de mañana. "Es como si fuese una persona el proyecto y le hablás, le pedís, y ahora dejás que descanse", comparó el joven sobre su presente lejos de la urgencia de los lanzamientos.

La parte técnica también fue fundamental en su desarrollo como artista autogestivo. Genson recordó cómo armó su primer estudio en casa con un kit básico de placa de sonido, micrófono y auriculares. Bajo el asesoramiento de un ingeniero de sonido y apoyado en tutoriales de internet, aprendió a manejar las herramientas que hoy le permiten liderar su visión estética. Aunque delega tareas de edición y producción en colegas de confianza, subrayó que siempre intenta imprimir su propia impronta en cada video y cada sonido que genera.

Para su presentación en "Zip Unplugged", los músicos realizaron una preparación intensiva que incluyó ensayos frecuentes para lograr una versión acústica de sus temas. La selección del repertorio fue natural, ya que Barleta conocía las canciones desde el proceso de creación del disco. Entre las opciones que barajaron, eligieron seis temas que representaban fielmente el camino recorrido. Esta instancia de preparación no solo sirvió para el programa, sino que funcionó como un recordatorio del placer que le genera el trabajo compartido con amigos y colegas.

Finalmente, el paso por el ciclo de streaming de El Eco despertó nuevamente en el cantante el deseo de reencontrarse con las presentaciones en vivo. Aunque se encontraba concentrado en sus obligaciones académicas, admitió que la respuesta obtenida y la experiencia del formato acústico reavivaron su interés por el contacto directo con el público. "La adrenalina del vivo es hermosa, es otra cosa totalmente distinta", concluyó Genson, dejando abierta la posibilidad de nuevos encuentros sobre el escenario tras este breve hiato creativo.

La pasión por la música comenzó temprano para Agustín Dicembrile, quien a los ocho años recibió su primera guitarra, dando inicio a un camino de aprendizaje constante que lo llevaría, años más tarde, a incursionar en la producción profesional. 

Esta trayectoria fue compartida durante su participación en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, donde el joven artista repasó sus inicios y sus proyectos actuales.

Su formación como productor comenzó de manera autodidacta a los 15 años, cuando grabó su primer disco con su banda anterior, Idicia. Aquella experiencia, desarrollada en plena pandemia junto a su compañero Facupi, fue el motor que lo impulsó a profesionalizarse. "Ahí aprendí y después uno se va perfeccionando. Ahora escucho lo que grabé a los 15 y digo que podría haber hecho otras cosas, pero para la edad que tenía, estaba muy bien", recordó el músico.

Actualmente, Agustín se encuentra abocado a la grabación del primer EP de su banda, Derivé. El grupo, que atraviesa una etapa de renovación en su formación, trabaja en la reversión de temas propios para lograr un sonido más sólido y definido. Según explicó el guitarrista, el proceso creativo es un esfuerzo compartido que trasciende las salas de ensayo tradicionales.

"Normalmente nos juntamos en salas, pero si hay que hacer algo más puntual o arreglos específicos, nos reunimos en mi casa o en la de alguno de los chicos. Grabamos en el estudio que me estoy armando de a poco", detalló. 

Esta dinámica de trabajo le permite combinar su faceta como productor con la composición, un rol que también ha comenzado a ofrecer a otros artistas de la escena.

Al definir su estilo, Agustín se identifica con el rock, aunque reconoce que su labor como productor le permite explorar diversos géneros. En cuanto a las influencias de Derivé, destacó la figura de Gustavo Cerati y la música de Soda Stereo como pilares fundamentales. "Es mi principal influencia, es admirable", sostuvo sobre el legado del ex líder de Soda Stereo.

Respecto a la recepción de su material, el músico enfatizó la importancia de equilibrar la mirada técnica con la sensibilidad del oyente. "A veces, uno cree que escribió una letra genial, pero a la gente le llega la armonía básica. La gente no se fija en lo técnico, se fija en lo que le hace sentir", reflexionó. 

Por ello, el grupo suele testear sus composiciones tanto con colegas músicos como con amigos ajenos al ámbito, buscando una opinión honesta sobre el impacto emocional de las canciones.

Más allá de la música, Agustín divide su tiempo con la carrera de Turismo, una disciplina que espera complementar con su vocación artística. "Me gustaría ejercer y, si la música se da a niveles más grandes, poder hacer las dos cosas a la vez sería hermoso", concluyó. 

La banda se prepara para su próxima presentación el 10 de septiembre en Macanudo, donde el público podrá conocer el nuevo material que el grupo está gestando.

La escena musical de Tandil atraviesa un momento de vitalidad creativa sin precedentes. Así lo destacó Manu González Acosta durante su participación en La Mañana, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. La ciudad vive una semana histórica marcada por el lanzamiento de nuevas canciones de al menos cinco artistas locales, con una proyección que anticipa la llegada de cuatro álbumes más antes de finalizar el año.

Durante la entrevista, explicó que, si bien existe una gran diversidad de propuestas, los artistas locales deben adaptarse a las realidades económicas actuales. “Por razones de presupuesto, muchos optan por lanzar EPs de cuatro canciones, aunque otros han trabajado en producciones más extensas de hasta diez temas”, señaló el periodista, subrayando el esfuerzo de autogestión que caracteriza a la escena independiente.

Uno de los anuncios más destacados de la jornada fue la creación de los premios AQM, una iniciativa que busca galardonar por primera vez a los músicos de la ciudad. El proyecto es impulsado por Mariana Binder y Ezequiel Calvo, responsables de la web Aquí Música.

Estos premios tienen un alcance federal y buscan posicionarse como un referente similar a los premios Gardel o Mercedes Sosa, pero con un enfoque específico en brindar visibilidad a las bandas locales y emergentes. La comunidad podrá celebrar este hito el 20 de noviembre, fecha en la que se llevará a cabo la gala de entrega de los galardones.

El repaso por la actualidad musical incluyó a destacados exponentes locales. La banda Pezquis presentó “Vencida”, el primer adelanto de su tercer álbum de estudio. Este lanzamiento marca un hito para el grupo, ya que es el primero editado a través de la productora Casa Puente Discos, de Mar del Plata, lo que representa un paso firme en su expansión regional. La formación, integrada por Daniel Roca (voz y piano), Marcial Mose (bajo y voz) y Victoria Sala Pérez (batería y voz), explora ahora un sonido con bases progresivas, influencias de post-punk y rock alternativo.

Por su parte, Próspero Raúl Cantón lanzó su nuevo álbum titulado Hablemos de Vuelta, una obra compuesta por diez canciones. González Acosta destacó especialmente el tema “Vendiéndome”, que actualmente se posiciona como uno de los más escuchados. En el ámbito del género urbano y el trap, el artista Zest presentó su reciente sencillo “Yo ya te soy fiel a vos”. El joven músico, quien actualmente reside en Buenos Aires y se desempeña también como productor, se destaca por su enfoque integral que combina la composición con una fuerte impronta audiovisual y el uso de autotune.

A pesar del talento evidente, el análisis realizado en La Mañana puso el foco en una problemática persistente: la falta de escenarios adecuados. 

Aunque existen espacios como 990, Macanudo, Club Hípico y algunas cervecerías, se advierte una carencia de lugares con condiciones acústicas óptimas, especialmente fuera de las cuatro avenidas principales. Ante este panorama, se planteó la necesidad de contar con un espacio municipal equipado técnicamente, similar al histórico Cemento de Buenos Aires, que permita a las agrupaciones programar fechas sin enfrentar costos de producción que, en muchos casos, derivan en pérdidas económicas para los artistas.

Para cerrar su participación, Manu González Acosta invitó a los oyentes a contactarlo a través del Instagram de El Eco para continuar difundiendo el trabajo de nuevas bandas. 

El Conservatorio de Música de nuestra ciudad atraviesa un mes de celebraciones especiales al cumplirse 45 años de su provincialización. La institución, que se ha consolidado como un pilar fundamental en la formación de músicos y docentes, mantiene un rol activo en la cultura local, provincial y nacional. Según explicaron sus referentes en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, el conservatorio cuenta actualmente con una matrícula de 553 estudiantes, abarcando desde el nivel inicial hasta adultos que buscan concretar una formación postergada.

La historia de la institución es extensa y significativa. Florencia Otero, directora del Conservatorio, recordó que los inicios se remontan a una gestión municipal en la década del 60, para luego dar paso a la provincialización en el año 81. Este proceso permitió que la ciudad contara con una formación integral propia, eliminando la necesidad de que los estudiantes debieran trasladarse a otros puntos del país para completar sus estudios o rendir exámenes académicos.

Por su parte, el profesor Alejandro Fernández destacó la importancia de la educación artística en el desarrollo humano. "Tiene un montón de favores que nos deja a la vida cotidiana al estudiar un instrumento musical, desde la disciplina y la concentración hasta el aporte neurológico", señaló. Fernández subrayó que el objetivo de la institución no es solo formar concertistas, sino brindar herramientas para que la música sea parte del día a día de las personas.

El festejo de este año tiene un condimento especial: la consolidación del nuevo edificio. El 31 de julio se cumplieron dos años desde que la institución comenzó a habitar un espacio diseñado específicamente para la enseñanza musical, lo que representa un salto de calidad para toda la comunidad educativa. "Es un doble placer y festejo", afirmó Otero al referirse a las instalaciones actuales.

Para dar inicio a las celebraciones, este viernes a las 19 horas se llevará a cabo un concierto especial en el SUM del edificio, ubicado en la intersección de las calles Suipacha y Esaisa. La entrada es libre y gratuita, y contará con la participación de docentes, estudiantes y egresados. La directora extendió la invitación a todos los vecinos, destacando que es una oportunidad ideal para conocer el nuevo edificio y disfrutar de una propuesta artística de alto nivel.

La agenda de festejos no se limitará al concierto de este viernes. Según informaron los invitados, durante todo el mes de agosto se desarrollarán diversas propuestas los fines de semana. Si bien los horarios y detalles específicos se irán confirmando con el correr de los días, la intención es mantener una presencia constante en la escena cultural de la ciudad.

Durante la entrevista, también se hizo presente Sirina Taraboreli, regente de estudios de la institución, quien acompaña el trabajo diario de la comunidad educativa. El Conservatorio reafirma así su compromiso con la educación pública, gratuita y de calidad, invitando a toda la ciudadanía a sumarse a los festejos y a descubrir el valor de la formación artística en un entorno preparado para la creación y el aprendizaje.

La relación de Pedro Moreno con la música comenzó antes de nacer. Según relató el artista, su madre, Andrea, comenzó a aprender guitarra durante el embarazo, una influencia que él considera fundamental en su formación. Aunque de niño tuvo un paso por el conservatorio, Moreno se define como un músico autodidacta que encontró en la composición su verdadera voz. Tras años de práctica, hoy se prepara para lanzar su primer material discográfico, un disco compuesto por ocho canciones que exploran la complejidad del ser humano.

Durante su entrevista en Plataforma Magazine, el músico explicó que su proceso creativo está fuertemente ligado a la psicología. De hecho, su próximo álbum lleva por título "Neurosis saludable", un concepto que surgió a partir de charlas con su psicólogo. "Es la sublimación, la única neurosis que no es patológica", explicó Pedro Moreno, quien utiliza la música como una herramienta para canalizar emociones, dolores y procesos de autoconocimiento. Sus letras, que abordan desde el desamor hasta la trascendencia, reflejan una búsqueda constante por convertir las experiencias difíciles en arte.

Para el artista, la música es una pasión que convive con su labor en el negocio familiar de quesos, una tradición iniciada por su padre, Miguel Moreno, hace 38 años. Lejos de ver esta dualidad como un obstáculo, el joven artista la integra como parte de su crecimiento personal. "Confío plenamente en que en algún momento voy a dedicarme completamente a la música", afirmó con determinación, destacando que el esfuerzo diario le otorga la fortaleza necesaria para perseguir su sueño de recorrer el mundo mostrando sus canciones.

El trabajo de producción de su disco, que cuenta con la colaboración del productor Lucas Pisati en Cabrillo Studio, está cerca de ver la luz. El primer sencillo, titulado "Escaparate", marca el inicio de una etapa donde el artista busca conectar con el público a través de la honestidad de sus letras. "De eso se trata el existir", canta en uno de sus pasajes, invitando a los oyentes a permitirse sentir cada emoción.

El fin de semana será clave para la carrera de Moreno, quien tiene programadas dos presentaciones especiales. El viernes se presentará como solista en el espacio Los Rojos, mientras que el sábado subirá al escenario de Ípico junto a la banda Odisea, proyecto del cual forma parte. Como gesto de cercanía con su audiencia, el músico adelantó que sorteará productos de su emprendimiento familiar durante los shows, buscando generar una experiencia integral que combine música y tradición.

Con 20 años y una madurez artística que sorprende, Pedro Moreno se posiciona como una de las promesas de la escena local. Aquellos interesados en seguir su trayectoria y conocer sus próximos lanzamientos pueden encontrarlo en Instagram bajo el usuario @pedromoreno.soy, donde comparte sus avances, fechas de shows y el contenido de su incipiente carrera profesional.

Gamma Mood protagonizó la apertura de la tercera edición de Zip Unplugged, un espacio que busca desnudar la esencia de los artistas locales. El encuentro tuvo lugar en el marco del programa Cultura Zip, que se emite por “El Eco Streaming”, “Eco TV” y “Tandil FM 104.1”. En esa mesa, el artista se explayó sobre las fibras íntimas que mueven su obra y la metodología detrás de sus canciones. Durante la entrevista, confesó que los climas grises y lluviosos resultan un motor fundamental para su inventiva, funcionando como una banda sonora natural que invita a la pausa y a la introspección.

"Soy bastante melancólico en el proceso de la composición", admitió el músico. Sin embargo, aclaró que el clima no determina un resultado único, ya que en sus sesiones de trabajo "puede salir lo que sea". Para el artista, el acto de volcar emociones en palabras permite que estas se transmuten, buscando que el oyente vibre en esa misma frecuencia. En este sentido, evitó atarse a ideas preestablecidas y optó por una búsqueda orgánica que responda al momento presente.

La noche surgió en la charla como el escenario predilecto para la creación. El cantante explicó que la nocturnidad posee una energía particular que favorece la grabación, debido a que los sonidos cotidianos se calman y generan un "colchón de silencio". Recordó incluso la filosofía de un músico cubano que prefería las horas de madrugada para entrar al estudio, argumentando que, a pesar del cansancio acumulado, es el momento donde se logra un funcionamiento creativo más fluido.

Respecto a la inspiración, la describió como un "bien muy preciado" que no siempre aparece cuando se dispone del tiempo para trabajar. Ante esta dificultad, reveló que aplica un sistema de registro constante para no perder las ideas espontáneas. "Es muy importante todo el trabajo previo que vas haciendo. Ya sea en un viaje, camino al trabajo o duchándote, hay que dejar asentada la idea en una nota de celular o un audio", relató. Este método le permite retomar fragmentos en momentos de ocio creativo y transformarlos en piezas completas.

Para el compositor, retomar viejos apuntes puede derivar en descubrimientos inesperados. Mencionó que, al revisar anotaciones de distintos períodos, descubrió en ocasiones que tres ideas inconexas terminaban siendo parte de una misma unidad. "Encontrás la conexión entre esas cosas y de repente te cierra todo", explicó. Subrayó así que este reciclaje de disparadores es vital para alimentar su producción sin depender exclusivamente de la inspiración espontánea frente al instrumento.

Asimismo, destacó la importancia del intercambio con colegas y amigos antes de dar por finalizada una obra. El músico valoró el comentario sincero de su círculo íntimo, asegurando que compartir el material en proceso ayuda a no cerrarse en la mirada propia. No obstante, aclaró que la decisión final siempre responde a la intuición personal, manteniendo un equilibrio entre la apertura constructiva y la fidelidad a la visión artística original.

Sobre su presente, Gamma Mood confirmó que se encuentra en plena producción de un nuevo disco junto a Fran Margueritte. Según adelantó, este trabajo presentará un color distinto a su material previo, el cual se caracterizaba por ser más íntimo. Esta nueva etapa busca proyectarse "un poquito más hacia afuera", con una impronta bailable y una atención especial a las estéticas sonoras de la actualidad. El disco no nació de una planificación rígida, sino de una colaboración espontánea que comenzó con una sola canción y terminó agrupando diez piezas con una temática común.

Respecto a la dificultad de vivir del arte en la ciudad, el entrevistado fue optimista pero realista. "Casi todo lo que hago está relacionado a la música", comentó, mencionando sus labores en talleres, clases y composición para obras de teatro. Para él, dedicarse a esta disciplina es una necesidad vital que requiere buscar constantemente diferentes formas de inserción profesional. En ese camino, las plataformas digitales se volvieron una herramienta de autorreferencia necesaria para observar su propio crecimiento.

El aspecto visual también juega un rol preponderante en este nuevo proyecto. El músico reveló que ya diagramó esquemas y guiones audiovisuales para acompañar las canciones, entendiendo que la imagen termina de cerrar el mensaje. Aunque reconoció que la parte burocrática y el marketing pueden ser engorrosos, destacó que trabajar con expertos en el área visual le permite potenciar su obra. De este modo, delega tareas para concentrarse en la generación de capas sonoras en el estudio.

Hacia el cierre de la entrevista, reflexionó sobre el desafío de ocupar el rol de frontman. Tras una vida integrando diversos grupos desde un lugar secundario, estar al frente de Gamma Mood representa un aprendizaje constante. "Siempre genera algo estar ahí adelante, sigue siendo un desafío", confesó. A pesar de ello, ratificó su compromiso de seguir defendiendo las canciones que nacieron de su pluma y que hoy buscan resonar en el público tandilense.

La escena musical independiente de la Argentina cuenta desde ahora con un nuevo espacio de validación y reconocimiento. Con el propósito de fortalecer y proyectar el trabajo de quienes desarrollan sus carreras por fuera de los circuitos comerciales tradicionales, AqM Revista presentó oficialmente la primera edición de los Premios AqM a la Música Independiente. La convocatoria, que tiene un alcance federal, permanecerá abierta para inscripciones desde el 31 de julio hasta el 31 de agosto.

Esta iniciativa no se limita a una ceremonia de premiación, sino que se posiciona como una plataforma integral destinada a poner en valor el entramado creativo que sostiene la cultura musical del país. El proyecto busca reconocer no solo a los artistas, sino también a productores, gestores culturales, periodistas, realizadores audiovisuales, diseñadores y sellos independientes que resultan fundamentales para el desarrollo del sector.

Según explicó Mariana Binder, directora de la revista, este recorrido permitió identificar las necesidades del sector y la importancia de formalizar un espacio de articulación. "Desde hace años acompañamos las historias de cientos de artistas independientes y sentimos que había llegado el momento de crear un espacio que también los reconociera. Los Premios AqM nacen para visibilizar ese enorme trabajo que muchas veces sucede lejos de los grandes circuitos, pero que es fundamental para la cultura musical de nuestro país", afirmó Mariana Binder.

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La primera edición de estos galardones se destaca por su carácter federal, permitiendo la participación de proyectos provenientes de todas las provincias argentinas. Debido a que se trata de la edición fundacional, el reglamento contempla un periodo de elegibilidad amplio: podrán postularse obras publicadas entre el 1 de enero de 2023 y el 31 de diciembre de 2025. Esto incluye álbumes, EP, singles y videoclips oficiales.

La estructura de los premios contempla categorías generales como Álbum del Año, Canción del Año, Artista del Año y Artista Revelación. Asimismo, se integrarán reconocimientos específicos por géneros musicales, categorías audiovisuales y distinciones especiales destinadas a homenajear a referentes que han contribuido significativamente al crecimiento de la música independiente en el territorio nacional.

Para garantizar la transparencia y la calidad del proceso, la selección estará a cargo de un jurado multidisciplinario. Este cuerpo evaluador estará integrado por periodistas especializados, músicos, productores, docentes universitarios, gestores culturales y realizadores audiovisuales de diversas regiones del país e incluso del ámbito internacional. Los criterios de evaluación se centrarán en la calidad artística, la originalidad, la producción, el impacto cultural y el desarrollo profesional de cada propuesta.

El proceso de selección se extenderá durante los próximos meses y tendrá su punto culminante el 20 de noviembre de 2026. La ceremonia de premiación se llevará a cabo en el Centro Cultural Universitario de Tandil, donde se distinguirán las obras y proyectos seleccionados por el jurado. Este evento busca consolidarse como un hito en la agenda cultural local y nacional.

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La organización cuenta con el respaldo institucional del Área de Cultura de la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires (UNICEN), bajo la gestión de Anabela Tvihaug. Además, el proyecto es apoyado por una red de organizaciones y medios como Gestión Indie Prensa, Songdew Latam, Women in Music Argentina, Cultura Zip y Argie Pop Records, entre otros actores que colaboran en el fortalecimiento de la escena.

En una nueva edición del Zip Unplugged, Gastón, creador del proyecto Gamma Mood, ofreció una presentación acústica y habló sobre su proceso creativo, sus influencias y el presente de su carrera.

Durante la entrevista contó que la lluvia y la noche son grandes fuentes de inspiración para componer y explicó que suele registrar ideas en notas de voz o en el celular para luego desarrollarlas durante sus sesiones de trabajo.

Además de interpretar "Son", presentó un tema inédito que forma parte de un nuevo concepto basado en los cuatro elementos de la naturaleza, y cerró con otra canción inspirada en el agua.

El artista también adelantó que trabaja junto a Francisco Margueritte en un nuevo disco, que tendrá un perfil más bailable y una estética diferente a la de sus trabajos anteriores, dejando atrás el tono más introspectivo de sus primeras composiciones.

Durante la charla reflexionó sobre los desafíos de los músicos independientes, la importancia de los espacios para difundir canciones originales y la posibilidad de vivir de la música combinando distintas actividades artísticas.

Antes de despedirse, dejó una pregunta para el próximo invitado del ciclo, Lautaro Zugbi: "¿Qué banda te marcó en la adolescencia?", mientras reveló que, en su caso, fueron Los Beatles quienes despertaron su vocación musical.

La confirmación de la nueva propuesta musical se realizó durante la última emisión de Cultura Zip, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1. En el espacio, se dieron a conocer los nombres de los cuatro artistas que formarán parte de esta edición especial, la cual promete transformar el estudio de El Eco Streaming en un escenario íntimo para el disfrute de la audiencia.

El ciclo comenzará el próximo lunes con la presencia de Gastón Valdez, reconocido en la escena musical como Gamma Mood. El artista llegará al programa para conversar sobre su presente profesional y ofrecer un repertorio de sus canciones adaptadas al formato acústico, marcando el inicio de esta serie de presentaciones.

La programación continuará el martes 28 de mayo con la visita de Lautaro Zugbi. El músico tandilense, quien actualmente se encuentra radicado en la ciudad de La Plata, realizará un viaje exclusivo a Tandil para formar parte de la segunda jornada del ciclo, brindando su propuesta artística a todos los seguidores del programa.

Para la tercera jornada, el jueves 30 de mayo, el enfoque se trasladará hacia los nuevos sonidos. La música urbana será la protagonista de la mano de Fran Genson, uno de los exponentes jóvenes más destacados del género en la actualidad, quien tendrá su espacio para mostrar su trabajo y conversar sobre su trayectoria en ascenso.

El cierre de esta tercera edición de Zip Unplugged contará con la participación de Nahu Gorosito. El reconocido actor y cantante, quien además de desarrollar una sólida carrera como solista es la voz líder de la banda Fusca, será el encargado de ponerle el broche de oro a este ciclo de música y entrevistas.

La propuesta invita a la audiencia a disfrutar de un ambiente distendido y cercano. A partir del lunes, las luces del estudio de El Eco Streaming bajarán para dar paso a un clima de mayor tranquilidad, ideal para la charla profunda y la escucha atenta de música en vivo. Las transmisiones se realizarán desde las 14 horas a través de todas las plataformas digitales de El Eco, permitiendo que los seguidores puedan interactuar y seguir de cerca cada una de las presentaciones programadas para esta semana especial.

La banda tandilense Derivé se prepara para celebrar su segundo aniversario con un evento que promete marcar un hito en su trayectoria. Los integrantes Santino Ferrari y Agustín Dicembrile visitaron Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, para brindar detalles sobre el festejo que tendrá lugar el próximo 25 de este mes en el Hípico.

A dos años de su formación, el grupo atraviesa una etapa de consolidación y crecimiento. Según explicaron sus integrantes, el proyecto ha evolucionado significativamente desde sus inicios, adaptándose a cambios en su alineación. "Han habido cambios importantes, sobre todo en el cantante, que es lo que más se nota [NdR: actualmente el cantante es Pedro Moreno]. Cambiamos casi todo, básicamente. Jere Santillan, Santi y yo somos los que estamos desde que arrancamos", comentó Agustín sobre la dinámica interna de la banda.

El evento del 25 de este mes contará con una grilla extensa que incluye a bandas como Banda Especia, Plan Roma, Proyecto Varsovia y Mudras, además de un escenario alternativo con la participación de diversos artistas locales. Para los miembros de Derivé, esta fecha tiene un significado especial, ya que remite a sus orígenes: "Nuestra primera fecha, justamente cuando cumplimos los dos años, fue ahí mismo con Lunático. Se dan muchas similitudes", recordaron los músicos.

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Más allá de los festejos, la banda se encuentra enfocada en la producción de su primer disco. El objetivo es lanzar el material durante este año, un proceso que definen como democrático y minucioso. "Normalmente, el que tiene la idea la proyecta, se graba una demo y se manda al grupo. Si gusta se hace, y si no, vemos qué se le cambia", detalló Agustín Dicembrile sobre la metodología de trabajo que comparten con el resto de los integrantes.

El álbum contará con siete canciones, algunas de las cuales serán presentadas en vivo durante la celebración del aniversario. Entre los planes de estudio, la banda evalúa la regrabación de su sencillo Jardín del Ser, la única pieza disponible actualmente en plataformas digitales. La intención es mantener la esencia original pero adaptarla a la formación actual, reemplazando la batería programada por una ejecución real grabada en el estudio de Fran Margueritte.

La labor de mezcla y postproducción recae en gran medida sobre los mismos integrantes, quienes admiten que el proceso es exigente pero gratificante. "Es difícil decir 'bueno, hasta acá', porque siempre agarro y toco algo nuevo", confesó Agustín. A pesar de los desafíos técnicos, el grupo mantiene el entusiasmo por profesionalizar su sonido, incorporando más capas de voces, coros y guitarras en las nuevas composiciones.

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Con la mirada puesta en el show del 25, los músicos invitaron a la comunidad a sumarse a la fiesta. Las entradas se encuentran disponibles a través de las redes sociales de la banda, específicamente en su perfil de Instagram @derive.smp, y en los canales de difusión de Lunático Producciones. Con este evento, Derivé reafirma su lugar en la escena local, celebrando dos años de música, cambios y una identidad que sigue en constante desarrollo.

Jo Alcobruni fue el encargado de cerrar la segunda edición de Zip Unplugged, segmento de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. El artista repasó los hitos que marcaron su trayectoria y profundizó en el presente de su carrera solista. En una charla íntima, recordó el momento exacto en el que decidió dejar el rol de acompañante para tomar el centro del escenario, un quiebre que ocurrió durante una gira con el cantante Raúl Lavié.

Alcobruni relató que, tras un concierto en el Festival de la Canción en Mar del Plata, sintió la necesidad de liderar su propia propuesta. "Quiero estar ahí cantando, quiero yo estar haciendo el show adelante", le confesó en aquel entonces a su amigo Diego Romero. Aunque desarrollaba su música desde muy pequeño, el proceso de soltar el espacio de sesionista fue gradual y estuvo apuntalado por encuentros fortuitos con grandes referentes de la escena nacional que validaron su talento.

Otro de esos momentos clave fue junto a Nacha Guevara. Debido a un imprevisto por el cual Cacho Castaña no pudo asistir a un compromiso, Alcobruni terminó cantando con ella sobre el escenario. Al escucharlo, la reconocida artista fue tajante: "Tenés que cantar", le dijo. Para el bandoneonista, trabajar con figuras de esa magnitud fue una escuela de profesionalismo donde comprendió que "la música tiene que estar primero" y que la cosmovisión artística no se negocia.

Su relación con el "fuelle" comenzó a los ocho años, influenciado por un tío de Azul a quien observaba tocar en las reuniones familiares. "Me llamaba la atención y mis viejos me dieron la oportunidad de empezar a estudiar", recordó con nostalgia. Sus primeros pasos los dio en Tandil bajo la tutela de grandes maestros, hasta que al finalizar la Secundaria se radicó en Buenos Aires para perfeccionarse con Rodolfo Mederos.

Alcobruni definió al bandoneón como un "instrumento raro" y complejo, que exige un esfuerzo inicial importante pero que ofrece posibilidades sonoras únicas. Pese a la dificultad técnica, el músico buscó siempre despojar al fuelle de cierta solemnidad tradicional para permitir el juego y la experimentación en diversos géneros musicales alejados del tango clásico.

En ese sentido, admitió que le resultó más sencillo alejarse del mote estrictamente tanguero que adaptarse a las dinámicas del ambiente. Aunque disfrutó y aprendió del género, confesó que no lograba "hallarse" plenamente en ese contexto. Paradójicamente, fueron referentes como Lavié y Guevara quienes celebraron su estilo: "Está buenísimo que no suenes a tanguero", le solían decir, impulsándolo a consolidar su propia identidad sonora.

Esta versatilidad lo llevó a grabar para su disco con figuras como Joaquín del Mundo, Nuria Saba y Cami Andersen. Su nuevo trabajo discográfico refleja esta apertura estética y consolida una búsqueda personal que trasciende las fronteras de los géneros tradicionales. Para Alcobruni, el disco representa un cambio de página y la confirmación de que su camino está ligado a la creación de contenido propio y original.

La presentación de su nuevo material en Tandil fue descrita por el artista como un evento "soñado". Con un teatro lleno, Alcobruni destacó la importancia de compartir su obra con el público local. "La idea era poder generar un regalo a la gente, poder compartirlo con ellos y mover desde acá", señaló, subrayando que la ciudad funciona para él como un centro de descanso y un espacio de contención afectiva indispensable.

Sobre la escena musical tandilense, el bandoneonista destacó la constante ebullición de talentos en la zona. Abogó por una mayor profesionalización de la actividad, aunque aclaró que se trata de una elección en la forma de vivir el arte. Para él, lo fundamental es el respeto por la obra y la integración generacional que percibe a nivel local, factores que considera esenciales para que la cultura de la región continúe en un proceso de crecimiento constante.

Uno de los momentos más significativos de la entrevista fue cuando recordó una frase que le transmitió Rodolfo Mederos, la cual originalmente perteneció a Astor Piazzolla: "El mundo es de los audaces". Alcobruni atesora ese concepto, que incluso lleva grabado en su instrumento, como una guía para su carrera profesional. "Me di cuenta con el tiempo de lo significativo que había sido", reflexionó sobre aquel encuentro con el maestro Mederos.

Con la mirada puesta en el futuro inmediato, el músico anticipó que se viene un período de intensa actividad y difusión de su nuevo disco. Aunque los últimos dos años estuvo más presente en Tandil abocado al proceso de grabación, el próximo movimiento incluirá una serie de conciertos que ya se encuentran en agenda. "Lo primero que tiene que haber es la música", concluyó Alcobruni.

Ro Sosa visitó los estudios de El Eco para participar de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el ciclo Unplugged, la cantante compartió las vivencias que marcaron su presente artístico. Habló del impacto que significó volver a la ciudad tras su paso por La Voz Argentina y la grabación de su nuevo material.

Su participación en el certamen televisivo en 2021 representó un punto de inflexión en su carrera profesional. Sin embargo, la artista confesó que el regreso a Tandil no fue sencillo. "Nadie te dice cómo hay que hacer para volver", reflexionó, aludiendo a la rapidez con la que debió retomar su vida laboral. Tuvo que afrontar la producción local sin tiempo para procesar la exposición mediática.

Pese a la tentación de instalarse en la Capital Federal, la cantante eligió volver a su casa. Aseguró que mantiene siempre los pies sobre la tierra. Aunque las puertas en la gran ciudad siguen abiertas, su prioridad hoy está en los proyectos que genera desde Tandil. Su experiencia en Buenos Aires le permitió fortalecer vínculos con bandas como Las Pastillas del Abuelo. Con ellos llegó a compartir grandes escenarios, integrando listas de temas junto a figuras consagradas como Abel Pintos.

Para la entrevistada, la experiencia en los grandes medios fue un aprendizaje sobre la constancia. Sostuvo que el trabajo artístico requiere seguir golpeando puertas de manera permanente. A sus 25 años, miró hacia atrás y consideró que la madurez actual le otorgaría otras herramientas para enfrentar la popularidad. Se mostró agradecida por el camino recorrido y por la decisión de haber regresado para continuar su formación.

La familia ocupa un lugar central en la cosmovisión de la cantante y es el motor de sus interpretaciones. Su abuela Adelina es una figura fundamental en este esquema. Sosa explicó que a través de su voz busca dar espacio a todo aquello que su abuela no pudo expresar artísticamente en su juventud. La describió como una crítica rigurosa que prefiere que las canciones se sientan antes que los alardes técnicos.

El lazo con sus hermanos, y especialmente con Ayelén, también fue protagonista del encuentro. Tras años de cantar juntas y registrar grabaciones caseras desde la infancia, Sosa destacó el presente de su hermana. Consideró que es el momento de que brille con luz propia en la escena local. Para la entrevistada, la música es una herencia genética que recorre a toda su familia, donde el arte fluye de manera natural.

Esa conexión familiar se extiende a la forma en que elige su repertorio y gestiona sus emociones sobre el escenario. Recordó con afecto cómo su abuela viajó de sorpresa a Mar del Plata para verla en un homenaje a Leonardo Favio. Este gesto reforzó su convicción de que la música es, ante todo, un vínculo. Para Sosa, cantar es una forma de decir "te quiero" sin necesidad de palabras.

Actualmente, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer material discográfico. Espera concretar este hito antes de fin de año. Este trabajo contará con seis canciones, cinco de su propia autoría, y está bajo la dirección del músico y productor local Fran Margueritte. Sosa valoró la posibilidad de delegar la dirección técnica en alguien con quien comparte un lenguaje similar.

El proceso de grabación se desarrolla de forma independiente y sin las presiones de los grandes sellos. La cantante planea una modalidad de colaboración abierta para que la comunidad y otros músicos puedan acompañar el financiamiento. De este modo, busca eliminar la barrera de una entrada fija para permitir que el arte circule libremente. "Es un momento de no seguir postergando cosas", afirmó sobre su decisión.

En su búsqueda artística actual, Sosa no descartó seguir explorando géneros diversos, desde el tango hasta versiones acústicas de cumbia. Su enfoque está puesto en la comunicación y en la capacidad de reversionar obras ajenas bajo su propia impronta. Con el apoyo de referentes de la movida cultural de Tandil, la cantante se consolida como una de las voces más auténticas de la ciudad.

Melomanía o muerte es un evento integral que combina cine, ferias y música en vivo. La propuesta fue diseñada por el músico Lautaro Soto, quien buscó generar un espacio de encuentro para los amantes del arte que escapan de las tendencias algorítmicas. El artista compartió los pormenores de esta iniciativa durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming.

Respecto al nombre del encuentro, Soto explicó que surgió como una reflexión sobre la polarización actual y la falta de curiosidad en el consumo artístico. El músico planteó que la propuesta representa dos extremos: el fanatismo apasionado por descubrir nuevos sonidos frente a la "muerte" que implica escuchar únicamente lo que el sistema impone.

"Si me hubiese quedado solamente con lo que el consumo masivo me ofrecía de chico, hoy estaría muerto artísticamente", sentenció.

Esta filosofía se trasladó también al mundo digital a través de un canal de YouTube homónimo que Soto inauguró recientemente. Allí, el productor comenzó a subir selecciones musicales y sets con el objetivo de recomendar artistas y generar un currículum visual de su faceta como DJ.

Según indicó, el proyecto le demandó una dedicación especial no solo en lo auditivo, sino también en lo estético, con una identidad visual que busca reflejar la esencia del concepto.

En cuanto a su visión sobre la industria masiva, el artista se mostró indiferente ante las fórmulas del éxito instantáneo o el contenido diseñado para redes sociales. Aseguró que su música nace de una necesidad de expresión humana y no de una estrategia comercial.

"Mucha gente hace música pensando en el recorte para TikTok y esa gente es la que está muerta; nosotros somos los melómanos", afirmó.

Para Soto, la clave de la vigencia cultural reside en la renovación constante y en el diálogo entre generaciones. En ese sentido, manifestó su deseo de que el evento logre convocar a un público joven que pueda mezclarse con quienes llevan más de 20 años en la escena.

El músico sostuvo que la efervescencia de la adolescencia es fundamental para mantener viva cualquier movida artística en la ciudad.

Durante la entrevista, el artista también brindó precisiones sobre su nuevo álbum de estudio, el cual se encuentra actualmente en la etapa de mezcla final. El trabajo, que consta de nueve temas y un interludio, fue grabado bajo la mirada minuciosa del productor Gastón Gauna en Nido Records.

Según relató, el proceso fue largo y atravesó diversas búsquedas sonoras hasta encontrar el camino definitivo que dejó conformes a todos los integrantes.

La formación que lo acompañará este sábado, y que participó activamente del disco, está integrada por Fede Islas en batería y coros, Martín Estévez en bajo, Lucía Rojas en coros y Lautaro Villalba en guitarra. Una de las novedades de los últimos ensayos fue la decisión de eliminar el uso de metrónomos y secuencias disparadas desde computadoras.

Soto explicó que buscaban una sonoridad "más humana". Al quitar la rigidez digital, la banda logró fluir de una manera mucho más orgánica.

La apuesta por lo humano también se verá reflejada en el arte de tapa del disco, que será un cuadro original del artista visual Cristian Amescua. Soto le encargó al pintor una obra inspirada exclusivamente en la música del álbum, priorizando la mano humana por sobre cualquier diseño digital.

"Es un cuadro buenísimo que todavía tenemos guardado", adelantó con entusiasmo, reafirmando su compromiso con el valor del objeto físico.

La actividad contará con la proyección de la película "24 Hour Party People", un largometraje que narra la historia del sello discográfico Factory Records en Manchester. Soto destacó que la cinta retrata una movida efervescente donde el rock y la electrónica comenzaron a fusionarse bajo la gestión de Tony Wilson.

"Fue una etapa muy loca que incluyó a bandas pioneras como Joy Division, New Order y los Happy Mondays", recordó el organizador.

Adrián Lopinto será el encargado de musicalizar bloques en vinilo, mientras que la banda local Contrastes ofrecerá su repertorio en vivo. Por su parte, Soto anunció que realizará un set de DJ utilizando exclusivamente discos compactos, una práctica que rescató recientemente tras adquirir un equipamiento de los años 90.

También tendrá la presentación de su propia banda, en una velada que se extenderá hasta las 2 de la mañana.

Además de lo musical, el encuentro contará con una feria de coleccionistas donde se podrán adquirir vinilos y CDs, sumado a la participación de emprendedores locales. Fede Islas presentará sus correas artesanales para instrumentos, mientras que Maxi González ofrecerá una selección de fanzines.

La música de Tandil volvió a posicionarse en lo más alto de la escena nacional el pasado domingo. En una ceremonia virtual que conectó a la cultura de todo el país, el proyecto Campo Loop se alzó con el premio al mejor álbum de folclore alternativo en los Premios Mercedes Sosa 2026. El reconocimiento llegó de la mano de su último lanzamiento, "Grito Gaucha", una propuesta que fusiona la identidad surera con los ritmos electrónicos.

El suceso representó un hito para la industria cultural tandilense, ya que la obra fue realizada íntegramente por profesionales y artistas locales. Las grabaciones se llevaron a cabo en locaciones de la zona serrana, tales como el Valle de los Ciervos, los campos de Iraola y Ramón Primero. El equipo de trabajo integró a actrices y actores estudiantes de la Facultad de Arte de la Unicen, además de vestuaristas y un equipo técnico que aportó una estética rústica pero moderna a la narrativa visual del video.

Desde la perspectiva artística, "Grito Gaucha" se presentó como un manifiesto musical de fuerza colectiva. La canción se inspiró en la historia de un grupo de mujeres de Amalaya que, en el marco de una pampa devastada por la denominada Guerra del Barro, forjaron una fortaleza basada en la unión y la confianza. 

Esta épica se tradujo en un sonido que combinó coros femeninos con la potencia de una base techno y la hondura de guitarras milongueras criollas, creando una atmósfera sonora profundamente enraizada en el territorio.

La labor técnica y de posproducción estuvo bajo la dirección de Matías Chávez Méndez, encargado de la mezcla y el mastering. 

La edición 2026 de los Premios Mercedes Sosa se consolidó como una de las más competitivas de los últimos años. Con casi 1.200 artistas y bandas inscriptas en las etapas de preselección, el certamen de origen tucumano reafirmó su importancia como plataforma de visibilidad para el arte independiente de las provincias. 

El jurado evaluó las propuestas basándose en un reglamento estricto, cuyas bases y condiciones garantizaron la transparencia y el nivel de los trabajos postulados por los músicos al momento de presentar sus obras.

El triunfo de Campo Loop no solo destacó por la calidad de su composición, sino también por la capacidad de articular diversas disciplinas artísticas bajo un concepto identitario fuerte. La gala, que se desarrolló de manera virtual, permitió que la comunidad cultural local siguiera de cerca los anuncios, celebrando la obtención de una estatuilla que reconoce la innovación dentro del género folclórico. La propuesta de "electrofolclore surero" logró convencer a un jurado de alcance federal.

Tras el anuncio del galardón, los integrantes de la banda expresaron su gratitud hacia todos los que formaron parte del proceso creativo. En un mensaje difundido a través de sus canales de comunicación, resaltaron la importancia de la construcción colectiva en el arte y agradecieron el apoyo de la comunidad tandilense. El premio significó, además, un impulso vital para la promoción de un género que busca rescatar las raíces de la región pampeana para proyectarlas hacia un contexto sonoro global.

Con este reconocimiento, Tandil reafirma su rol como semillero de talentos y usina de producciones audiovisuales de alta calidad. La ciudad celebra este nuevo logro que pone en valor el trabajo conjunto entre la academia, el sector técnico y los artistas locales.

El Coro Universitario de Tandil se prepara para una jornada especial este fin de semana. 

En el marco de una entrevista brindada a Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1, el director del elenco, Martín Domínguez Dumón, director del coro, brindó detalles sobre el espectáculo denominado Cielo Raíz, una propuesta que busca conectar con los valores y símbolos que definen la identidad argentina.

El concierto, que tendrá lugar en el Aula Magna ubicada en Pinto y Chacabuco, representa un hito para la agrupación. Según explicó el director, se trata de la primera presentación integral donde el coro sostendrá la totalidad del repertorio de manera exclusiva, contando únicamente con el acompañamiento del pianista invitado Matías Málaga.

“Estamos muy contentos porque es nuestro primer concierto donde solo el coro va a sostener toda la presentación. Es un recorrido por diferentes músicas argentinas, desde el folklore hasta el rock, pasando por poesías de autores nacionales. Abordamos valores y símbolos que nos hacen como argentinos”, expresó Martín Domínguez Dumón durante su paso por el programa.

La formación actual del coro refleja una diversidad significativa, integrando a estudiantes, trabajadores universitarios y miembros de la comunidad en general. El director destacó que, tras las últimas audiciones realizadas, el grupo ha experimentado un crecimiento notable, consolidándose como un espacio abierto para quienes deseen iniciarse en la práctica coral.

“El coro está compuesto por una amplia gama de la sociedad. Es un elenco que tiene las puertas abiertas a la comunidad para las personas que les interese cantar. Estamos muy contentos porque el coro ha ido creciendo en este tiempo y, para muchos de los 35 integrantes que subirán al escenario, esta será su primera experiencia cantando en público”, señaló el director.

El repertorio estará compuesto por 12 canciones, las cuales estarán organizadas en bloques temáticos. Para dotar de mayor fluidez a la propuesta, se incluirán lecturas entre las piezas musicales que servirán como hilo conductor, profundizando en el concepto de Cielo Raíz, una metáfora que alude tanto a los colores de la bandera como a las raíces culturales que definen el sentir nacional.

La cita es este domingo a las 19 en el Aula Magna de la universidad. La entrada es libre y gratuita, aunque desde la organización recomendaron al público asistir con puntualidad para asegurar su lugar, dado el interés que ha despertado la convocatoria y la capacidad del recinto.

Respecto a la continuidad del proyecto, Martín Domínguez Dumón recordó que las audiciones para nuevos integrantes se realizan habitualmente al inicio de cada año, generalmente durante el mes de marzo. Aquellos interesados en formar parte de esta experiencia coral podrán acercarse directamente en las próximas convocatorias, las cuales son difundidas oportunamente por la institución.

Esta presentación no solo constituye un desafío artístico para los 35 coreutas, sino también una oportunidad para que la comunidad de Tandil se acerque a disfrutar de una propuesta cultural que pone en valor la música y la poesía argentina en un entorno académico emblemático.

La atmósfera de los estudios de El Eco se transformó con los primeros acordes de una milonga uruguaya de los años 40, interpretada por un artista que, a pesar de su juventud, carga con casi dos décadas de escenarios sobre sus espaldas. Manu María fue el protagonista del primer encuentro de Zip Unplugged 2, una propuesta que regresó esta semana a la grilla para permitir que los artistas locales desplieguen su obra en un marco de intimidad y diálogo pausado. La participación del músico tuvo lugar en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, donde repasó sus raíces, sus viajes por Latinoamérica y la madurez que alcanzó con su última producción.

Durante la charla, el compositor rememoró sus inicios en la ciudad, vinculados estrechamente a un entorno familiar donde la música era el lenguaje cotidiano. Recordó que su padre, un incansable fabricante de instrumentos, y su hermana mayor fueron las influencias determinantes que lo llevaron a subirse por primera vez a un escenario a los once años en la emblemática peña La Cautiva. Desde aquel niño que grababa canciones a capela en el teléfono de sus padres para luego pedirles que lo escucharan, hasta el hombre que hoy reflexiona sobre el peso de la industria, el camino estuvo marcado por una búsqueda constante de la originalidad y la identidad propia.

El núcleo de la presentación giró en torno a su nuevo EP, titulado “Piedra Libre”, una obra que el artista definió como un lanzamiento bisagra en su carrera. Según explicó, el proceso de grabación y producción se extendió durante un año entero, un tiempo inusual para sus dinámicas anteriores, lo que le permitió ejercitar la paciencia y analizar el concepto de cada pieza antes de materializarla. Este trabajo representó un desafío particular al ser realizado con un equipo de trabajo más numeroso, alejándose de la inmediatez que suele proponer la virtualidad y las redes sociales en la actualidad.

Manu María destacó que las cuatrocanciones que componen el EP intentan amalgamar todo lo transcurrido en su historia personal. En temas como “Esquina Libertador” o “Tres Caminos”, esta última con una fuerte impronta folclórica, el músico buscó plasmar las diferentes aristas que conforman su estilo, el cual oscila entre la canción de autor, el tango y los ritmos de raíz. “Prioricé la expectativa y el proceso por sobre el resultado inmediato”, aseguró, señalando que esta dirección le permitió sentirse más cómodo con el camino elegido, priorizando siempre lo que le hace bien artísticamente por sobre las exigencias externas del mercado.

La obra, que fue presentada como un manifiesto transparente de su identidad, también refleja una distancia crítica con la industria musical moderna. Para Manu, hoy existe una brecha significativa entre lo que se consume de forma virtual y lo que sucede en el vivo, donde la música se experimenta de manera orgánica. En ese sentido, “Piedra Libre” fue pensado para acortar esa distancia, ofreciendo una sonoridad que respeta los tiempos del artista y la tradición de los géneros que lo formaron desde su paso por la Escuela Polivalente de Tandil.

Uno de los momentos más intensos de la entrevista fue cuando el músico relató su estadía en México, una experiencia que calificó como un antes y un después en su vida. A los 17 años, impulsado por una serie de hechos fortuitos y el apoyo de personas que creyeron en su talento sin conocerlo, decidió cruzar la frontera para radicarse un tiempo en el país azteca. Allí, se integró como voluntario en la selva Lacandona, conviviendo con la comunidad zapatista en el sureste mexicano, cerca de la frontera con Guatemala.

Esta convivencia le otorgó una nueva escala de valores y respeto por el conocimiento ajeno. Manu María recordó con asombro la experiencia de cantarle a la comunidad y escuchar sus historias, incluso llegando a conocer al subcomandante Marcos. Sin embargo, lo que más lo marcó fue una lección sobre la comunicación y la humildad: la importancia de preguntar hasta entender. “Hoy soy la persona que no sabe, y eso me deja tranquilo”, confesó, refiriéndose a la garantía de aprendizaje que surge cuando alguien reconoce su ignorancia frente al otro, un concepto que aprendió observando la paciencia de los campesinos chiapanecos.

A raíz de sus vivencias en el exterior, el artista aprovechó para reflexionar sobre las narrativas de éxito que imperan en la sociedad actual. Se mostró crítico con el discurso de la meritocracia pura, argumentando que su propia trayectoria estuvo rodeada de una "suerte aleatoria" y de personas generosas que le facilitaron el camino. “Hay muchos artistas que se rompen el lomo y no tienen la misma suerte de encontrarse con alguien que les regale un pasaje”, analizó, subrayando que es necesario reconocer esos factores externos que desbordan el esfuerzo individual.

El camino de los artistas tandilenses suele encontrar en las grandes urbes un espacio de expansión y profesionalización. El músico Lautaro Zugbi es un fiel reflejo de este recorrido. En una charla en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista recordó sus inicios en las sierras, detalló su presente en la capital provincial y brindó precisiones sobre su faceta como productor.

Hace 18 años que decidió mudarse a La Plata para iniciar sus estudios en la Facultad de Artes. Lo que comenzó como un proyecto de formación académica terminó por convertirse en un plan de vida que hoy lo encuentra plenamente integrado al circuito cultural. “Una cosa fue llevando a la otra. Me quedé, hice el profesorado, la licenciatura, y hoy trabajo en la facultad, doy clases y toco por acá”, explicó.

La relación de Zugbi con la música se gestó en un entorno familiar donde los instrumentos eran parte del día a día. Según relató, su madre tocaba la guitarra y ese fue el disparador para que, siendo muy joven, intentara ingresar a la Escuela Municipal de Música Popular de Tandil. Sin embargo, un requisito de edad postergó su ingreso formal, momento en el cual apareció una figura clave en su formación inicial: su primo Javi Lester.

Durante esa etapa formó parte de proyectos significativos que marcaron su madurez en el escenario. Mencionó con especial afecto a Apolín, un reconocido músico local recientemente fallecido, quien lo “apadrinó” y lo invitó a tocar cuando aún era un adolescente. Aquella experiencia, sumada a su paso por La Skandalosa, banda tributo a Los Fabulosos Cadillac, le permitió foguearse en grandes escenarios.

Uno de los recuerdos más pintorescos de su adolescencia fue la presentación en la Fiesta Provincial de la Frambuesa, en la localidad de Barker. “Éramos un montón y yo era muy chico. Fue muy gracioso porque, como era menor de edad, los organizadores pidieron una autorización de mis padres para que pudiera viajar a tocar”, rememoró entre risas, destacando que siempre contó con el apoyo de su familia.

La mudanza a La Plata fue una inmersión total en un ecosistema artístico que Zugbi describió como “muy intenso y grupal”. Al ingresar a la carrera de Música Popular, se encontró con una comunidad de estudiantes provenientes de todo el país. Esta diversidad, sumada a la lejanía de los afectos primarios, fomentó la creación de vínculos sólidos que derivaron en proyectos musicales y amistades duraderas.

“La ciudad tiene mucha movida estudiantil y cultural, tiene mucha vida”, señaló el guitarrista. Para él, la dinámica de la facultad permitió que el proceso de adaptación fuera amable y divertido, ya que el cursado diario implicaba estar constantemente rodeado de personas con las mismas inquietudes creativas.

Hoy, Zugbi no solo se desempeña como intérprete, sino que también ha volcado su experiencia en la docencia dentro de la misma institución donde se formó. Su labor en la Universidad se complementa con su actividad como productor y sesionista, manteniendo una agenda cargada. “La formación de la facultad aporta mucho, sobre todo por cómo junta a gente de todos lados”, analizó sobre el rol de la educación pública.

A pesar de su consolidación fuera de su ciudad natal, el músico sigue de cerca la evolución de la escena local. Cada vez que regresa para presentarse en vivo, se sorprende por el crecimiento del movimiento cultural. Para él, volver representa la oportunidad de reencontrarse con sus raíces y con una comunidad que, según sus palabras, está cada vez más “interesante” para la propuesta musical independiente.

En el último año, el artista volcó su energía en la creación de su material solista. Así nació "Iba a llamarse enero", un EP de seis canciones que el propio músico define como un "disco", a pesar de las nomenclaturas técnicas de las plataformas digitales. Este trabajo representó un hito en su carrera, ya que se hizo cargo de gran parte de la ingeniería de sonido y la producción desde su hogar.

“Me metí en el mundo de la producción de mis propios temas, que era algo que siempre me gustó”, detalló. La tecnología actual le permitió montar un estudio funcional con herramientas básicas: una placa de sonido, una computadora, un micrófono y sus guitarras. Para él, lo importante no es contar con un equipamiento de lujo, sino lograr tomas de calidad y tener el criterio necesario para dar forma a la canción.

En este proceso de autonomía creativa, destacó la importancia de saber cuándo delegar para obtener una “oreja externa”. Aunque realizó las bases de guitarras, bajos y baterías programadas, contó con la colaboración de amigos para las voces y la etapa final del audio. Martín Ruiz se encargó de la mezcla, mientras que la masterización quedó en manos de un reconocido productor platense.

El presente de Lautaro Zugbi es de una actividad constante. Actualmente se encuentra en pleno proceso de grabación de un nuevo material discográfico, razón por la cual ha decidido pausar sus presentaciones en vivo durante el mes de julio. Con un ojo puesto en el nuevo disco y otro en el próximo viaje a las sierras, reafirmó su compromiso con una identidad artística que, aunque lejos geográficamente, nunca olvida su origen tandilense.

A sus 38 años, Joal Bruni repasa sus comienzos en la música con una mezcla de emoción y gratitud. Su formación se inició a temprana edad, impulsada por el entorno familiar y por la influencia de su maestro Beto Mati, a quien considera una figura clave en su desarrollo artístico.

"Él fue mi profe más importante de cuando era chico", recuerda el músico, quien durante sus primeros años practicaba la digitación sobre fotocopias de los teclados del bandoneón debido a que aún no contaba con un instrumento propio.

Luego de dos años de formación teórica y de utilizar el elemento de su profesor para ensayar, recibió el suyo gracias al recordado Juan Fornaro. Aquel momento marcó un punto de inflexión tanto en su aprendizaje como en el vínculo con su circulo más cercanos , que descubrió su talento al escucharlo interpretar sus primeras piezas en casa.

A lo largo de su carrera compartió proyectos con referentes de la música argentina como Raúl Lavié y Nacha Guevara. Sin embargo, sintió la necesidad de construir una identidad propia. Una experiencia junto a Guevara en el Café La Humedad terminó de impulsarlo hacia el canto.

"Vos tenés que cantar, nene", le dijo la reconocida artista tras una actuación. Aquella frase resultó decisiva para consolidar el camino solista que hoy transita.

"La Magia", el nuevo álbum de Bruni, reúne las distintas corrientes musicales que han acompañado su trayectoria: folklore, tango, rock, pop y jazz. El trabajo incluye siete canciones, cuatro de ellas realizadas junto a destacados invitados como Raúl Lavié, Cami Andersen, Joaquín del Mundo y la cantante peruana Nuria Saba.

La propuesta de mañana irá mucho más allá de un recital tradicional. El tandilense estará acompañado por una banda integrada por La Bayén en teclados, Gero Castro en batería, Sebar Conetti en guitarras y Salvador Barandiarán en bajo.

"Es un concierto de una envergadura muy grande y el objetivo es que sea un regalo para Tandil", expresó Bruni, quien además resaltó el trabajo de iluminación y producción artística que acompañará cada momento de la noche.

El espectáculo fue declarado de interés cultural, una distinción que el músico recibió con especial satisfacción por el vínculo que mantiene con la comunidad local. También agradeció el respaldo de instituciones y empresas que acompañan el proyecto, entre ellas el Colegio de Escribanos, la familia de Carnero Pepe y Estancias Integradas.

Debido a la importante demanda de localidades, se recomienda adquirir las entradas con anticipación. Los interesados pueden comunicarse al WhatsApp 2494 542562 o acceder al enlace disponible en el perfil de Instagram del artista, @jo.bruni.