La vida de Steven Orsini, un joven de 19 años que divide sus días entre las labores rurales y su inquebrantable vocación musical, cambió drásticamente tras una jornada que quedará grabada en su memoria. Invitado bajo la premisa de una entrevista convencional, el artista se encontró con una puesta en escena que jamás imaginó. Al llegar al estudio, las cámaras y el equipo de producción lo aguardaban para darle una sorpresa que lo dejó, según sus propias palabras, totalmente en blanco y emocionado.

La experiencia alcanzó su punto máximo cuando fue invitado a compartir el escenario con el cantante Ezequiel. A pesar de la sorpresa, Steven Orsini demostró su preparación y profesionalismo al interpretar un tema junto a la banda. "La verdad fue hermoso hacer ese FT con una canción muy linda. Salió del señor justamente la invitación para poder cantar con él, con ellos, con la banda", relató el joven durante su participación en Plataforma Magazine, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1.

El vínculo de Steven Orsini con el programa Pasión de Sábado es de larga data. Desde muy pequeño, cuando apenas tenía cuatro o cinco años, solía visitar el estudio junto a su familia, soñando con el momento de poder mostrar su talento ante las cámaras. Volver al mismo lugar, años después, resultó ser un proceso sumamente movilizador que le permitió conectar con sus recuerdos de infancia y el camino recorrido hasta la actualidad.

A pesar de la gran repercusión que tuvo su presentación y el crecimiento exponencial en sus redes sociales, Steven Orsini mantiene los pies sobre la tierra. El joven continúa trabajando en el campo junto a sus padres, una labor que combina con su incansable lucha por hacerse un lugar en la industria musical. "Sigo trabajando en el campo, pero bueno, también no dejo de lado nunca la música, es lo que me gusta. Quisiera que si se da la posibilidad pueda vivir de esto", afirmó con determinación.

La intensidad de la jornada, que incluyó el viaje, los nervios y la emoción de cantar en vivo, le pasó factura a su salud, obligándolo a asistir a la guardia médica tras el evento. Sin embargo, su entusiasmo permanece intacto. El artista aprovechó el espacio para dejar un mensaje de aliento a otros jóvenes que persiguen sus metas: "Si tuviera que dar un mensaje que no bajen los brazos nunca todos los chicos que tienen un sueño, que las cosas se dan".

Para Steven Orsini, el éxito no es algo que llega de manera fortuita, sino el resultado de un sacrificio constante. "Hay que sacrificarse, no hay que esperar nada de arriba, hay que laburar las cosas por uno mismo e ir de a poco", sostuvo. Con la mirada puesta en el futuro, el cantante ya se prepara para nuevas presentaciones, agradecido por el apoyo recibido y por la oportunidad de compartir su historia de vida, marcada por el esfuerzo familiar y la pasión por el canto.

Aquellos interesados en seguir su carrera y conocer más sobre su trabajo pueden encontrarlo en las redes sociales como Steven Orsini. Tras este paso fundamental en su trayectoria, el joven artista se prepara para recuperarse y continuar trabajando en sus proyectos musicales, siempre con el objetivo de convertir su pasión en su forma de vida.

La banda La Taza Calva fue protagonista de una extensa charla en Cultura Zip, donde Nahuel, uno de sus cantantes y fundadores, recorrió la historia del proyecto musical que nació cuando él y su hermano apenas tenían 9 y 11 años.

Uno de los primeros temas abordados fue el curioso nombre del grupo, que suele despertar preguntas entre quienes los descubren por primera vez. Lejos de esconder una historia profunda, Nahuel reconoció que surgió espontáneamente durante un viaje en taxi cuando eran niños.

“La realidad es que no significa nada. Nos gustó cómo sonaba y quedó. Después la gente inventó teorías mucho más interesantes que la verdad”, contó entre risas.

Durante la entrevista, el músico explicó que si bien La Taza Calva puede definirse como una banda pop, la búsqueda artística nunca estuvo limitada a un solo género.

“Somos una banda pop porque hacemos canciones con melodías que cualquiera puede tararear, pero siempre escuchamos de todo: rock, jazz, tango, cumbia, música clásica. Nunca nos sentimos obligados a responder a un género específico”, sostuvo.

Según explicó, la identidad del grupo se mantiene gracias a una fuerte búsqueda melódica que atraviesa todas sus composiciones, incluso cuando experimentan con diferentes sonidos y estilos.

Consultado sobre el contenido de sus canciones, Nahuel aseguró que las letras nacen de manera natural y reflejan preocupaciones, vínculos y emociones personales.

“Tratamos de abrirnos bastante sobre cómo nos sentimos y de ser vulnerables. Muchas veces la gente dice que nuestra música es alegre pero que las letras son tristes. En realidad creo que tiene que ver con romper el prejuicio de que el pop no habla de nada”, reflexionó.

Entre los ejemplos mencionó “Vida de adulto”, una de las canciones más conocidas de la banda, que plantea interrogantes sobre las exigencias de la vida moderna y las expectativas asociadas al crecimiento.

A diferencia de otros proyectos que comienzan como un pasatiempo, Nahuel explicó que La Taza Calva siempre fue concebida como algo mucho más importante.

“Nunca la vimos como un hobby. Siempre fue el proyecto de nuestra vida. La banda creció con nosotros y nosotros crecimos con la banda”, afirmó.

En ese sentido, remarcó que el paso del tiempo incorporó responsabilidades y desafíos económicos, pero sin afectar la pasión original que los impulsó desde niños.

“Sigue siendo esencialmente el mismo proyecto que cuando éramos chicos”, resumió.

Otro de los aspectos destacados de la conversación fue la dinámica de trabajar junto a su hermano desde hace más de dos décadas.

Aunque admitió que existieron discusiones puntuales, especialmente en estudios de grabación o durante la adolescencia, aseguró que nunca hubo conflictos capaces de poner en riesgo el proyecto.

“Antes de tener una banda ya hacíamos todo juntos: jugábamos, filmábamos películas, escribíamos historias. La música fue una derivación natural de esa relación”, señaló.

Fanático del cine, Nahuel también fue invitado a relacionar el espíritu de La Taza Calva con una película o un director. Su elección fue Steven Spielberg.

“Me gusta porque tiene una sensibilidad popular enorme. Hace obras que puede disfrutar cualquier persona, pero que al mismo tiempo tienen muchas capas y decisiones artísticas muy cuidadas. Creo que nuestra música busca algo parecido”, explicó.

En el tradicional ping pong de preguntas del programa, el músico dejó varias definiciones que rápidamente captaron la atención de los conductores.

Consultado sobre la mayor mentira que le habían contado acerca de la adultez, respondió entre risas que era la facilidad para acceder a una vivienda propia.

“Yo creía que cuando fuera grande me iba a comprar una casa. Después descubrí que no era tan sencillo como parecía”, comentó.

También sostuvo que crecer no debería implicar abandonar la capacidad de jugar y de conservar la curiosidad.

“Si crecés y abandonás el juego, perdés una parte esencial de vos mismo. Pero si sólo jugás y nunca crecés, también te perdés muchas cosas importantes”, reflexionó.

Antes de despedirse, Nahuel adelantó que La Taza Calva ya tiene confirmada una presentación para agosto en Congo Club, en la Ciudad de Buenos Aires, y no descartó sumar nuevas fechas durante los próximos meses.

Además, dejó abierta la posibilidad de visitar Tandil en el futuro, una propuesta que los conductores celebraron y que podría convertirse en realidad próximamente.

Con una combinación de melodías pegadizas, letras introspectivas y una identidad construida a lo largo de más de dos décadas, La Taza Calva continúa consolidando un camino propio dentro de la escena independiente argentina, sin perder el espíritu lúdico con el que comenzó cuando sus integrantes apenas eran unos chicos.

El músico tandilense Juan Ignacio “Chango” Enríquez dio un paso más en su extensa trayectoria, ya que postuló su tema “Esclavo en tu amor” nada menos que a los Latin Grammy, los prestigiosos premios que reconocen a lo mejor de la producción anual de la industria musical.

“Es una postulación, un escalón antes de la nominación, pero ya está bueno poder estar ahí y es un paso muy grande para mí”, compartió Chango Enríquez en diálogo con El Eco. “El tema se llama Esclavo en tu amor, está producido por Leandro Álvarez y el mastering lo hizo un groso de Los Ángeles que es Alex Psaroudakis, ambos ganadores de premios Grammy. Estoy muy contento, por cómo suena la canción y por poder trabajar con gente de ese nivel”, sumó.

La postulación de Enríquez a los Latin Grammy es un paso más en una trayectoria más que destacada: el músico se desempeñó por largo tiempo como guitarrista de León Gieco, grabó un disco en vivo con Los Nocheros, y hasta giró por Europa con el histórico Jaime Torres. Entre otros premios que le dio el camino de la música, llegó a compartir escenario con Charly García.

Tras años de giras y grabaciones, volvió a Tandil, donde había hecho sus primeras experiencias como integrante de La Forestal. Ya en la ciudad,  a mediados de 2024 editó su primer disco solista, titulado Modo Avión, y brindó un recital gratuito en apoyo a la universidad pública.

Hace más de 20 años, en algunos de sus viajes musicales, Chango Enríquez conoció a Leandro Álvarez, quien con el tiempo desarrolló una destacada carrera como productor musical. En Los Ángeles, contó Enríquez, Álvarez “trabajó con todos los músicos top de allá”, y fue reconocido nada menos que con dos Latin Grammy.

Fue a partir de la invitación y el aliento del productor que Enríquez comenzó a trabajar en un tema para presentar al certamen. “Estos últimos 2 o 3 años me estuvo alentando a que proponga, a que presente un tema, una canción mía, y este año al fin lo pude hacer”, contó el músico.

La experiencia de grabar Esclavo en tu amor incluyó el trabajo con Álvarez pero también la posibilidad de que el mastering lo llevara adelante otro destacado ingeniero, Alex Psaroudakis, y que el tema fuera editado por un sello de Los Ángeles, South Records.

Estoy muy contento, y es cosa de seguir intentando. Con los años, de seguir probando”, expresó Enríquez. “También estoy contento porque me di cuenta de que estaba necesitando dar un pasito más, hacer algo diferente. Me estaba pidiendo hacer algo distinto a lo que venía haciendo, y sin querer me encontré con esta posibilidad, y acá estoy. Está buenísimo poder estar ahí”, agregó.

Más allá de que Esclavo en tu amor tuvo su trabajo de pos producción en Los Ángeles, la grabación estuvo a cargo de Martín Castelli –del estudio Sonidos del Viento-, en Tandil. Además de Enríquez en guitarra y voz, participaron destacados músicos locales como Nicolás Borges Tigri en arreglos e interpretación de clarinete, clarinete bajo y saxo, Nicolás Schrott en bajo y “Colo” Maddio en batería.

El tema tiene por delante un largo camino hacia una posible nominación a los Latin Grammy, pero representa también una oportunidad para Enríquez de que su música siga alcanzando nuevos públicos y entornos de circulación.

Del certamen participan miles de artistas de diferentes géneros, pero Tandil tendrá su representación, por lo menos en la primera instancia, con la presencia de Chango Enríquez y su canción Esclavo en tu amor.

En una entrevista exclusiva con el programa Cultura Zip, emitido por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el músico tandilense repasó su infancia ligada al ritmo, su consolidación profesional en Buenos Aires y los desafíos de vivir de lo que uno ama. Desde sus primeros golpes a los cuatro años hasta su presente como docente y músico de sesión, Palencia reveló su deseo de colaborar con referentes del género y proyectar su carrera hacia el exterior.

El joven baterista oriundo de Tandil compartió detalles íntimos sobre su trayectoria y ambiciones artísticas. Durante el diálogo, relató cómo fue su formación, marcada por una vocación temprana que lo llevó a dejar su ciudad natal para perfeccionarse en la Capital Federal. Con apenas 23 años, el artista ya logró insertarse en el circuito musical porteño, gestionando sus propios proyectos y manteniendo viva la llama de la enseñanza.

Para Palencia, la música apareció antes de nacer. Según relató, su madre escuchaba frecuentemente a Phil Collins durante la gestación, lo que pudo haber marcado su pulso rítmico. Al comenzar a gatear, las ollas y los cucharones de su cocina se convirtieron en su primer set de percusión improvisado.

A los cuatro años inició sus estudios formales, aunque enfrentó el desafío físico de no alcanzar los pedales debido a su contextura. Tras un breve alejamiento por esa frustración inicial, regresó con renovada energía a los cinco años, edad en la que su crecimiento físico le permitió dominar el instrumento por completo.

Su trayectoria académica en Tandil fue extensa y diversa. Recordó con cariño su paso por Tidema, una institución pionera donde comenzó a explorar distintos instrumentos, aunque su interés personal siempre lo devolvía a la batería. No obstante, el punto de inflexión llegó cuando conoció a Juan Bedoy.

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Palencia fue categórico al afirmar que le debe gran parte de su carrera, ya que fue quien lo formó entre los seis y 12 años, dándole las herramientas necesarias para desenvolverse con solvencia y moldear su identidad detrás de los parches.

Posteriormente, el músico se integró a la Escuela de Música Popular. Allí participó de proyectos ambiciosos como los "Mini Beatles", una banda de covers que no solo se enfocaba en la fidelidad sonora, sino también en la puesta en escena y la vestimenta.

Durante su adolescencia en la ciudad, formó agrupaciones con amigos para interpretar clásicos de Divididos, Las Pelotas y Sumo, experiencias que consolidaron su amor por la música y el ambiente de las bandas locales antes de su partida hacia nuevos horizontes.

Hace casi cuatro años, Palencia decidió radicarse en Buenos Aires para expandir sus horizontes. Inicialmente, cursó la carrera de técnico en sonido. No obstante, el periodo de la pandemia y las dificultades de la modalidad virtual lo llevaron a replantearse su camino.

Tras el regreso a la presencialidad, comprendió que su lugar estaba frente al instrumento y no detrás de la consola de grabación. "Me encontraba más del otro lado de la vereda, siendo músico", admitió al explicar su decisión de volcarse de lleno a la ejecución profesional.

En esta nueva etapa, el joven tandilense encontró un mentor clave en Mariano Cabral, a quien considera la persona que terminó de moldearlo artística y técnicamente. Con él, se introdujo en el complejo mundo del folklore fusión, un género que le permitió perfeccionar la técnica tradicional y abrir su mente hacia nuevas estructuras rítmicas.

Gracias al apoyo incondicional de su familia, que no posee antecedentes musicales pero siempre respaldó su vocación, logró adquirir su segunda batería y establecer un espacio de práctica permanente en la gran ciudad.

El presente de Palencia lo encuentra sumergido en múltiples proyectos. Actualmente, se desempeña como baterista estable en una "Jam", un evento que reúne a músicos de diversos estilos para realizar sesiones en vivo. Según explicó, este espacio funciona con un show de apertura de seis o siete canciones reversionadas, tras lo cual se invita al público a subir al escenario. Esta dinámica le permitió ganar visibilidad y aceitar su capacidad de adaptación, una cualidad que considera fundamental para cualquier instrumentista que pretenda insertarse en el mercado actual.

Al ser consultado sobre sus aspiraciones a largo plazo, el artista fue claro: su objetivo es vivir de la música, específicamente del jazz fusión, el género con el que más se identifica. A pesar de reconocer la dificultad de subsistir exclusivamente de un estilo tan de nicho, destacó que tocar otros géneros abre la cabeza y prepara al músico para cualquier oportunidad laboral. Su visión de futuro incluye la posibilidad de trabajar en cruceros, siguiendo los pasos de colegas que ya transitan ese camino.

Además de su faceta como intérprete, Palencia dedica tiempo a la docencia y a la creación de contenido en sus redes sociales. En su cuenta de Instagram, inició una dinámica donde analiza una canción diaria, aportando contexto histórico y detalles sobre la composición.

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Respecto a la enseñanza, derribó el mito de la edad al asegurar que nunca es tarde para comenzar a tocar. Si bien reconoció que los procesos cognitivos de una persona de 50 años difieren de los de un joven de 23, remarcó que el disfrute y el aprendizaje son posibles en cualquier etapa de la vida.

Finalmente, el músico tandilense se permitió soñar con las figuras con las que le gustaría compartir un escenario. Mencionó con admiración al tecladista Hernán Jacinto y al bajista Javier Malosetti, a quien definió como "el padre del bajo en Argentina".

Para Palencia, la meta principal es que la gente conozca su trabajo y poder establecer un estudio de grabación propio dedicado exclusivamente a la batería. Con paso firme y las raíces bien plantadas en su Tandil natal, Bautista continúa construyendo una carrera que promete seguir dando que hablar en la escena nacional.

El jueves 21 de mayo se llevará a cabo la noche de gala para la entrega de la primera edición de los Premios Agenda 2026, un evento organizado por el portal web que ya lleva 16 años difundiendo la cultura de Tandil. La iniciativa busca no solo reconocer sino también visibilizar el talento cultural y artístico local en diversas disciplinas. La cita tendrá lugar a las 20:30 horas en el Salón Blanco de la Municipalidad, con entrada libre y gratuita, en una velada que ya ha sido declarada de interés cultural por las autoridades locales.

Al respecto, Paulo Fuhr, responsable de la Agenda de Cultura y Espectáculos, explicó cómo nació esta propuesta: “La idea de entregar premios surgió en charlas. Sabemos que están los premios al deporte, y pensamos que tenía que haber algo para la cultura y empezamos a armar el proyecto”.

El organizador recordó los inicios del medio independiente, señalando que hace 16 años que crearon la Agenda de Cultura y Espectáculos en la ciudad. "Empezamos con un folleto, pasamos a ser una revista, después un diario, y en pandemia nos volcamos full a la web, y nos aggiornamos", remarcó. Hoy en día, el proyecto se ha consolidado y cuenta con un streaming, la Radio Agenda, y el portal web www.culturayespectaculos.com, donde se difunden diariamente todas las actividades artísticas de la región.

Fuhr destacó que, más allá de la competencia por las estatuillas, el objetivo principal es el encuentro y la puesta en valor del sector. "el espíritu este premio es un reconocimiento la cultura en sí", afirmó con entusiasmo. 

En ese sentido agregó que "nosotros cubrimos eventos de otras localidades, y la actividad cultural que hay acá en Tandil, y el nivel, es impresionante. Tenemos obras de teatro que se presentan acá y después van a hacer temporada en la calle Corriente. Eso habla de lo que es el nivel. Lo mismo con la música.".

La velada no se limitará a la entrega de galardones, sino que se constituirá como una verdadera fiesta del arte. Según adelantó el responsable, "La idea no es solamente que es la entregue los premios, sino que va a haber reconocimiento a distintas instituciones de la ciudad vinculadas a la cultura". 

De este modo, se prevén diversas intervenciones artísticas que comenzarán con el Coro del Conservatorio, seguido por la Orquesta del Conservatorio, y una intervención teatral a cargo de la Facultad de Arte. Asimismo, el grupo Abracadabra de narraciones estará presente narrando historias, asegurando que antes de cada terna haya una pequeña intervención cultural para que el público disfrute plenamente de la noche.

Para la conformación de las ternas, diversas instituciones referentes de la ciudad realizaron sus recomendaciones bajo la premisa de destacar las actividades desarrolladas durante el 2025. En artes visuales participó el Mumbat; para música, el Conservatorio y la Escuela de Arte; para teatro, el CMTI y las salas locales; para literatura, el Consejo de Libreros; y para danza, los referentes de Tandil Danza. La definición de los ganadores en cada una de las cinco categorías quedó en manos del público a través de su votación.

En la categoría de Música, los nominados son la Orquesta Inorgánica, destacada por consolidarse como una de las propuestas más innovadoras de la escena musical contemporánea al combinar jazz, música académica y experimentación; Marcela Presa, por su fuerte compromiso con la construcción colectiva, su labor docente en el Conservatorio Isaías Orbe y su participación en la Banda Municipal y el proyecto Así Nomás Es; y Rey Garufa y sus Timadores, nominados por consolidarse como una de las bandas más convocantes de Tandil con presentaciones en distintos escenarios del país. En Literatura, compiten Ana María Caliyuri, por su trayectoria sostenida y la presentación de su obra El día de las lágrimas; Natalia Figueira, por su labor como poeta, docente y gestora cultural con la publicación de su segundo poemario Malas hierbas; y Elías El Hage, con su extensa trayectoria y voz consolidada en diversos géneros literarios con fuerte vínculo con la ciudad.

Por el lado del Teatro, las obras nominadas son Angélica, zamba romántica con alienígena, de Murallón Teatro, que combina humor, absurdo e identidad regional; Aurora trabaja, dirigida por Julia Lavatelli, destacada por su universo rural atravesado por lo simbólico y lo fantástico; y Beatriz Farfaré. Villana a la vista, unipersonal de Julia Esquivel que se destacó por el impacto de su propuesta en el Club de Teatro. En Artes Plásticas, los seleccionados son José María Araolaza en escultura, por su vínculo con el paisaje serrano y el Parque Escultórico Sierra del Tigre; Martín González en fotografía, por su muestra De Ayer y Hoy y su investigación sobre archivos históricos; y Paula Belén Dalmacio en pintura, por su destacada producción nacional y provincial en salones oficiales. Finalmente, en Danza, los ternados son Cristina Miranda, por su aporte en la dirección del Ballet Municipal; Patricio Medina, al frente de The Kingdom Crew con proyección internacional tras clasificar al Mundial de Reggaetón; y Sergio Migon, subcampeón provincial de malambo.

La periodista, docente y cantante de la banda Blop, Mariana Binder, fue entrevistada en el programa de streaming Cultura Zip, donde repasó su trayectoria como comunicadora musical y presentó un ranking con los artistas tandilenses más escuchados en Spotify.

Binder, quien este año cumple 20 años en el periodismo, explicó que su proyecto actual, "Aquí Música", tiene sus raíces en el libro Fábrica de Canciones, editado en 2017, y en un blog personal que comenzó en 2020 durante la pandemia. Con el tiempo, ese espacio se transformó en un portal profesional dedicado a la difusión de nuevos artistas y producciones musicales.

"Escucho más de 50 bandas o producciones nuevas por semana", señaló al describir el intenso trabajo de curaduría que realiza para su sitio.

En cuanto a los criterios que orientan su selección, Binder remarcó que mantiene una línea editorial definida. "Nada que sea sexista, sexual o zarpado. Ese tipo de música no va para mi revista", sostuvo.

Durante su participación en Cultura Zip, Binder también presentó el Top 10 de artistas de Tandil con más reproducciones en Spotify, un trabajo técnico realizado junto a su compañero Ezequiel con el objetivo de mostrar el alcance y la calidad de la producción musical de la ciudad.

El ranking es encabezado por Katarro Vandálico, con casi 1,5 millones de reproducciones. También integran la lista V4, MattBuzz, Mamelooks, Emilia Inclán, Toboganes a Marte, Blop, Alazanes, Julieta de la Canal y La Reventada.

Binder destacó que la escena musical tandilense atraviesa un momento de crecimiento, aunque advirtió que muchos artistas jóvenes concentran su estrategia únicamente en las redes sociales.

"El pibe joven cree que todo está en Instagram. Hay que salir a la calle, hay que ir a otros recitales, hay que entrar en contacto con otros músicos", afirmó.

También cuestionó a quienes no se animan a difundir sus canciones más allá del entorno cercano. "La música no puede quedar en tu mamá, tu papá y tus amigos", señaló.

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Por último, subrayó que escuchar y compartir la música local es una forma concreta de apoyar a los artistas y contribuir a que puedan seguir produciendo en un contexto económico complejo. "Cuanto más movamos los números, más va a ingresar plata a los artistas para poder seguir haciendo mejores producciones", concluyó.

Este martes, el estudio de El Eco Multimedios se transformó en un escenario íntimo para recibir a Seba Tombo, en el marco del segundo día de Zip Unplugged. Se trata de un ciclo de acústicos nacido dentro de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, que tiene como objetivo principal otorgar visibilidad a los talentos de la escena local. Durante la emisión, los conductores del programa destacaron que esta iniciativa "llegó para quedarse", consolidándose como un espacio de referencia para la música en vivo durante la tarde tandilense.

En su paso por el programa, Tombo no solo interpretó diversas canciones de su autoría, sino que también compartió detalles sobre su proceso creativo y su presente artístico. El momento de mayor impacto para la audiencia ocurrió cuando el artista brindó una exclusiva para los micrófonos de El Eco: reveló el nombre de su próximo álbum de estudio. Según adelantó el propio músico, este nuevo material verá la luz luego de la finalización del mundial, generando una gran expectativa entre sus seguidores y los oyentes de la radio.

La semana especial de Zip Unplugged comenzó el pasado lunes con la visita de Lobi, el primer invitado encargado de inaugurar este ciclo. A través de sus canciones, el músico permitió que el público conociera su historia personal y su trayectoria, sentando las bases de lo que pretende ser un espacio de encuentro más humano y cercano entre el artista y su comunidad. La apuesta por un buen sonido y una estética cuidada han sido los pilares fundamentales para que estas sesiones acústicas logren una identidad propia dentro de la grilla de programación de la ciudad.

El éxito de estas dos primeras jornadas ratifica el compromiso de las instituciones de comunicación locales, como el diario El Eco de Tandil, en el fomento de la cultura. La integración de plataformas de streaming con la televisión tradicional y la frecuencia de radio permite que la difusión de los artistas tandilenses alcance una escala multiplataforma, adaptándose a los nuevos consumos de la audiencia joven y adulta por igual.

A pesar del gran inicio, la actividad en el estudio de Cultura Zip todavía no ha concluido. Para este jueves se espera el regreso de July James, una artista que ya formó parte de la segunda temporada del programa y que vuelve para mostrar la evolución de su propuesta musical. Su participación es una de las más esperadas por el equipo de producción, dado el vínculo que la cantante ha sabido construir con el programa en ediciones anteriores.

Finalmente, el cierre de esta semana dedicada a la música local estará a cargo de Lula Andersen. Su visita, programada para el viernes, marcará un hito para el ciclo, ya que será la primera vez que la artista se presente en las instalaciones de El Eco. Con este broche de oro, el programa conducido por Manu González Acosta y su equipo busca cerrar una grilla diversa que abarca distintos géneros y estilos, reafirmando que el pulso cultural de Tandil late con fuerza en el dial y en las pantallas.

De esta manera, Cultura Zip continúa fortaleciendo su vínculo con los artistas de la ciudad, ofreciendo no solo un espacio de difusión, sino un documento audiovisual y sonoro de alta calidad para la posteridad de la cultura regional. Los interesados en revivir las presentaciones de esta semana pueden hacerlo a través de los canales oficiales de YouTube de El Eco Streaming, donde quedan alojadas las entrevistas y los sets acústicos completos.

El próximo 24 de mayo, en el centro cultural 990 tendrá lugar una fecha especial, ya que se presentará Rojo Venecia por primera vez en Tandil. La banda forma parte de Laptra -sello emblema del indie argentino, con El Mató a un Policía Motorizado a la cabeza-, y está integrada por músicas que tuvieron su paso por otros influyentes grupos de la escena: Las Ligas Menores, Mapa de Bits y otras.

Pero en Rojo Venecia, Nina Carrara, Angie Cases Bocci y Cata Croci encontraron una voz propia marcada por el contraste de un pulso kraut y melodías etéreas, que plasmaron en su EP homónimo.

El recital en la ciudad será junto Lobos Huérfanos y El Síndrome de la Desatención, y con motivo de la fecha, las integrantes de la banda visitante respondieron tres preguntas a El Eco.

-Primera vez en Tandil, ¿Qué pueden adelantar del recital junto a Lobos Huérfanos y El Síndrome?

-Rojo Venecia: Cata y Angie nos conocimos cuando Marki Abelleira -hoy viviendo en Tandil y parte de Lobos Huérfanos- nos convocó para tocar en Mapa de Bits, una banda muy amiguera, de ensayos largos, asados y birras. 

Poder compartir esta fecha en su ciudad con uno de sus actuales proyectos es una felicidad y quien te dice, lleguemos a reversionar algún clásico de los Mapa de Bits.

- Cada una tuvo paso por bandas anteriores, algunas con trayectoria y reconocimiento, pero ahora Rojo Venecia las encuentra en una nueva etapa. ¿Cómo surgió este proyecto y las primeras canciones que publicaron en el EP?-Juntarnos a hacer música es algo que nos sigue gustando mucho hacer, como juntarte con una amiga a tomar mates o para ir al cine. La primera juntada de las tres fue instantánea la conexión. 

Los temas nos llevaron su tiempo armarlos pero lo que sonaba y cómo sonaba nos parecía algo único, hubo de movida una complicidad y confianza en lo que aportaba cada una que nos motivó a darle forma a las canciones.

-Pasaron más de 20 años del primer disco de El Mató y Rojo Venecia se inscribe de alguna forma en ese movimiento y escena. Desde entonces surgieron otras expresiones, en particular vinculadas a la música urbana o al pop industrial. Pero las guitarras eléctricas siguen sonando. ¿Qué tiene para decir o para transmitir hoy el indie, la música alternativa, el rock de guitarras?

-Crecimos escuchando los sonidos de los 90 y la guitarra eléctrica podrá estar más o menos de moda pero no hay duda que tiene una fuerza que atrae y contagia. 

El indie es un nicho que te permite hacer las cosas como mejor puedas, con la libertad de sonar como más te guste y sin rendirle cuentas a nadie. 

Nos dió una red de amigas y proyectos que nos acompañan hasta el día de hoy. Y creemos que lo más valioso de la escena independiente es la autogestión, es lo que le da sentido a lo que construimos juntas.

La banda local Van & The Steps dio a conocer recientemente su tercer álbum de estudio titulado "La Otra Mitad". El trabajo, que llegó para completar la trilogía iniciada con los discos "Buendía" (2021) y "Unidad" (2024), representó un punto de inflexión para la formación integrada por ocho músicos. Según explicó Martín Castelli, líder del grupo, el lanzamiento fue el resultado de un proceso de crecimiento sostenido que permitió plasmar la identidad del conjunto.

Castelli señaló que la producción de este material tuvo la particularidad de reunir canciones que, en varios casos, fueron compuestas durante el mismo año en que se grabaron. Este dinamismo fue posible gracias a la madurez alcanzada en el trabajo grupal, un aspecto que el músico consideró fundamental para el resultado final de la obra.

El líder de la formación explicó que el álbum fue grabado de manera orgánica, con pocas tomas, bajo la premisa de priorizar la interpretación y la energía del momento por sobre la perfección técnica excesiva. Esta decisión estética permitió que el sonido de VTS se perciba más humano y cercano a la experiencia que el público encuentra en sus conciertos. 

En retrospectiva, el músico recordó las dificultades que atravesaron durante la gestación de sus trabajos previos. En el disco "Unidad", la formación sufrió cambios constantes en sus filas, lo que obligó a los integrantes originales a recurrir a músicos sesionistas para grabar la batería y el bajo. "La música estaba compuesta y no queríamos que la falta de músicos fuera un limitante artístico", afirmó Castelli.

Aquella persistencia y el deseo de seguir adelante fueron los factores que permitieron la consolidación de la alineación actual. Lo que comenzó como una búsqueda ante la adversidad terminó decantando en un grupo consolidado que hoy se mueve con soltura tanto en el estudio como en los escenarios. Esta estabilidad interna fue la que permitió que "La Otra Mitad" surgiera como un proyecto mucho más cohesionado y conceptual.

"La Otra Mitad" no se limitó únicamente a lo sonoro, sino que integró una fuerte pata conceptual y visual que rinde homenaje a la región. El álbum incluyó cuatro videoclips realizados íntegramente en entornos naturales de Tandil, piezas que buscaron poner en valor la belleza geográfica de la zona. Esta decisión reforzó el vínculo de la banda con su lugar de origen y aportó una identidad visual clara a las nuevas canciones.

Durante el transcurso de 2025, el grupo editó cuatro adelantos, cada uno de ellos acompañado por una gráfica distinta que fue anticipando el universo estético del disco. Estas piezas fueron construyendo un relato visual que terminó de cerrarse con el lanzamiento de la obra completa. Para los integrantes de VTS, la imagen fue tan importante como la música para transmitir el mensaje de este tercer trabajo de estudio.

Uno de los puntos más destacados de la placa fue la inclusión de una versión dub como bonus track, la cual contó con la producción de GasparOm. El productor es considerado un referente ineludible del género y cuenta en su trayectoria con colaboraciones para figuras internacionales como Fidel Nadal y Manu Chao. Su participación en el disco de los tandilenses aportó una capa de calidad profesional que fue celebrada por la banda.

La intervención de GasparOm no fue casual, sino que respondió a la búsqueda de un sonido de nivel internacional sin perder la esencia local. El trabajo conceptual detrás del proyecto demostró que Van & The Steps no solo se enfocó en la composición de canciones, sino en la creación de una experiencia integral para el oyente, donde lo visual y lo sonoro dialogan constantemente.

Respecto a lo que vendrá, Castelli confesó que, aunque se consideran "grandes soñadores", intentan no cargar el proceso con expectativas desmedidas que puedan opacar el disfrute del presente. El enfoque principal del grupo estuvo puesto en el trabajo constante y en la profesionalización de sus espectáculos. La idea fue siempre estar a la altura en cada presentación, cuidando cada detalle técnico y artístico.

El material se presentará de manera oficial el próximo viernes 22 de mayo a las 21 en el espacio Arte y Parte. Previamente, el grupo viajará a la vecina localidad de Azul para realizar una función el sábado 16 de mayo en La Sodería. Estas fechas marcaron el inicio de una nueva etapa para una banda que logró fusionar con solvencia el reggae, el rock y el ska, géneros que forman parte del ADN de cada uno de sus integrantes.

Para el concierto en Tandil, se planificó una puesta en escena que superó lo estrictamente musical, incluyendo un diseño de luces específico y una escenografía diseñada especialmente para la ocasión. "Tratamos de que no sean tantas presentaciones, pero sí que tengan cierto nivel escénico", remarcó el músico.

Integrada por seis jóvenes que compartieron su formación secundaria, el grupo repasó sus orígenes, el proceso creativo detrás de sus canciones y el impacto de su primera grabación profesional. En diálogo con Cultura Zip, los músicos analizaron el presente de un proyecto que nació en las aulas del Polivalente.

Nanose es una de las agrupaciones más jóvenes de la ciudad, con casi un año de vida. Conformado por exalumnos de la Escuela Polivalente, el grupo nació de la amistad y el trabajo compartido en las materias de música. Durante una entrevista brindada a Cultura Zip (El Eco Streaming, Eco TV y 104.1 Tandil FM), Vicente Debeza, Emanuel Velasquez y Luka Gauna recordaron cómo el impulso de un docente los llevó a trascender los proyectos escolares para profesionalizar su pasión por el arte.

La dinámica del sexteto se forjó de manera natural a lo largo de seis años de cursada. Según explicaron los protagonistas, estuvieron prácticamente todo el secundario tocando juntos, específicamente desde segundo año. Lo que comenzó como una cuestión académica terminó convirtiéndose en una amistad. A pesar de que la formación original sufrió modificaciones, el grupo mantuvo su esencia al incorporar a Luciano Reynoso, otro estudiante de la institución, un año menor al resto.

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La formación actual se completa con Juliana Espina en el bajo, Julia Nouchi en piano y coros; junto a los mencionados Vicente, Emanuel y Luka. Los músicos destacaron que, a pesar de las exigencias horarias de una escuela de doble escolaridad, el ambiente del establecimiento facilitó la gestación del proyecto. No obstante, reconocieron que la etapa actual representa un reto logístico superior, dado que ahora deben coordinar agendas con distintos horarios.

El camino de Nanose se inició con interpretaciones de otros artistas, pero rápidamente viró hacia la composición de material original. La primera pieza fue una canción que surgió durante el quinto año de la secundaria. La letra fue escrita por Vicente durante un viaje al Perú, inspirada por el impacto sociocultural del colonialismo en la antigua capital del Imperio Inca.

La equidad en el trabajo grupal es una de las premisas que sostuvieron desde el inicio. Los músicos explicaron que no existe una fórmula rígida para la creación; a veces las melodías surgen de audios enviados por WhatsApp y en otras ocasiones se terminan de pulir en sesiones conjuntas en espacios informales, como el quincho de alguno de los integrantes.

En cuanto a su estilo, el grupo se definió como una mixtura entre el rock nacional y el indie. Si bien reconocieron influencias de bandas consagradas como Sumo, Bersuit Vergarabat y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, también admitieron una fuerte conexión con el indie argentino, mencionando a referentes como El Mató a un Policía Motorizado. Esta versatilidad les permitió ofrecer espectáculos que ellos mismos calificaron como un "popurrí".

Uno de los momentos bisagra para la joven banda fue la participación en la Master Session de Lunático. Bajo la dirección técnica de Ramiro Robles, el grupo tuvo la oportunidad de grabar de manera profesional por primera vez. Los músicos destacaron la generosidad de Robles y la satisfacción que les produjo ver su trabajo plasmado en plataformas digitales como YouTube e Instagram. Para ellos, tener un registro de alta calidad representó un motivo de orgullo.

La experiencia en el estudio incluyó la grabación de dos canciones. El proceso de grabación fue descrito como espontáneo y cargado de felicidad, un paso que "cayó del cielo" y que no dudaron en aprovechar. Las repercusiones no se hicieron esperar, especialmente en el ámbito familiar y afectivo, donde los links de las sesiones circularon con rapidez entre allegados de diversas ciudades que no habían tenido la oportunidad de verlos en vivo.

Finalmente, al ser consultados sobre la posibilidad de registrar un álbum de estudio de larga duración, los integrantes de Nanose se mostraron realistas pero ambiciosos. Aunque el objetivo de grabar un disco está presente de forma permanente, reconocieron que la falta de recursos económicos y el escaso tiempo disponible son los principales obstáculos a sortear. Sin embargo, aseguraron que seguirán trabajando en la consolidación de su repertorio.

El patio de la Facultad de Ciencias Humanas, en el Campus Universitario, se transformará este miércoles en el escenario del Boxipalooza. Según informaron los organizadores a través de sus canales oficiales, el evento fue concebido como un encuentro solidario que busca integrar a bandas locales, emprendedores de la ciudad y propuestas gastronómicas en un ambiente relajado. La intención principal de la jornada es brindar a los alumnos un espacio para compartir y descansar de la rutina académica, fomentando el encuentro entre pares en un contexto distendido.

La actividad está programada para comenzar a las 16 y la invitación se hizo extensiva a todo el público universitario. "Caé con tus amigos, traé el mate y sumate a cortar la semana con nosotros", expresaron los impulsores de la iniciativa, quienes destacaron que la propuesta busca ser un refugio cultural en medio del calendario de cursadas del primer cuatrimestre.

El apartado musical del festival contará con cuatro presentaciones en formato acústico, lo que permitirá una atmósfera íntima y acorde al entorno del patio universitario. La apertura de los shows estará a cargo de Fran Verellen, quien subirá al escenario a las 17 para dar inicio a la música en vivo.

Posteriormente, a las 17:35, será el turno de Valentina Palacio. La artista tandilense llega a este evento en un momento destacado de su carrera, tras haber presentado recientemente su primer álbum de estudio, consolidándose como una de las voces emergentes con mayor proyección en la escena local. Su presencia es uno de los puntos altos de la tarde, atrayendo tanto a estudiantes como a seguidores de su propuesta solista.

Hacia el final de la tarde, la intensidad subirá con la banda Odisea, que tiene previsto su horario de salida a las 18:25. El cierre definitivo del Boxipalooza quedará en manos de Plan Roma, el grupo liderado por Enzo Tassara, que se presentará a las 19:10. La banda, que viene sumando rodaje en diversos escenarios de la ciudad con su estilo indie y alternativo, será la encargada de despedir la jornada musical antes del anochecer en el Paraje Arroyo Seco.

Más allá de la veta recreativa y cultural, el Boxipalooza mantiene un fuerte compromiso social. Durante toda la jornada se recibirán donaciones destinadas al Merendero Irupé, una institución local que brinda asistencia a numerosas familias de la ciudad.

Los organizadores solicitaron la colaboración de los asistentes mediante la entrega de ropa de invierno y calzado, elementos fundamentales ante la llegada de las bajas temperaturas a la zona serrana. Asimismo, se recolectarán alimentos no perecederos y materiales reciclables, reforzando el carácter comunitario de la convocatoria.

La presencia de emprendedores locales también forma parte del espíritu del evento, permitiendo que pequeños productores de Tandil puedan exhibir sus trabajos ante el flujo de jóvenes que transitan diariamente el predio de la Unicen. De esta manera, el festival logra articular la vida universitaria con las necesidades y expresiones de la sociedad civil, reafirmando el rol de la universidad pública como un polo de integración y acción solidaria.

Rama Robles participó de una extensa entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante la charla, el joven emprendedor analizó el fenómeno de Lunático, un proyecto que trascendió su formato original de ciclo musical para convertirse en una productora integral de eventos. Según explicó el protagonista, el crecimiento fue constante desde aquel inicio el 30 de junio del 2024, cumpliendo recientemente dos años de actividad ininterrumpida.

La propuesta comenzó con fechas fijas de los viernes en el Hípico, pero rápidamente se expandió hacia otros horizontes. "Empezó como la idea de un ciclo fijo y después, con el tiempo, se empezó a volver algo más seguido", relató Robles. El éxito de estas primeras convocatorias permitió la creación de festivales específicos, como el Festival Indie y el Festival Pibas, además de comenzar a producir eventos para otros artistas que buscaban el sello de calidad de la organización.

Robles remarcó que la profesionalización del espacio llevó a formalizar el hecho de ser una productora. En este sentido, destacó la reciente experiencia en Glow y Gluck, además de la incursión en nuevos escenarios como Harrys. "Tratamos de diferenciar cuando es un Lunático, que es un festival nuestro, o un evento que producimos para otra persona", aclaró durante la entrevista, subrayando la versatilidad alcanzada por el equipo de trabajo.

Uno de los pilares del éxito de esta iniciativa fue la curaduría artística, que busca amalgamar la frescura de las bandas jóvenes con la experiencia de los grupos consagrados. Robles señaló que esta mezcla "reaviva la llama de lo que es un recital". Mencionó casos como el de “Nos Miran Raro” o las bandas de la ciudad de La Plata que aportan una energía diferente a la escena tandilense. "El público de Lunático banca la propuesta y va a ver con qué se va a encontrar", afirmó con satisfacción.

El productor reconoció que el camino no estuvo exento de dificultades y aprendizajes sobre la marcha. Recordó momentos complejos, como las complicaciones climáticas en eventos al aire libre, pero destacó que esas experiencias sirvieron para fortalecer el proyecto. "Uno va corrigiendo sobre la marcha; hemos tenido miles de errores y correcciones", admitió, aunque prefirió enfocarse en los logros alcanzados, como el montaje de predios de gran envergadura en Mar del Plata.

Un aspecto fundamental que Robles resaltó fue el vínculo con las bandas locales. La productora se transformó en un espacio de visibilidad para artistas jóvenes como Pedro Moreno o las chicas de Odisea. Para muchos de ellos, participar de un evento bajo este sello representó su primera experiencia profesional en escenarios de mayor escala. "Me gusta mucho el hecho de que se haya generado un público que va a ver qué hay de nuevo", comentó el entrevistado sobre el recambio generacional.

En esa misma línea, el productor subrayó la importancia de las "sessions" grabadas, que permiten a las bandas contar con material audiovisual de alta calidad. Mencionó el caso de los chicos de NanoSe, quienes realizaron su primera grabación con la productora. Para Robles, este acompañamiento es una forma de retribuir a la escena musical el apoyo recibido durante este tiempo, generando un círculo virtuoso de producción y difusión cultural.

La relación con otros actores de la ciudad, como los programas de streaming Cultura Zip o Cokucha, también fue mencionada como parte esencial del entramado cultural que sostiene a Lunático. Robles definió esta colaboración como recíproca y necesaria para mantener la vigencia de las propuestas. Según su visión, la clave reside en no especular con el clima ni con los resultados, sino en apostar por la calidad técnica y musical en cada fecha programada.

De cara al futuro inmediato, el productor adelantó la fecha del 16 de mayo en Porch, que tendrá un foco especial en la cumbia colombiana. Ese día se presentará La Baruyera, que grabará su primer recital en vivo, junto a la banda Elsason. "Va a ser una noche espectacular, tempranero, de 21 a 00", precisó Robles, invitando a los seguidores del género a una propuesta que promete ritmo y color en un ambiente cuidado.

Finalmente, el músico se refirió al presente de su banda, Mamelooks. Reveló que están próximos a lanzar un nuevo EP titulado "Barco Fantasma", compuesto por cuatro canciones, tres de las cuales ya fueron grabadas. Además, anunció el estreno de una nueva sesión audiovisual que estará disponible en el canal de YouTube de Lunático. A pesar de su intensa labor como productor, Robles aseguró que mantiene su compromiso con la creación musical y el desarrollo de su propia carrera artística.

Hernán Teruggi y Tomás Varales compartieron una charla distendida en el marco de una nueva emisión de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Los músicos recordaron los inicios de una iniciativa que combinó la amistad con una búsqueda sonora cargada de emocionalidad y nostalgia, elementos que se convirtieron en el sello distintivo de su propuesta artística.

El grupo, que ya transita casi una década de vida, surgió de manera espontánea en 2015. Según relataron, el encuentro fundacional se produjo a través de amigos en común. En aquel entonces, Teruggi tocaba el ukelele y aún no se había volcado por completo a la guitarra, mientras que Varales ya se desempeñaba como bajista. Poco tiempo después, conocieron a Fer, quien se incorporó como baterista para terminar de consolidar el trío.

El nombre de la formación nació de una anécdota personal de Varales que se transformó en una marca de identidad. El bajista explicó que le diagnosticaron Trastorno por Déficit de Atención (TDAH) durante su infancia y lo que comenzó como una broma interna entre sus allegados terminó por bautizar al conjunto. "Desde los ocho años tenía TDAH en realidad. Cada vez que pasaba una secuencia era 'tiene el sindro'", recordó el músico sobre el origen del apelativo.

El debut oficial de la banda sobre los escenarios se produjo en diciembre de 2016. Desde aquel primer concierto, los músicos se propusieron trabajar sobre material original, evitando el camino de los covers que suelen transitar muchas agrupaciones en sus comienzos. Aquella chispa inicial se mantuvo encendida incluso cuando las obligaciones académicas obligaron a una breve pausa, retomando la actividad con mayor intensidad en los veranos subsiguientes.

A lo largo de estos años, la banda experimentó una evolución en su sonido, aunque mantuvo una esencia ligada a lo introspectivo. Hernán Teruggi señaló que la mayoría de las canciones nacieron de una búsqueda personal que luego se nutrió del aporte colectivo. "Es medio inconsciente, pero por ahí es media nostálgica la banda. Las letras tratan mucho sobre los estados de ánimo", describió el guitarrista y cantante.

La producción discográfica de El Síndrome de la Desatención registró un movimiento constante en el último tiempo. Los artistas mencionaron que lanzaron sendos EP durante este año y el anterior, lo que les permitió renovar su repertorio y consolidar su presencia en las plataformas digitales. Este material fue presentado oficialmente en marzo en un evento que contó con una importante respuesta por parte de los seguidores locales.

Durante el presente año, el trío cumplió con varias fechas, incluyendo colaboraciones con agrupaciones como Isla de Flores. Los músicos destacaron que intentan mantener un equilibrio para no saturar a su público, compuesto mayoritariamente por familiares y amigos que los acompañan en cada presentación.

La honestidad y la sencillez parecen ser los motores que impulsan al proyecto. Teruggi y Varales coincidieron en que el objetivo principal es disfrutar del proceso de creación y del encuentro con sus pares. Esta filosofía les permitió sostenerse en el tiempo y ser parte de diversos festivales locales donde compartieron cartel con bandas con las que forjaron vínculos de amistad y respeto profesional.

Al analizar la infraestructura cultural de Tandil, los invitados se mostraron conformes con la calidad de los sitios existentes, aunque remarcaron que la oferta es limitada para la cantidad de artistas en actividad. "Siempre estaría lindo que haya más lugares, claramente. La verdad que los lugares que hay están buenísimos", afirmaron. En ese sentido, destacaron la predisposición y la calidez del espacio 990, donde ya se presentaron tres veces en lo que va del año.

Los músicos hicieron hincapié en que el circuito local se nutre principalmente del esfuerzo autogestivo. Para los integrantes de El Síndrome de la Desatención, la falta de una red formal que agrupe a los artistas es uno de los puntos a resolver. "No hay algo que lo nuclee. Por ahí hay ciertas iniciativas que están buenas, pero sería importante que exista un colectivo de músicos para hacer movidas en conjunto y motivarse entre todos", sostuvieron.

Finalmente, el grupo reafirmó su compromiso con el proyecto y su intención de seguir explorando nuevos sonidos. Con casi diez años de historia, El Síndrome de la Desatención se posiciona como una banda que, desde la nostalgia y el trabajo silencioso, logró construir un espacio propio en el corazón de la música serrana, apostando siempre a la autenticidad y la composición original.

En el marco de las actividades por el Día Nacional contra el Acoso Escolar, que se conmemora cada dos de mayo, se llevará a cabo una propuesta integral denominada Hablemos a Tiempo. Este festival por la convivencia busca visibilizar y reflexionar sobre las violencias en los entornos educativos, un problema que afecta de manera directa a millones de niños y adolescentes en todo el país. La cita tendrá lugar este domingo en la Casa de las Juventudes, ubicada en 11 de septiembre 1538, con una agenda que combina el debate académico con expresiones artísticas y culturales.

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La iniciativa surge como una respuesta necesaria para que el respeto y la empatía se conviertan en los protagonistas de los vínculos juveniles. Según informaron los organizadores, la jornada comenzará a las 15 con una apertura dedicada al rap en vivo, un género que históricamente ha servido como canal de expresión para las problemáticas sociales y las vivencias de los jóvenes en sus barrios y escuelas. Posteriormente, a las 16:30, será el turno de la banda El Síndrome de la Desatención, que subirá al escenario para continuar con la propuesta musical de la tarde.

Uno de los momentos centrales del festival ocurrirá a las 17:30, cuando se realice la charla abierta titulada “El bullying no es cosa de chicos”. La misma estará a cargo de la especialista Paola Zabala, referente de la Comunidad Anti Bullying Argentina. Esta instancia de formación y diálogo está pensada para que tanto jóvenes como adultos puedan adquirir herramientas que permitan identificar y abordar situaciones de acoso de manera temprana y efectiva. La presencia de Paola Zabala en la ciudad no se limitará únicamente a este evento, ya que este lunes, desde las 14, participará de una entrevista en Cultura Zip, el programa de streaming de El Eco, para profundizar sobre estas temáticas.

El cierre de la jornada estará marcado por un regreso muy esperado a los escenarios locales. A las 18, la banda Toboganes a Marte será la encargada de poner el broche de oro al festival. La agrupación, reconocida por su trayectoria, se suma a esta causa para acompañar el mensaje de convivencia a través de su música. Además de los shows principales, el público podrá disfrutar de diversas opciones de gastronomía y otras actividades recreativas dispuestas en el predio de la Casa de las Juventudes.

La realización de este festival, un día después de la fecha oficial del Día Nacional contra el Acoso Escolar, refuerza la necesidad de mantener el tema en la agenda pública de manera constante. El acoso escolar no es un fenómeno aislado, sino una problemática estructural que requiere el compromiso de toda la comunidad. Espacios como Hablemos a Tiempo permiten que la información circule y que los jóvenes encuentren lugares seguros donde expresar sus inquietudes y fortalecer los lazos de compañerismo.

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Desde la organización destacaron que la entrada es libre y gratuita, invitando a todas las familias y grupos de amigos a acercarse para compartir una tarde de reflexión y esparcimiento. La propuesta busca transformar la Casa de las Juventudes en un punto de encuentro donde la música y la palabra sirvan como motores de cambio social frente a la violencia en las aulas.

La escena musical tandilense se prepara para recibir lo nuevo de Pezcuis, una de las propuestas más singulares de la ciudad que combina el rock alternativo con una narrativa teatral propia. Daniel Roca, cantante y tecladista, brindó detalles sobre el presente y el futuro del proyecto en una entrevista brindada a Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1.

Luego de un periodo de intensa actividad durante el año pasado, la banda entró en lo que Roca denominó un proceso de "veranación", un estado de hibernación estival necesario para procesar el trajín de las producciones y la elaboración de sus puestas en escena. Este descanso coincidió con la finalización de las grabaciones de su nuevo disco, un proceso que concluyó el 21 de diciembre pasado.

"Todo enero nos lo tomamos como para liberar las orejas y la mente. En febrero y marzo empezamos con la producción del disco y ahora, dentro de poquito, ya vamos a estar lanzando sencillos y novedades", explicó el músico sobre el calendario que manejan para este ciclo.

El nombre de la banda no es una elección azarosa, sino que responde a una mitología que los músicos han construido. Roca describió al "pezcuis" como un ser híbrido, mezcla de pez y de cuis, que según su relato existe desde hace 2000 años "llevando la inspiración a los músicos". Esta figura encontró en los integrantes de la banda un lugar de permanencia desde el año 2018.

La conformación actual de Pezcuis se destaca por una estructura horizontal y polifacética. Con Daniel en los teclados, Victoria en la batería y Marcial en el bajo, la banda se rige por un sistema democrático donde los tres miembros componen letras y música, además de encargarse de las armonías vocales. "Somos tres músicos muy presentes en el quehacer musical", señaló.

Para Roca, su vínculo con el arte comenzó a los tres años en un hogar donde la música clásica era el lenguaje cotidiano. Como profesor de piano y especialista en interpretación clásica, su paso hacia el rock fue una transformación que no renegó de sus raíces. "A mí Charly García me mostró un rumbo. Él empezó con la música clásica, una consigna cerrada, y la abrió sin dejar de ser sincero con lo que siempre dijo", reflexionó el artista.

Uno de los rasgos distintivos de Pezcuis es su fuerte impronta teatral. Sus presentaciones en vivo no se limitan a la ejecución de canciones, sino que proponen una experiencia inmersiva que se nutre del teatro independiente. Tras haber realizado presentaciones en el Teatro de la Confraternidad y el Centro Cultural La Vía, la banda continuó desarrollando una historia que sumará un nuevo capítulo con la participación del actor Gastón Dubini, quien encarnará a un "científico malvado" que busca apoderarse del poder de la mítica criatura que da nombre al grupo.

Más allá de su labor sobre el escenario, tanto Daniel Roca como Victoria desempeñan un rol docente que los mantiene en contacto directo con los jóvenes que dan sus primeros pasos. "Estamos muy en contacto con los chicos que están saliendo. Ayudamos a formar bandas, a bancar las fechas, a ir a escuchar", comentó.

El músico destacó que, si bien la escena ha crecido, todavía existen desafíos estructurales. Roca mencionó espacios valiosos como Macanudo Bar, Arte y Parte y 990, aunque advirtió sobre las dificultades económicas que enfrentan los grupos para costear producciones de calidad. "Para una banda, pagar 800 mil pesos de sonido es un tema", ejemplificó.

Para la realización de su nuevo material discográfico, Pezcuis apostó por un nivel de profesionalismo elevado al trabajar con Juan Polito, reconocido productor que Roca calificó como uno de los mejores profesionales de la provincia de Buenos Aires.

El proceso creativo, según relató el tecladista, es abordado con una disciplina casi científica a pesar de la naturaleza "rara" de sus ideas. "Victoria y yo somos docentes y Marcial es ingeniero en sistemas. Tenemos el plan, las ideas más raras del mundo, nos juntamos los tres, armamos el Excel y ponemos el cronograma de cómo lo vamos a ir haciendo", reveló.

Este martes 28, la comunidad universitaria de Tandil llevará a cabo una jornada de encuentro, debate y visibilización en pleno centro de la ciudad. Bajo la consigna “Milei, cumplí la ley”, diversos sectores se darán cita para expresar su firme rechazo al ajuste presupuestario que afecta a la educación superior y al sistema científico nacional. La actividad tendrá como punto de referencia la esquina de Pinto y Chacabuco, donde se ha emplazado un espacio de resistencia y diálogo con la sociedad tandilense.

La iniciativa se desarrolla en sintonía con la convocatoria nacional impulsada por CONADU y reúne a docentes, no docentes, estudiantes y graduados en un reclamo unificado. En este contexto, la instalación de la Carpa por la Universidad y la Soberanía frente a la sede de la Unicen se erige como un símbolo de la lucha gremial y académica, buscando poner en agenda la crítica situación financiera que atraviesan las casas de altos estudios en todo el país.

La elección de la carpa como modalidad de protesta no es azarosa y guarda una profunda carga histórica para el sector educativo argentino. "A casi 30 años de la Carpa Blanca docente, volvemos a levantar este símbolo en defensa de la universidad pública, gratuita y de calidad", informaron los organizadores a través de sus canales oficiales. Esta referencia histórica busca trazar un puente entre las luchas del pasado y la urgencia del presente, reafirmando el compromiso con la educación como un derecho inalienable.

La jornada, además de los espacios de debate y reflexión política, contará con un importante despliegue cultural para convocar a toda la ciudadanía. A partir de las 17 horas, la música se convertirá en el eje de la visibilización con la presentación de dos propuestas artísticas de la ciudad. La participación de los músicos locales refuerza el carácter comunitario del reclamo, entendiendo que la crisis universitaria afecta no solo a quienes habitan las aulas, sino al desarrollo integral de toda la comunidad de Tandil.

Una de las bandas protagonistas de la tarde será Derive, una formación que ha ganado espacio en la escena regional. El grupo está integrado por Santino Ferrari, Agustín Dicembrile, Abigail Rodríguez, Jeremias Santillan y Pedro Moreno. Los músicos pondrán su arte a disposición de la causa, ofreciendo un recital gratuito para todos los vecinos que se acerquen a la intersección de Pinto y Chacabuco para acompañar el reclamo universitario.

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Asimismo, el evento contará con la actuación de NanoSe, grupo integrado por Luka Gauna (guitarra), Emanuel Velasquez (guitarra), Juliana Spina (bajo), Luciano Reynoso (bateria), Julia Nouchi (piano y coros) y Vicente Debeza (voz), completarán una grilla artística pensada para dinamizar la jornada de protesta. La presencia de estas bandas locales en la Carpa por la Universidad y la Soberanía busca transformar el espacio de reclamo en un hecho cultural compartido, donde la música funcione como un nexo de unión y un motor para amplificar el mensaje de defensa de la educación pública y la ciencia nacional.

El reclamo por el presupuesto universitario ha ganado intensidad en las últimas semanas ante la falta de respuestas satisfactorias por parte del gobierno nacional. La consigna “Milei, cumplí la ley” hace referencia directa a la necesidad de respetar las normativas de financiamiento educativo vigentes, las cuales se ven seriamente amenazadas por las políticas de recorte. La comunidad de la Unicen se suma así a un movimiento federal que exige la actualización de las partidas presupuestarias para garantizar el funcionamiento básico de las instituciones.

Desde la organización de la jornada destacaron que la actividad en la carpa es una oportunidad para que los vecinos de Tandil conozcan de primera mano la situación que atraviesan los investigadores, docentes y alumnos. El ajuste en ciencia y técnica es otro de los puntos centrales del reclamo, entendiendo que el desfinanciamiento de estos sectores compromete la soberanía y el desarrollo a largo plazo de la nación.

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La jornada de este martes se presenta como un hito más en el plan de lucha que vienen sosteniendo los gremios universitarios. La confluencia de la discusión política con expresiones artísticas como las de Derive y Nanose busca generar un impacto visual y sonoro en el corazón de la ciudad, recordando que la universidad pública es un patrimonio colectivo que requiere del apoyo de todos los sectores sociales para su sostenimiento.

El recorrido de Marcos Pérez Rivero con la música empezó antes de que pudiera ponerle nombre. En Tandil, siendo apenas un niño, ya había algo que lo empujaba hacia la batería, aun sin entender del todo qué era. Ese impulso inicial, casi intuitivo, fue el que con los años lo llevó a escenarios de Buenos Aires y, finalmente, a instalarse en Barcelona, donde hoy despliega su carrera.

“Era muy chiquito, muy chiquito, y tengo el recuerdo de que mi hermano mayor tenía un grupo con sus amigos y en una temporada habían ido a ensayar como al garaje de mi casa”, recordó en conversación con El Eco de Tandil desde España. En esas escenas cotidianas apareció su primer vínculo con el instrumento: “Cuando ellos no estaban, por ahí me metía a tocar como primer contacto con la batería”.

La música también estaba presente en otros espacios de su infancia. “Mi madre también nos llevaba a una iglesia, entonces estaba constantemente, como había música en vivo, estaba constantemente mirando ahí a ver qué pasaba”, contó. Sin embargo, lo que lo unió a la batería fue algo más difícil de explicar: “Fue como un flechazo con la batería que no te lo puedo explicar así como vi algo y me llamó la atención, sino como de uso de razón, siempre estuve en casa como armando baterías con baldes”.

Ese entusiasmo temprano fue encontrando cauces. Primero con juegos —“tenía unos vecinos donde jugábamos a tener bandas”— y luego con clases formales, cuando su familia advirtió que no era algo pasajero. “Mi madre ya me vio un poco más entusiasmado, me llevó a algunas clases ahí a un profe del barrio”, relató.

Pero uno de los espacios formativos más importantes fue la iglesia, donde comenzó a tocar siendo muy chico. “Yo tenía como siete, ocho años, y tocaba todos los fines de semana delante de mucha gente, viste, y como en banda, entonces eso fue como una gran escuela para mí”, explicó. Esa experiencia temprana, enfrentándose al público y tocando con otros músicos, marcó su desarrollo.

A tus oídos

Con el paso del tiempo, Marcos fue sumando proyectos hasta dar un salto significativo a los 18 años -hoy tiene 31-, cuando se integró a la banda tandilense Fisión, uno de los grupos más representativos de la escena local. “Yo conocía a Juani Gorostidi, que era el tecladista, y a la banda la conocía, porque Fisión en Tandil era bastante conocido”, contó. La oportunidad llegó casi por casualidad: “Una vez saliendo a ensayar con una banda, hablando con él, justo me dice que estaban probando bateristas, y ahí fue que les escribí”.

Tras una prueba, quedó seleccionado y comenzó una etapa que definió su profesionalización. “Ahí fue como un poco más profesional, de tocar en bares en Tandil, a viajar, que yo nunca había viajado con la música, a tocar en escenarios grandes, a grabar un disco profesional con un productor”, detalló. Ese cambio implicó también una ampliación de horizontes y la perspectiva de que había oportunidades en otros lugares.

Luego de ese ciclo, y tras la disolución de la banda, continuó desarrollándose como músico independiente. Alternó entre Tandil y Buenos Aires, dando clases y tocando, hasta que durante la pandemia encontró otra veta: la grabación online. “En pandemia empecé a grabar baterías online, que es algo que me gusta mucho”, indicó.

Ese proceso fue el puente hacia una nueva etapa en CABA. “Cuando empezaron a abrir un poco todo, me fui para Buenos Aires porque ya había empezado a grabar y tenía alumnos online”, contó. Allí se consolidó como baterista de sesión, participando en múltiples proyectos. “Empecé a tocar como baterista, a tocar para artistas, y estuvo muy bueno, estuve dos años ahí en Buenos Aires como fijo, tocando un montón”, señaló. Entre otros trabajos, mencionó colaboraciones con artistas emergentes como Catalina Bayá y el armado de un estudio propio en su casa: “Tenía la suerte de tener el estudio en el departamento donde vivía, entonces daba mis clases ahí, grababa en la semana y todos los fines de semana tenía la suerte de tocar”.

Ahora que lo pienso 

El salto a Europa se dio a partir de una combinación de planificación e intuición. “Yo tenía un viaje pactado a Europa, y daba la casualidad que se armó como una gira en España”, explicó. Barcelona ya estaba en su radar desde antes, por algún motivo el terruño catalán lo convocaba.

La idea inicial era simple: tocar y luego irse de vacaciones, pero a mitad de camino los planes se torcieron. “En principio vine a tocar y después me quedaba de vacaciones, pero con el sentimiento de que si algo pasaba y se alineaban un poco los planetas, me quedaba”, compartió. La suerte estuvo a su favor porque conoció gente en el camino que lo ayudó a tomar la decisión de quedarse.

La determinación de no volver a Argentina implicó que Marcos tuviera que empezar de nuevo, pero con una base sólida. “Fue como volver a empezar, pero desde el lado de que tenía ganas de vivir la aventura”, resumió. Hoy, a casi tres años de aquel momento, su presente en Barcelona lo encuentra plenamente insertado en la escena musical.

Desde allí, fue reconstruyendo su camino paso a paso: dando clases, generando contactos y tocando en distintos proyectos. “Empecé a escribirle a gente, a juntarme, y ahí empecé a hacerme un círculo de músicos acá”, contó. Ese proceso derivó en una actividad intensa como sesionista, pero también en la necesidad de crear algo propio.

“Me agarró como esa necesidad de tener como un proyecto para expresarme y para crear, ¿viste?”, subrayó. Así nació Technicolor, la banda que formó junto a Gaspar Bacqué, Guilermo Harrison y Marc Búrdalo Olaya. “Es como nuestro proyecto, tenemos nuestro espacio más creativo”, definió.

En paralelo, continúa participando de múltiples propuestas: giras, festivales y colaboraciones con artistas de distintas procedencias. "Busco también conocer un poco toda Cataluña, no solo Barcelona, porque es una provincia donde pasan cosas. Hemos ido a tocar a un lugar mítico que se llama Jazz Cava, que antiguamente era una cava de vino; también estoy tocando en un tributo a Cerati, después en una jam argentina que se llama Alta Jam, que se hace una vez por mes. Toqué con otra chica que se llama Lucila Rubio, que hace mitad en Barcelona, mitad en Buenos Aires, y a ella le va muy bien. Y después shows esporádicos que van saliendo, como me ha salido una gira en Barcelona y en Madrid con un artista muy conocido de Chile que se llama Benjamín Walker, y eso también son experiencias que están muy buenas."

Y a pesar de la distancia, el vínculo con Tandil sigue presente. “Extraño a mi familia obviamente, tengo muchos amigos, y extraño a Tandil porque es una ciudad que a mí me gusta mucho”, expresó.

“Siempre fui una persona de buscar”, dijo en medio de la charla, como al pasar. Quizás ahí esté la clave de un camino que empezó casi como un juego —golpeando baldes en una casa de barrio— y que hoy lo encuentra del otro lado del océano haciendo lo que más le gusta.

“En Tandil estaba haciendo un montón de cosas también, pero llega un momento donde decís ‘quiero un poquito más’. Después di el paso a Buenos Aires, también siendo consciente de que si me quería venir para acá tenía que trabajar y vivir en una ciudad grande, para estar acostumbrado y tener como ese roce. Quizás si no hubiese sido la música hubiese sido otra cosa, más que nada por mi personalidad, pero sí, como que sabía que una cosa llevaba a la otra. Hay experiencias que te sorprenden un montón y uno nunca sabe lo que va a pasar, pero siempre fui una persona bastante inquieta”, cerró.

La escena musical de Tandil se nutre constantemente de artistas que deciden explorar las múltiples posibilidades del sonido. Este es el caso de Gamma Mood, quien recientemente visitó el programa Cultura Zip (Eco TV, Tandil FM 104.1 y El Eco Streaming). El músico desandó el camino que lo llevó desde sus primeras lecciones en el conservatorio hasta la consolidación de una propuesta personal que hoy busca su lugar en las plataformas digitales y en el corazón de la ciudad.

El artista recordó que su vínculo con la música no fue algo fortuito, sino una presencia constante en su hogar. Con un padre aficionado a la guitarra y al folclore, los instrumentos siempre estuvieron al alcance de su mano. Sin embargo, el momento de quiebre ocurrió durante su etapa escolar, cuando una visita de promoción del conservatorio despertó su pasión.

Sus primeros pasos en los escenarios estuvieron ligados a la familia. Junto a su padre y un primo, participó de diversos concursos y peñas. Con el tiempo, esa base se expandió hacia otros horizontes, permitiéndole integrar murgas y agrupaciones de música latina. Según explicó el músico, esta versatilidad fue fundamental para entender que su verdadera pasión residía en la creación de piezas originales más allá de la ejecución de versiones de otros artistas.

El paso por el Conservatorio Isaías Orbe le brindó las herramientas técnicas, pero la identidad de Gamma Mood se fue cocinando en la experiencia colectiva. El músico destacó que, durante muchos años, participó en diversas formaciones. "Siempre estuve conectado a la música, a crear más allá de tocar covers. Hay mucha música acá y hay muchos músicos", reflexionó al repasar las agrupaciones de las que formó parte antes de lanzarse a su aventura solista.

La llegada de la pandemia en 2020 funcionó como un catalizador para sus inquietudes postergadas. En aquel período de introspección, y con el apoyo de tres amigos cercanos, comenzó a darle forma a lo que sería su primera producción discográfica. El proceso de maquetación se intensificó en 2024. Lo que empezó como un conjunto de canciones aisladas terminó convirtiéndose en un disco que representa su presente artístico.

La actualidad lo encuentra impulsando sus canciones, tanto en formato solista como en banda. Para Gamma Mood, el proyecto funciona como un espacio para poder hacer la música que se le antoja, una definición que resume la libertad creativa que guía sus pasos. Esta sinergia se traduce en colaboraciones con figuras como July James, o su participación en las bandas de Próspero Raúl Cantón y La Mamba.

La profesionalización de un proyecto independiente conlleva desafíos que van más allá de lo estrictamente musical. El artista compartió los pormenores de subir su material a las plataformas digitales, un proceso que calificó como "un trámite" riguroso. Sin embargo, resaltó que la comunicación es una pieza fundamental: "Te diría que es un 50 y 50 por ciento; a veces nos olvidamos de cómo comunicar que va a salir un disco".

En ese sentido, las redes sociales se han convertido en una herramienta indispensable, funcionando como un currículum dinámico donde el público puede conocer la propuesta. Como parte de esta estrategia de difusión, Gamma Mood realizó una intervención en la plaza Independencia junto a los integrantes de Atlanta. La actividad consistió en tocar sus temas en pleno espacio público para registrar material audiovisual que luego alimentó sus perfiles digitales.

La identidad sonora de su disco, lanzado en diciembre pasado, es el resultado de un crisol de influencias. El músico se definió como un amante del camino de la canción, un territorio incierto donde la fusión de géneros es la regla y no la excepción. En su lista de reproducciones actual conviven el R&B inglés con los trabajos más recientes del uruguayo Jorge Drexler, a quien escucha con atención para descubrir nuevos recursos compositivos.

Finalmente, al analizar la situación de los artistas locales, el músico hizo hincapié en la necesidad de expandir los horizontes. Si bien valoró el circuito cultural local, instó a sus colegas a gestionar lazos y trabajar en red. Para el artista, la clave reside en la conexión entre las bandas que están dando sus primeros pasos y aquellas que ya cuentan con un recorrido, con el objetivo de fortalecer una escena regional que tiene mucho para ofrecer.