La espera de 17 años para una nueva entrega de la franquicia principal está cerca de terminar. Universal lanzó este martes el primer adelanto de Shrek 5, película que tiene previsto su estreno para el 30 de junio de 2027. El material audiovisual confirma el regreso de los protagonistas originales: Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz vuelven a prestar sus voces a Shrek, Burro y Fiona, respectivamente.

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El tráiler comienza con un repaso por la historia original de 2001, aunque la narración es interrumpida por Burro, quien sugiere que es momento de una renovación. Este cambio podría justificar la actualización en el estilo de animación de las criaturas del cuento. En esta nueva aventura, los protagonistas recorren nuevamente la tierra de Muy Muy Lejano, donde se enfrentan a un gigante, a las fuerzas de la ley y a un muñeco de nieve que parodia a Olaf de Frozen.

El elenco se amplía con la incorporación de Zendaya, el comediante de Saturday Night Live, Marcello Hernandez, y Skyler Gisondo, quienes interpretarán a los hijos de la pareja: Felicia, Fergus y Farkle. Además, el avance muestra el reencuentro con Gingy, el hombre de jengibre.

El adelanto concluye con la familia y Burro atrapados en una celda, mientras el personaje interpretado por Eddie Murphy canta temas como Baby Come Back y Roxanne, generando la frustración de Shrek. Esta producción marca el retorno de la saga principal tras el estreno de Shrek Forever After en 2010, dejando atrás los dos spin-offs protagonizados por el Gato con Botas lanzados en 2011 y 2022.

La Biblioteca Salceda de Tandil se consolidó una vez más como un espacio de encuentro y debate cultural al presentar el Ciclo de cine Solax, una iniciativa que se lleva adelante durante todo junio en el marco del Mes del Orgullo. Las actividades, que tienen lugar cada jueves a las 19:30, fueron diseñadas para instar a la tolerancia y la igualdad del colectivo, conmemorando los hitos históricos que dieron origen a esta celebración global. El 28 de junio, fecha central de esta efeméride, recuerda los disturbios ocurridos en Stonewall, Nueva York, en 1969, un evento que marcó un punto de inflexión en la lucha por la liberación y los derechos civiles.

El ciclo comenzó el pasado jueves cuatro de junio con la exhibición de “Las mil y una”, una pieza que explora el despertar de Iris, una joven de 17 años que, tras ser expulsada de la escuela, transcurre sus días en un entorno de calles vacías y habitaciones estrechas junto a sus primos. El filme narra el encuentro con Renata, cuya presencia magnética desencadena un flirteo que desafía los prejuicios y rumores de su comunidad. Esta primera entrega sentó las bases de una propuesta que busca retratar la diversidad afectiva desde una mirada sensible y cercana.

Continuando con la programación, este jueves 11 será el momento de proyectar “Miss Carbón”. Esta obra recupera la historia real de Carla Antonella Rodríguez, conocida popularmente como “Carlita”, una mujer trans que se propuso romper las barreras de género en uno de los entornos laborales más tradicionales de la Argentina. La película detalla cómo desafió los estigmas imperantes para convertirse en la primera minera del yacimiento de carbón de Río Turbio, en la Patagonia. Su testimonio audiovisual representa una lucha por la inserción laboral y el reconocimiento en espacios históricamente masculinizados.

La agenda de la Biblioteca Salceda para el tercer jueves del mes se trasladará al continente africano con la película “Rafiki”. El filme sigue las vidas de Kena y Ziki en Nairobi, dos jóvenes que, a pesar de la rivalidad política que divide a sus respectivas familias, construyen un vínculo de confianza mutua. La trama se vuelve más compleja cuando esa amistad se transforma en un amor romántico, obligándolas a elegir entre su búsqueda de la felicidad personal y su propia seguridad física en el contexto de una sociedad profundamente conservadora.

Para el cierre de los jueves, el día 25, la propuesta girará hacia una crítica de las estructuras de poder con “Pillion”. La narrativa se centra en la figura de Franklin Hart, un jefe caracterizado como sexista, egoísta y déspota, quien es señalado como el peor superior que ha tenido la firma Consolidated de Chicago. Ante los abusos constantes, tres empleadas de la compañía deciden trazar un plan de venganza. Esta proyección permite abordar las dinámicas de opresión laboral y la respuesta colectiva ante el maltrato en los entornos de trabajo.

Más allá de la grilla de los jueves, la institución dispuso una fecha excepcional para el sábado 20 de junio. En esa oportunidad se presentará “La misteriosa mirada del flamenco”, una producción ambientada en los años 80 en el desierto chileno. La historia sigue a Lidia, una niña de once años que crece en una familia "queer" marginada en un pueblo minero. La trama aborda cómo se los responsabiliza por una misteriosa enfermedad que, según el mito local, se transmite con una mirada cuando un hombre se enamora de otro. La película es un crudo retrato de cómo el amor puede ser percibido como peligro en ambientes dominados por el miedo y el odio.

En el marco de la promoción del cine nacional, se destaca la inclusión de “Los amantes astronautas”, una de las películas más celebradas de la producción argentina reciente, estrenada en 2024. El relato transcurre durante unas vacaciones de verano, cuando Pedro llega a la casa de su primo y se reencuentra con Maxi, un amigo de la infancia. La sorpresa inicial de Maxi al descubrir que Pedro es gay deriva en una propuesta inusual: fingir un noviazgo para recuperar a una exnovia, intentando mostrarse como una persona de mentalidad abierta.

Lo que comienza como un simulacro para engañar a terceros, pronto comienza a transformarse. El juego de apariencias hace que la relación entre ambos sobrepase los límites de la amistad, dando lugar a un deseo genuino que pone en jaque las intenciones iniciales de los protagonistas. Esta obra es señalada por la crítica como una de las representaciones más bellas y honestas de los vínculos contemporáneos en la cinematografía de nuestro país.

Pese a ser el artífice de una galaxia muy lejana y el padre de criaturas que habitan los confines de la imaginación, su origen fue más terrenal. George Lucas nació en Modesto, California, el 14 de mayo de 1944. De su mente surgió la chispa que encendería una saga destinada a cambiar el curso del cine y a transformar, para siempre, el universo del entretenimiento.

A ocho décadas de su nacimiento, el impacto de Lucas sigue creciendo, tal como coinciden la revista especializada Variety y el medio de referencia The Hollywood Reporter. El cineasta cursó estudios en la University of Southern California (USC), donde se destacó en el campo de la cinematografía. Variety resalta que, desde esa etapa, Lucas manifestaba una inclinación por la innovación técnica y la narrativa visual.

En 1977, Star Wars irrumpió en los cines y modificó el rumbo de la industria. Según The Hollywood Reporter, la saga de Lucas no solo redefinió el concepto de franquicia, sino que estableció nuevos estándares de producción, efectos visuales y comercialización. Para materializar ideas visuales que los estudios tradicionales no podían ejecutar, el creador fundó Industrial Light & Magic (ILM).

El medio especializado IndieWire apunta que, con esta obra, Lucas transformó el modelo de negocio del cine y sentó las bases de la era de los blockbusters modernos. La decisión de mantener el control creativo y los derechos de merchandising permitieron que la franquicia se convirtiera en un fenómeno global.

En ese universo en expansión, Lucas supo que los detalles pueden construir mitos. Entre todos los personajes surgidos de su imaginación, Yoda ocupa un lugar de privilegio. El pequeño maestro jedi, introducido en El Imperio contraataca en 1980 con la voz de Frank Oz, conquistó a generaciones con su figura enigmática y sentencias cargadas de sabiduría ancestral.

Durante la celebración por el 45° aniversario de la película, Lucas reveló el secreto detrás de su peculiar sintaxis invertida:

“Si usara un inglés normal, la gente no lo escucharía tanto. Pero si tiene un acento o resulta difícil de entender, entonces la gente presta atención a lo que dice”.

El creador confesó que buscaba una manera de que la gente realmente lo escuchara, “en particular los niños de 12 años”. Por su parte, Frank Oz, el actor y titiritero del gran maestro, afirmó que el secreto del personaje no es la voz, sino el alma.

Aunque suele asociarse a Steven Spielberg la dirección y el pulso de aventura de Indiana Jones, fue George Lucas quien imaginó al arqueólogo intrépido y sentó las bases de la saga. La idea surgió a principios de los años setenta, en paralelo al desarrollo de Star Wars, consolidando a Lucas como uno de los narradores más influyentes de la historia contemporánea.

Artista plástico, payador, “y un poco actor”, Pablo Solo Díaz es un creador multifacético que –con base en Las Flores-, hizo de los viajes por la región pampeana a caballo, en trenes o en moto parte fundamental de su propuesta e identidad artística.

El próximo domingo 10 de mayo estará en Tandil para brindar un espectáculo especial: presentará su nuevo disco Aparceros, grabado junto a Jorge Barberini, y una producción audiovisual que retrató uno de sus viajes a caballo.

“De Boerr a Gorchs, dos apareceros se encuentran en la pampa bonaerense en una travesía de a caballo como lo han hecho toda su vida”, sintetiza la sinopsis.

La presentación de Aparceros será el domingo 10 en el centro cultural 990, ubicado en Yrigoyen 990, a partir de 18:30 y con entrada “a la gorra”. Con motivo de la fecha, Pablo Solo Díaz respondió tres preguntas a El Eco de Tandil.

1) El 10 de mayo presentan Aparceros. ¿Qué podés adelantar del disco, de las letras, de lo que propone la obra?

-Pablo Solo Díaz: La obra son 5 temas, son décimas. El primer tema se llama Troperos, y es una décima del poeta oriental Wenceslao Varela, que dice que “es lindo ser peón tropero porque cambia con frecuencia de patrón y de querencia, de pago y de compañero”. Esa décima fue glosada, y se refiere a lo que ha sido el trabajo de tropero, como le dicen en la Banda Oriental y en el litoral argentino. O resero en estas zonas nuestras. Aquel que llevaba hacienda de un campo a otro, o desde el interior hasta los mataderos de Buenos Aires.

Después, los otros, hablan de la historia de los trenes y por qué fueron cancelados los trenes de pasajeros, cuáles eran los intereses, más que intereses económicos, más que el hecho concreto de un supuesto progreso que no era tal. Porque todos los pueblos del interior del país quedaron desprotegidos cuando dejaron de pasar los trenes.

Los otros 2 temas hablan de los domadores y de la huella. Tienen que ver con la infancia, con la infancia de las personas, y cómo cerrando los ojos y simplemente recordando por algún olor o por alguna planta o por algún camino, recordamos los tiempos de la infancia.

2) Vivimos un presente digital, atravesados por las tecnología y por la inmediatez. En ese marco hicieron un viaje a caballo por parajes rurales, que parece también una forma de plantar bandera sobre otras maneras posibles de vivir y relacionarse con el entorno. ¿Qué encontraron en ese entorno, en ese viaje?

-En el viaje encontramos, y cuesta decirlo, la realidad: taperas, puestos abandonados, boliches que ya no funcionan, estaciones que ya no funcionan.

La nuestra es una zona ganadera, de campos muy bajos. Hubo una seca muy grande, y en esos campos se murió mucha hacienda. Después hubo una creciente muy grande, y se llenaron de agua. Y cada vez hay menos gente empleada. O gente que por ahí recorre 2 o 3 campos, o contratistas que llegan con un tractor y una casilla, hacen el trabajo que tienen que hacer y siguen viaje.

De todas maneras, hay buenos pobladores. Gente que quiere su lugar. Hay boliches que se renuevan, pero en otros lugares no.

3) ¿Cómo viviste la experiencia de registrar el viaje y que se plasme en una película?

-Fue muy gratificante. Primero, porque lo hice con un amigo. Segundo, porque me gusta mucho viajar de a caballo. Lo he hecho mucho desde muchacho. Diría que hace 50 años que viajo a caballo, y he hecho viajes muy largos.

A Tandil he ido muchas veces, recorrí otras provincias también, y me gratifica mucho. Además, que se hizo con un equipo de trabajo de Tandil, entre los cuales también estaban mis hijos, que son tremendamente talentosos. Así que creo que hicieron un producto muy bien logrado, y que tanto yo como Jorge Barberini, el otro protagonista, lo disfrutamos muchísimo.

El reconocido realizador y documentalista Alberto Gauna regresó a su ciudad natal para participar de un evento histórico: la celebración de los 50 años de su emblemático film Cerro de Leones.  Estuvo en el Desayuno de Tandil Despierta, programa que se emite por Eco TV y Tandil FM 104.1,  donde compartió sus sensaciones sobre el legado de su trabajo y el lanzamiento de un nuevo largometraje que rinde homenaje a aquel hito del cine nacional.

Radicado desde hace años en Málaga, España, manifestó sentirse “como en casa” al volver a recorrer las calles tandilenses. El motivo central de su visita es la presentación de Un sueño cargado de futuro, un documental de 90 minutos dirigido por Daniel Giacomeli, profesor y doctor de la Facultad de Arte de la Unicen. “Ha puesto todo su empeño en esta obra. Creo que será un gran trabajo y que tiene un enorme futuro como documentalista”, destacó, y confesó que prefirió no verla antes del estreno para sorprenderse junto al público en el Teatro del Fuerte.

Al cumplirse medio siglo de su rodaje, reflexionó sobre el impacto que la producción mantiene en nuevas generaciones y en el ámbito internacional. La obra, centrada en la denominada “huelga grande” de los canteristas y el movimiento anarquista en la zona, trascendió las fronteras locales. “En otras partes del mundo se conoce ese hecho histórico. Un japonés, por ejemplo, puede tener una referencia de Tandil a partir de ella, y eso lo impulsa a investigar”, comentó.

También remarcó que, pese a las limitaciones técnicas de la época, el objetivo siempre fue preservar la memoria colectiva. “No sé qué piensa hoy un chico de 18 años al ver una producción en blanco y negro de hace tanto tiempo, pero creo que mantiene vigencia”, señaló. En ese sentido, mencionó que el Instituto Lumière de Francia la ha calificado como “un clásico argentino”, reconocimiento que refuerza la necesidad de conservar el material original.

Durante la entrevista, evocó las dificultades técnicas y económicas que implicaba hacer cine en 1975. “Había que dejarse la piel. Tenía 23 años y me quería comer el mundo”, relató. El equipo estaba integrado por amigos, cinéfilos y colaboradores como Ignacio Rodenas, quienes suplían la falta de recursos con compromiso y pasión. Se filmó en formato de 16 milímetros, un estándar que hoy vuelve a valorarse por su calidad fotoquímica.

Entre las anécdotas más recordadas, destacó el apoyo de la Municipalidad de Tandil durante la gestión del entonces intendente Lester. “Desde Cultura gestionaron una subvención. Cuando fui al laboratorio en Buenos Aires con el cheque que me entregaron, la cifra coincidía exactamente con lo que debía. Lo endosé y quedé empatado”, recordó entre risas, y subrayó que en su vida “no existen las casualidades”.

Debido a la falta de tecnología para registrar sonido directo, los actores, entre ellos Chicopiedi, Marilena Rivero y Cataldo Aielo, debieron viajar meses después a Buenos Aires para realizar el doblaje. “Improvisamos en una escuela de cine y terminamos de madrugada. Como no tenía dinero para pagarles alojamiento, durmieron en colchones en el suelo de mi casa. Esa es la pasión de quien ama el cine, es una forma de vida”, afirmó.

El debate sobre los soportes también formó parte de la charla. Defendió la latitud del material fotoquímico, al considerar que el negativo analógico ofrece matices de color y calidad que el digital aún intenta igualar. “El interrogante es qué pasará dentro de 100 años. No sabemos si el formato digital perdurará o se diluirá. Por ahora, el soporte más seguro sigue siendo el analógico”, explicó. Además, anunció que donará los negativos originales a una asociación de documentalistas argentinos para su preservación.

Consultado sobre su vida en España, describió una Málaga transformada por el turismo masivo y la gentrificación. “La realidad ha desplazado a la planificación”, afirmó, y trazó un paralelismo con el crecimiento de Tandil. “La ciudad cambió mucho, pasó de 70 mil a 150 mil habitantes. Es necesario planificar todos los sectores, desde los servicios básicos hasta el ámbito cultural”, advirtió.

Finalmente, reiteró la invitación a la función en el Teatro del Fuerte y destacó que el cine se completa cuando llega al público. “La película empieza en la pupila del espectador, ahí es donde se resignifica”, concluyó, visiblemente emocionado por el reconocimiento de su ciudad y el impulso de nuevos realizadores locales como Daniel Giacomeli.

El próximo viernes 24 de abril a las 20 horas, el Teatro Municipal del Fuerte será escenario del estreno de “Un sueño cargado de futuro”, un documental dirigido por Daniel Giacomelli que revisita la historia y el impacto de Cerro de Leones (1975), considerada la primera película realizada por un equipo de cineastas de Tandil.

La obra recupera el proceso creativo del film original, dirigido por Alberto Gauna junto al Grupo Torio, que narró la histórica huelga de los picapedreros de 1908, uno de los primeros grandes conflictos obreros del interior del país. A medio siglo de aquella experiencia, el nuevo documental propone una mirada profunda sobre su legado cultural, político y cinematográfico.

Un reencuentro atravesado por la memoria

En el corazón de la película se encuentra un reencuentro cargado de emoción: el de Alberto Gauna e Ignacio Ródenas, director y director de fotografía de la obra original, quienes vuelven a ver juntos la película que realizaron en su juventud tras décadas de separación. Ese momento se convierte en el punto de partida para reflexionar sobre el paso del tiempo, el exilio y la potencia del cine como herramienta de memoria colectiva.

A partir de ese eje, “Un sueño cargado de futuro” construye un relato que combina testimonios, material de archivo y recorridos por escenarios emblemáticos de la ciudad, como las sierras y canteras donde se desarrollaron los hechos retratados.

Una obra clave del documental argentino

Cerro de Leones fue realizada en un contexto político y social convulsionado, lejos de los grandes centros de producción audiovisual, y con recursos limitados. Sin embargo, logró consolidarse como una pieza destacada dentro del cine documental argentino por su mirada comprometida con la historia obrera y su calidad narrativa.

Lejos de quedar en el olvido, la película fue recuperada en el Festival de Cine de Tandil de 2001, restaurada posteriormente por Gauna en España y analizada por investigadores del ámbito académico. Además, su influencia se proyecta hasta la actualidad, siendo referencia para nuevas producciones que abordan temáticas similares.

Un trabajo colectivo con fuerte anclaje local

El documental es resultado de un extenso proceso de investigación histórica y audiovisual, con la participación de diversas instituciones y espacios de la ciudad. Entre ellos, el núcleo de investigación TECC de la Facultad de Arte de la UNICEN, el CeGEHCS, la Biblioteca Rivadavia y la Asamblea Barrios de Piedra.

Asimismo, la producción contó con el acompañamiento de la Municipalidad de Tandil, a través de la Dirección de Cultura y el Fondo de Financiamiento a Proyectos Culturales 2024.

Una función abierta a la comunidad

La velada de estreno incluirá una presentación inicial, la proyección del documental —de 90 minutos de duración— y un espacio de intercambio entre el público y el equipo realizador. La entrada será libre y gratuita, y la duración total del evento se estima en aproximadamente dos horas y media.

Con este estreno, Tandil no solo celebra un aniversario significativo, sino que también reafirma el valor de su historia y de quienes, desde el arte, contribuyeron a preservarla.

La plataforma de streaming Netflix confirmó recientemente la realización de un documental centrado en la vida y el trágico fallecimiento de Silvina Luna. La producción, que busca abordar los hechos que conmovieron al país, generó una fuerte repercusión tras conocerse que figuras muy cercanas a la modelo, como Gustavo Conti y Ximena Capristo, no formarán parte del proyecto.

El ex participante de Gran Hermano y amigo íntimo de la actriz reveló los motivos detrás de su decisión de mantenerse al margen de esta pieza audiovisual. Según trascendió, Conti optó por no participar en lo que se describe como un crudo documental sobre la historia de Luna, priorizando el resguardo de su vínculo personal y el duelo que atraviesa desde la partida de su amiga.

La ausencia de la pareja conformada por Conti y Capristo llamó la atención de los seguidores, dado que ambos acompañaron a la modelo durante sus últimos meses de internación y fueron voces activas en el pedido de justicia. Sin embargo, la verdad sobre su falta de testimonios en la obra de Netflix radica en una postura personal frente al enfoque de la producción.

El caso, que cuenta con el seguimiento legal del abogado Fernando Burlando, continúa generando interés público mientras se aguardan detalles sobre la fecha definitiva de estreno. El proyecto audiovisual promete reconstruir los aspectos más significativos de la carrera de Silvina Luna y las circunstancias que rodearon su deceso.

El sábado 28 de marzo a las 21:30, la sala del Espacio Incaa Unicen fue escenario del esperado estreno de la película local “La Luna de Coco”, ópera prima de Javier Lester Abálsamo. La función contó con un gran marco de público, que disfrutó de la proyección y se mostró visiblemente satisfecho con la propuesta audiovisual creada en Tandil.

La película narra la historia de Coco, un herrero que desarrolla una particular conexión con la luna, explorando desde la ternura y el humor los límites entre la realidad cotidiana y los deseos más profundos. La producción combina sensibilidad, poesía y un enfoque cercano al absurdo, ofreciendo una mirada única sobre los vínculos humanos y los anhelos personales.

“La Luna de Coco representa un montón para mí, tanto a nivel personal como profesional, porque es la primera película en la que me toca participar. Es ópera prima para mí como actor. Estoy muy feliz y ansioso, esperando que le guste mucho a los espectadores de la ciudad”, señaló Tito Lanfranqui, protagonista principal de la película, quien interpreta a Coco. 

Mary Boggio, quien le dio voz a la Luna, señaló: “Mi participación es únicamente auditiva, pero representa una emoción muy grande. Estoy sumamente agradecida con Javier Lester, una persona amorosa y talentosa, quien llevó a cabo toda la producción con suma amabilidad. Me pone muy feliz haber formado parte de este proyecto”.

Luego de su preestreno en el festival Tandil Cine y de un intenso proceso de producción, el equipo de “La Luna de Coco” llegó finalmente a la pantalla grande consolidando el cine independiente local. Este proyecto colectivo reunió a artistas, técnicos y realizadores de la ciudad, muchos de ellos vinculados a la Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires (Unicen). Asimismo, para gran parte del equipo técnico representó su primera experiencia en ese rol dentro de una producción profesional.

El elenco está compuesto por Tito Lanfranqui, Víctor Laplace, Pepo Sanzano, Claudia Nobre y Mario Valiente, con la participación especial de Charo Bogarín, resaltando el talento local y regional que forma parte activa de la vida cultural cotidiana. La película ha obtenido premios a Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Fotografía en diferentes festivales, consolidando su proyección y destacando la calidad artística de sus realizadores.

El público presente se mostró entusiasmado con la proyección y destacó distintos aspectos de la película. Muchos valoraron la sensibilidad de la historia, el guion y la calidad de la producción local. “Es una película hermosa, que refleja mucha ternura. Es maravilloso poder ver Tandil a través del cine y con actores de la ciudad”, sostuvo uno de los espectadores en diálogo con El Eco de Tandil. “Siento que es una propuesta que se enfoca en lo simple, en lo romántico y en la belleza que tiene existir”, añadió otro de los asistentes. “Creo que uno de los mensajes que deja es comenzar a apreciar lo simple, conectar con los pares e incluir a quienes son diferentes para conocer otras realidades de la vida”, sumaron. De esta manera, se vio reflejada la conexión que la comunidad estableció con los personajes y la narrativa de la producción audiovisual.

La comunidad tandilense aún tendrá la oportunidad de disfrutar de la película, que continuará proyectándose este domingo 29 y lunes 30 de marzo a las 21:30 en Espacio Incaa Unicen (Yrigoyen 662) con entradas a la venta. Se trata de una invitación abierta a la comunidad para acercarse a una historia realizada con esfuerzo colectivo, paisajes locales y artistas de la ciudad.

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Durante la convención Series Mania celebrada en Lille, Francia, la jefa de programación original de HBO Max, Sarah Aubrey, compartió nuevos detalles sobre la esperada serie de Harry Potter. La ejecutiva describió el proyecto como algo "absolutamente extraordinario" y subrayó el compromiso de la plataforma con una de las franquicias más queridas de la literatura y el cine.

Aubrey destacó que la empresa realizó una inversión financiera sin precedentes para llevar adelante esta producción, que adaptará la totalidad de los libros de J.K. Rowling. Según relató, la experiencia de visitar el set de filmación fue tan impactante que algunos invitados llegaron a las lágrimas al ver la recreación del mundo mágico.

"Es muy especial trabajar en algo que significa tanto. Hay mucha presión, pero también es muy, muy especial", afirmó la funcionaria de la compañía internacional.

La serie se encuentra actualmente en proceso de rodaje en los Warner Bros. Studios Leavesden y tiene como objetivo de estreno el año 2027. El plan de producción establece que cada temporada estará dedicada íntegramente a uno de los libros de la saga, permitiendo una profundidad narrativa que las películas no pudieron alcanzar por cuestiones de tiempo.

El equipo creativo está liderado por la showrunner Francesca Gardiner y el director Mark Mylod. En cuanto al elenco protagónico, se confirmó que los jóvenes actores Dominic McLaughlin, Alastair Stout y Arabella Stanton interpretarán a Harry, Ron y Hermione, respectivamente. Durante el panel, se exhibió la primera imagen oficial que muestra a McLaughlin caracterizado como el joven mago en un campo de Quidditch.

Finalmente, Aubrey hizo hincapié en la importancia de la industria televisiva británica en este proyecto, resaltando que cuenta con un equipo de guionistas, directores y artesanos del Reino Unido. La ejecutiva aseguró que los fanáticos sentirán que esta versión es una adaptación fiel que respeta la esencia original de las novelas.

Desde hace varios años, Prime Video apuesta por la producción de películas originales con un ritmo de lanzamientos más pausado que otros competidores, lo que permite que sus estrenos logren un impacto significativo. Este es el caso de Zeta, el thriller de acción liderado por Mario Casas que ya se posicionó en lo más alto del ranking en 31 países.

La trama de la película sigue la historia de un agente del CNI que recibe la misión de investigar la denominada Operación Ciénaga. El conflicto se desata cuando cuatro de los cinco participantes de dicha operación aparecen asesinados simultáneamente en diferentes embajadas alrededor del mundo. El protagonista deberá localizar al único sobreviviente, una tarea compleja que se ve agravada por la intervención de la inteligencia colombiana, que también busca dar con su paradero.

Lo primero que destaca en esta propuesta es su carácter de superproducción. Ambientada en múltiples localizaciones, la cinta aprovecha paisajes espectaculares como los de la Ribeira Sacra para imprimir un ritmo trepidante. La dirección de Dani de la Torre resulta fundamental en este aspecto, reafirmando la experiencia que el cineasta ya había demostrado en títulos anteriores como El desconocido o la serie La Unidad.

La primera hora del filme se caracteriza por una dinámica imparable que logra generar un interés genuino en la misión del personaje de Casas. A esto se suma la aparición de Luis Zahera, quien aporta su carisma habitual para elevar la tensión de la historia. Según la crítica especializada, la película se inclina más hacia el suspenso y la intriga de espías que hacia el espectáculo de acción convencional, buscando un tono realista que le sienta bien al relato.

A pesar de su éxito comercial, la narrativa presenta algunas irregularidades en su tramo final. El guion, que por momentos recurre a ciertos clichés del género, intenta conectar todos los cabos sueltos de una manera que puede resultar forzada. No obstante, Zeta se consolida como un pasatiempo sólido que destaca por su personalidad visual y las actuaciones de sus protagonistas gallegos.

Al cumplirse medio siglo del golpe de Estado del 24 de marzo de 1976, distintas expresiones culturales vuelven a ocupar un lugar central en la construcción de la memoria colectiva. Entre ellas, el cine argentino se consolida como una herramienta clave para narrar, denunciar y reflexionar sobre uno de los períodos más oscuros de la historia nacional. En ese marco, una selección de diez películas permite recorrer distintas miradas sobre el terrorismo de Estado y sus consecuencias.

Desde los primeros años de la dictadura, incluso bajo censura, el cine comenzó a dar cuenta del clima de época. Tal es el caso de Tiempo de revancha (1981), de Adolfo Aristarain, que, a través de una historia de venganza en el mundo laboral, logró aludir de manera indirecta al autoritarismo imperante. Con el retorno de la democracia, las producciones comenzaron a abordar de forma más directa los crímenes del régimen.

Una de las obras más emblemáticas es La historia oficial (1985), de Luis Puenzo, que expone el drama de la apropiación de niños durante la dictadura. La película, ganadora del Oscar, se convirtió en un hito al visibilizar internacionalmente las violaciones a los derechos humanos en Argentina.

En la misma línea, otros films profundizan en distintos aspectos del aparato represivo. La noche de los lápices (1986), de Héctor Olivera, reconstruye el secuestro y desaparición de estudiantes secundarios en La Plata, mientras que Garage Olimpo (1999), de Marco Bechis, muestra con crudeza el funcionamiento interno de los centros clandestinos de detención.

El cine también ha explorado las historias de resistencia y supervivencia. Crónica de una fuga (2006), de Adrián Caetano, relata la fuga real de detenidos, evidenciando el horror cotidiano del cautiverio. Por su parte, Infancia clandestina (2012), de Benjamín Ávila, propone una mirada íntima sobre la vida en la clandestinidad desde la perspectiva de un niño.

Más recientemente, películas como Argentina, 1985 (2022), de Santiago Mitre, retoman el proceso de justicia a través del histórico juicio a las juntas militares, un hecho sin precedentes que marcó la transición democrática.

La lista se completa con documentales y ficciones que amplían el enfoque: Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), de Carlos Echeverría, investiga la desaparición de un estudiante en Bariloche; Un muro de silencio (1993), de Lita Stantic, reflexiona sobre las dificultades de representar el horror; y Los rubios (2003), de Albertina Carri, reconstruye la memoria desde una perspectiva autobiográfica.

En conjunto, estas producciones configuran un mosaico de relatos que abordan la represión, la apropiación de menores, la militancia política, la vida cotidiana bajo el terror y los procesos de memoria y justicia posteriores.

A 50 años del golpe, el cine no solo actúa como testimonio, sino también como una forma activa de mantener vigente el reclamo de memoria, verdad y justicia. En un contexto donde persisten debates sobre el pasado reciente, estas películas se consolidan como herramientas fundamentales para interpelar a nuevas generaciones y evitar que el olvido vuelva a imponerse.

El proyecto cinematográfico “Patrimonio”, la destacada película de la realizadora tandilense María Astrauskas, avanza en su proceso de producción y convoca a un casting abierto para conformar parte de su elenco. La obra, que será rodada íntegramente en la ciudad, busca actrices de entre 30 y 50 años con o sin experiencia previa en actuación.

Las audiciones se llevarán a cabo el jueves 19 y viernes 20 de marzo en el Teatro de la Confraternidad, ubicado en 4 de Abril 1371, en el horario de 14 a 19:30. La convocatoria está dirigida a artistas que deseen participar del proceso de selección para integrar el reparto de la película, que tendrá como escenario principal a la ciudad de Tandil.

“Patrimonio” es el primer largometraje de ficción como directora y guionista de Astrauskas, quien cuenta con una extensa trayectoria como montajista en cine y producciones audiovisuales. Asimismo, es producida por el cineasta Pablo Giorgelli, ganador de la Cámara  de Oro en Cannes por su película “Las Acacias”.

El proyecto ya obtuvo reconocimiento internacional al participar del Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián, instancia vinculada al prestigioso Festival Internacional de Cine de San Sebastián, uno de los encuentros cinematográficos más importantes del mundo. También fue galardonada con cuatro premios en la ceremonia de clausura de la segunda edición del Festival Internacional de Cine de la Provincia de Buenos Aires (Ficpba).

La historia sigue a Toni, una mujer de mediana edad que trabaja como conductora de camiones en una cantera de granito. Tras descubrir una deuda impaga de su padre fallecido, deberá volver a conectar con su pasado y reencontrarse con un mundo que creía haber dejado atrás.

El largometraje, que tendrá a Tandil como principal escenario de rodaje, continúa su etapa de desarrollo y preproducción, incorporando talento local para una historia profundamente vinculada con el territorio y sus paisajes.

Desde la producción destacaron que el casting abierto buscará acercar el proyecto a la comunidad local y sumar nuevos integrantes al proceso creativo, en una película que aspira a reflejar historias y experiencias ligadas a la identidad de la ciudad. 

El drama romántico Cumbres borrascosas (Wuthering Heights) se ubicó en lo más alto de la taquilla global al recaudar 89 millones de dólares: 38 millones en Norteamérica y 51 millones en el resto del mundo, según destacaron Variety, Deadline y Box Office Mojo.

Protagonizada por los australianos Margot Robbie y Jacob Elordi, la película es el tercer largometraje de Emerald Fennell, quien anteriormente se destacó con Joven prometedora y Saltburn. La nueva versión propone una reinterpretación visceral y moderna de la célebre novela de Emily Brontë.

Con un presupuesto de 80 millones de dólares, el film se convirtió en el noveno debut en el número uno para una cinta de Warner Bros, un logro poco frecuente en la industria que anteriormente solo había alcanzado Disney.

La adaptación dirigida por Fennell generó reacciones encontradas tanto en el público como en la crítica. Muchos resaltaron las actuaciones de Robbie y, especialmente, de Elordi, además de la propuesta visual y la banda sonora de Charli XCX.

Otros cuestionaron las libertades tomadas respecto a la obra original, señalando que la propuesta prioriza la forma por sobre el fondo.

En el sitio Rotten Tomatoes, la película obtuvo un 63% de aprobación por parte de la crítica, mientras que el público le otorgó un 84%.

En el segundo puesto se ubicó la película animada Goat, con 47,6 millones de dólares. En tanto, Crime 101, protagonizada por Chris Hemsworth, Mark Ruffalo y Barry Keoghan, tuvo un debut por debajo de lo esperado, con una recaudación de entre 27 y 28 millones de dólares a nivel mundial durante su primer fin de semana. Con un presupuesto estimado en 90 millones, el thriller enfrenta un comienzo difícil.

Por su parte, Send Help (Ayuda), dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Rachel McAdams y Dylan O’Brien, alcanzó su tercer fin de semana en cartelera y se mantuvo en el cuarto lugar en Estados Unidos, con una recaudación global acumulada de 73,8 millones de dólares.

Temp. 1 (Argentina), de Bruno Stagnaro - Netflix.

Relectura contemporánea del clásico de Oesterheld, con épica contenida y fuerte clima político-social. Con Ricardo Darín.

Temp. 3 (Argentina), de Daniel Barone y Fernanda Heredia - Netflix.

La comedia amarga se vuelve más oscura y precisa, explorando vínculos, deseo y frustración generacional. Con Griselda Siciliani.

(Argentina), de Miguel Cohan y Hernán Goldfid. Miniserie – Netflix

Thriller de encierro físico y moral, donde la tensión expone miedos y zonas grises. Con Soledad VIllamil y Juan Minujín.

Temp. 1 (Argentina), de Ariel Winograd - Amazon Prime Video

Retrato estilizado del poder y su construcción mediática, más atento al mito que a la reconstrucción histórica. Con Leonardo Sbaraglia.

(EE.UU.), de Rebecca Miller - Documental - Apple TV

Un recorrido íntimo por la obra y la obsesión creativa, con el cine como fe, memoria y pulsión vital. Con la participación de muchos grandes de Hollywood,

(EE.UU.), de Jeremiah Zagar y Sally Richardson-Withfield - Miniserie – HBO Max

Drama laboral minimalista que indaga en el desgaste, la culpa y el sentido del trabajo contemporáneo. Con Mark Ruffalo.

(EE.UU.) Documental - HBO Max

La máscara, el escándalo y la fragilidad del ícono Paul Reubens, en un retrato honesto sobre identidad y exposición, según su propia mirada.

(Gran Bretaña). de Philip Barantini - Miniserie – Netflix

Mirada cruda y sensible sobre el tránsito a la adultez, marcada por violencia, silencio y desamparo social. Con Stephen Graham como actor, guionista y director.

(EE.UU.), de Seth Rogen y Evan Goldberg - Serie – Apple TV

Sátira precisa del ecosistema creativo-industrial, donde el talento convive con cinismo y poder. Seth Roger también es el protagonista principal.

(EE.UU.), de Vince Gilligan - Serie - Apple TV

Distopía política sobre identidades fragmentadas, con ambición conceptual y resonancias actuales. Del creador de “Breaking Bad” y “Better Call Saul”, Con Rhea Seehorn.

Producto de la crisis que la producción audiovisual de ficción viene atravesando desde hace ya un tiempo, cada vez es más difícil -y a veces puede resultar arbitrario- reunir 10 películas, ya sean concebidas para plataformas o estrenadas en salas, que puedan señalarse como lo más destacado del año a nivel global.

En contrapartida, el terreno del documental aparece cada vez más fértil, con una abundancia creciente de registros y enfoques diversos.

En el plano de la producción nacional, "Homo Argentum" se presentó como una propuesta digna aunque despareja, acaso condicionada por el intento de sus autores de recrear ciertos fenómenos del cine italiano de los años sesenta. En su formato episódico no logró alcanzar la contundencia que más de una década atrás había alcanzado "Relatos salvajes". Sin embargo, la respuesta del público fue favorable y la convirtió en la película argentina más taquillera del año.

Paralelamente, otras propuestas de corte más dramático —incluido el documental— lograron una presencia significativa, aunque su recorrido por las salas haya sido más limitado.

En materia de cine internacional, dos producciones centradas en personajes atemorizantes emblemáticos del período mudo o de los inicios del sonoro -"Frankenstein", inspirado en Mary Shelley, y "Drácula", basado en la leyenda de Bram Stoker— fueron revisitados y aggiornados con notable precisión por sus realizadores. No fueron las únicas obras a destacar, aunque su paso por las salas resultó breve y rápidamente encontraron destino en plataformas, confirmando una dinámica ya habitual en producciones respaldadas por los grandes emporios audiovisuales contemporáneos.

1) "Bugonia"

(EE.UU.-Corea del Sur), de Yorgos Lanthimos.

El disparate como método y el exceso como lenguaje para leer un mundo que sólo puede comprenderse desde su propia deformación.

2) "Drácula"

(EE.UU.), de Luc Besson.

Una relectura estilizada y melancólica del mito, donde el deseo persiste más allá del terror y la eternidad se vuelve soledad.

3) "Frankenstein"

(EE.UU.), de Guillermo del Toro.

El horror se desplaza hacia la ternura y la monstruosidad se vuelve pregunta ética sobre la fragilidad de lo humano.

4) "El esquema fenicio"

(EE.UU.), de Wes Anderson.

Mirada sobria sobre el poder económico, donde lo invisible organiza el mundo sin épica ni necesidad de espectáculo.

5) "Flow"

(Letonia-Bélgica-Bélgica), de Gints Zilbalodis.

Experiencia de animación con un gato como protagonista, que reemplaza el relato clásico por el vertiginoso, metáfora de adaptación constante y deriva existencial.

6) "La semilla del fruto sagrado"

(Irán-Alemania-Francia), de Mohammad Rassoulof

Desde lo íntimo el drama de una mujer construye una potente alegoría política donde cada gesto cotidiano encierra una forma de resistencia.

7) "Nueve Auras"}

(Argentina), de Mariano Frigerio.

Valioso documental acerca del recordado universo creativo del cineasta Fabián Bielinsky, cuyos dos largometrajes dejaron una huella indeleble en el cine argentino.

8) "Putas"

(Argentina), de Demian Alexander.

Mirada ética y despojada sobre el trabajo sexual, que evita el morbo para devolver complejidad humana a un mundo estigmatizado.

9) "La mujer de la fila"

(Argentina), de Benjamín Ávila.

La espera de la madre de un joven condenado como eje: lo que parece mínimo toma densidad poética a través del tiempo, la observación y lo no dicho. Con Natalia Oreiro.

10) "Belén"

(Argentina), de Dolores Fonzi

Una joven humilde enfrenta un proceso judicial injusto por aborto, en un entorno donde la fe y el prejuicio pesan más que la verdad de lo que ocurrió. Ya pasó la primera selección internacional camino al Oscar.

Durante años, una de las anécdotas más repetidas de Hollywood sostuvo que Matt Damon había rechazado el papel protagónico de Avatar, una decisión que le habría costado cientos de millones de dólares. Sin embargo, James Cameron decidió poner fin a esa versión y aclaró que el actor nunca tuvo una oferta formal para interpretar a Jake Sully.

En declaraciones a The Hollywood Reporter, el director negó de manera tajante que Damon haya sido elegido o contratado para el proyecto. “Nunca tuvo el papel”, afirmó Cameron, quien explicó que, en el mejor de los casos, existió una conversación informal en la que el actor manifestó su imposibilidad de participar debido a su compromiso con la saga Bourne.

La historia tomó fuerza hace dos años, cuando se viralizó un video en el que Damon relataba que había rechazado el papel por una cuestión ética y aseguraba que Cameron le había ofrecido un 10% de la recaudación global del film. En tono de broma, el actor llegó a decir que nunca conocerían a alguien que hubiera rechazado tanto dinero, teniendo en cuenta que Avatar recaudó cerca de 2.9 mil millones de dólares.

Cameron, sin embargo, ofreció una versión diferente. Según el cineasta, nunca se discutieron ni el personaje ni condiciones económicas, y ni siquiera recuerda haberle enviado el guion. Para él, se trató simplemente de un conflicto de disponibilidad. En ese sentido, interpretó que Damon “extrapoló” lo que suele ser un acuerdo habitual en su carrera y lo aplicó de forma hipotética al proyecto.

Aun así, el director destacó la actitud del actor, quien decidió llamarlo personalmente para explicarle su situación en lugar de hacerlo a través de su agente. “Eso fue muy digno. Todo mi respeto para Matt”, señaló Cameron, quien aseguró que el actor no tiene nada de qué reprocharse y dejó abierta la posibilidad de trabajar juntos en el futuro.

En paralelo, Cameron repasó cómo se dio la verdadera elección del protagonista de Avatar. El papel terminó en manos de Sam Worthington, por entonces un actor poco conocido, una decisión que el director tuvo que defender con firmeza ante el estudio. Aunque se evaluaron otros nombres populares, la energía y crudeza de Worthington, sumadas a una prueba de pantalla destacada junto a Zoe Saldaña, inclinaron la balanza.

Worthington continuó interpretando a Jake Sully en las secuelas de la saga, y Cameron considera que su trabajo más reciente es el mejor hasta el momento. Para el director, la aclaración pública busca desmontar una de las leyendas urbanas más difundidas del cine estadounidense y recordar que, detrás de los rumores virales, muchas veces hay una combinación de hechos reales y percepciones amplificadas con el tiempo.

Scarlett Johansson volvió a manifestar su respaldo a Woody Allen en una entrevista reciente publicada por The Telegraph, retomando la postura que ya había hecho pública en 2019. Consultada sobre si su defensa del cineasta le generó consecuencias en su carrera, la actriz señaló: “Supongo que es difícil saberlo. Nunca se sabe cuál es exactamente el efecto dominó”.

Johansson, quien trabajó con Allen entre 2005 y 2008 en La provocación, Scoop, La primicia y Vicky Cristina Barcelona, explicó que su postura nace de valores personales adquiridos desde la infancia. “Mi mamá siempre me animó a ser yo misma, que es importante tener integridad y defender aquello en lo que crees”, expresó. Sin embargo, aseguró que con los años también aprendió a reconocer cuándo no le corresponde intervenir: “A veces simplemente no te corresponde. Y eso es algo que he entendido más al madurar”.

El apoyo de Johansson al director continúa a pesar de la polémica que rodea a Allen por las acusaciones de abuso sexual de su hija adoptiva, Dylan Farrow. Las denuncias, recogidas por The New York Times en 2014 y vinculadas a la separación del cineasta de Mia Farrow en 1992, nunca derivaron en cargos judiciales, aunque un fiscal de Connecticut señaló la existencia de “causa probable”. Allen ha negado de manera reiterada todas las acusaciones.

En plena ola del movimiento #MeToo, cuando múltiples figuras decidieron distanciarse del director, Johansson mantuvo reuniones directas con él para conversar sobre el tema. “He sido muy directa con él, y él es muy directo conmigo. Él mantiene su inocencia y yo le creo”, declaró en 2019 a The Hollywood Reporter, afirmando además que volvería a trabajar con él “en cualquier momento”. En la entrevista reciente, frente a la pregunta sobre si su postura le había generado costos profesionales, la actriz repitió: “Nunca sabes cuál es el efecto dominó exactamente”.

La controversia en torno a Allen se reactivó tras el documental Allen v. Farrow (2021), que presentó testimonios de Mia y Dylan Farrow y motivó nuevas críticas. El cineasta y su esposa, Soon-Yi Previn, rechazaron la versión de la serie. Más tarde, en una conversación con The Wall Street Journal en septiembre de 2025, Allen aseguró: “Pensaría que la gente tendría más sentido común al leer sobre la situación. Lo que siempre me sorprende es la disposición de la gente para aceptar esta historia”.

La entrevista con The Telegraph también profundizó en el salto de Johansson a la dirección con Eleanor the Great, protagonizada por June Squibb. La película cuenta la historia de una mujer mayor que finge ser sobreviviente del Holocausto y se integra accidentalmente a un grupo real de sobrevivientes.

Según Johansson, durante la preproducción uno de los financiadores presionó para eliminar cualquier referencia al Holocausto del guion. El patrocinador incluso amenazó con retirarse del proyecto si no se modificaba ese elemento central. “Si me hubieran dicho: ‘Solo lo respaldo si filman en Nueva Jersey’ o ‘Necesitamos terminarlo para primavera’, sería diferente. Pero objetaban lo que la película es”, explicó. Agregó que no le ofrecieron opciones para reescribir la historia: “Simplemente dijeron: ‘Esto es un problema’”.

La directora se negó a modificar el guion, lo que provocó la salida del patrocinador y una reducción en el financiamiento. Pese a ello, el proyecto avanzó cuando Sony Pictures Classics intervino para asegurar la distribución. Johansson calificó la presión como “realmente impactante” y manifestó su desilusión por la postura del patrocinador, aunque reconoció el rol decisivo del distribuidor para completar la filmación.

Finalmente, afirmó que la esencia del film radica en enfrentar “la peor mentira posible” y que no habría reemplazado la referencia al Holocausto por ningún otro recurso narrativo.

Alto Día, el programa que te acompaña todos los sábados de 11 a 13 por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, recibió la visita del realizador de cine y profesor de música Santiago Suasnabar, quien compartió su pasión y conocimiento, transformando la mañana en el preámbulo perfecto para un fin de semana a pura película.

Lejos de los títulos obvios y las superproducciones que acaparan todas las pantallas, Santiago propuso un viaje diferente. Como si fuera el dueño de un videoclub de confianza, de esos que te recomendaban justo lo que necesitabas, llevó una lista curada con cinco películas recientes que quizás pasaste por alto. 

Con una selección que abarca desde biografías musicales innovadoras hasta thrillers de suspenso que te dejarán sin aliento, su consigna fue clara: encontrar esas perlas escondidas en el inmenso mar del streaming.

A continuación, te invitamos a tomar nota y descubrir las cinco recomendaciones de Santiago Suasnabar, perfectas para esos domingos de fiaca o para cuando simplemente quieres ver algo bueno de verdad. 

Este fin de semana, Eva de Dominici sorprendió a sus seguidores con un video publicado en su cuenta de Instagram, donde confesó cuál fue el mayor desafío de su nuevo trabajo cinematográfico: contener la risa al grabar con Guillermo Francella.

La actriz forma parte de “Homo Argentum”, la nueva película dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, que se estrena este jueves 14 de agosto en todos los cines del país. En la historia, Dominici interpreta a Ana, mientras que Francella encarna a Felipe Keller, una figura pública atrapada en una situación incómoda y cada vez más tensa.

La viñeta en la que ambos participan se titula “Piso 54”, y transcurre enteramente en un ascensor. A lo largo de 54 pisos, el personaje de Eva intenta extorsionar al de Francella, y lo que comienza como una conversación aparentemente formal pronto se transforma en un duelo verbal cargado de tensión… y humor.

“Trabajar con Guillermo es difícil porque es muy gracioso”, confesó Eva entre risas en el video, que también fue compartido por la productora Pampa Films y la plataforma Star+.

Además, expresó su entusiasmo por participar en el proyecto: “Estaba feliz de trabajar con él porque es uno de los mejores actores de Argentina. Para mí es un honor. También me encanta lo que hacen Mariano y Gastón”.

Con un elenco destacado y un enfoque original, “Homo Argentum” promete convertirse en uno de los grandes estrenos argentinos del año.