El dúo folklórico Campedrinos atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Así lo contó Agustín, uno de los integrantes del conjunto, durante una entrevista en la que repasó un año marcado por la consagración en el Festival de Cosquín, su participación en el Festival de Viña del Mar y distintas colaboraciones con artistas de otros géneros.

“La cabeza un quilombo, pero mi corazón está feliz”, resumió Agustín al referirse al presente de la banda, que lleva más de 15 años de trayectoria.

Uno de los momentos más significativos del año fue la consagración en Cosquín, un escenario que tiene un valor especial para los integrantes de Campedrinos, ya que desde sus comienzos soñaban con llegar al tradicional festival cordobés.

Agustín recordó que, cuando eran más jóvenes, organizaban peñas, vendían bonos y buscaban distintas maneras de reunir dinero para poder viajar a Cosquín. “Nos íbamos a Cosquín y bueno, pasaron los años, gracias a Dios la carrera fue en crecimiento”, relató.

La consagración llegó después de años de esfuerzo. “Cuando escuchamos que somos consagración del festival, cuando subimos al escenario éramos dos criaturas llorando porque todos esos momentos, todos esos años de caminar Cosquín se habían reflejado en ese momento”, recordó.

Pocos días después llegó otro desafío: Viña del Mar, donde representaron a la Argentina en la competencia internacional con una canción propia. “Fuimos los primeros competidores, había que romper el hielo. Sabíamos la pica que tiene Argentina con Chile, pero empezamos a cantar y todos esos miedos que teníamos se evaporaron porque nunca apareció ningún silbido”, contó.

Por el contrario, la respuesta del público fue positiva y la experiencia terminó convirtiéndose en otro hito para la carrera del grupo.

Campedrinos también viene observando cómo sus canciones comenzaron a ganar presencia fuera del país. En ese sentido, Agustín explicó que las plataformas digitales les permiten conocer dónde son escuchados y qué canciones funcionan mejor en cada región.

“Te arrojan el resultado real: ‘Mirá, me están escuchando en Chile y te están escuchando esta canción. En Uruguay está pasando esto, en Bolivia está pasando esto’”, explicó.

Para el músico, ese fenómeno también permite adaptar algunos aspectos de los shows sin modificar la esencia del grupo. “Nuestra propuesta es la misma de siempre”, sostuvo.

A la hora de hablar sobre el crecimiento del folklore, Agustín destacó especialmente la presencia de jóvenes en festivales y teatros, algo que considera una señal del buen momento que atraviesa el género.

“Hoy se está sintiendo un poquito eso. Vamos a festivales, a los teatros mismos que hacíamos acá y vemos todo el piberío ahí apoyado en la valla, saltando las canciones como el público de rock”, señaló.

Otro de los factores que, según Agustín, contribuyó a ampliar el alcance del folklore fue la posibilidad de cruzarse con artistas de otros géneros.

Campedrinos compartió trabajos con artistas como Milo J, Nathy Peluso y Euge Quevedo, entre otros. “Por suerte se terminaron las etiquetas. El rock es rock, el pop es pop, el folklore folklore. Ahora nos mezclamos todos y creo que eso es hermoso”, afirmó.

En esa línea, destacó que las colaboraciones permiten que personas que habitualmente no escuchan folklore se acerquen al género. “Lo que nos permitieron todos estos crossover es justamente eso: encontrarnos con un público nuevo, no solamente nuevo para nosotros como artistas, sino nuevo para el folklore”, explicó.

Agustín también recordó su participación en Folklore, el proyecto impulsado por Mery Granados y Milo J que reunió a artistas de distintas escenas musicales. Allí Campedrinos interpretó “La taleñita” junto a Milo J.

Según relató, la grabación surgió de manera espontánea. “Estábamos en Salta comiendo una empanada y tomando un vinito, festejando lo que había pasado, y nos llega un mensajito de Milo diciendo: ‘Che, quiero grabar La taleñita con ustedes la semana que viene’”, recordó.

La canción, que se publicó el Día de la Bandera, tuvo una fuerte repercusión en redes y plataformas digitales. “Se generó una viralidad tremenda”, señaló, aunque aclaró: “La viralidad no te define la calidad de lo que vos hacés, pero sí ayuda a que mucha gente te conozca”.

Durante la entrevista, Agustín también habló sobre los elementos que no pueden faltar en una peña folklórica. Y eligió uno por encima del resto: el bailarín. “Lo que comparte tanto la peña, el festival o el teatro, lo que no puede faltar es el bailarín. Son los que engalanan cualquier canción que hagas”, afirmó.

Para el integrante de Campedrinos, ver a la gente bailar genera una conexión especial con la música y ayuda a que otros se animen a participar. “Siempre se tienen que animar dos nomás para que ya arranque”, graficó entre risas.

Uno de los lanzamientos más recientes de Campedrinos fue “El arte de querer”, junto a Euge Quevedo, una canción que también había sido interpretada años atrás por Nahuel Pennisi.

Agustín explicó que no hubo inconvenientes por tratarse de una versión previa. “Somos re amigos de Nahuel. La versión yo la había escuchado, pero hace muchos años”, contó. La intención fue llevar la canción al universo propio del dúo. “Tratamos de poner un poco nuestra forma de hacer la zamba”, explicó.

Sobre la participación de Euge Quevedo, destacó: “Es una cantante tremenda, que se nota cómo ama el folklore”. Según contó, la artista comenzó vinculada al género y además tiene experiencia en danza folklórica. “Fue una cruzada muy linda y la canción es una canción que prácticamente eligió ella. Si bien fuimos nosotros buscando canciones, esa es su canción favorita. A nosotros nos encantaba, la grabamos y quedó una locura”, sostuvo.

Aunque actualmente el dúo no tiene una fecha confirmada en Tandil, Agustín aseguró que la intención de regresar está presente. “Ya vamos a volver porque cuando largamos la gira nos cagaban a pedos en todos lados que no estaba Tandil”, bromeó.

Incluso dejó abierta la posibilidad de una visita al estudio para compartir algunos temas en vivo: “Armamos la guitarreada ahí nomás nomás”. Por último,  repasó algunas de las canciones que elegiría para distintas situaciones. Para una tarde de lluvia recomendó “Dueña de mi alma”; para alguien enamorado, “Eterno amor”; y para comenzar un asado, un clásico del Chaqueño Palavecino.

Y si tuviera que enviar una canción folklórica al Mundial de Canciones, eligió “Las simples cosas”, de César Isella y Armando Tejada Gómez.  Con una agenda que continúa creciendo y una propuesta que busca tender puentes entre el folklore y otros géneros, Campedrinos atraviesa una etapa de expansión que, según Agustín, los encuentra preparados para asumir nuevos desafíos sin perder la esencia que los acompañó desde sus comienzos.

La banda Pezcuis atraviesa un momento de expansión creativa y profesional. Con el reciente lanzamiento de su sencillo Vencida, el grupo reafirma su identidad sonora y se prepara para presentar su nuevo material discográfico a fines de septiembre. Este proceso no solo marca una evolución en su propuesta musical, sino que también consolida su vínculo con la escena independiente a través del sello Casa del Puente, con sede en Mar del Plata.

Para Victoria Salas y Daniel Roca, integrantes del proyecto, este nuevo corte de difusión representa un regreso a las raíces más enérgicas del grupo. Si bien sus trabajos anteriores exploraron matices vinculados al jazz y la balada, Vencida recupera una esencia rockera, combinando un ritmo acelerado con una carga emocional distintiva en la voz de Victoria Salas. La pieza fue grabada en Mar del Plata y mezclada en Tandil, reflejando el trabajo colaborativo que define su presente.

A pesar de la búsqueda constante por trascender las fronteras locales y alcanzar una audiencia nacional, el orgullo por su origen en Tandil permanece intacto. La ciudad no solo es mencionada en cada una de sus presentaciones, sino que funciona como una referencia constante tanto en sus composiciones como en la narrativa visual de sus videoclips. Para los músicos, salir de la ciudad es una herramienta necesaria para ganar perspectiva y "abrir la cabeza", permitiéndoles fomentar un circuito cultural regional que conecte a Tandil con localidades como Azul, Benito Juárez y Mar del Plata, descentralizando la mirada puesta únicamente en Buenos Aires.

La integración al sello Casa del Puente ha sido un pilar fundamental en esta etapa. Según explican Victoria Salas y Daniel Roca, esta estructura les permite formar parte de una comunidad de bandas amigas, como Maniobras y Cartas a Mí. Este respaldo no solo facilita la distribución y edición de sus discos, sino que también abre puertas a la prensa nacional, permitiendo que la música producida en Tandil gane mayor visibilidad en el mapa cultural del país.

En cuanto a la escena local, la banda observa un ecosistema fragmentado entre diversos géneros, desde el jazz y el soul hasta el punk y el metal. Su propuesta busca "administrar" esos mundos, invitando a bandas de distintos estilos para generar una mixtura de públicos. Para Pezcuis, el éxito ya no se mide por la masividad de los estadios, sino por la capacidad de construir comunidades orgánicas y sinceras que presten atención a la propuesta artística.

El lanzamiento de Vencida viene acompañado de una propuesta estética que profundiza en la mitología propia de la banda. El videoclip relata la existencia de un dios llamado Pezcuis, quien otorga inspiración a los artistas, y su conflicto con un científico conocido como Lucas. Este último busca secuestrar a los integrantes de la banda para apropiarse de dicha fuente creativa.

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Esta narrativa explica la puesta en escena que el público puede observar en sus presentaciones en vivo, donde los integrantes aparecen con vendas o líneas en los ojos. Estos elementos simbólicos representan el estado de control bajo el cual se encuentran frente al personaje de Lucas, integrando la ficción con la experiencia musical en un concepto integral.

Tras el estreno de este sencillo, la banda mantiene la mirada puesta en el lanzamiento oficial de su nuevo álbum, programado para fines de septiembre. Este disco promete mantener la estética renovada que el grupo ha trabajado recientemente, sin perder la esencia que los caracteriza desde sus inicios.

Una vez publicado el material, Pezcuis tiene proyectada una gira que los llevará a recorrer diversos puntos del país. Entre los destinos pensados en esta etapa de expansión se encuentran La Plata, Buenos Aires, Rosario y Córdoba. Con este despliegue, el grupo busca consolidar su propuesta a nivel nacional, reafirmando que la autogestión y el trabajo colectivo son motores posibles para el crecimiento de la música independiente argentina.

En una nueva edición del Zip Unplugged, Gastón, creador del proyecto Gamma Mood, ofreció una presentación acústica y habló sobre su proceso creativo, sus influencias y el presente de su carrera.

Durante la entrevista contó que la lluvia y la noche son grandes fuentes de inspiración para componer y explicó que suele registrar ideas en notas de voz o en el celular para luego desarrollarlas durante sus sesiones de trabajo.

Además de interpretar "Son", presentó un tema inédito que forma parte de un nuevo concepto basado en los cuatro elementos de la naturaleza, y cerró con otra canción inspirada en el agua.

El artista también adelantó que trabaja junto a Francisco Margueritte en un nuevo disco, que tendrá un perfil más bailable y una estética diferente a la de sus trabajos anteriores, dejando atrás el tono más introspectivo de sus primeras composiciones.

Durante la charla reflexionó sobre los desafíos de los músicos independientes, la importancia de los espacios para difundir canciones originales y la posibilidad de vivir de la música combinando distintas actividades artísticas.

Antes de despedirse, dejó una pregunta para el próximo invitado del ciclo, Lautaro Zugbi: "¿Qué banda te marcó en la adolescencia?", mientras reveló que, en su caso, fueron Los Beatles quienes despertaron su vocación musical.

El músico Fernando Hortal, popularmente conocido como el Bahiano, dialogó de forma exclusiva en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. El artista, con más de cuatro décadas de trayectoria, se refirió a su visión sobre la música actual, la preparación de un show en formato acústico y su constante evolución como compositor.

La llegada del exlíder de Los Pericos a Tandil se dio en un contexto de búsqueda de cercanía con el público. El cantante reconoció que, si bien visitó la ciudad con frecuencia durante su etapa en la banda de reggae, su paso como solista por las sierras fue menos asiduo de lo esperado. En ese sentido, explicó que el formato acústico surgió como una herramienta estratégica y artística para alcanzar plazas que no siempre figuran en el circuito inmediato de los grandes festivales.

Sobre la logística que implica salir de gira, el Bahiano fue categórico al describir las complejidades de la industria actual. El intérprete señaló que la disponibilidad de fechas y la presencia de promotores locales en cada ciudad son determinantes para concretar las presentaciones. En un momento de sinceridad absoluta, el músico afirmó: “Me encantaría estar todos los días tocando, pero uno depende de muchos otros factores”.

El actual espectáculo del Bahiano se apoyó en una propuesta despojada, acompañado por el guitarrista y cantante Luciano Ciganda. Según el protagonista, esta configuración permitió que las canciones se eleven y se perciban de una manera diferente a la estridencia de un concierto con banda completa. Para el artista, el acústico es el estado natural en el que nacen las composiciones, priorizando la estructura, el verso y el estribillo por sobre la instrumentación compleja.

Sin embargo, esta simplificación no estuvo exenta de desafíos técnicos. El músico explicó que debió realizar una selección rigurosa de su repertorio, ya que no todas las piezas de su catálogo se adaptaron a seis cuerdas. Ejemplificó que clásicos como “Párate y mira” quedaron fuera del setlist debido a su fuerte dependencia de la percusión y los vientos, elementos que no podrían ser reemplazados sin perder la esencia musical del tema.

Esta apuesta por lo íntimo buscó generar un vínculo más potente con el espectador. El Bahiano destacó que, en los estadios, la sonoridad de la banda suele opacar la voz del público, mientras que en un recinto pequeño se genera un “fogonazo” donde el canto de la gente se escucha con mayor presencia. Además, destacó que esta modalidad permitió que las letras cobren un protagonismo inusitado, resaltando matices que a veces se pierden en las grandes producciones.

A sus 63 años, el cantante admitió que el proceso de selección de canciones también pasó por un filtro personal y emocional. Aseguró que dejó de interpretar aquellas piezas que ya no lo representan, evitando caer en un “piloto automático” que el público podría detectar fácilmente. Para el Bahiano, el respeto por la obra implica sentirla vibrar en el presente, sin importar si fue escrita hace 20 o 30 años.

Respecto al panorama tecnológico, el exconductor del ciclo de la TV Pública, MP3, reconoció ser parte de la “vieja escuela” que valoraba la inversión de comprar un disco físico. No obstante, se adaptó a las nuevas reglas del juego digital, trabajando con una agencia de comunicación y una CM (Community Manager) que gestionan su presencia en redes sociales. Aunque admitió que inicialmente le costaba comunicar cada paso de su vida, hoy comprendió que es una parte necesaria del negocio musical.

A pesar de la frialdad de las métricas de Spotify y otras aplicaciones, el Bahiano celebró contar con un público orgánico. Según las estadísticas que maneja su equipo, su audiencia principal se concentró entre los 25 y 55 años, con un notable 35 por ciento de seguidores jóvenes que descubrieron su música en los últimos tiempos. Este fenómeno le permitió mantenerse activo y con proyectos de grabación inmediatos.

Finalmente, el artista adelantó que se encuentra en una etapa de composición activa, con la intención de lanzar nuevas canciones antes de que termine el año bajo el formato de “simples”. Con la mirada puesta en el futuro pero respaldado por un refugio musical construido durante 40 años, el Bahiano reafirmó su compromiso con el oficio de cantar, siempre dispuesto a descubrir nuevos sonidos en su propio “disco rígido” mental.

Bahiano será el protagonista de una jornada especial este jueves en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming (en YouTube), Eco TV y Tandil FM 104.1. A partir de las 15, el artista mantendrá una charla exclusiva con Manu González Acosta, Amalia Goñi y Martín Rosito, en la cual abordará su presente profesional y las expectativas de cara a su gira 2026.

El músico, considerado un referente indiscutido del reggae en Latinoamérica, se encuentra recorriendo los escenarios con un espectáculo renovado y potente. Durante la entrevista, se espera que el artista realice un recorrido por sus grandes clásicos, entre los que se destacan temas emblemáticos como Pupilas Lejanas, Tarde Gris, Sin Cadenas y Óyelo, los cuales han marcado a generaciones de seguidores.

Además de repasar su historia, el show que presenta en 2026 integra material reciente, manteniendo viva la esencia del género que lo consolidó como una voz fundamental de la música regional. La propuesta promete ser un viaje por sus raíces, su presente y una celebración permanente de la música como punto de encuentro entre el artista y su público.

Desde el inicio de su carrera solista en 2004, Bahiano ha logrado construir una trayectoria sólida y constante. Su discografía incluye trabajos destacados como BH+, Nómade, Original Roots y Mucha Experiencia. Asimismo, el álbum en vivo Pura Adrenalina ha servido como testimonio de la energía y la conexión única que el músico logra establecer en cada una de sus presentaciones en vivo.

A lo largo de los años, el artista ha llevado su música a diversos países, realizando giras internacionales y concretando colaboraciones con figuras destacadas del reggae a nivel mundial. Esta experiencia acumulada se refleja en un espectáculo que, según se anticipa, será vibrante, emotivo y festivo, reafirmando su vigencia en la escena musical actual.

La visita de Bahiano a la ciudad tiene un motivo especial, ya que el próximo 31 de julio se presentará en nuestrra ciudad. La fecha promete ser una verdadera celebración para los fanáticos locales, quienes podrán disfrutar de una noche cargada de emoción y energía. La entrevista de este jueves servirá como antesala para este esperado encuentro, permitiendo a la audiencia conocer de primera mano los detalles de esta nueva etapa en la carrera del músico.

Los interesados podrán seguir la entrevista a través de todas las plataformas de El Eco, donde se compartirá el contenido completo de la charla. La participación del artista en el ciclo reafirma el compromiso del medio con la difusión de figuras destacadas de la cultura y la música, brindando un espacio de diálogo cercano con los protagonistas de la escena nacional.

Mariana Nigro es una artista visual tandilense que se radicó en Londres hace 11 años. En vísperas del cruce entre Argentina e Inglaterra por las semifinales del Mundial, relató en Cultura Zip cómo se palpita el clima futbolístico en una ciudad que definió como uno de los epicentros artísticos más grandes del mundo. El programa se emite por Eco TV, Tandil FM 104.1 y El Eco Streaming.

Según explicó, este encuentro representa una situación especial en su estancia europea, ya que es la primera vez que ambos seleccionados se enfrentan durante su residencia en suelo británico.

La entrevistada destacó que el público inglés posee una cultura centrada en los bares de deportes. Ante la gran demanda para seguir los partidos que se disputan en horarios nocturnos, las autoridades locales emitieron permisos excepcionales para que los establecimientos operen hasta las cuatro o cinco de la mañana. Detalló que esto es un hecho sin precedentes, dado que las licencias para vender alcohol suelen ser estrictas y finalizan habitualmente a las 23.

A diferencia de lo que ocurre en Argentina, no se observaron celebraciones masivas en las calles ni reuniones familiares con comida de por medio. "Se vive mucho en salir al pub, mirarlo con amigos o compañeros de trabajo", comentó la artista. Resaltó además que la dinámica social británica prioriza la permanencia en estos espacios comerciales por sobre la reunión privada en los hogares.

En relación a la histórica rivalidad y la connotación de la Guerra de Malvinas, Nigro señaló que existen visiones fragmentadas dentro de la sociedad británica. La tandilense advirtió sobre el crecimiento de un movimiento hipernacionalista en los últimos años, caracterizado por la presencia de banderas en las casas. No obstante, también aclaró que una parte importante de la población mantiene una postura crítica hacia la figura de Margaret Thatcher.

"Hay gente que, cuando se entera que sos argentino, quiere picarte con el tema de las islas", reconoció Nigro, aunque matizó que en términos deportivos predomina el respeto por el nivel del equipo argentino. Para muchos británicos, enfrentar a nuestro país representa un desafío motivador por tratarse de los actuales campeones. Incluso mencionó el caso de su compañero de casa inglés, quien posee una camiseta albiceleste.

Sobre el comportamiento de los hinchas ingleses, la artista visual recordó la existencia de hooligans, lo que influyó en su decisión de no asistir a lugares públicos para presenciar el encuentro. No obstante, reconoció respecto al duelo: “La verdad es que desde ese punto que quizás lo están viviendo los ingleses hasta un poco más tranquilo que los argentinos”.

La tandilense describió que su ritual para el partido incluye la preparación de una picada y la sintonización de la cadena BBC. Sin embargo, lamentó la falta de emotividad de los relatores británicos, a quienes calificó de tener una carencia absoluta de pasión al narrar los goles. Esta frialdad en la comunicación es uno de los factores que más distancia genera en los residentes argentinos.

Respecto a la presencia de simpatizantes ingleses en las sedes donde se desarrolla el torneo, Nigro se mostró sorprendida por la baja afluencia de viajeros desde Londres hacia Estados Unidos. A pesar de que el traslado es económicamente accesible para el estándar británico, muchos de sus conocidos optaron por no viajar. Atribuyó esta situación, en parte, a un rechazo hacia las políticas internas del país anfitrión.

Finalmente, la artista visual reflexionó sobre el apoyo recibido por parte de otras comunidades inmigrantes en Londres. Relató que mantuvo diálogos interesantes con personas de Argelia y otros países latinoamericanos, quienes manifestaron su admiración por el desempeño de Lionel Messi. "En el día a día hay mucha gente que nos apoya", concluyó la joven.

Ro Sosa visitó los estudios de El Eco para participar de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante el ciclo Unplugged, la cantante compartió las vivencias que marcaron su presente artístico. Habló del impacto que significó volver a la ciudad tras su paso por La Voz Argentina y la grabación de su nuevo material.

Su participación en el certamen televisivo en 2021 representó un punto de inflexión en su carrera profesional. Sin embargo, la artista confesó que el regreso a Tandil no fue sencillo. "Nadie te dice cómo hay que hacer para volver", reflexionó, aludiendo a la rapidez con la que debió retomar su vida laboral. Tuvo que afrontar la producción local sin tiempo para procesar la exposición mediática.

Pese a la tentación de instalarse en la Capital Federal, la cantante eligió volver a su casa. Aseguró que mantiene siempre los pies sobre la tierra. Aunque las puertas en la gran ciudad siguen abiertas, su prioridad hoy está en los proyectos que genera desde Tandil. Su experiencia en Buenos Aires le permitió fortalecer vínculos con bandas como Las Pastillas del Abuelo. Con ellos llegó a compartir grandes escenarios, integrando listas de temas junto a figuras consagradas como Abel Pintos.

Para la entrevistada, la experiencia en los grandes medios fue un aprendizaje sobre la constancia. Sostuvo que el trabajo artístico requiere seguir golpeando puertas de manera permanente. A sus 25 años, miró hacia atrás y consideró que la madurez actual le otorgaría otras herramientas para enfrentar la popularidad. Se mostró agradecida por el camino recorrido y por la decisión de haber regresado para continuar su formación.

La familia ocupa un lugar central en la cosmovisión de la cantante y es el motor de sus interpretaciones. Su abuela Adelina es una figura fundamental en este esquema. Sosa explicó que a través de su voz busca dar espacio a todo aquello que su abuela no pudo expresar artísticamente en su juventud. La describió como una crítica rigurosa que prefiere que las canciones se sientan antes que los alardes técnicos.

El lazo con sus hermanos, y especialmente con Ayelén, también fue protagonista del encuentro. Tras años de cantar juntas y registrar grabaciones caseras desde la infancia, Sosa destacó el presente de su hermana. Consideró que es el momento de que brille con luz propia en la escena local. Para la entrevistada, la música es una herencia genética que recorre a toda su familia, donde el arte fluye de manera natural.

Esa conexión familiar se extiende a la forma en que elige su repertorio y gestiona sus emociones sobre el escenario. Recordó con afecto cómo su abuela viajó de sorpresa a Mar del Plata para verla en un homenaje a Leonardo Favio. Este gesto reforzó su convicción de que la música es, ante todo, un vínculo. Para Sosa, cantar es una forma de decir "te quiero" sin necesidad de palabras.

Actualmente, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer material discográfico. Espera concretar este hito antes de fin de año. Este trabajo contará con seis canciones, cinco de su propia autoría, y está bajo la dirección del músico y productor local Fran Margueritte. Sosa valoró la posibilidad de delegar la dirección técnica en alguien con quien comparte un lenguaje similar.

El proceso de grabación se desarrolla de forma independiente y sin las presiones de los grandes sellos. La cantante planea una modalidad de colaboración abierta para que la comunidad y otros músicos puedan acompañar el financiamiento. De este modo, busca eliminar la barrera de una entrada fija para permitir que el arte circule libremente. "Es un momento de no seguir postergando cosas", afirmó sobre su decisión.

En su búsqueda artística actual, Sosa no descartó seguir explorando géneros diversos, desde el tango hasta versiones acústicas de cumbia. Su enfoque está puesto en la comunicación y en la capacidad de reversionar obras ajenas bajo su propia impronta. Con el apoyo de referentes de la movida cultural de Tandil, la cantante se consolida como una de las voces más auténticas de la ciudad.

Tandil se prepara para recibir una propuesta musical de alta calidad el próximo 4 de julio. A partir de las 21, el escenario de Nueve90 Espacio Cultural, será el epicentro de una presentación íntima y dinámica a cargo de Abi González. El artista, oriundo de Azul y reconocido por su trayectoria en la escena nacional, llega a la ciudad para desplegar su espectáculo titulado Escaleno en formato solo set.

La jornada contará con un valor agregado para el público local, ya que la apertura del concierto estará a cargo del músico tandilense José Alcobruni. Esta combinación promete una noche de intercambio artístico que busca conectar con la audiencia a través de la canción de autor y la exploración sonora.

El concepto de Escaleno se articula a través de tres ejes fundamentales que definen el recorrido emocional y técnico del show. En primer lugar, la exploración del "adentro", centrada en la canción íntima; en segundo lugar, "la casa", que remite al folklore, lo espontáneo y la esencia de la guitarreada; y finalmente, "la expansión hacia el afuera", donde el artista incorpora programaciones electrónicas y el uso de loops para transformar el ambiente sonoro.

A lo largo del concierto, Abi González propone un recorrido escénico que alterna entre estos tres territorios. El repertorio seleccionado para la ocasión incluye piezas destacadas de sus seis discos de estudio, además de adelantos exclusivos de lo que será su próximo material discográfico, permitiendo a los asistentes conocer la evolución constante de su obra.

Abi González es un artista integral que se desempeña como cantante, guitarrista, compositor y productor. Su labor ha sido reconocida en múltiples ocasiones, destacándose especialmente por haber obtenido dos Premios Gardel. Su disco Violeta Azul, editado en 2018, fue galardonado como Mejor Álbum Artista de Folklore, compitiendo en una terna de gran prestigio. Posteriormente, su trabajo 11Puerta3, lanzado en 2024, recibió el premio como Mejor Álbum Folklore Alternativo.

Este último material discográfico representa un hito en su carrera, al ser su primer álbum dedicado íntegramente a la canción de autor. En dicha producción, el músico contó con la colaboración de destacados referentes de la música argentina como Lula Bertoldi, Benjamín Amadeo, Sofía Viola, Luciana Jury, Raly Barrionuevo y Luna Monti, consolidando su posición como una de las voces más versátiles de la escena actual.

Más allá de sus logros discográficos, el músico ha forjado una carrera sólida en los escenarios. Ha participado en dos ediciones consecutivas del Festival Nacional de Folklore de Cosquín y ha compartido presentaciones con figuras de la talla de Liliana Herrero, La Bomba de Tiempo, Orozco Barrientos, Silvina Moreno y Ainda. Su compromiso con la cultura fue reconocido en su ciudad natal, Azul, donde fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura.

Actualmente, además de su proyecto solista, Abi González continúa su labor creativa integrando el trío folklórico Nomás Así, junto a Violeta Videla y Federico Siksnys. Su llegada a Tandil representa una oportunidad única para disfrutar de un artista que logra fusionar la tradición folklórica con elementos contemporáneos, ofreciendo una experiencia sonora que trasciende géneros y formatos convencionales.

La atmósfera de los estudios de El Eco se transformó con los primeros acordes de una milonga uruguaya de los años 40, interpretada por un artista que, a pesar de su juventud, carga con casi dos décadas de escenarios sobre sus espaldas. Manu María fue el protagonista del primer encuentro de Zip Unplugged 2, una propuesta que regresó esta semana a la grilla para permitir que los artistas locales desplieguen su obra en un marco de intimidad y diálogo pausado. La participación del músico tuvo lugar en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, donde repasó sus raíces, sus viajes por Latinoamérica y la madurez que alcanzó con su última producción.

Durante la charla, el compositor rememoró sus inicios en la ciudad, vinculados estrechamente a un entorno familiar donde la música era el lenguaje cotidiano. Recordó que su padre, un incansable fabricante de instrumentos, y su hermana mayor fueron las influencias determinantes que lo llevaron a subirse por primera vez a un escenario a los once años en la emblemática peña La Cautiva. Desde aquel niño que grababa canciones a capela en el teléfono de sus padres para luego pedirles que lo escucharan, hasta el hombre que hoy reflexiona sobre el peso de la industria, el camino estuvo marcado por una búsqueda constante de la originalidad y la identidad propia.

El núcleo de la presentación giró en torno a su nuevo EP, titulado “Piedra Libre”, una obra que el artista definió como un lanzamiento bisagra en su carrera. Según explicó, el proceso de grabación y producción se extendió durante un año entero, un tiempo inusual para sus dinámicas anteriores, lo que le permitió ejercitar la paciencia y analizar el concepto de cada pieza antes de materializarla. Este trabajo representó un desafío particular al ser realizado con un equipo de trabajo más numeroso, alejándose de la inmediatez que suele proponer la virtualidad y las redes sociales en la actualidad.

Manu María destacó que las cuatrocanciones que componen el EP intentan amalgamar todo lo transcurrido en su historia personal. En temas como “Esquina Libertador” o “Tres Caminos”, esta última con una fuerte impronta folclórica, el músico buscó plasmar las diferentes aristas que conforman su estilo, el cual oscila entre la canción de autor, el tango y los ritmos de raíz. “Prioricé la expectativa y el proceso por sobre el resultado inmediato”, aseguró, señalando que esta dirección le permitió sentirse más cómodo con el camino elegido, priorizando siempre lo que le hace bien artísticamente por sobre las exigencias externas del mercado.

La obra, que fue presentada como un manifiesto transparente de su identidad, también refleja una distancia crítica con la industria musical moderna. Para Manu, hoy existe una brecha significativa entre lo que se consume de forma virtual y lo que sucede en el vivo, donde la música se experimenta de manera orgánica. En ese sentido, “Piedra Libre” fue pensado para acortar esa distancia, ofreciendo una sonoridad que respeta los tiempos del artista y la tradición de los géneros que lo formaron desde su paso por la Escuela Polivalente de Tandil.

Uno de los momentos más intensos de la entrevista fue cuando el músico relató su estadía en México, una experiencia que calificó como un antes y un después en su vida. A los 17 años, impulsado por una serie de hechos fortuitos y el apoyo de personas que creyeron en su talento sin conocerlo, decidió cruzar la frontera para radicarse un tiempo en el país azteca. Allí, se integró como voluntario en la selva Lacandona, conviviendo con la comunidad zapatista en el sureste mexicano, cerca de la frontera con Guatemala.

Esta convivencia le otorgó una nueva escala de valores y respeto por el conocimiento ajeno. Manu María recordó con asombro la experiencia de cantarle a la comunidad y escuchar sus historias, incluso llegando a conocer al subcomandante Marcos. Sin embargo, lo que más lo marcó fue una lección sobre la comunicación y la humildad: la importancia de preguntar hasta entender. “Hoy soy la persona que no sabe, y eso me deja tranquilo”, confesó, refiriéndose a la garantía de aprendizaje que surge cuando alguien reconoce su ignorancia frente al otro, un concepto que aprendió observando la paciencia de los campesinos chiapanecos.

A raíz de sus vivencias en el exterior, el artista aprovechó para reflexionar sobre las narrativas de éxito que imperan en la sociedad actual. Se mostró crítico con el discurso de la meritocracia pura, argumentando que su propia trayectoria estuvo rodeada de una "suerte aleatoria" y de personas generosas que le facilitaron el camino. “Hay muchos artistas que se rompen el lomo y no tienen la misma suerte de encontrarse con alguien que les regale un pasaje”, analizó, subrayando que es necesario reconocer esos factores externos que desbordan el esfuerzo individual.

Con 24 años de edad y una carrera que comenzó a gestarse hace seis, Fran Genson se consolidó como uno de los nombres inquietos de la música urbana en la ciudad. Durante su participación en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, el artista relató cómo fue el proceso de transición desde aquellas primeras rimas en el último año de la escuela secundaria hasta la inversión actual en equipos, tiempo y formación profesional que definen su presente. Según explicó, los últimos cuatro años fueron fundamentales para "profesionalizarse e invertirle" a un proyecto que nació de la pura curiosidad adolescente.

Sus primeros pasos estuvieron ligados a la conexión constante que mantuvo con la música desde niño, aunque el quiebre se produjo en sexto año del colegio secundario. Allí comenzó a "rapear con amigos", hasta que un día decidió escribir su propia letra. Al compartirla con sus pares y notar una respuesta positiva, se despertó en él lo que definió como "el bichito de hacer música". Junto a sus amigos Mati y Joaco Heredia, compraron su primera placa de sonido y un micrófono sin saber siquiera cómo descargar los programas básicos de grabación, iniciando una etapa de experimentación en una habitación que marcaría el inicio de todo.

La evolución de Genson no solo fue sonora, sino también metodológica. En sus comienzos, las influencias de Twenty One Pilots y el estallido del trap en Argentina marcaron el pulso de sus creaciones. Sin embargo, con el paso del tiempo, el artista entendió que la constancia era la clave para encontrar una voz propia. Actualmente, el músico mantiene un ritmo de producción asombroso, llegando a grabar más de 20 canciones en un solo mes en su estudio casero. Este volumen de trabajo le permite luego filtrar el contenido y seleccionar aquellas piezas que realmente resuenan con su estado de ánimo y su búsqueda estética.

En este camino de crecimiento, las colaboraciones resultaron esenciales. Genson destacó el trabajo conjunto con productores y amigos como Adriel, Tomfro, Juano Zest y Leonidas L, quienes formaron parte de su EP de cinco temas titulado "Surf y Coldplay". Para el artista, el intercambio con su círculo cercano es vital, ya que son ellos quienes reciben las maquetas iniciales y aportan la segunda opinión necesaria antes de cada lanzamiento. "Si lo hacés con amor y de verdad, te va a ir bien", aseguró al recordar cómo el apoyo de sus pares lo impulsó a seguir adelante en los momentos de mayor incertidumbre.

Uno de los hitos recientes en su producción fue el lanzamiento de "Vaivén", una canción que refleja una faceta mucho más tranquila y personal. Curiosamente, este tema surgió a partir de un *beat* encontrado en YouTube y fue producido casi íntegramente por él mismo. La anécdota detrás de la instrumentación es un reflejo de la época: su productor y amigo, Body, utilizó herramientas de inteligencia artificial para separar la voz de Fran de una maqueta previa y sobre eso construyó una base completamente nueva en menos de 24 horas. El resultado fue una pieza que, a pesar de haber tenido menos trabajo de preproducción que otros videoclips anteriores, logró una recepción inmediata y orgánica por parte del público.

El cambio de imagen de Fran Genson, especialmente la decisión de quitarse las trenzas que lo caracterizaron durante un largo periodo, no fue un hecho meramente superficial. El músico confesó que aquel *look*, inspirado inicialmente por el rapero británico Central Cee, terminó convirtiéndose en una carga. "Me di cuenta de que estaba sosteniendo una apariencia más para el otro que para mí", admitió con honestidad. El proceso de mantener las trenzas implicaba cuidados excesivos y una incomodidad constante que, finalmente, lo llevó a priorizar su bienestar y la frescura de su identidad actual.

Esta decisión estética coincidió con una maduración en su sonido. Genson explicó que muchas veces el personaje termina "comiendo" al artista, y que en su caso sintió la necesidad de despojarse de esos accesorios para conectar de manera más directa con su música. El rodaje de "Vaivén", realizado en locaciones locales como el Ferrocarril, el acceso a Cerro Leones y el Parque del Origen, mostró a un Fran mucho más auténtico y relajado. El video se grabó en una sola jornada de cinco horas junto a sus amigos, capturando la esencia de la nocturnidad tandilense y la calidez del grupo humano que lo rodea.

La influencia de álbumes como "Justice" de Justin Bieber también marcó este nuevo rumbo, inclinándolo hacia melodías más trabajadas y letras que reflejan una búsqueda de paz y claridad. A diferencia de sus producciones anteriores, donde el despliegue visual era el eje central, en esta etapa Genson busca que la música hable por sí sola. "A veces, cuando menos das, mejor va", reflexionó el artista al comparar el éxito de producciones sencillas frente a otras en las que se invirtieron semanas de planificación y grandes presupuestos sin obtener la misma respuesta del algoritmo.

Al ser consultado sobre el estado actual del trap y el rap en Tandil, Genson se mostró optimista pero observó un cambio en la dinámica de los artistas locales. Mencionó a colegas como Shee, Gero —quien recientemente lanzó un EP—, Runa, L y Leo como referentes de una escena que está "profesionalizando el contenido e indagando en una búsqueda infinita". Si bien reconoció que tras la partida de figuras como Juani se pudo haber percibido una calma superficial, aseguró que el movimiento interno es constante y cada vez más serio en términos de producción audiovisual y sonora.

El músico también se tomó un momento para analizar los desafíos que imponen las plataformas digitales y los algoritmos. Genson criticó la presión que sienten los artistas por "pegar un tema" de manera inmediata y la frustración que genera ver cómo proyectos de años a veces quedan relegados frente a tendencias pasajeras. "Hay mucha plata invertida en que ciertas canciones te aparezcan hasta el cansancio", señaló en referencia a las listas de reproducción recomendadas, aunque insistió en que el criterio definitivo siempre lo tiene el oyente y la honestidad con la que el músico encara su obra.

Finalmente, el artista compartió su visión sobre la cultura del consumo inmediato, desde el uso excesivo de celulares en los recitales hasta la despersonalización de los vínculos en la era digital. Aunque actualmente se encuentra repartiendo su tiempo entre la facultad y la música, Fran Genson dejó en claro que su estudio en casa sigue siendo su refugio creativo. Con la mirada puesta en el futuro pero los pies firmes en su ciudad, el músico continúa explorando los límites de su arte, siempre bajo la premisa de que la autenticidad es el único camino posible para trascender en una industria cada vez más saturada.

El equipo de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, confirmó el regreso de su formato más íntimo. Tras el éxito de la primera entrega, el ciclo #ZipUnplugged vuelve a la pantalla y a las ondas radiales para ofrecer una propuesta diseñada especialmente para los amantes de la escena musical, permitiendo un acercamiento profundo a las trayectorias y composiciones de diversos artistas bonaerenses.

La iniciativa busca transformar el estudio en un espacio de conexión directa, donde la crudeza poética y los arreglos minimalistas sean los protagonistas. A través de estos encuentros, los espectadores podrán disfrutar de versiones acústicas exclusivas, pensadas para ser apreciadas desde la comodidad del hogar, en un formato que prioriza la calidad sonora y la calidez del relato personal de cada invitado.

La programación de junio ha sido cuidadosamente seleccionada para ofrecer una variedad de estilos que van desde la canción de autor hasta la experimentación con sintetizadores. Según informaron desde la producción, el objetivo es consolidar este espacio como una plataforma de difusión para el talento regional, brindando un marco profesional para que los músicos puedan repasar sus historias y presentar sus obras en un contexto despojado de artificios.

La grilla de transmisiones comenzará este viernes 19 con la participación de Manu María, quien abrirá el ciclo con su propuesta artística. La agenda continuará el martes 23 con la visita de Ro Sosa, una de las voces destacadas que formará parte de esta serie de encuentros íntimos. Para cerrar el mes, el jueves 25 será el turno de Enzo Tassara, mientras que el viernes 26 el ciclo concluirá con la presentación de Jo Alcobruni.

Cada una de estas jornadas promete tardes cargadas de emoción, donde la música y la palabra se entrelazan para ofrecer una experiencia única. La propuesta de Cultura Zip reafirma su compromiso con la cultura local y regional, apostando por formatos que permiten una mayor cercanía entre el artista y su audiencia, un aspecto fundamental en la construcción de la identidad musical de la zona.

Los seguidores del programa podrán seguir cada una de las presentaciones a través de las plataformas habituales de El Eco Streaming en YouTube, Eco TV y Tandil FM 104.1. La invitación queda abierta para toda la comunidad, que podrá disfrutar de estas cuatro fechas especiales que prometen marcar el ritmo de la agenda cultural de finales de junio, desde las 14 horas.

Con esta segunda edición del Unplugged, el equipo de producción busca no solo entretener, sino también documentar el presente musical, creando un archivo de versiones acústicas que quedará disponible para el disfrute de los oyentes y televidentes. La expectativa es alta ante la diversidad de los artistas convocados, quienes ya se preparan para compartir sus canciones en este formato tan particular.

Para comprender la densidad y el peso específico de un lanzamiento musical, a veces es obligatorio mirar el mapa completo de su creador. En la escena de Tandil, pocos artistas encarnan la idea de la metamorfosis constante como Manu María. Aquel pibe que a los 11 años conmovía el circuito local cantando folclore tradicional en las peñas de la ciudad, acaba de publicar Piedra Libre, un bloque conceptual continuo que funciona como una suite urbana, visceral y electrónica, plantando bandera en la vanguardia de la canción de autor bonaerense.

El recorrido de Manu María no fue lineal. A los 16 años, su mudanza a Buenos Aires empezó a tensionar los moldes del folclore; las composiciones propias pedían otras libertades. Luego vino la aventura latinoamericana: un viaje a México a los 19 años que actuó como un choque estético definitivo, abriéndole las puertas al pulso continental. De ahí nació su celebrado dúo junto a la escritora y música Gia Poeteta —con quien recorrió escenarios de Guatemala, Perú y México— y, posteriormente, su quiebre solista con Porquerías, un álbum pandémico que marcó el desembarco de sus primeras programaciones y texturas sintéticas.

Tras haber ganado espacios institucionales clave para los artistas independientes de la ciudad, el cantautor regresa con una obra de 16 minutos en la que dinamita cualquier etiqueta de género.

El viaje arranca sin anestesia en Per Se, donde el cuerpo se sitúa en la trinchera. Sobre rítmicas urbanas ralentizadas y un fraseo que cabalga entre el rap y el mantra rioplatense, Manu María establece las reglas del juego. Hay una fuerte crítica a la superficialidad de la era digital y al "brillo de plástico", contrastada con imágenes sociales punzantes: la crisis del sistema, el pánico satánico y las cosechas sin amor. El estribillo funciona como una declaración de principios: “Caminaré y no besaré tus flores, engañan a mi tristeza... rasguñando lo transparente de tu deidad”. Un inicio espeso y profundamente honesto.

En Márgenes feat. Willy Bronca, la desconexión se presenta como refugio. Aquí el pulso rítmico se asienta y sostiene uno de los textos más lúcidos del EP. El artista dispara directo al corazón de la alienación moderna: “Dejá de ver el celular y empezá a mirarme, que si mañana me voy seguro vas a compartir mi foto en tus redes sociales”. La canción se estira, desnudando la soledad contemporánea mientras nos olvidamos de habitar el presente. Musicalmente es un punto altísimo.

El EP quiebra hacia un terreno de intimidad casi confesional en Tres Canciones. Con la voz de Erika Bluewaters que se entrelaza de manera orgánica en el relato, el track se construye sobre la idea de la canción escrita "a pulso y desafinada". Hay una calidez analógica que remite a los inviernos locales, a quedarse callado cuando el otro pide hablar y a encontrar el "abrigo suave que abre ventanas". Es el momento más vulnerable del álbum.

El cierre llega con Esquina Libertador, una pieza que es pura poesía. Con referencias que remiten a las "enredaderas de abril" y las "hojas cayendo en veredas", Manu María dibuja postales que cualquier tandilense puede palpar en el cuerpo. Entre "charcos de diamantes" y la melancolía de un "carnaval que nunca existió", el tema rinde un sutil homenaje implícito a la tradición de la canción popular argentina. El cierre melódico deja un sabor a refugio necesario, a volver a casa.

Piedra Libre no es música para consumir de fondo mientras se hace scroll; de hecho, el propio disco cuestiona esa actitud. Es una obra de texturas, nacida del choque constructivo entre el arraigo folclórico de los inicios de Manu María y su madurez urbana, tecnológica y experimental.

Este lanzamiento se perfila como una pieza clave para entender hacia dónde va la nueva música bonaerense, un lugar donde las máquinas tienen sangre y la poesía todavía quema. Manu demuestra que la evolución no implica abandonar las raíces, sino transformarlas en un lenguaje nuevo, capaz de interpelar a una generación que busca autenticidad entre el ruido digital.

Lobi se presentó en una nueva edición de los Zip Unplugged de Cultura Zip, un espacio que le permitió desandar el camino de su carrera musical. Durante el encuentro, el compositor compartió detalles de su formación, sus influencias y la búsqueda de un mensaje sensible que lo llevó desde las reuniones familiares hasta los escenarios más importantes de la ciudad. El artista reconoció que su relación con la música nació a temprana edad gracias a su padre, quien ejecutaba la guitarra, el piano y el violín, facilitando el ingreso a su hogar de referentes como Sui Generis, Serú Girán y Spinetta, además de bandas internacionales de la talla de The Beatles y The Police.

Sus primeros pasos con el instrumento fueron orgánicos, marcados por la presencia constante de la guitarra en su entorno. Sin embargo, su debut formal en la escena local se dio como bajista en Feldespato, un proyecto compartido con amigos donde comenzó a experimentar la dinámica de los ensayos y las grabaciones. No fue hasta hace poco tiempo que decidió darle vida a su proyecto solista bajo el nombre de Lobi, una plataforma que le permitió enmarcar canciones que guardaba desde el año 2011 y sacarlas finalmente afuera.

El mensaje del músico se caracteriza por una marcada introspección, una cualidad que, según explicó, lo acompañó desde siempre a través de la escritura. "Siempre me gustó escribir mucho, de chico ya escribía frases y después arranqué a agruparlas", relató el artista. Para él, la música se transformó en una herramienta para mostrar una visión del mundo y de los hechos, logrando que situaciones cotidianas se transformaran en emociones compartidas con el público. Esta transición no fue sencilla: recordó que en sus primeras presentaciones en cumpleaños solía sufrir bloqueos por la vergüenza, una etapa de exposición que hoy asume con mayor naturalidad y sin la presión de la perfección.

La trayectoria de Lobi incluyó hitos significativos para el circuito local, como su presentación antes de un show de Adrián Berra y su debut formal en el desaparecido espacio Beirut. También destacó el valor emocional de eventos como el Cencerro Llama, una iniciativa que transformó el lugar de sus festejos de infancia en un escenario para compartir su arte con amigos y familiares. En cuanto a su nombre artístico, el músico reveló que surgió durante la pandemia, inspirado en el cuento infantil "Feroz feroz", donde el personaje principal es un lobo que, lejos de la ferocidad esperada, se reconoce como un ser sensible.

Sobre su proceso creativo, el cantautor admitió que no utiliza un método rígido y que muchas ideas nacen mientras camina o silba por la calle. "Me gusta que todo tenga un sentido", afirmó al referirse a la línea temporal de sus últimas composiciones. A pesar de haber transitado escenarios de diversas magnitudes, manifestó su preferencia por los lugares íntimos y pequeños, donde suele recrear una atmósfera personal utilizando objetos propios, como libros o plantas, para sentirse como en su habitación incluso frente a una audiencia numerosa.

Más allá de su faceta artística, Lobi mantuvo durante nueve años una estrecha relación con el ámbito deportivo. Recientemente dejó su labor como profesor en un gimnasio, pero continúa vinculado a la actividad física como director técnico de handball. Según explicó, ambas disciplinas conviven de manera natural en su vida cotidiana, al punto de compartir recomendaciones musicales con sus alumnos o integrar conceptos de espiritualidad y budismo en sus letras, como ocurre en su canción titulada "Dios", la cual define como un concepto fuerte que atraviesa tanto el arte como el deporte.

Respecto a la actualidad de la escena en Tandil, el músico destacó la riqueza de la cultura musical local y la constante evolución de los espacios para tocar. Aseguró que, a pesar de los cambios de nombre en los locales o la aparición de nuevos festivales, el circuito se mantiene activo. "Yo aprendí a tocar el bajo para la primera fecha que hicimos, hoy veo a otros atravesando lo mismo y trato de estar disponible para recibirlos", concluyó el artista, subrayando la importancia de la sinceridad y la apertura tanto de quienes suben al escenario como de quienes escuchan desde abajo.

Este martes, el estudio de El Eco Multimedios se transformó en un escenario íntimo para recibir a Seba Tombo, en el marco del segundo día de Zip Unplugged. Se trata de un ciclo de acústicos nacido dentro de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, que tiene como objetivo principal otorgar visibilidad a los talentos de la escena local. Durante la emisión, los conductores del programa destacaron que esta iniciativa "llegó para quedarse", consolidándose como un espacio de referencia para la música en vivo durante la tarde tandilense.

En su paso por el programa, Tombo no solo interpretó diversas canciones de su autoría, sino que también compartió detalles sobre su proceso creativo y su presente artístico. El momento de mayor impacto para la audiencia ocurrió cuando el artista brindó una exclusiva para los micrófonos de El Eco: reveló el nombre de su próximo álbum de estudio. Según adelantó el propio músico, este nuevo material verá la luz luego de la finalización del mundial, generando una gran expectativa entre sus seguidores y los oyentes de la radio.

La semana especial de Zip Unplugged comenzó el pasado lunes con la visita de Lobi, el primer invitado encargado de inaugurar este ciclo. A través de sus canciones, el músico permitió que el público conociera su historia personal y su trayectoria, sentando las bases de lo que pretende ser un espacio de encuentro más humano y cercano entre el artista y su comunidad. La apuesta por un buen sonido y una estética cuidada han sido los pilares fundamentales para que estas sesiones acústicas logren una identidad propia dentro de la grilla de programación de la ciudad.

El éxito de estas dos primeras jornadas ratifica el compromiso de las instituciones de comunicación locales, como el diario El Eco de Tandil, en el fomento de la cultura. La integración de plataformas de streaming con la televisión tradicional y la frecuencia de radio permite que la difusión de los artistas tandilenses alcance una escala multiplataforma, adaptándose a los nuevos consumos de la audiencia joven y adulta por igual.

A pesar del gran inicio, la actividad en el estudio de Cultura Zip todavía no ha concluido. Para este jueves se espera el regreso de July James, una artista que ya formó parte de la segunda temporada del programa y que vuelve para mostrar la evolución de su propuesta musical. Su participación es una de las más esperadas por el equipo de producción, dado el vínculo que la cantante ha sabido construir con el programa en ediciones anteriores.

Finalmente, el cierre de esta semana dedicada a la música local estará a cargo de Lula Andersen. Su visita, programada para el viernes, marcará un hito para el ciclo, ya que será la primera vez que la artista se presente en las instalaciones de El Eco. Con este broche de oro, el programa conducido por Manu González Acosta y su equipo busca cerrar una grilla diversa que abarca distintos géneros y estilos, reafirmando que el pulso cultural de Tandil late con fuerza en el dial y en las pantallas.

De esta manera, Cultura Zip continúa fortaleciendo su vínculo con los artistas de la ciudad, ofreciendo no solo un espacio de difusión, sino un documento audiovisual y sonoro de alta calidad para la posteridad de la cultura regional. Los interesados en revivir las presentaciones de esta semana pueden hacerlo a través de los canales oficiales de YouTube de El Eco Streaming, donde quedan alojadas las entrevistas y los sets acústicos completos.

Rama Robles participó de una extensa entrevista en Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1. Durante la charla, el joven emprendedor analizó el fenómeno de Lunático, un proyecto que trascendió su formato original de ciclo musical para convertirse en una productora integral de eventos. Según explicó el protagonista, el crecimiento fue constante desde aquel inicio el 30 de junio del 2024, cumpliendo recientemente dos años de actividad ininterrumpida.

La propuesta comenzó con fechas fijas de los viernes en el Hípico, pero rápidamente se expandió hacia otros horizontes. "Empezó como la idea de un ciclo fijo y después, con el tiempo, se empezó a volver algo más seguido", relató Robles. El éxito de estas primeras convocatorias permitió la creación de festivales específicos, como el Festival Indie y el Festival Pibas, además de comenzar a producir eventos para otros artistas que buscaban el sello de calidad de la organización.

Robles remarcó que la profesionalización del espacio llevó a formalizar el hecho de ser una productora. En este sentido, destacó la reciente experiencia en Glow y Gluck, además de la incursión en nuevos escenarios como Harrys. "Tratamos de diferenciar cuando es un Lunático, que es un festival nuestro, o un evento que producimos para otra persona", aclaró durante la entrevista, subrayando la versatilidad alcanzada por el equipo de trabajo.

Uno de los pilares del éxito de esta iniciativa fue la curaduría artística, que busca amalgamar la frescura de las bandas jóvenes con la experiencia de los grupos consagrados. Robles señaló que esta mezcla "reaviva la llama de lo que es un recital". Mencionó casos como el de “Nos Miran Raro” o las bandas de la ciudad de La Plata que aportan una energía diferente a la escena tandilense. "El público de Lunático banca la propuesta y va a ver con qué se va a encontrar", afirmó con satisfacción.

El productor reconoció que el camino no estuvo exento de dificultades y aprendizajes sobre la marcha. Recordó momentos complejos, como las complicaciones climáticas en eventos al aire libre, pero destacó que esas experiencias sirvieron para fortalecer el proyecto. "Uno va corrigiendo sobre la marcha; hemos tenido miles de errores y correcciones", admitió, aunque prefirió enfocarse en los logros alcanzados, como el montaje de predios de gran envergadura en Mar del Plata.

Un aspecto fundamental que Robles resaltó fue el vínculo con las bandas locales. La productora se transformó en un espacio de visibilidad para artistas jóvenes como Pedro Moreno o las chicas de Odisea. Para muchos de ellos, participar de un evento bajo este sello representó su primera experiencia profesional en escenarios de mayor escala. "Me gusta mucho el hecho de que se haya generado un público que va a ver qué hay de nuevo", comentó el entrevistado sobre el recambio generacional.

En esa misma línea, el productor subrayó la importancia de las "sessions" grabadas, que permiten a las bandas contar con material audiovisual de alta calidad. Mencionó el caso de los chicos de NanoSe, quienes realizaron su primera grabación con la productora. Para Robles, este acompañamiento es una forma de retribuir a la escena musical el apoyo recibido durante este tiempo, generando un círculo virtuoso de producción y difusión cultural.

La relación con otros actores de la ciudad, como los programas de streaming Cultura Zip o Cokucha, también fue mencionada como parte esencial del entramado cultural que sostiene a Lunático. Robles definió esta colaboración como recíproca y necesaria para mantener la vigencia de las propuestas. Según su visión, la clave reside en no especular con el clima ni con los resultados, sino en apostar por la calidad técnica y musical en cada fecha programada.

De cara al futuro inmediato, el productor adelantó la fecha del 16 de mayo en Porch, que tendrá un foco especial en la cumbia colombiana. Ese día se presentará La Baruyera, que grabará su primer recital en vivo, junto a la banda Elsason. "Va a ser una noche espectacular, tempranero, de 21 a 00", precisó Robles, invitando a los seguidores del género a una propuesta que promete ritmo y color en un ambiente cuidado.

Finalmente, el músico se refirió al presente de su banda, Mamelooks. Reveló que están próximos a lanzar un nuevo EP titulado "Barco Fantasma", compuesto por cuatro canciones, tres de las cuales ya fueron grabadas. Además, anunció el estreno de una nueva sesión audiovisual que estará disponible en el canal de YouTube de Lunático. A pesar de su intensa labor como productor, Robles aseguró que mantiene su compromiso con la creación musical y el desarrollo de su propia carrera artística.

En el marco de las actividades por el Día Nacional contra el Acoso Escolar, que se conmemora cada dos de mayo, se llevará a cabo una propuesta integral denominada Hablemos a Tiempo. Este festival por la convivencia busca visibilizar y reflexionar sobre las violencias en los entornos educativos, un problema que afecta de manera directa a millones de niños y adolescentes en todo el país. La cita tendrá lugar este domingo en la Casa de las Juventudes, ubicada en 11 de septiembre 1538, con una agenda que combina el debate académico con expresiones artísticas y culturales.

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La iniciativa surge como una respuesta necesaria para que el respeto y la empatía se conviertan en los protagonistas de los vínculos juveniles. Según informaron los organizadores, la jornada comenzará a las 15 con una apertura dedicada al rap en vivo, un género que históricamente ha servido como canal de expresión para las problemáticas sociales y las vivencias de los jóvenes en sus barrios y escuelas. Posteriormente, a las 16:30, será el turno de la banda El Síndrome de la Desatención, que subirá al escenario para continuar con la propuesta musical de la tarde.

Uno de los momentos centrales del festival ocurrirá a las 17:30, cuando se realice la charla abierta titulada “El bullying no es cosa de chicos”. La misma estará a cargo de la especialista Paola Zabala, referente de la Comunidad Anti Bullying Argentina. Esta instancia de formación y diálogo está pensada para que tanto jóvenes como adultos puedan adquirir herramientas que permitan identificar y abordar situaciones de acoso de manera temprana y efectiva. La presencia de Paola Zabala en la ciudad no se limitará únicamente a este evento, ya que este lunes, desde las 14, participará de una entrevista en Cultura Zip, el programa de streaming de El Eco, para profundizar sobre estas temáticas.

El cierre de la jornada estará marcado por un regreso muy esperado a los escenarios locales. A las 18, la banda Toboganes a Marte será la encargada de poner el broche de oro al festival. La agrupación, reconocida por su trayectoria, se suma a esta causa para acompañar el mensaje de convivencia a través de su música. Además de los shows principales, el público podrá disfrutar de diversas opciones de gastronomía y otras actividades recreativas dispuestas en el predio de la Casa de las Juventudes.

La realización de este festival, un día después de la fecha oficial del Día Nacional contra el Acoso Escolar, refuerza la necesidad de mantener el tema en la agenda pública de manera constante. El acoso escolar no es un fenómeno aislado, sino una problemática estructural que requiere el compromiso de toda la comunidad. Espacios como Hablemos a Tiempo permiten que la información circule y que los jóvenes encuentren lugares seguros donde expresar sus inquietudes y fortalecer los lazos de compañerismo.

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Desde la organización destacaron que la entrada es libre y gratuita, invitando a todas las familias y grupos de amigos a acercarse para compartir una tarde de reflexión y esparcimiento. La propuesta busca transformar la Casa de las Juventudes en un punto de encuentro donde la música y la palabra sirvan como motores de cambio social frente a la violencia en las aulas.

Este martes 28, la comunidad universitaria de Tandil llevará a cabo una jornada de encuentro, debate y visibilización en pleno centro de la ciudad. Bajo la consigna “Milei, cumplí la ley”, diversos sectores se darán cita para expresar su firme rechazo al ajuste presupuestario que afecta a la educación superior y al sistema científico nacional. La actividad tendrá como punto de referencia la esquina de Pinto y Chacabuco, donde se ha emplazado un espacio de resistencia y diálogo con la sociedad tandilense.

La iniciativa se desarrolla en sintonía con la convocatoria nacional impulsada por CONADU y reúne a docentes, no docentes, estudiantes y graduados en un reclamo unificado. En este contexto, la instalación de la Carpa por la Universidad y la Soberanía frente a la sede de la Unicen se erige como un símbolo de la lucha gremial y académica, buscando poner en agenda la crítica situación financiera que atraviesan las casas de altos estudios en todo el país.

La elección de la carpa como modalidad de protesta no es azarosa y guarda una profunda carga histórica para el sector educativo argentino. "A casi 30 años de la Carpa Blanca docente, volvemos a levantar este símbolo en defensa de la universidad pública, gratuita y de calidad", informaron los organizadores a través de sus canales oficiales. Esta referencia histórica busca trazar un puente entre las luchas del pasado y la urgencia del presente, reafirmando el compromiso con la educación como un derecho inalienable.

La jornada, además de los espacios de debate y reflexión política, contará con un importante despliegue cultural para convocar a toda la ciudadanía. A partir de las 17 horas, la música se convertirá en el eje de la visibilización con la presentación de dos propuestas artísticas de la ciudad. La participación de los músicos locales refuerza el carácter comunitario del reclamo, entendiendo que la crisis universitaria afecta no solo a quienes habitan las aulas, sino al desarrollo integral de toda la comunidad de Tandil.

Una de las bandas protagonistas de la tarde será Derive, una formación que ha ganado espacio en la escena regional. El grupo está integrado por Santino Ferrari, Agustín Dicembrile, Abigail Rodríguez, Jeremias Santillan y Pedro Moreno. Los músicos pondrán su arte a disposición de la causa, ofreciendo un recital gratuito para todos los vecinos que se acerquen a la intersección de Pinto y Chacabuco para acompañar el reclamo universitario.

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Asimismo, el evento contará con la actuación de NanoSe, grupo integrado por Luka Gauna (guitarra), Emanuel Velasquez (guitarra), Juliana Spina (bajo), Luciano Reynoso (bateria), Julia Nouchi (piano y coros) y Vicente Debeza (voz), completarán una grilla artística pensada para dinamizar la jornada de protesta. La presencia de estas bandas locales en la Carpa por la Universidad y la Soberanía busca transformar el espacio de reclamo en un hecho cultural compartido, donde la música funcione como un nexo de unión y un motor para amplificar el mensaje de defensa de la educación pública y la ciencia nacional.

El reclamo por el presupuesto universitario ha ganado intensidad en las últimas semanas ante la falta de respuestas satisfactorias por parte del gobierno nacional. La consigna “Milei, cumplí la ley” hace referencia directa a la necesidad de respetar las normativas de financiamiento educativo vigentes, las cuales se ven seriamente amenazadas por las políticas de recorte. La comunidad de la Unicen se suma así a un movimiento federal que exige la actualización de las partidas presupuestarias para garantizar el funcionamiento básico de las instituciones.

Desde la organización de la jornada destacaron que la actividad en la carpa es una oportunidad para que los vecinos de Tandil conozcan de primera mano la situación que atraviesan los investigadores, docentes y alumnos. El ajuste en ciencia y técnica es otro de los puntos centrales del reclamo, entendiendo que el desfinanciamiento de estos sectores compromete la soberanía y el desarrollo a largo plazo de la nación.

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La jornada de este martes se presenta como un hito más en el plan de lucha que vienen sosteniendo los gremios universitarios. La confluencia de la discusión política con expresiones artísticas como las de Derive y Nanose busca generar un impacto visual y sonoro en el corazón de la ciudad, recordando que la universidad pública es un patrimonio colectivo que requiere del apoyo de todos los sectores sociales para su sostenimiento.

El surgimiento de nuevos proyectos artísticos en la ciudad continúa demostrando que la creatividad local no se detiene. Durante una reciente emisión de Cultura Zip, programa que se emite por El Eco Streaming, Eco TV y Tandil FM 104.1, Betania Aramburu y Abigail Rodríguez, piezas fundamentales de la banda Odisea, compartieron los pormenores de un camino que comenzó hace poco más de un año y que ya las posiciona como una de las propuestas más frescas de la escena tandilense.

El proyecto nació oficialmente en septiembre de 2024, impulsado por una inquietud personal de Aramburu. La vocalista, oriunda de la localidad de Laprida pero radicada en Tandil, recordó que su intención inicial fue conformar una banda de covers de El Kuelgue. Sin embargo, la química entre los músicos y la diversidad de influencias transformaron rápidamente ese objetivo primario. "Canto desde que tengo uso de razón, pero siempre lo hice de forma casera. Un día decidí que quería armar algo y empecé a buscar gente por redes sociales", relató la cantante durante el ciclo de streaming.

La conformación de Odisea se caracteriza por una amalgama de estilos que van desde el rock pesado hasta el indie contemporáneo. Abigail Rodríguez, quien se desempeña como bajista, fue una de las primeras en sumarse a la formación estable. Su incorporación aportó una cuota de potencia particular, dado que su trayectoria previa estaba ligada al metal y al rock pesado. "Vengo de un palo completamente distinto, pero me enamoré de los sonidos más tranquilos e indie que proponía Betania. Dije que sí a todo y ahora estoy totalmente comprometida con este sonido", confesó la instrumentista.

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Junto a ellas, la banda se completa con Brian Fuentes en guitarra y Pedro Moreno en teclados, mientras que Lautaro Villalba oficia como guitarrista. Esta estructura les permitió ensayar con regularidad, sorteando los obstáculos lógicos de las obligaciones diarias. Mientras Aramburu se desempeña como docente de educación inicial y niñera, Rodríguez trabaja en la atención al público, una dinámica que las obliga a una organización milimétrica para coordinar los encuentros semanales en la sala de ensayo.

La gestión interna del grupo recae en gran medida sobre la vocalista, quien implementó un sistema de planillas para optimizar el tiempo. "Les pedí a todos sus horarios disponibles y armé una estructura para saber cuándo podemos ensayar sin excepciones. El compromiso es fundamental, sobre todo cuando uno empieza a proyectar un crecimiento profesional", explicó Aramburu. Esa disciplina fue la que les permitió pasar de las versiones de otros artistas a la creación de sus propias composiciones, un paso que definieron como natural pero necesario.

Aunque el repertorio de Odisea incluyó inicialmente reversiones de Marilina Bertoldi, Los Espíritus y El Kuelgue, las músicos destacaron que su estilo se diferencia por la energía y la velocidad que imprimen a cada pieza. "Nos dijeron que tocamos todo mucho más rápido de lo normal. Es algo que nos sale orgánicamente", señalaron. Esa impronta se trasladó a sus dos primeros temas originales: "Nada más" y "Al revés", canciones que surgieron de improvisaciones durante los ensayos y que ya forman parte del núcleo de sus presentaciones en vivo.

La composición de "Nada más", su primera creación, nació de un proceso espontáneo. Betania detalló que suele trabajar sobre bases rítmicas que encuentra en internet para luego volcar letras basadas en vivencias personales. Al presentar estas ideas al resto del grupo, los instrumentos terminan de dar forma a la identidad de Odisea. Esta transición hacia el material propio es uno de los pilares de su proyecto para el presente año, que incluye la meta de ingresar próximamente a un estudio de grabación para registrar su obra.

El crecimiento de la banda también se apoya en el trabajo de productores locales que apuestan por la renovación de la cartelera cultural. En este sentido, las invitadas destacaron la labor de Rama Robles y el espacio Lunático, quienes brindan oportunidades a las formaciones que recién comienzan. Para las integrantes de Odisea, el acompañamiento de estos actores es vital en un contexto donde la autogestión requiere de un esfuerzo económico y logístico considerable para garantizar un sonido de calidad en cada show.

Uno de los puntos centrales de la charla en El Eco Streaming fue el análisis de la infraestructura cultural de Tandil. A pesar de la proliferación de bandas jóvenes con un alto nivel técnico, las artistas advirtieron sobre la falta de lugares adecuados para tocar. "Hay muchísima movida y pibes muy jóvenes que tocan increíble, pero faltan espacios que permitan hacer un show grande sin que los costos se vuelvan imposibles", sostuvieron. Esta problemática, histórica en la ciudad, obliga a los músicos a recurrir a la creatividad y a la unión entre pares.

Durante la entrevista, se planteó la existencia de una suerte de desconexión entre las bandas consagradas de la ciudad y las nuevas camadas. Betania y Abigail mencionaron que, en ocasiones, los músicos con más trayectoria no suelen frecuentar los circuitos donde se presentan los artistas emergentes. 

Sin embargo, celebraron la sinergia que existe entre los grupos de su misma generación, como Under Control y Ruido Blanco, con quienes comparten fechas y colaboraciones. Esta red de contención permite que los proyectos se sostengan y crezcan de manera conjunta, compartiendo desde instrumentos hasta consejos técnicos. "La nueva camada viene mucho más sinérgica, nos invitamos a tocar, nos ayudamos con los equipos y eso hace que la movida no se caiga", resaltaron las jóvenes.

De cara al futuro inmediato, Odisea tiene una agenda cargada de presentaciones. El próximo viernes 24 de mayo se presentarán en el Harris, ubicado en Maipú e Independencia, a partir de las 21. El evento contará con entrada libre y gratuita, y compartirán escenario con Under Control y Ruido Blanco. Asimismo, adelantaron que el 6 de junio realizarán su primer show propio con una lista de temas extendida e invitados especiales.

La industria del entretenimiento vuelve a poner sus ojos en uno de los casos más estremecedores de la crónica negra argentina. Este 23 de abril, la plataforma Netflix suma a su catálogo "Yiya Murano, muerte a la hora del té", una película documental que se propone desandar la compleja trama de traición y muerte que protagonizó la mujer conocida como "la envenenadora de Monserrat". En este contexto de visibilidad internacional, la noticia cobra una relevancia especial para nuestra ciudad, ya que el actor tandilense Benjamín Bruni forma parte del elenco principal de la obra.

El film recorre la oscura historia de los envenenamientos cometidos a finales de los años setenta, una época en la que la sociedad argentina se vio sacudida por una serie de muertes que, inicialmente, parecían no tener conexión alguna. La producción detalla cómo se utilizaron los encuentros sociales y la hora del té para ocultar estafas económicas, transformando un ritual cotidiano en una trampa mortal. Este caso se convirtió, con el paso de las décadas, en un hito policial ineludible de nuestra cultura popular, analizado tanto por la criminología como por la sociología.

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La participación de Benjamín Bruni en este proyecto representa un paso significativo en su carrera profesional. El actor local interpreta el papel de Horacio Romeo, el perito que intervino de manera crucial en la causa judicial. Su labor en la pantalla permite reconstruir la mirada técnica y científica que fue necesaria para desentramar los crímenes de Murano, aportando una cuota de realismo y rigor histórico a la narrativa documental que propone la plataforma.

Para la comunidad de Tandil, el apellido Bruni es sinónimo de cultura y comunicación. "Benshi", como es conocido afectuosamente en su círculo cercano, continúa con el legado de una familia profundamente ligada al quehacer artístico de la ciudad. Es nieto del actor y comunicador "Petete" Bruni, cuya huella en los escenarios y medios locales permanece vigente. Esta proyección internacional de Benjamín no solo es un logro personal, sino también un reconocimiento al semillero de talentos que históricamente ha caracterizado a nuestra región.

Antes de su desembarco masivo en el servicio de streaming, la producción tuvo un paso destacado por el circuito de festivales. El actor recientemente celebró el preestreno de la obra en el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), uno de los eventos cinematográficos más prestigiosos de América Latina. Allí, la crítica y el público pudieron tener un primer acercamiento a esta reconstrucción que combina material de archivo con recreaciones ficcionalizadas de alta calidad técnica.

La llegada de esta historia a Netflix garantiza una audiencia global para un relato que, aunque profundamente argentino, toca fibras universales como la ambición, el engaño y la búsqueda de justicia. Es un motivo de orgullo para Tandil ver cómo sus artistas logran insertarse en producciones de esta envergadura, recreando un caso que, cuatro décadas después, sigue generando fascinación y horror por igual en el imaginario colectivo.

El documental no solo se centra en los hechos delictivos, sino que también analiza el fenómeno mediático en el que se convirtió la figura de Yiya Murano. A través de la interpretación de figuras como Benjamín Bruni, la obra logra capturar la atmósfera de una época y la complejidad de una investigación que desafió a los peritos de aquel entonces. La figura de Horacio Romeo, encarnada por el tandilense, resulta fundamental para entender cómo se logró probar científicamente lo que en su momento parecía una sospecha imposible de confirmar.

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Con este estreno, la ciudad suma un nuevo nombre a la lista de embajadores culturales que llevan el talento local a las plataformas más importantes del mundo. La historia de la mujer que sacudió a la Argentina de finales de los 70 encuentra ahora una nueva forma de ser contada, con el sello de calidad de las grandes producciones internacionales y la presencia de un actor que lleva el ADN artístico de Tandil en su interpretación.

El próximo lunes 13 de abril no será una jornada habitual para la programación de El Eco Streaming. Con la expectativa propia de los grandes estrenos, la plataforma digital de El Eco se prepara para dar inicio a la tercera temporada de Cultura Zip, el ciclo que ha logrado capturar la atención de una audiencia joven y ávida de contenidos culturales alternativos. El programa, que se ha transformado en un pilar de la producción audiovisual local, volverá a ocupar su espacio en la grilla diaria para ofrecer una mirada profunda sobre el arte y la música.

Al frente de esta nueva etapa se encuentra Manu González Acosta, quien lidera un equipo de profesionales que combina experiencia y frescura. Lo acompañarán en esta travesía Nicolás Raciatti, Martín Rosito, Marisol Córdoba y Amalia Goñi. Juntos, buscarán profundizar la identidad de un programa que no solo informa, sino que construye un puente directo entre los creadores y el público. La química del grupo y la diversidad de enfoques prometen una dinámica renovada para las tardes tandilenses.

En la previa del debut, el conductor del ciclo no ocultó su entusiasmo por el reencuentro con los seguidores. "Estamos muy contentos y ansiosos con el comienzo. La espera se nos hizo larga, el año pasado terminamos antes y este año estamos comenzando un poco más tarde de lo habitual, pero tenemos muchas ganas de volver", expresó Manu González Acosta, reflejando el sentimiento de un equipo que ha trabajado intensamente en la preproducción durante los últimos meses.

El horario de emisión se mantendrá fiel a la costumbre que el público ya ha incorporado: las 14 horas. Se trata de una franja que el programa supo afianzar durante el ciclo anterior y que le permite dialogar con una audiencia que busca contenidos de calidad en el inicio de la tarde. Sin embargo, la continuidad horaria no significa que el formato se mantenga estático, ya que se han planificado cambios estructurales para dinamizar la propuesta diaria.

La tercera temporada de Cultura Zip no será una simple continuación de lo visto anteriormente. Según adelantó el propio conductor, el programa presentará modificaciones significativas que buscan sorprender a los espectadores desde el primer minuto. "Vamos a tener una modificación en los días de emisión, que el lunes se van a enterar. También tenemos nuevas incorporaciones que van a aportar mucho a lo que nos gusta hacer", reveló González Acosta, manteniendo el misterio sobre los detalles técnicos que se develarán en el estreno.

Estas incorporaciones no solo responden a una necesidad de renovación estética, sino también a la voluntad de ampliar el espectro de temas a tratar. La integración de nuevas voces permitirá abordar la realidad cultural desde diferentes ángulos, manteniendo siempre el estándar de calidad que caracteriza a las producciones de El Eco. La apuesta por el crecimiento del equipo humano es, en definitiva, una apuesta por la solidez del contenido periodístico y de entretenimiento.

La estructura del programa se ha diseñado para permitir una interacción más fluida con las redes sociales y las diversas plataformas digitales. En un contexto donde el consumo de medios se ha fragmentado, Cultura Zip busca ser un punto de encuentro unificado. La versatilidad de los integrantes del equipo será fundamental para transitar entre la entrevista íntima, el debate cultural y la presentación de nuevos talentos musicales.

El desafío de esta temporada radica en superar los niveles de audiencia alcanzados previamente, manteniendo la esencia que lo convirtió en un éxito. La combinación de música en vivo, entrevistas exclusivas y análisis de la agenda cultural local conforma un menú atractivo para una ciudad que respira arte en cada uno de sus rincones. El compromiso con la excelencia técnica y narrativa sigue siendo el norte de la producción.

El objetivo primordial de Cultura Zip se mantiene inalterable: brindar visibilidad a la cultura y la música independiente de todo el país. En un escenario mediático a menudo saturado por lo comercial, el programa se erige como un espacio necesario para las expresiones que surgen desde la autogestión. "Como siempre músicos, actores, actrices, van a pasar por el programa. Nos gusta escuchar música, conocer bandas y artistas nuevos", destacó el conductor sobre el ADN del ciclo.

La posibilidad de realizar esta tarea dentro de una estructura comunicacional robusta es un factor que González Acosta valora especialmente. "Que lo hagamos en el mayor multimedio de la ciudad y la región me pone muy contento", afirmó, subrayando la importancia de contar con el respaldo tecnológico y profesional de El Eco. Esta sinergia permite que los artistas locales tengan un alcance que trasciende las fronteras de Tandil, llegando a toda la zona de influencia a través del streaming.

El programa se ha consolidado como una plataforma de lanzamiento para muchos proyectos emergentes. La curaduría musical y la selección de invitados responden a un criterio de diversidad y calidad, buscando siempre ofrecer algo distinto al espectador. En esta tercera temporada, se espera que el desfile de talentos sea aún más intenso, convirtiendo al estudio en un escenario vivo donde la creatividad no tiene límites.

Con la cuenta regresiva ya en marcha, la expectativa crece entre los seguidores del programa y la comunidad artística local. El regreso de Cultura Zip representa no solo la vuelta de un programa de televisión por internet, sino la reafirmación de un compromiso con la identidad cultural de la región. El próximo lunes, a las 14, la pantalla de El Eco volverá a encenderse para dar paso a la música, el arte y la palabra de sus protagonistas.